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伟大的文艺复兴运动是人类社会所经历的前所未有的最伟大进步性革命，文艺复兴的原义是指在复兴古希腊、古罗马的文学艺术思想的基础上，获取新知的运动。
这场运动在改变社会和人的思想观念的同时，也推动了人类文化和艺术的的发展，文艺复兴时代是艺术史上强烈的自觉意识觉醒的时代，文艺复兴时期的油画艺术也在新的思想土壤上在此孕育绽放。
文艺复兴时期的油画继承了希腊、罗马的艺术观念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。
与此同时在三个多世纪的发展和变革中，画家分别探索了解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理，他们那种使艺术与科学结合起来的人文主义思想为近代西方美术先后发展出佛罗伦萨画派、罗马画派、威尼斯画派、热那亚画派和那不勒斯画派等不同风格的艺术流派奠定了理论基础。
文艺复兴在艺术发展上大致经历了四个主要阶段：第一阶段从13世纪后期至14世纪中期，这一阶段为文艺复兴的预备期。
主要以意大利佛罗伦萨为中心，代表人物有乔托、马萨乔等；第二阶段从14世纪中期开始至15世纪上半叶，为文艺复兴中期或发展期。
主要代表人物有安吉利科、保罗·乌切洛、波提切利等；第三阶段从15世纪后半期至16世纪，为文艺复兴的鼎盛时期。
此时文艺复兴的中心转向了罗马。
主要代表人物有达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗；第四阶段从16世纪后半期至17世纪前期，为文艺复兴晚期。
这一阶段以威尼斯画派的崛起为代表，主要艺术家有提香、乔尔乔内等。
列昂纳多达芬奇是那个时代文化、科学和艺术的集大成者，在他所生活的佛罗伦萨成为了欧洲油画艺术的重要中心，产生了著名的佛罗伦萨派。
这个画派崇尚自然，追求艺术与科学的结合，使得这个时期的油画艺术的绘画技巧达到了成熟阶段。
古典油画的一些基础表现技巧就是在这个时期定型的。
这一时期的画家注重透视法和明暗法的作用，透视法即在二度空间的平面上，用三度空间的理性思维来处理艺术作品的一种科学手段，正是通过这种处理方法来进而突显人的精神的效果，使作品更富有现实性，架构了一个个具有真实感的深度空间。
欧洲中世纪的绘画艺术特点：中世纪基督教美术主要功能在于塑造礼拜像，利用偶像来引导他们的信仰，成为宣传教义的“石头圣经”。
基督教美术还作为装饰美的表现，它不仅是为了满足视觉的审美,更重要的是为了显示出教堂内部空间的神秘化，使信徒们宛如身临一种超现实的天国之中。
实际上基督教美术只是宗教教义的图解，所以面对文盲的广大信徒必须是简洁明快，一目了然，产生精神的感染，这就形成了中世纪美术的独特风格，成为超现实的精神形象符号，充满非自然的神性而无人性。
中世纪美术是西方文化的特殊表现形式之一。
它改变了希腊美术、罗马美术的传统，并在发展中逐渐形成自己的形式和内容体系，成为特定时期人们生活、观念、思想、感情的特殊形式的表现。
中世纪美术属于基督教美术。
作为宗教信仰和神学的表达形式，这种艺术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。
为此，它往往以夸张、变形，改变真实空间序列等多种手法来达到强烈表现的目的。
中世纪的绘画，人物形象呆滞、画面中充满了神学思想，缺乏真实的科学性和人类本身的自然性。
欧洲文艺复兴时期的绘画艺术特点:人物形象生动、自然，并富有科学的理性。
是真正的自然与人的融和。
强调人性崇高与身心的全面完美，重视世俗的现实生活，反对神学权威和封建特权。
