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浅析苏轼的绘画特征及其艺术思想的形成【摘要】苏轼作为宋代著名文人，不仅在文学领域有着卓越的成就，同时也在绘画领域展现出独特的艺术才华。
本文从苏轼的绘画艺术意义和作为文人画家的身份入手，探讨了苏轼在绘画中的特征表现、影响因素、艺术思想的形成过程，以及他的绘画主题、表现手法和作品的价值。
通过对苏轼绘画艺术的分析，可以看出他作品的深厚文化底蕴和艺术内涵，同时也体现了他对自然、人生和历史的独特见解。
苏轼的绘画艺术不仅在当时备受推崇，对后世也产生了深远的影响，展现出他绘画风格的独特性和艺术思想的时代意义。
苏轼的绘画作品至今仍被广泛研究和收藏，是中国绘画史上的重要篇章。
【关键词】苏轼、绘画特征、艺术思想、文人画家、主题、表现手法、价值、影响因素、独特性、时代意义、影响、形成过程。
1. 引言1.1 苏轼的绘画艺术意义苏轼作为宋代文学大家，其绘画艺术也是备受瞩目的。
苏轼的绘画艺术在中国绘画史上占据着重要的地位，展现出独特的艺术风貌和独到的艺术见解。
苏轼的绘画作品在形式、内容和意境上都具有独特的魅力，反映了他对自然、生活和人文的深刻理解。
苏轼的绘画作品不仅在当时备受推崇，而且对后世艺术家产生了深远的影响，成为中国绘画史上的经典之一。
苏轼的绘画艺术意义在于展示了他卓越的艺术才华和对艺术的独特见解，为中国绘画史增添了一笔璀璨的色彩。
通过深入研究苏轼的绘画作品，我们可以更好地理解他作为文人画家的身份，并体会到他对艺术的热爱和执着追求。
苏轼的绘画艺术不仅是他个人的表现方式，更是中国传统文化的一部分，在当代依然具有重要的历史和艺术意义。
1.2 苏轼作为文人画家的身份苏轼作为文人画家，不仅是一位文学家，更是一位懂得绘画的文人。
他以诗文著称于世，同时也擅长书法和绘画，展现出了多才多艺的一面。
苏轼在绘画领域展现出了独特的艺术才华和审美观念，他的画作不仅仅是简单的艺术创作，更蕴含着他对生活、自然和人文的深刻理解和感悟。
作为文人画家，苏轼对绘画的追求并非只在于技巧的表现，更注重作品的内涵与意境的表达。
浅析宋代美术作品的艺术风格宋代是中国历史上一个非常重要的时期，而宋代美术作品也是具有独特风格和特色的。
宋代美术作品在继承唐代遗风的基础上，融合了时代的特点和人们的审美情趣，形成了独具特色的艺术风格。
本文将从宋代美术作品的艺术特点、表现形式和影响等方面进行浅析，以期对宋代美术作品的艺术风格有一个更加清晰的了解。
宋代美术作品的艺术特点表现在以下几个方面：一、儒雅含蓄的审美情趣宋代是一个以文人为主导的社会，文人儒雅的审美情趣在宋代美术作品中得到了充分的体现。
宋代绘画以文人画为主导，注重意境和意象的表现，强调画意和情趣的抒发，追求“以墨写意”的审美追求。
画家们通过寥寥几笔，通过山水、花鸟等元素的抽象表现，展现出一种超脱尘世的清新意境。
这种审美情趣体现了宋代社会文人的生活态度和价值取向。
二、追求精神超脱和理想境界宋代美术作品体现了文人士大夫阶层对精神超脱和理想境界的追求。
在画面表现上，常常通过山水、松石、竹影等元素的运用，表现出一种超然物外的精神追求和理想境界。
宋代文人画家们通过描绘山水的邈远，表达了对世俗烦恼的超越，对理想世界的憧憬和追求。
三、崇尚自然、注重写实宋代人对自然的崇尚和对生活的追求都得到了艺术的表现。
宋代绘画追求写实的表现方式，画家们在创作中注重对自然景物的观察和描绘，力求尽可能地还原客观现实。
宋代绘画以儿女情事、山水花鸟、饮食器物等为题材，以写实的手法展现了当时社会生活的丰富多彩。
宋代美术作品的表现形式主要表现在绘画和工艺品制作两个方面：一、绘画宋代绘画是中国绘画史上的一个高峰时期，文人画成为时代主流。
