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结合古典主义时期音乐的特征论述海莫贝的贡献海顿、莫扎特、贝多芬引领了古典音乐时代的来临。
首先，是哪三位音乐家引领了古典音乐时代的来临。
没错，就是大名鼎鼎的海顿、莫扎特、贝多芬。
古典时代是指一个1750年左右的时代，包括海顿，莫扎特和贝多芬等作曲家。
在这个时期也是活跃的是罗西尼和帕加尼尼。
沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特是古典音乐时期的中心人物，他在所有范畴的非凡度及产生的变化定义了我们对这个时间的感觉。
路德维希·范·贝多芬及弗朗茨·舒伯特是过渡性作曲家，他们扩展了时下的流派、形式、甚至是音乐的功能，将音乐引领到浪漫时期。
与流行音乐，爵士乐或民俗音乐不同的音乐:“古典音乐”，但音乐史上的古典时代则特指“海顿，莫扎特，贝多芬”等作曲家积极主持交响曲，发展钢琴奏鸣曲的时期。
钢琴奏鸣曲是钢琴音乐中的一种重要体裁，向来被认为是钢琴音乐中严肃正统、规模宏大、结构复杂、能深刻和全面反映作曲家思想的作品。
古典主义时期的音乐风格由复调音乐转到了主调音乐。
新钢琴的产生也促进了钢琴音乐中新风格的产生，在这一时期最为有代表性的作曲家就是海顿、莫扎特和贝多芬。
他们将钢琴奏鸣曲的结构完全定型，并使之发展成熟。
这种新的音乐风格恰逢启蒙时代，这个时代是以人权和宗教自由为重点的社会价值观的激进变化。
它的风格让人联想到古罗马和希腊–因此被称为“古典”。
虽然同为古典主义音乐时期的大师，海顿、莫扎特和贝多芬尽管各自有着独特的个性．但是他们在思想上和艺术上还是有着共同的基础的。
他们都经历了欧洲启蒙运动之后社会进步思潮的熏陶:作为新兴资产阶级意识形态的代表人物，他们都具有乐观主义的生活态度;在艺术上他们都遵循了现实主义的创作原则，作品具有生活的真实性和鲜明的时代感;他们的作品都以质朴、通俗的音乐语言来创作，所以他们的作品至今都是世界音乐文化中的瑰宝。
同时我们又可以通过他们三人之间不同的创作特征，更好地了解整个古典主义音乐的发展过程。
浅谈对古典主义时期钢琴音乐及作品的认识古典主义时期的钢琴音乐以奏鸣曲和协奏曲为主要形式。
奏鸣曲是古典主义时期钢琴音乐的代表形式之一，它通常分为三个乐章：快板-慢板-急板。
奏鸣曲中的每个乐章都有独立的主题和发展，既展示了钢琴的技巧性，又展现了作曲家的创作才华。
而协奏曲则是由钢琴与乐团共同演奏的作品，它更注重钢琴与乐团之间的对话和交流。
古典主义时期的钢琴音乐作品具有一定的特点。
首先是乐曲结构的规范性和完整性。
古典主义时期的作曲家们注重乐曲的结构与形式，尤其在奏鸣曲中体现得尤为明显。
其次是对音乐表达的清晰性和简洁性。
古典主义时期的作曲家们强调音乐的清晰和简洁，音乐表达简单明了，旋律和和声线条简洁明快，没有过多的装饰和复杂性。
再次是对音乐情感的控制和表达。
古典主义时期的音乐情感相对稳健，经过精心的处理和控制，使得音乐情感表达得更为准确和有力。
古典主义时期有很多著名的钢琴作曲家和作品。
其中最为著名的作曲家是莫扎特、贝多芬和海顿。