新美术创作的真实完美的人物形象和生动丰富的现实情景，就最能体现这种思想，产生最为广泛和强烈的反应。
文艺复兴美术作为西方近代美术的源头，它的基本风格和表现技法构成了西方近代美术的主要传统，影响极其深远。
在造型艺术方面，它以写实传真为首务，开创了基于科学和实际考察的表现技法，如人体解剖和透视法则等，从而使它得以达到古典艺术之后一个新的高峰，在风格和技法上它和东方艺术以及一切近代之前的艺术有本质区别。
在建筑艺术方面，它以恢复古典建筑传统为首任，同时着重探讨建筑美感的理性法则，从而奠定了西方近代建筑延续数百年的典范形制。
在社会身份和专业教育方面，文艺复兴的艺术家也经历了从中世纪转向近代的演变。
美术史中的文艺复兴时期特点分析在漫长的美术发展历程中，文艺复兴时期无疑是一座璀璨的丰碑。
这一时期的艺术成就不仅在当时引起了巨大的轰动，而且对后世的艺术产生了深远且持久的影响。
文艺复兴时期的美术，最显著的特点之一就是对人性的关注与赞美。
中世纪的艺术大多服务于宗教，强调神的威严和神圣，而人的形象往往被弱化和刻板化。
然而，文艺复兴时期的艺术家们开始将目光转向人本身，强调人的价值和尊严。
例如，达芬奇的《蒙娜丽莎》，画中女子的微笑神秘而迷人，她不再是宗教中的符号，而是一个有血有肉、充满情感和个性的真实人物。
这种对人性的赞美和关注，反映了当时社会思潮的转变，人们开始更加重视个体的存在和价值。
写实主义的兴起也是这一时期的重要特点。
艺术家们追求真实地描绘自然和人物，注重比例、透视和光影的运用。
通过对解剖学的研究，他们能够更加准确地刻画人体的结构和形态。
比如米开朗基罗的雕塑作品，肌肉线条的刻画精准而有力，展现出人体的壮美和力量。
这种写实的手法使得艺术作品更加生动逼真，仿佛能够让观者触摸到真实的世界。
文艺复兴时期的美术在题材上也有了很大的拓展。
除了宗教题材，世俗生活、历史故事、神话传说等都成为了艺术家们创作的源泉。
这使得艺术更加贴近人们的生活，反映了社会的多样性和复杂性。
例如，拉斐尔的《雅典学院》，描绘了古希腊哲学家们在学院中探讨学术的场景，展现了人类对知识和智慧的追求。
这种对多元题材的探索，丰富了艺术的表现形式和内涵。
在技术方面，文艺复兴时期的艺术家们不断创新和发展。
油画的发明和广泛应用，为艺术家们提供了更加丰富的色彩和表现手段。
他们能够通过细腻的笔触和层次分明的色彩，营造出更加丰富和细腻的画面效果。
同时，在建筑领域，新的建筑风格兴起，强调对称、比例和和谐之美。
这一时期的艺术作品还体现了对古典文化的复兴和借鉴。
古希腊罗马时期的艺术被视为典范，艺术家们从中汲取灵感，追求形式的完美和秩序的和谐。
这种对古典文化的尊崇，不仅是对过去辉煌的致敬，更是在新的时代背景下对其进行的创新和发展。
分析文艺复兴时期中西艺术的差异——绘画的差异中西方绘画艺术存在较大差异，造成这种差异的原因有很多，文艺复兴时期的绘画艺术也是如此。
文艺复兴时期中西方文化背景的不同造就了绘画艺术的差异，中西方绘画受到的文化影响不同，以致于创作方法不同，选取的题材也不一样。
文艺复兴时期西方在古典文学的影响下进行艺术、文学等复兴，提倡人文主义，提倡人权反对神权，提倡人性反对神性。
这个时期主张以人为本的人文主义精神能在绘画上直观看到，绘画作品中的人物表情和动作有表现出人自由的情感，例如达·芬奇的《蒙娜丽莎》中的人物脸上淡淡的微笑流露的神秘、《最后的晚餐》中人物的动作流露的慌张都表现了人性的某一面。
同时这个时期的艺术都遵循着古典主义法则进行创作，古典主义的创作方法要求画面构图讲究对称。
达·芬奇的《最后的晚餐》有很好地做到这一点，他严格地遵循了讲究对称法则的古典主义创作方法，画面布局自有一套严格标准，耶稣被安排在画面中间，耶稣的门徒分别被均匀地安排在两侧，让整个画面看起来对称、均衡，非常协调。