文人画强调个性表达，追求拟写神理，有泼墨、写意之风，每位文人画家所追求的不再是形式上的绘画技法，而是对禅宗、道教、儒学思想的领悟与表达。
代表人物有米芾、文同、范宽等。
二、工艺品制作宋代工艺品制作水平也达到了一个新的高度。
宋代青瓷在釉里纹饰的精湛以及青白的色泽，全部表现出以文风为主导的情趣和审美追求。
唐宋时期的文人画和山水意境唐宋时期是中国文化艺术的黄金时期，不管是文学还是绘画，都有着突破性的创新和重大的发展。
在这个时期，文人画成为了一种崭新的艺术风格，在山水画中有着独特的表现方式和艺术意境。
本文将从唐宋时期文人画的特点、山水画的表现方式和艺术意境等方面进行探讨。
一、唐宋时期文人画的特点文人画指的是从关注自然和空间的文化审美观念中产生的一种绘画形式。
与之前的宫廷画有所不同，文人画追求自由和意境，同时，具有非常鲜明的时代意义。
在唐宋时期，文人画主要成为了士人（指文人）文化的重要组成部分，他们用绘画来表达自己的审美感受和文化品位。
唐宋时期的文人画在表现形式上具有三个特点：1. 点画法点画法是用点代替线的方法，绘画采用点描法来表现物体的形象和轮廓。
文人画家通过点画法，使画面看起来更加细腻灵动，可以更加准确地表现自然之美。
2. 洒墨法洒墨法就是文人画中常见的溅墨和泼墨技法。
这种技巧主要在用笔墨的同时，不按预先订定的线条来绘画，而是像是手写的书写体一样，使用笔尖依照自由的想象而进行绘画。
这样的技法给了文人画无穷的可能，可以自由地表达自己的思想。
3. 勾线法勾线法就是画家在勾勒画面时，用笔轻轻描绘出画面的构造，然后再一笔一笔的勾勒出细节。
这种技法可以让画家在勾线的同时，感受到自然的气息，从而游刃有余的去描绘出山水之美。
二、山水画的表现方式山水画是文人画中的重要组成部分，是中国传统绘画中最具有表现力、表现意境最强的一类绘画。
在唐宋时期，山水画呈现出了特殊的表现方式，主要包括以下几个方面：1. 谐趣谐趣是山水画中最为显著的特点，也是画家们最喜爱的表现手法。
谐趣可以理解为艺术家的幽默感和良好情绪，是艺术创造的一个非常重要的手段。
唐宋时期的山水画家，通过谐趣的手法，将山水与人物结合在一起，为我们呈现出了一副富有意境的画面。
2. 抒情抒情是山水画中的情感表达手法，表现了山水之美所饱含的情感。
唐宋时期，山水画家们通过抒情的方式，以描绘情感的方式来表达他们对自然之美的感受。
浅析宋代美术作品的艺术风格宋代美术作品的艺术风格深受当时社会、文化和政治环境的影响，呈现出独特的特点。
其艺术风格主要表现在以下几个方面。
宋代美术作品注重写实。
宋代是一个文风鼎盛的时代，文人士大夫对于艺术有着非常高的追求。
画家们注重对于自然和人物形象的准确描绘，力求画面真实、细腻。
他们善于运用线条、构图和色彩等手法，通过精确的细节描绘，使画面更加生动、逼真。
而且在绘画特征方面，宋代绘画也发展出了具有鲜明自己特色的风格，例如写意山水画、花鸟画等。
宋代美术作品追求和谐、自然的审美观念。
宋代文人士大夫对于自然界和人与自然的关系有着深入的研究和思考。
他们重视人与自然的和谐统一，将自然界的景色和人物形象融入到艺术作品中，体现了人与自然的紧密联系。
他们注重内心情感的表达，通过细腻的笔墨和写意的绘画手法，表现了自然界的美丽和神奇。
宋代美术作品注重意境表达。
宋代文人士大夫重视个人情感的表达和精神境界的体验。
他们通过艺术作品的创作，表达他们内心世界的情感和思想。
他们通过绘画、诗词等手法，将自己的情感、思想和感悟融入到作品中，使作品充满了浓厚的意境。
这种意境表达不仅体现在画面的主题和意象上，还体现在笔墨、构图和色彩等方面，形成了宋代独特的艺术风格。
宋代美术作品追求平实、朴实的审美价值。
宋代是一个充满矛盾和变革的时代，社会上对于奢侈和世俗的追求有所降低，人们开始注重平实、朴实的生活和审美价值。
这种审美观念也体现在艺术作品中，画面的构图和色彩呈现出朴实、平实的风格。