莫扎特是古典主义时期最重要的作曲家之一，他的钢琴作品给人以优雅和细腻的感觉，如《D大调第16号奏鸣曲》和《C大调第21号钢琴协奏曲（Elvira Madigan）》。
贝多芬是古典主义音乐的代表人物之一，他的钢琴作品富有个性和激情，如《降D大调第32号奏鸣曲（命运）》和《C小调第23号钢琴协奏曲》。
海顿则是奏鸣曲的先驱，他的钢琴作品简洁明快，如《降D大调第20号奏鸣曲》。
古典主义时期的钢琴音乐还特别注重钢琴技巧的展示。
作曲家们在作品中运用了各种技巧性的手法，如音阶、琶音、三连音等，以展示钢琴的音色和表情。
古典主义时期的钢琴音乐还注重对声乐和器乐的结合，在作品中运用了许多歌唱性的旋律和和声。
古典主义时期的钢琴音乐作品是音乐史上非常重要的一部分，它以奏鸣曲和协奏曲为主要形式，有着明确的乐曲结构和简洁的音乐表达。
这些作品在结构、情感表达和技巧性上都展示了古典主义时期钢琴音乐的特点，对后来的音乐发展产生了重要影响。
浅谈对古典主义时期钢琴音乐及作品的认识
古典主义时期是音乐史上的一个重要时期，也是钢琴音乐发展的一个关键时期。
在这个时期，许多重要的作曲家涌现出来，他们的作品中不乏高妙的钢琴作品，这些作品为当时的钢琴音乐发展做出了极为重要的贡献。
经历了巴洛克时期的复杂繁琐和感性的浪漫时期之后，古典主义时期的钢琴音乐更加注重逻辑、秩序和理性，兼顾旋律和和声的完美结合，使得作品更加工整，体现了作曲家内心深处的严谨思考。
在这个时期，最著名的音乐家之一就是莫扎特。
莫扎特有很多钢琴作品，他是古典主义时期的代表人物。
他的钢琴作品以优美流畅的旋律、和谐的和声、快乐的氛围著称。
莫扎特的钢琴作品琴声柔和，富有魅力，而且展现了他高超的技巧功底。
他的作品有很高的艺术价值，也成为了研究钢琴技巧的重要资料。
除了莫扎特之外，海顿和贝多芬也是古典主义时期的著名音乐家。
海顿的钢琴作品也很著名，他的作品具有旋律上的简洁、清晰和和声上的独特性，还有幽默感和想象力。
海顿的钢琴作品在旋律和和声上表现出了足够的结构品质，并加上他的幽默和戏剧感，使得这些作品备受欢迎。
贝多芬的钢琴作品则是以创新和超越为主要特点。
他的作品注重表达自己的情感，而且透过音乐表达自己的故事。
他的钢琴作品在演奏难度上比其他两个著名音乐家的钢琴作品更高，在表现力和技巧上更加具有挑战性。
总体来说，古典主义时期的钢琴作品在音乐上更加注重整个乐曲的结构和和谐，表现出一种简约、明晰、统一的音乐特色，并且也更加注重演奏技巧的培养和强化，这些都对现代钢琴演奏产生了深远的影响。
古典主义时期的钢琴作品也是现代钢琴音乐的重要组成部分，在钢琴演奏领域有着很高的地位和评价。
《古典风格：海顿、莫扎特与贝多芬》的认知与启示
张竞
【期刊名称】《当代音乐》
【年(卷),期】2018(000)008
【摘要】查尔斯·罗森(Charles Rosen)的《古典风格:海顿、莫扎特、贝多芬》(The Classical Style:Haydn,Mozart,Beethoven,以下简称《古典风格》)是西方论述古典音乐风格最杰出的论著之一.本文探究《古典风格》的学术立场和视野方法,进一步思考对中国西方音乐研究的启示意义.