不仅如此，达·芬奇的画作还运用了解刨学和透视学，所以他的作品中的阴影、人物表情、人体的比例、结构和动势都描绘地十分好，做到了艺术和科学的结合。
他的作品大多取材于古希腊的神话传说，这个时期西方的人物画也是大多以神学和宗教为主题。
文艺复兴时期的中国处于明朝，明朝前期绘画受到当时统治者的意志的影响，统治者重视的是绘画的社会功能，想借此达到协调社会各阶层、加强封建思想统治的目的，绘画只是他们维护和巩固自己的封建统治的工具。
统治者让宫廷画师画了许多与皇帝相关的故事，想通过画作来教化社会, 宣传要维护统治的思想。
这个时期的皇家画师的传统人物画在绘画技法上继承了前朝，水平高超，线条细致，立体感强，在人物叙事和历史题材方面有着很高成就。
但受益于统治者也局限于统治者，皇家的绘画范围就只在宫廷人物肖像、明君良将贤臣历史画和有关信仰的绘画这三者之间了。
文艺复兴时期的艺术特点是什么我常常在想，艺术就像是一面镜子，它反射出每个时代人们的思想、情感和生活。
那文艺复兴时期的艺术啊，就像一场盛大而华丽的狂欢派对，充满了无限的活力与激情。
文艺复兴时期的艺术有一个非常显著的特点，那就是对古典艺术的复兴和借鉴。
这时期的艺术家们就像是一群考古学家，疯狂地挖掘着古希腊和古罗马的艺术宝藏。
他们敬仰古典艺术，就像学生敬仰一位德高望重的老师。
你看米开朗基罗的雕塑，他的作品简直就是古典雕塑的现代重生。
他雕刻的大卫像，那肌肉的线条、身体的比例，不就像是从古希腊的神话世界里走出来的英雄吗？而且啊，这种对古典艺术的借鉴可不是简单的抄袭。
艺术家们像是厨师做菜，把古典艺术的元素当成食材，然后加入自己的创意调料，烹饪出全新的艺术大餐。
在这个时期，写实主义也是艺术的一个重要标签。
艺术家们想要描绘真实的世界，就像摄影师想要拍出最真实的照片一样急切。
达·芬奇就是这方面的大师。
他笔下的人物，无论是蒙娜丽莎那神秘的微笑，还是最后的晚餐里每个人物的神态，都像是从生活中直接搬到画布上的。
为了达到这种写实的效果，艺术家们可是下了大功夫。
他们就像探险家深入未知的领域一样，研究人体结构、透视原理。
我猜啊，他们肯定会对着模特儿喃喃自语：“我一定要把你最真实的样子画出来。
”这种写实主义让艺术作品充满了生命力，就像春天的花园里盛开的花朵，每一朵都那么真实而动人。
宗教题材在文艺复兴时期的艺术中依然占据着重要的地位，不过呢，它已经发生了很大的变化。
艺术家们对待宗教题材就像讲故事的人重新演绎古老的传说。
以前的宗教艺术大多是严肃而刻板的，像是一位古板的老学究在念枯燥的经文。
但是文艺复兴时期的艺术家们给宗教故事注入了新的活力。
拉斐尔的圣母像就是个很好的例子。
他画中的圣母不再是高高在上、不食人间烟火的形象，而是充满了母性的温柔和慈爱，就像邻家的大姐姐一样亲切。
艺术家们通过自己的理解和感受，把宗教人物变得更加人性化，这是不是很有趣呢？还有啊，文艺复兴时期的艺术作品充满了强烈的人文主义精神。
文艺复兴时期的绘艺术力文艺复兴时期，欧洲艺术迎来了空前的繁荣期，绘艺术力也得到了前所未有的发展。
在这个时期，艺术家们追求个性、表现力和技巧的完美融合，以及对人体和自然世界的真实再现，使得绘艺术力达到了巅峰。
本文将从艺术家的思想、绘画技巧和艺术作品等方面探讨文艺复兴时期绘艺术力的特点。
一、艺术家的思想在文艺复兴时期，艺术家的思想被极大地赋予了尊重和启迪。
人文主义的理念深深影响了艺术家们的思想，他们开始关注个体的自由、人类的尊严和人的本质。
因此，艺术家们开始将人体作为绘画主题，并追求对人体准确的比例和精细的解剖学研究。
这种人体观念的转变使得绘艺术力在表现人体形象和身体动态方面趋于真实和生动，给观者带来了身临其境的感受。
二、绘画技巧的提升文艺复兴时期的艺术家们致力于提升绘画技巧，使其更加符合真实世界的观察和再现。