画面中的人物形象通常是普通百姓、农民、渔民等，他们的形象真实、朴实。
画面中的背景环境也常常是山水、田园等自然景观，呈现出平实、自然的美感。
宋代美术作品以写实为基础，追求和谐、自然的审美观念，强调意境表达和平实、朴实的审美价值。
这些特点使得宋代美术作品独具一格，成为中国美术史上的重要篇章。
宋代的文人画与艺术创作宋代是中国历史上一个重要的艺术繁荣时期，文人画在这个时代达到了巅峰。
文人画是指由文人雅士们创作的画作，这些文人不仅有诗文才华，还擅长绘画。
他们用精湛的绘画技巧，表达出自己的情感和理念，成为了中国艺术史上的重要里程碑。
首先，宋代文人画与传统绘画风格有所不同。
在以前的唐代和五代时期，画家们注重形象的真实和写实技巧，追求完美的造型和细节。
而宋代的文人画则注重画作的意境和氛围，追求意境的表达，把自然景物和自己的情感融为一体。
这种表现手法被称为“以形写意”，即通过形式上的变通，来表达画家的心灵世界。
其次，宋代文人画的题材广泛多样。
它们并不局限于山水和花鸟的描绘，还包括了趣味横生的人物、神话传说和历史故事等。
画家们通过这些题材，表现自己对社会现象和人际关系的思考。
例如，文人画家郭熙的《农村休闲图》中描绘了农民在田间劳作之余的快乐生活，展现了对平民百姓的关注和赞赏。
第三，宋代文人画的创作常常带有浓郁的文化气息。
文人们通常在画作中加入了诗词、题字和印章等文学元素，使画作更加富有文化内涵。
这种结合艺术和文学的方式，就像一篇篇泪满思乡的诗歌，让人在欣赏画作的同时，陶醉于诗词的美妙。
另外，宋代文人画的绘画技巧也是非常高超的。
他们擅长运用墨色，通过点、线、面的运用来表现物象的形态，构图严谨，意境深远。
宋代文人画家贾仲明的《双鹤图》就是一个很好的例子。
他运用淡墨和淡彩，巧妙地表现了两只翱翔的仙鹤，以及细致的树木和岩石。
这幅画作不仅在形式上境界高远，而且在意境上也表达出了画家对自由和宁静生活的向往。
最后，宋代文人画对后世的影响也是深远的。
文人画家们提出了“表达辞情，逸趣天然”的艺术原则，在艺术创作中注重个性化的表达，开创了文人画的新境界。
这种独立点景、情态悠然的风格影响了后世的绘画发展，尤其是明代的文人画更是沿袭了宋代的创作传统。
综上所述，宋代的文人画以其独特的风格和艺术特点，成为了中国艺术史上的一颗璀璨明珠。
宋朝绘画艺术的风格与特点【宋朝绘画艺术的风格与特点】在中国古代的绘画史上，宋朝绘画艺术享有极高的声誉，不仅在当时乃至后世都有着深远的影响。
宋朝绘画在艺术形式、题材选择和笔墨运用等方面展现出独特的风格与特点，使得宋朝绘画成为中国绘画史上的一个重要转折点。
首先，宋朝绘画注重写意。
相较于以前的较为写实的手法，宋朝绘画更加强调对于主题和对象的理解和表达。
宋代画家在绘画作品中融入了更多的思考和情感，通过笔墨的运用形成了更加准确和精炼的表达方式。
例如，宋代的绢本画作常常能够通过简洁的构图和细腻的线条勾勒出丰富的形象，使人们在欣赏时能够更深入地理解主题的内涵。
其次，宋朝绘画崇尚文人情怀。
在宋朝社会，文人士人地位显赫，他们常常对山水、花鸟和人物等题材情有独钟。
宋代画家们喜欢以自然山水的描绘表达自己对社会和人生的思考，以此抒发对于现实世界的批评和反思。
他们通过绘画来表达自己对于理想美好生活的向往，追求精神上的寄托和快乐，这使得宋代绘画具有了更为独特的审美意义。
再次，宋朝绘画注重墨韵的运用。
宋代画家普遍采用“淡静”的笔墨风格，强调墨色的均匀和流动性。
他们将墨色运用到极致，通过墨韵的变化和层次的转化来表现画面的空间感和氛围。
这种墨韵的处理方式能够让作品更富有诗意和抒情性，给人以宁静和美好的感觉，也使得画作更加具有时代的特点。
最后，宋朝绘画强调笔墨技巧的运用。
宋代画家们在绘画艺术的表现上更加注重笔墨的技巧和运气。
他们通过对笔墨的技巧性运用，使得作品更具有立体感和层次感。