【总页数】3页(P76-78)
【作者】张竞
【作者单位】苏州大学音乐学院,苏州215123
【正文语种】中文
【中图分类】J639
【相关文献】
1.简述三位古典大师海顿、莫扎特、贝多芬的不同创作风格 [J], 商光亚
2.论海顿、莫扎特、贝多芬钢琴音乐创作的相互影响 [J], 李莉
3.论海顿、莫扎特、贝多芬钢琴音乐创作的相互影响 [J], 李莉;
4.海顿、莫扎特与贝多芬C大调奏鸣曲的对比分析——以奏鸣曲No.60 XVI/50、KV.545与Op.2 No.3为例 [J], 高若涵
5.海顿、莫扎特、贝多芬钢琴奏鸣曲风格比较 [J], 杨云
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海顿作品音乐风格特点
海顿是古典主义音乐中最受欢迎的作曲家之一，他在音乐界的影响是极其深远的。
那么，海顿作品的音乐风格有哪些特点呢？
1、对旋律的重视
海顿作品中的旋律非常优美，这是他作品的一个显著特点。
他善于通过旋律的流畅变化来表达不同的感情，从而让听众能够深入的感受到他的音乐情感。
他更加注重旋律的连贯性和简洁性，通过这些实现音乐的统一性与整体感。
2、强调节奏的重要性
海顿作品的节奏感十分强烈，每个音符间都难以忽视。
他注重音乐的节奏感，通过强调节奏来增强音乐的力度和耐人寻味度。
这种特点在他的交响乐中最为明显，它们充满了玩乐性和活力。
3、重视音乐张力和变化
海顿作品中最为显著的特征之一就是他善于营造音乐张力，并通过音乐的变化来增加听众的兴趣。
他常常采用反复变奏的方式，让音乐的情感与张力逐渐升华，同时也增加了听众的聆听经验。
4、灵活的音乐结构
海顿作品中的音乐结构非常灵活。
他善于运用不同的音乐结构，如变奏曲式、三段式和主题发展等等。
他的作品通常以清晰的结构组织来呈现，这样听众就可以很容易地理解和欣赏音乐。
5、强调音乐表达的实用性
海顿作品的音乐风格强调强调音乐表达的实用性和可听性，他将音乐视为一种普遍的人类语言，通过让听众更容易理解的音乐语言来表达艺术思想，让受众寓教于乐。
总之，海顿作品的音乐风格以旋律优美、节奏强烈、音乐张力强烈、体裁多样、音乐表达的实用性等为特色。
这种风格的音乐深受听众青睐，也为古典音乐的发展作出了重要的贡献。
《古典风格：海顿、莫扎特与贝多芬》的认知与启示作者：张竞来源：《当代音乐》2018年第08期[摘要]查尔斯·罗森（Charles Rosen）的《古典风格：海顿、莫扎特、贝多芬》（The Classical Style： Haydn， Mozart， Beethoven，以下简称《古典风格》）是西方论述古典音乐风格最杰出的论著之一。
本文探究《古典风格》的学术立场和视野方法，进一步思考对中国西方音乐研究的启示意义。
[关键词]查尔斯·罗森；《古典风格》；音乐学；西方音乐[中图分类号]J639[文献标识码]A[文章编号]1007-2233（2018）08-0076-03一、《古典风格》的立场与动机查尔斯·罗森在《古典风格》第一版的前言中写道：“笔者并不想对古典时期的音乐进行全面综述，只是想对该时期的音乐语言进行一番描述。
……笔者力图重新恢复古典风格仍具自由生命力的某种感觉。
笔者的论述范围只涉及古典时期的三位大师，因为笔者秉承一种似乎过时的立场：必须以这三位大师的成就为标准，才能最好地界定这一时期的音乐。
”[1] 这段话清晰地表达了罗森写作《古典风格》的立场与动机。
罗森称自己的立场似乎是“过时”（Old-fashioned）的，表明他对当时学术传统与研究前沿有深刻的认识。
“必须以这三位大师的成就为标准，才能最好地界定这一时期的音乐。
”这一立场在当时引发不少争议，一派学者认为仅以个别作曲家的音乐创作去界定某一时期的音乐风格，这样片面的论述方式不能客观真实地反映历史的整体风貌。
罗森在成书20年后的补充前言中说道“指责我错误地遗漏了所有的小人物，这一指责从某种角度来看是公正的”。
[2]罗森在这篇补充前言中再一次阐述了他的立场观点：“学者希望判断一个时代的个人和事件是否被记忆之前，应该重建这个时代的原处混杂图景，最终从中挖掘不该被遗忘的作品、作曲家。
这类学者无法体现所有往昔行为的全部丰富性。
浅谈对古典主义时期钢琴音乐及作品的认识古典主义是音乐史上重要的一个时期，它的音乐风格受到了古希腊罗马古典艺术的启发，注重对称、平衡、简洁和规则性。
在古典主义时期，钢琴音乐得到了极大的发展，并诞生了许多优秀的作曲家和经典的钢琴作品。
在这篇文章中，我们将对古典主义时期的钢琴音乐及作品进行探讨和认识。
古典主义时期的钢琴音乐在音乐史上占据了非常重要的地位。
在这一时期，大量的钢琴音乐作品问世，其中不乏许多成为了经典之作。
古典主义时期的作曲家有莫扎特、海顿、贝多芬等，他们的作品对后世的音乐发展产生了深远影响。
我们来谈谈莫扎特。
莫扎特是古典主义时期最杰出的音乐家之一，其钢琴作品以其优美的旋律和精妙的构思而著称。
莫扎特的钢琴作品包括了大量的奏鸣曲、小品和变奏曲等。
其中最著名的作品要属《土耳其进行曲》和《小星星变奏曲》了。
这些作品不仅在当时备受瞩目，而且至今仍然受到人们的喜爱和推崇。
海顿也是古典主义时期的重要音乐家之一，他的钢琴作品虽然数量不如莫扎特丰富，但是其却是钢琴奏鸣曲创作的先驱者。
海顿的钢琴作品富有活力和清晰的结构，给人留下了深刻的印象。
他的奏鸣曲《军中》、《温暖》等作品都展示了他扎实的作曲功底和丰富的想象力。
古典主义时期的音乐巨匠贝多芬的钢琴作品更是让世人瞩目。
贝多芬的钢琴作品以其浓重的情感和丰富的内涵而著称。
他的钢琴奏鸣曲集合了叙事和表现两种特性，使得这些作品不仅展示了音乐的技巧，同时也让人们感受到了内心的共鸣。
贝多芬的《悲怆》、《月光》等钢琴作品至今仍然是钢琴家们经典的演奏曲目。
古典主义时期的钢琴音乐作品多样性和深度非常丰富。
在这一时期，钢琴作曲家们赋予了钢琴音乐更多的情感和内涵，使得钢琴音乐不再仅仅是一种纯粹的技巧展示，而是变得更具有生命力和表现力。
古典主义时期的钢琴音乐在演奏技巧上也有了许多的创新和发展。
在这一时期，钢琴音乐家开始注重对音乐的表现和情感的传达，演奏技巧也得到了极大地提高。
古典主义时期的钢琴音乐在各个方面都达到了了一个新的高度，这对后世的音乐创作和演奏产生了重要的影响。
莫扎特钢琴奏鸣曲的演奏风格分析莫扎特钢琴奏鸣曲的演奏风格分析莫扎特（奥地利作曲家1756—1791）的钢琴音乐风格以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征显示了其非凡的旋律天赋。
如钢琴乐曲中慢板主题气息宽广、悠扬婉转恰似歌剧中的咏叹调。
莫扎特的钢琴演奏风格则以典雅、精致、纤巧、细腻而著称。
在技法上莫扎特善于运用装饰音他既吸取了法国库泊兰古钢琴音乐中装饰音的高雅趣味又极大地改变了装饰音的形式使装饰音不再仅仅起装饰作用而且成为旋律的一个组成部分。
这种新的钢琴语汇的创造形成了莫扎特奏鸣曲所特有的优雅风格。
一、莫扎特钢琴奏鸣曲的特点莫扎特的钢琴奏鸣曲虽然没有贝多芬的钢琴奏鸣曲那种戏剧般的演进历程，却是利用当时新发展的奏鸣曲式作成的最精致、最优美音乐。