在山水画中，画家们善于通过各种技法来表现山的高低、岩的陡峭和水的流动，使得画作更加栩栩如生。
而在花鸟画中，宋代画家们则注重表现花鸟的形态和生动感，通过构图和笔法的运用，使得画作更具有张力和艺术性。
综上所述，宋朝绘画艺术以其独特的风格和特点，成为了中国绘画史上的一个重要时期。
从注重写意、崇尚文人情怀、墨韵的运用，到笔墨技巧的精湛应用，宋代画家们通过绘画作品传承和创新了中国古代绘画的传统，使得绘画艺术更加充满活力和魅力。
宋朝绘画艺术的特点与影响宋代，是中国历史上文化艺术繁荣的时代之一，尤其在绘画艺术方面取得了重要的成就。
宋朝绘画艺术以山水画、花鸟画为主，以真实、清晰、淡雅、含蓄的表现方式为特点，这些特点对后世的绘画艺术产生了深远的影响。
本文将从宋代绘画艺术的特点与影响两个方面逐一探讨。
一、宋代绘画艺术的特点宋代绘画艺术的特点表现在以下几个方面：1. 追求真实自然宋代绘画艺术在表现自然上非常注重精准的描绘和真实的再现。
画家们通过自己的真实感受，以及对自然环境的深入研究，成功地将自然界的景象和形态完美地呈现在画面上。
2. 淡雅与含蓄宋代绘画艺术在色调上更加注重淡雅，不再像唐代那样奢华浓艳，而是更加低调，更具含蓄意味。
画家在表现万物的同时，更注重对自然美的把握，运用简约的技巧表现神韵，将艺术创造的高度和自然之美完美结合，给人们留下深刻印象。
3. 揭示人性在宋代绘画艺术中，画家们结合自己的感悟和对自然的理解，揭示和表现了人性的内在世界，表现了一种安逸自得、淡泊宁静的人生态度，面对人生的起伏和荣辱不惊，作品中透出清新淡静的心灵境界。
4. 丰富的表现形式在宋代绘画艺术中，画家们采用了丰富多样的表现形式，包括线描、点染、筋骨结构等多种手法，充分表现了题材的特点和内涵。
通过这些形式的运用，画家们不仅能清晰地表现出景物的形态与特征，同时也能更深刻地揭示其内涵与意蕴。
二、宋代绘画艺术的影响宋代绘画艺术由于其独特的表现形式和丰富的内涵，对后世的绘画艺术产生了深远的影响。
1. 开创了新时代的绘画语言宋代山水画、花鸟画的创作，以及画境的精致处理，独领风骚，成为中国传统山水画和花鸟画的源头，为后来的绘画艺术开创了新的时代语言。
2. 彰显了中国绘画艺术的内涵宋代山水画、花鸟画要求画家表现丰富的内涵，如表现情感、思想、历史、文化等方面。
这一要求，不仅为山水画、花鸟画赋予了更加深刻的文化内涵，也使得中国绘画艺术的内涵更加丰富。
3. 影响了日本、朝鲜的绘画艺术宋代绘画艺术的成就在东亚地区不仅引起了关注，而且对周边国家的绘画艺术产生了深远的影响。
宋元文人画发展的艺术特点1.引言1.1 概述宋元时期是中国绘画史上一个重要的时期，也是文人画发展的关键时期。
在这个时期，文人画的艺术特点得到了进一步的发展和完善。
文人画的概念在宋代首次提出，并在元代达到了巅峰。
因此，研究宋元文人画的发展，对于理解中国绘画史的发展进程具有重要意义。
宋元时期，文人画逐渐形成了独特的艺术特点。
与传统宫廷绘画不同，文人画更注重个人意趣的表达和个性化的风格呈现。
文人画强调情感的表达和内涵的传递，作品主题通常是诗词、文学或历史故事的描绘，具有浓厚的文化内涵。
在绘画技法方面，文人画注重笔墨的运用。
文人画家追求笔墨的自由和随心所欲的表达，注重笔墨的境界和艺术感染力。
他们常常运用简练而具有表现力的笔墨，构建富有节奏感和意境的画面。
同时，他们注重用墨的韵味和墨色的变化，通过不同的墨色表现画面的光影效果，使作品更具生动性和立体感。
此外，文人画具有强烈的个人风格和匠心独运的特点。
文人画家以个人的审美追求和思想情感为出发点，注重在作品中体现自己的创作个性。
他们通过自由构图、变换视角和独特的笔墨表现方式，创作出与众不同的作品风格。
每位文人画家都有自己独特的创作特点和风格，使得文人画展现出极大的多样性和创造力。
总体而言，宋元文人画的艺术特点是注重个人意趣的表达和个性化的风格呈现，技法上追求笔墨的自由和墨色的变化，同时具有强烈的个人风格和创作特点。
这些特点使得文人画成为中国绘画史上独具魅力的一支流派，对后世的绘画艺术产生了深远的影响。
1.2 文章结构文章结构的安排对于一篇长文的编写至关重要，它能帮助读者更好地理解和把握文章的内容脉络。
本文的结构包括引言、正文和结论三个部分。
首先，引言是文章的开篇部分，我们会在引言中对于宋元文人画发展的艺术特点进行一个概述，简要介绍一下该主题的背景和重要性。
接着，我们会详细介绍文章的结构安排，包括各个章节的主题和内容，以引导读者对整篇文章有一个整体的认知。
其次，正文部分是详细展开讨论宋元文人画发展的艺术特点的部分。
宋代绘画艺术的流派及其特点分析1. 引言1.1 概述宋代是中国绘画史上一个重要的时期，也是中国绘画艺术发展的高峰之一。
在这个时期，出现了许多具有独特风格和流派的绘画作品，对后世影响深远。
本文旨在探讨宋代绘画艺术的不同流派及其特点，并对其艺术技法和创作手法进行分析。
1.2 文章结构该文章由三个主要部分组成。
首先，在第二部分中，我们将详细介绍北宋和南宋两个时期的不同流派以及各自特点。
其次，我们将在第二部分讨论宋代绘画所采用的技法和创作手法。
最后，在第三部分中，我们将总结各个流派的特点，并探究宋代绘画艺术对后世的影响与意义。
1.3 目的本文旨在通过对宋代绘画艺术的流派及其特点进行深入分析，进一步了解这一时期中国绘画的发展轨迹和独特之处。
通过这样的研究，可以更好地理解中国古代艺术，并为今后对中国传统文化进行研究提供参考。
同时，对于绘画爱好者和艺术从业者来说，对宋代绘画艺术的了解也将对他们的创作与实践有着积极的启发和指导意义。
2. 宋代绘画艺术的流派及其特点分析2.1 北宋绘画流派及特点：在北宋时期，绘画艺术经历了一个全面发展和繁荣的阶段。
以下是几种主要的北宋绘画流派及其特点：1) 文人画派：文人画派是北宋时期最重要的一支绘画流派，由文人士大夫创作，以表现自然山水景观和个人情感思想为主要目标。
此类绘画注重意境、构图和笔墨运用，追求隐逸、高尚的审美。
2) 宋室花鸟派：此流派以皇室成员为核心，其中最著名的是文同公主、钱俶等王室成员。
他们通常描绘花鸟虫鱼等主题，注重形象写实与笔墨技法，强调赋予作品以生动活泼之感。
3) 北宗山水派：又称“北方山水”或“类颜真卿文人异相”，该流派突出表现大气磅礴、雄浑壮丽的山水风景，追求笔墨力度和冲击力，并通过骨法运用给观者以强烈的视觉冲击。
2.2 南宋绘画流派及特点：南宋时期，由于北方政权的覆灭，很多文人士大夫南渡至江南地区，导致绘画艺术在自然风景、题材表现和画风特色上有所转变。
宋代绘画艺术的特色和地位宋代绘画艺术是中国绘画艺术史上的重要时期，其绘画作品以传统的中国美学为基础，对艺术表现的手法、题材、风格等方面都有着独特的特色和风格。
宋代绘画艺术的发展对于中国绘画艺术的发展产生了重大影响。
宋代绘画艺术的特色宋代绘画艺术的特色表现在图像表现、笔墨运用、构图和风格等方面。
首先，宋代绘画作品的图像表现更加精深细腻，透露出作者艳丽的心灵笔触与写实的手法。
其中消失的透视和远近间的压缩，更深刻地刻画了人物的面部表情与神态，丰富了作品的细节表现。
其次，宋代绘画大量使用雅致的墨笔和水墨画，表现出雅艺流畅、韵味悠长的墨韵，美妙绝伦。
并且，墨形白面宣纸成为宋代绘画的特色材料之一，图像的表现大多以轻柔、含蓄之美为主，取代了唐代那种阳刚热烈的墨笔气势。
第三，宋代绘画在构图方面有着独特的特点。
宋代绘画更强调画面组合的设置，注重人物或景物画面之间的联系和整体美感，将人物或景物的主次关系合理地表现出来，整个画面呈现一种秩序美感。
最后，宋代绘画的风格清新淡雅，反映了当时文人雅士的审美情趣和精神内涵。