他的奏鸣曲比海顿的奏鸣曲更充实、更杰出。
莫扎特的音乐是很清纯的，就像山涧的泉水、阳光和空气一样自然优美，作品中充满了细腻的表情和多变的戏剧性。
莫扎特的音乐，与其说是“歌唱性”的，不如说是“歌剧性”的，聆听他的奏鸣曲，你可以从中感受到性格各异、无限丰富的主题完美地融为一体，这也正是歌剧音乐的魅力所在。
在他的奏鸣曲中，往往在呈示部就出现三、四个主题，在展开部时又常常引入新的主题,这在奏鸣曲中是罕见的。
如果说贝多芬通过双主题的对立斗争来表现人性中抗争和奋斗的一面的话，莫扎特则是通过多主题来刻画人性中乐观开朗的一面，表现出生活的丰富多彩。
所以要想真正懂得莫扎特的音乐，一定要听他的歌剧，尤其是《魔笛》、《费加罗的婚礼》、《唐璜》这3部。
莫扎特的奏鸣曲大致分为早、中、晚3个时期。
1777年以前的8首属早期作品，略显稚气；1778年至1785年的6首属中期作品，风格趋于成熟，表现手法更为丰富；1788年以后的晚期作品形式格外紧凑，并且应用了主调和复调结合的手法，具有高度的艺术性。
他的奏鸣曲基本上是三个乐章，规范、有个性也很讲究。
第一乐章一般用奏鸣曲式，较为欢快。
第二乐章通常是慢板乐章，运用ABA曲式，在这个乐章中往往表现出忧郁和悲伤。
浅谈对古典主义时期钢琴音乐及作品的认识古典主义时期是欧洲音乐历史上的一个时期，时间跨度大约从18世纪中叶到19世纪初，特别是1780年到1820年代，期间出现了许多传世经典作品，包括了许多钢琴作品。
这个时期的音乐特点是独立、严谨、整洁，以旋律清晰、音乐结构严谨、和声典雅、充满对称感的特点为主。
因此，在这个时期，钢琴这个演奏器材在音乐创作、演奏和教育中扮演着一个至关重要的角色。
在古典主义时期，许多重要的钢琴作品都出现了，较为著名的有海顿和莫扎特的钢琴协奏曲、贝多芬的钢琴奏鸣曲、门德尔松的钢琴曲等。
在这些作品中，我们可以感受到古典主义音乐的优美和典雅。
这种音乐风格所倡导的是旋律的优美和清晰、技巧的完美展示以及音乐变化的协调和谐。
同时，在古典主义时期，钢琴作品逐渐走向成熟，逐渐成为重要的独立音乐体裁。
在古典主义时期，钢琴音乐的特点主要体现在三个方面：旋律、和声和节奏。
首先是旋律，古典主义时期钢琴作品的旋律通常是简洁、清新、优美和歌唱性强的，钢琴演奏者需要通过技法和表现力来剖析出这些旋律的美妙之处。
其次是和声，古典主义钢琴作品的和声通常是温和的，不过分华丽，但是却具有极高的表现力。
在一些贝多芬的钢琴曲中，和声运用相当奇妙，配以简单却有着意味深长的旋律，让人们感到音乐的深刻内涵。
而通过钢琴诠释这些和声，可以体会到古典主义音乐极致的表现力和情感表达。
再次是节奏，这也是钢琴作品中的一个重要特征。
在古典主义时期，钢琴节奏多以四分之一和八分之一为主，而且脉络十分清晰。
这样的节奏使得钢琴作品具有极强的稳定性和规律性，同时也为演奏者提供了更多的展示空间。
总之，古典主义时期是欧洲音乐史上一个非常重要的时期，也是钢琴音乐的黄金时代。
在这个时期，许多钢琴作品出现，包括许多经典之作，是非常值得音乐爱好者深入了解和学习的。
通过欣赏这些作品，我们可以更好地理解古典主义音乐的内涵和魅力，也能够感受到钢琴这个乐器的独特韵味和表现力。
从海顿、莫扎特看钢琴演奏中的古典主义风格[标签:来源]内容摘要：对艺术作品风格的把握，离不开对其形式要素的考察。
海顿、莫扎特所在的维也纳古典乐派时期是一个思想变革和社会发展的重要历史阶段。