宋代的诗、书、画都注重文人风韵，体现出他们在艺术上的共性美感。
宋代绘画艺术的地位宋代绘画艺术不仅在当时，而且在后世的绘画艺术中都占有重要的地位。
首先，在宋代以前，中国绘画艺术注重的是表现手法和艺术技巧等方面。
而在宋代时期，绘画艺术更加注重绘画的表现与情感表达，它成为表现文人月旦和书法风韵的方法和手段之一，也被广泛应用在酒宴、招待和礼仪文化中。
其次，宋代绘画艺术大量运用墨笔和水墨画等材料，为后世的绘画审美方式提供了新思维。
特别是在明清时期，由于这种来源于宋代的绘画材料被广泛使用，更多的艺术家援用墨笔，从而形成独特的墨境气质与气韵风貌。
最后，宋代绘画在观念上提出了“笔意”和“意境”的概念，表达了绘画作品在审美上的高远情致和哲学意味，向世人展示了一种独特的审美价值。
总结宋代绘画艺术具有独特的特色和地位，它是中国绘画艺术发展过程中的重要时期，为后世传承与发展绘画艺术提供了重要的思想和文化资源。
浅谈宋代文人画的艺术特色引言日本美术史家大村西崖和中国画家陈师曾对文人画的艺术特色、画家身份及历史渊源做了较深入的研究。
陈师曾的关于文人画特质的论述，即“文人画之要素，第一人品，第二学问，第三才情，第四思想，具此四者，乃能空善”的理论，在理论界产生深远的影响。
另外陈中浙先生在其所著的《苏轼书画艺术与佛教》中深入阐释了文人画与禅宗的关系，对我们了解宋代文人画的画论观念及其作品的艺术特色都有非常重要的意义。
在中国绘画发展史上，宋代是一个极其重要和关键的时代，尤其是北宋的文人画创作具有划时代的意义。
宋代绘画艺术及其绘画美学都很繁荣，画派之间的斗争也极其频繁，文人士大夫画家作为一个新兴的绘画群体，他们的绘画美学思想不仅冲击了宋代院体画画家们的审美思想，成为时代的主流，而且对后世的文人画与文人画理论的发展，也产生了深远的影响，可以说，宋代文人画艺术对文人画的发展具有里程碑式的意义。
具此本课题的研究具有重要的意义。
一文人画的概念及其发展情况文人画是一个范围较广的概念，若从作者是文人士大夫论，则不但许多山水画，人物画应当列入文人画，如顾恺之也被某些论著列入文人画范畴。
从艺术手法来说，也包含了工笔重彩，密体，疏体之类，可以说，它好似和民间画工的所谓匠画及院体画家的院画相区分的一个概念。
若从艺术手法论，如董其昌则主要从笔墨技术着眼，把他们认为有笔有墨的画家如王维、张璪、董源、巨然等画家列入文人画，所以文人画本身也是一个并不确定的概念。
但从中国绘画美学的角度看，和禅宗的注重主观内省的观念想联系，注重审美主体的人品和文化修养的一些文人名士，寄情翰墨，以描绘梅兰竹石以比喻文人德行的一类画，才是典型的文人画。
他们重意不重象，重神不重形，重视书法和绘画的联系，重视绘画的文学性内涵，所谓诗画一律，以及在艺术手段上主要以水墨渲染的简约的笔墨技法为主要艺术手段，在审美趣味上追求出世、雅逸、脱俗的审美境界等，是其基本的艺术特色，具此理解，则中国古代文人画的出现，可以追溯到五代两宋时期，由于当时源于唐代的禅宗哲学依然很兴盛，他们便适应了由于各种原因失意的知识分子的心理需要，并且在北宋中后期以后形成巨大的艺术潮流。
当时对绘画的收藏、品评和延纳画家作画已在上层文人士大夫中蔚然成风。
更有不少文人亲身参加绘画实践，像诗词一样用以寄兴抒怀，在题材选择、形象处理及审美情趣上，都有自己的独特要求。
他们在画幅上题字咏诗渐次增多，开辟了书画题跋的新天地，并能自觉地将书法艺术的表现形式引入绘画中，极大地丰富和提高了绘画艺术的表现手段。
两宋时期文人士大夫中涌现了仲仁、扬无咎的墨梅，文同的竹，苏轼的古木怪石，米芾、米友仁父子的云山，赵孟坚的水仙等，成为后世文人画家追随学习的典范。
文人士大夫的审美情趣，所谓“萧然淡泊之意，闲和平静之心”的影响日益广泛。
文人士大夫中的一些知名学者以院外业余画家的身份等上画坛，提倡文人画与院体分庭抗礼。