通过对两人所处的时代背景、作品的艺术风格和必需的技术规范的考察，以及对他们一些共同特点的分析和研究，可以形成对古典乐派艺术风格的基本认识，为音乐风格概念的形成和钢琴技术要领的掌握打下良好的基础。
关键词：古典主义风格海顿莫扎特当钢琴弹奏水平达到一定程度时,准确把握和理解作品的艺术风格的问题便凸显出来。
这是每一位琴者理解音乐必不可少的重要素质和基本能力。
周光仁先生曾说过：“为了更好地理解音乐作品,就必须对音乐风格有深入、正确的把握……音乐风格把握的错误,在某种程度上比弹错音还严重。
”任何一个演奏者如果不能对其弹奏的作品风格作出正确的把握,就谈不上对音乐作品有深刻的理解。
因此, 风格的把握在诠释钢琴作品中的重要地位是不言而喻的。
以海顿、莫扎特为代表的维也纳古典乐派占据了钢琴发展史中的重要地位,而钢琴作品也是两人创作的重要领域。
本文正是从两人钢琴作品中的共同特点来探讨这一时期，他们对钢琴作品风格的把握。
一、古典主义音乐的一般特点“古典的”即为“classic”，在古代文法学家笔下是指“最优秀的”“经典的”之意。
而在中国，我们译为“古代的”和“典范的”两层意思。
在这里我们所说的“古典主义时期”，只是狭义地指18世纪中下叶，在维也纳形成的以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的德、奥音乐。
这一时期，由于受法国大革命的巨大冲击和启蒙主义“返回自然”思想的影响，要求音乐质朴化和平民化，音乐特征慢慢地完善成熟，其音乐特点主要如下：1．主调音乐代替了复调音乐。
尽管古典音乐在巴洛克时期孕育并且带有巴洛克时代的印迹，但在这一时期“以旋律与和声背景”为主体的主调音乐仍然占据了主要地位。
2．和声进一步发展，由“主——下属——属——主”建立起来的功能和声及其调性关系体系成为音乐结构骨架。
和声语汇更加丰富，大胆采用了离调、转调手法，使旋律更富于表现力，更加立体。
3．受法国大革命和“启蒙思想”的影响，这一时期的音乐逐渐摆脱了宗教内容，取而代之的是以“人”为中心的人文主义内容。
“人”取代“神”成为音乐作品的主角。
4．音乐结构形式发生变化。
这一时期，奏鸣曲代替了古组曲、二部性古奏鸣曲、托卡他等曲式，形成了结构清晰严谨、织体细致、音乐语言平易近人等特点。
同时，这一时期，变奏曲也被广泛运用。
二、海顿、莫扎特的钢琴作品风格海顿和莫扎特的大部分键盘作品被认为是为钢琴而非羽管键琴而写的。
虽然当时的钢琴声音音质比现代钢琴更加轻薄，但它的延音踏板以及强弱方面细微的变化对古典风格的形成是必不可少的因素。
在约瑟夫·海顿（1732—1809）的整个音乐创作中，键盘作品并不是他创作的主体。
海顿把主要精力放在了交响乐及弦乐四重奏的创作上。
但不管怎么说，海顿却预示着莫扎特风格的成熟。
海顿的钢琴作品初听时并不像莫扎特作品那样迷人，反而有些冗长、粗暴，有时甚至有些野性。
莫扎特钢琴作品中的声音因素在海顿作品中几乎找不到。
海顿不十分关心钢琴上的歌唱性，而是更致力于纯正的表情。
他的钢琴作品中有一种朴实的热情，并有着无比的幽默感。
他并不热衷于炫技。
和莫扎特相比，莫扎特用很多的“Aallegro”，而海顿更愿意选择“allegro moderato”，甚至“moderato”。
莫扎特（1756—1791），一位坠入人间的音乐精灵。
他的精巧、典雅、纯净、澄澈，在欢乐中隐含淡淡哀愁的钢琴音乐，使他在钢琴艺术发展史上独树一帜。
他的形式感和对称感似乎与生俱来，而且那种适度的均衡与他来自直觉和灵感的技艺紧密结合在一起。
他的钢琴作品很少追求激情表现或炫技因素，而是忠实于更为亲切和家庭式的奏鸣曲。