他们一系列的美学观念对后世影响很大，其风气所及影响元明清三代画坛，使文人画在中国封建社会的后期成为画坛主流二宋代文人画兴起的原因丹纳的《艺术哲学》有个核心观点：即艺术作品是一种社会现象，其性质面貌都取决于时代、环境、种族三大因素。
据此理解，画家自身的经历与遭遇影响着他们的审美观，并反映在作品中。
换言之，文人画家的作品其实是他们深层心理特征的反映。
文人接受的是儒家之道，潜意识里却尊崇禅宗思想。
根据弗洛伊德的理论，每个人内心就存在一种对世界反叛性的潜意识，这种潜在的叛逆心理在后天的社会环境里受压制，人们要服从社会规范不能与之公开对抗，因此文人一旦失意或者其独立人格与社会发生碰撞便不自觉的于艺术中寻求平衡，其心理最终体现在其艺术作品中。
北宋时我国封建专制达到空前，为了摆脱内外夹击的困境，统治者在政治，经济，文化各方面进行了一系列改革，但是改革的结果事与愿违，在此境遇之下，广大知识分子感觉到空有一身才学却无处施展，内心的郁闷彷徨可想而知。
诗书画虽无阻于社会改革，但教人看淡一些东西，让人以纯净空疏之心去解悟人生，获得心灵的解放与宽解，自得其乐，文人画便成了文人心理上的休憩之所。
它为文人提供一处心灵的寓所。
文人画的出现是中国文人诗意的栖居,是对艺术世界的自觉追求,也是一种对现实世界的回避和超脱。
另外，北宋时期儒，道，释三教合流。
为了逃避对现世的不满，文人士大夫将思想转向佛道，佛教文化特别是禅宗思想对中国文化产生强烈的冲击。
禅宗的“自性论”强调个体的“心”对外物的决定作用,也极大地激发了文人画创作的主观能动性;它的“顿悟说”主张直觉式顿悟思维方式,沟通了中国古代艺术家整体性思维模式，对意境论、妙悟论等美学理论的形成,起到了重要的催化作用。
总之,禅宗促进了中国文人画艺术家自我意识的觉醒,开发了文人画艺术家的个性天地,使他们摆脱了承命之作的羁绊,达到精神与创作的自由。
三宋代文人画的艺术特色（一）离形得似寓心于物正如黄休复《益州名画录》云：“用笔精致不谓之工，傅采炳缛不谓之丽”，只有“观乎象而忘象，意先自然，始可品绘工于彀中，揖画圣于“方外”。
“意”的表现在绘画中受到重视，甚至得意而忘象，没有形的约束，绘画思想更加自由、绘画表现更加彻底、绘画风格更加多样、绘画题材更加宽广，绘画由对外部世界的关注转向对内部精神的追求，绘画的功用由唐代的“存教化，助人伦”转向了“怡情”“适性”，画家们的创作动机由对现实世界的描绘转向了自我表现，自我抒发，自我欣赏.苏轼曾曰：“诗不能尽，溢而为书，变而为画”“文以达吾心，画以适吾意而已”文人画以其特有的立意，以借物寓心的方式形成抒发个性的创作高潮，由于“逸”得到宋代文人画家及论者的推崇，阐发，“逸”从心态上又被提升到文人画最为根本的人品。
文人画的一个特点是画的精神，熟练的技巧似乎只是必然的副产品，它的最终目标是完美人格，净化心灵。
如李公麟，苏轼，文同、米芾等文人画家的诗文书画活动非常活跃，频繁。
他们都有精深的文化修养和书法造诣，绘画多为寄兴抒情之作，反对过分拘泥形似的临摹，艺术上力求洗去铅华，而趋于平淡素雅，力求天真清新的风格。
“能文而不求举，善画而不求售”的精神，道出了人格之高为文人画家之本。
文人画作品的优劣取决于人品。
如秦烩、蔡京的文学书法皆是精品而终于被历史所湮灭，其原因就在于“其大节有亏，其余技更一钱不值矣”。
正因为如此，与前代不同，宋代文人画的创作题材尤其偏重于水墨山水树石及花卉。
画家十分追求主观情趣的心理表现。
如苏轼《枯木怪石图》，米芾《画史》说：“子瞻作枯木，枝干虬屈无端，石皴硬。
亦怪怪奇奇无端，如其胸中盘郁也。
”《枯木怪石图》简洁明了的画面上，怪石盘踞左下角，石后冒出几枝竹叶，而石右之枯木，屈曲盘折，气势雄强，“怪怪奇奇”，于笔意盘旋之中，凝聚成一团耿耿不平之气，更有一股浩然气脉，由石而树、由树干而树梢，扭曲盘结。
直冲昊天。