除去个别较简易的乐曲外，莫扎特的作品几乎无难易可言，每一首都需要极透明的音质、典雅的情趣、准确的分寸、严密的控制、敏感的指触、均匀的走动等，因而都很难演奏得天衣无缝、完美无缺。
我们知道，一切艺术风格的把握，都离不开对其形式要素的考察。
因此，通过以上对海顿、莫扎特的了解，我们可以粗略地把握一些古典主义风格的要素。
三、演奏古典作品所需要注意的几个问题达到古典主义风格的要求、在技术环节上的完善，需要正确处理以下几个方面的关系。
1. 速度和力度在弹奏古典钢琴作品时，正确的速度和力度是极其重要的，随意地变化速度和力度，都不符合古典作品的音乐风格。
正确地把握和知道速度究竟多快是弹奏古典钢琴作品所必需的。
古典时期的演奏速度比巴洛克时期有了很大的提高，速度向两头扩张。
这一时期的快板乐章比巴洛克时期快得多，而且表现力深刻的慢板乐章往往更慢。
海顿和莫扎特从不为他们的作品标上速度记号，现在版本上所标记的速度记号都是后来人加上去的。
但我们在演奏他们的作品时也应该有个速度的定量，根据当时的时代背景和我们对这一时期音乐的了解，我们一般把它定量为：快板（allegro）不超过II =132，而柔板（adagio）可慢至=48—50左右。
总之，要充分保持稳定、统一的速度，绝对不能时快时慢。
而在力度的表现上，由于“槌子琴”的出现，音量较过去增大了，可以用不同的触键来表现渐强渐弱等变化了，因而音乐表现力较巴洛克时期更为丰富。
虽然这一时期钢琴制造上有所发展，但还远不如现今钢琴音色丰富、洪亮，声音也不能像现在的钢琴延续得那么长，因此，其力度比现代钢琴整整低了一个等级。
由此看出，在演奏古典时期作品时，现代钢琴演奏最大音量也仅仅相当于“mf”，最轻音量则相当于“ppp”。
到贝多芬时期，钢琴制造和钢琴演奏又有了一定发展，力度幅度增大。
因此在演奏这一时期作品时，我们可以有所变化，但应考虑当时的特点，把握好限度与分寸，弹出尽量符合当时时代背景的音乐。
2．触键与音色古典时期的钢琴发音明亮、颗粒清脆，是我们的现代钢琴很难做到的。
莫扎特钢琴作品声音灵巧而华丽，而海顿有时比莫扎特更富朝气，更具幽默感。
因而可以看出，弹奏古典作品要达到我们想要的音色，就要通过均匀清晰的颗粒、活跃的节奏、流畅的气息的途径来实现古典主义特有的高贵气质。
而良好的音色的实现是通过触键来完成的，因此，通过海顿、莫扎特我们可以看出弹奏古典作品应遵循以下原则：①弹奏古典作品时，触键应以指尖，尤其是第一关节为主要部位，下键时，指尖要轻，触键要快，指尖在发音后一定要轻轻支撑住，而力量则应立即松开。
不能用臂力压迫键盘，必须控制好声音的“点”。
②弹奏出的音色应明亮而圆润，演奏者要控制好自己的肌肉，通过手臂“松”而不“懈”的力量，弹奏出富于明快、透明、纯净的音色。
③音阶的走句应干净，流畅。
用手指奏出富有弹性的音。
指尖动作越小越好，其触键速度在单位距离内应该较快，弹奏出颗粒清楚、以“nonlegato”为主的音。
④在手腕配合下，弹奏出有“呼吸”的乐句。
钢琴演奏就像声乐演唱一样，都是有“呼吸”的。
演奏者通过力量的“上抬”和“下沉”，来实现乐句起伏中形成的“气息”，并根据演奏者本人对乐句的理解来决定使用连奏还是断奏，通过演奏者的手腕、手臂来调节乐句，使声音和谐、统一，弹奏出美妙细腻的乐句。
3．装饰音的弹奏装饰音一直是个比较复杂的问题。
周广仁先生曾指出过：在装饰音记号统一以前，我们很难认定统一的标准。
而且，在实际弹奏中，对同一个装饰音，每一位演奏者又有不同的弹法。
再者，随着钢琴演奏的发展，后人编撰前人乐谱的版本日益增多，给我们研究这个问题带来了更多的纷扰。
古典主义时期的装饰音基本继承了巴赫的传统，以下只是对装饰音的一些一般规律进行的探讨。
①颤音（tr）或回音（∽）。
颤音的数量较为自由，不像巴洛克时代的那样严谨，速度和数量由演奏者根据对乐曲的理解而决定。
这里需要指出的是在海顿、莫扎特时期，所有奏法都从标明的主要音符上方二度开始，而到贝多芬时期，则演变成从原音开始。
②长倚音一般具有留音效果，甚至弹奏效果是将音符时值对分。
如则应弹奏为。
这在莫扎特K283第一乐章，K311第一乐章，海顿的HOBXVI37第三乐章中都能遇到。
③回音应包括在主要音符时值内。
装饰音的第一个音应弹在拍子上。
如贝多芬的OP.49第一乐章中回音的弹奏。
但有时，回音也从拍子后开始弹奏，这就要看演奏者具体的喜好而定。
另外，贝多芬的装饰音略微复杂，如半颤音、分解和弦或琶音、短倚音、长倚音等。
我们不可能用某种规范加以限定，只有演奏者根据音乐的时代背景和自身的喜好同时参考大师们的演奏来弹奏。
4．踏板的运用18世纪后30年，有不少钢琴被装备了一个膝部杠杆，近似于现代钢琴的制音器踏板。
踏板就是这一时期发展起来的。
在海顿、莫扎特时期，键盘作品基本上都是为古钢琴而作，由于古钢琴与现代钢琴结构完全不一样，因此，据考察，他们的作品中没有踏板使用的标记。
但这并不等于演奏他们的作品时不需要使用踏板，所以很多演奏者在弹奏他们的作品时感到迷茫，他们不知道，在任何风格中，右踏板最重要的作用之一是给予更多的共鸣和音色。
这一点对古典乐派作品同样适用。
因此，演奏者应始终记住：在使用踏板时首先讲究织体的清晰度，句法和奏法绝对不能含糊不清。
即使要使用踏板，也要尽量保持音的清晰，使听者觉察不出来。
其次，在有长时值音符的慢速、歌唱性段落中，右踏板不能踩得过深，在这里使用踏板的功能主要应帮助避免声音发干，使整个乐句有一个很好的过渡、连接，起到润色的作用；最后，句法、连线和所有其他奏法应保持清楚，包括休止符都不能用得模糊不清。
踏板的运用不能影响以上所述的划分。
随着时代的进步，钢琴制造业的发展为演奏者的踏板运用提供了基础，左踏板的出现也增强了作品的表现力。
在这种背景下，演奏贝多芬作品，运用踏板自然比海顿、莫扎特多得多，复杂得多。
但不管是演奏贝多芬还是海顿、莫扎特的作品，我们应始终记住古典时期使用踏板的总原则就是：增强乐句的连贯性，使音响获得更丰富饱满的效果。
四、结语综上所述，通过对海顿、莫扎特钢琴演奏风格的研究以及对弹奏技术的分析，我们可以看出，维也纳古典乐派时期的钢琴作品的弹奏风格所需要把握的分寸，在于内在的深刻和外表的含蓄、有节制的统一。
演奏不同时期、不同流派的钢琴作品需要有符合这个流派音乐的演奏风格。
钢琴300年演奏艺术的发展过程表明，风格作为一种音乐文化趣味和形式要素、一种演奏中必不可少的认知概念和外显形态,是反映作品思想主题、精神内涵、情绪情感和审美趣味的重要因素，是每一位演奏者在弹奏实践中不能忽视的。
我们只有将作品与艺术流派的共性相结合，深入体验、挖掘作品内涵，准确把握和理解作品的艺术风格，同时，不断提高自身音乐修养和弹奏的技能技巧，才能为培养良好的音乐审美能力及所衍生的各个方面打下坚实的基础。
参考文献：[1]赵晓生《钢琴演奏之道》[2]黄莹《风格的研究——钢琴教学中一个值得重视的问题》（《钢琴艺术》）[3]罗曼·罗兰《古代音乐家》《当代音乐家》[4]修海林、李吉提《西方音乐的历史与审美》[5]郑兴三《论莫扎特钢琴曲的演奏风格》（《厦门大学学报》）。