苏轼一生，几遭贬谪，在错综复杂的宋王朝政治斗争中饱尝仕途的滋味，愤懑不平之气交织于心，发诸毫端，借诗画以泄胸中盘郁。
苏轼曾自题其画云：“枯肠得酒芒角出，肺肝错槎牙生竹，森然欲作不可留，写向君家雪色壁。
”足以说明其抒写胸臆之情。
苏轼作画，固然重视抒发情感，但并不忽视形式技巧。
作为艺术家，苏轼在绘画上不落前人之窠臼，不拘古人之绳墨，强调表现自我，有所创新。
倡导“士夫画”，批评院体之匠气。
强调神韵，不拘形似，真诚抒发胸中意趣。
再观共文、其书、其人，诚然如是。
（二）萧疏简淡从理论上说，文人画的理论提出者苏轼和总结者董其昌都是受禅学影响的。
苏轼在评论孙位时说：“唐广明中，处逸士孙位始出新意，画奔湍巨浪，与山石曲折，随物赋形，尽水之变，号称神逸。
” 随物赋形，是道禅哲学的一个重要思想。
随物赋形，其实是随心赋形，随物赋形虽然是自然而然、任世界自在兴现的境界，是空空洞洞，杳杳冥冥，一念无有，一丝不沾，意渺渺于白云，心荡荡乎流水的境界。
苏轼在这里取融于禅宗的“无念”哲学，而自成一种空灵澄澈的美学境界。
苏轼于此推崇“空”的境界，“静故了群动，空故纳万境。
”（《送参寥师》）由于禅宗的超然特性,容易与萧疏清旷的山水融为一体,因此禅宗的精神在中国的山水画中得到了充分的体现。
正如方毫先生所说“宋代绘画,仍有佛教题材,惟不在寺塔,而在气势高远,景色荒寒,以表现明心见性的修养。
”禅宗对中国文人的影响是深层的、心理的。
在文人画中我们可以看到典型的禅的因素：简单、微妙、含蓄、宁静、, 以简代繁,以空代实,以淡代浓,,以不似代似,以刹那代永恒！在山水画上逐渐呈现由以重着色转向重水墨淡彩的风格,在简古、平淡的形式外表中,蕴含着丰腴、绚丽、隽永的深意,使作品摆脱了早期秾丽的色彩和拘泥于物的技法,山水画论重视自然、天机、气韵、追求天真平淡,主张表现无穷深向。
如郭熙的《雪景寒林图》描绘了北方壮美的雪山景色。
画中雪峰屏立，山势高耸，白雪皑皑。
深谷寒林间，萧寺掩映，流水无波，峰峦沟壑间云气万千。
其山取盘桓向上高远之势，其水造平静冷凝之态，其树画深郁寒峭之意。
从此图可以体味到，作者已不拘于刻形着物的风格，脱离真山真水，表达出一种写胸中块垒，传意中山水的倾向，（三）形神情思兼备形神情思兼备的绘画美学思想是宋代画家们都乐于接受并运用于创作实践之中的绘画美学思想。
形神是描绘客观绘画对象的标准和要求，情思是画家的主观之“意”，包含画家的主观情感、个性特征以及对绘画对象的独特感受与理解。
形神兼备的绘画美学思想早在东晋顾恺之就提出来了，并一直作为绘画创作的标准。
宋代增加了情、思，强调画家的主观作用，形神兼备绘画美学思想上升为形神情思兼备的绘画美学思想，形神的标准不再拘泥于客观现实的形似，而是求其“理”，即符合客观事物规律的神似，苏轼的“常理”，沈括的“奥理冥造”，邓椿的“曲尽其理”，韩拙的“其理幽妙”，张怀的“造于理”都是神似上的形似。
形神+情思=主观化的神似，以画家的主观之“意”为统率，通过画家自己的审美理想传达绘画对象的神。
如郭若虚在用笔得失之中提到“画尽意在，像应神全”，郭熙父子在《林泉高致》中要求画春山画得“烟云连绵”，使“人欣欣”；画夏山，画得“嘉木繁荫”，使“人坦坦”；画秋山，画得“明静摇落”，使“人萧萧”；画冬山画得“昏霾翳塞”，使“人寂寂”，也就是说，在表现春夏秋冬四季山的同时，需要表现出了画家的主观审美理想。
黄休复《益州名画录》中，把“得之自然”“出人意表”的逸品放在四格之首，强调画家对于绘画对象的独特感受与理解以及画家独特的审美理想与情操。
形神情思兼备的绘画美学思想一旦被画家批评家们所接受，便作为绘画创作与评价的标准。
如沈括评王摩诘画《袁安卧雪图》“意到便成”“造理入神”“迥得天意”。
苏轼《跋宋汉杰画山》：“观士人画如阅天下马，取其意气所到，乃若画工，往往只取鞭策皮毛槽枥刍秣，无一点俊发，看数尺许便倦”。