在此期间，透视学作为一种新的绘画技巧被引入，艺术家们开始尝试使用透视法来描绘空间感和深度。
通过掌握透视法，艺术家们能够将远近的物体以及景深差异表现得更加逼真。
这种技巧的运用使得绘艺术力在构图和景观表现方面更加出色，打破了传统的平面表现方式，为观者呈现出更具立体感的画面。
三、对自然的真实再现文艺复兴时期的艺术家们对自然的真实再现有着极高的追求。
在这个时期，人们对于自然界的观察和研究得到了巨大的发展，艺术家们开始绘制更加真实精确的自然物象。
艺术家们不再依赖设想和想象来绘制自然景物，而是走出工作室，亲自观察自然界中的山水花卉等，以获取生动与变化的影像，以准确描绘每一细节。
这种对自然的真实再现使得绘艺术力在色彩运用和物象描绘方面趋近于完美，使其作品更加具有观赏价值和艺术力量。
四、艺术作品的创新与民主文艺复兴时期的艺术家创造了许多耐久经典的作品，并在作品中展现了自己的个性和创造力。
艺术家们不再局限于宗教题材，而是尝试绘制与神圣无关的日常生活场景，同时运用寓意和象征来传达自己的思想和感情。
他们的作品既具有深度的内涵，又表现出多样化的风格和配色方案，以此展示了个体的表达和艺术多元化。
浅谈中世纪与文艺复兴阶段的绘画中世纪在教皇高度的思想统治之下，人们普遍缺失表现内心深处的真实人性，一心的推崇神权统治，忽视乃至漠视人权。
这时候，一批有识之士，开始推崇学习古希腊、罗马，在此契机上，绘画等方面开始闪耀着人性的光芒，冲击着原先的迂腐，在欧洲这片都地上遍地开花，形成了各式各样的风格特点。
标签：风格;中世纪;绘画;艺术;美学;文艺复兴一、绘画风格产生背景一种现象的形成，与其所处的时代背景、环境都有着千丝万屡密不可分的联系。
中世纪是在罗马灭亡后至文艺复兴开始前的这一段时间跨度。
也被称作是黑暗的一千年，有先哲曾言，在中世纪，哲学是宗教的婢女;也可以说，在中世纪，艺术是宗教的婢女。
二、代表画作赏析从圣母子这幅画像中解读，我们不难等析出，中世纪的圣母表情显得非常木讷，甚至可以用“呆板”这个字眼来形容，毫无人的真实情感的流露，看起来只是一个模子摆设。
不径相同，这类题材的绘画主要都缺乏生命力，极具宗教意味，而主题则是神。
再举个例子，就《基督头像》這一绘画而言，我更偏向称其为画品，而不会将其当作一件精美的艺术绘画作品来欣赏。
画面表现的是圣经中耶稣基督接受受难的场面，耶稣的表情是凝重的神圣的、更是悲苦的。
之所以会显得神圣，是因为他并不表现人的世俗情感，他是没有情感的冰冷冷的神。
它会显得悲苦，又是因为基督要承担人世间的一切悲难和苦楚。
综上所述，中世纪绘画艺术是扎根在宗教思想高度统治的土壤里的，摒弃了人性、欲望、情感，转而用艺术表达神圣不可轻蔑亵渎的宗教情感信仰，在这个时期，其中的一些作品，宗教性完全压倒了艺术性的表达。
在此基础上，一批有思想的人们开始反思，希望对中世纪前的古希腊、古罗马文化进行复兴发扬，以此表达内心对于真实情感、人性的渴求，同时也极力抨击中世纪的愚昧、压迫、黑暗文艺复兴运动就此继往开来，在欧洲这片大路上开枝散叶。
三、此时绘画风格特点解析文艺复新时期的绘画不仅脱离了中世纪的神的题材元素，表达人性，更是注入人文精神，将人原本的韵味、神情表现得淋漓尽致，达到以情写神。
文艺复兴时期欧洲艺术的风格和特点在欧洲文艺复兴时期，艺术和文化被重新繁荣起来，成为了整个时代的重要组成部分。
在这个特殊的历史时期，欧洲的艺术家们以前所未有的方式探索了人类的本质和世界的本质，并为未来几个世纪的艺术界开辟了新的方向。
本文将讨论文艺复兴时期欧洲艺术的风格和特点。
一、形式方面的特点在文艺复兴时期，欧洲艺术的形式经历了一些明显的变化。
首先，画作的透视呈线性和遵循科学原则，这是画家用透视来表现深度的经典方式。
这种方式被广泛应用于描绘建筑物的立面、描绘城市街景以及描绘景物的远景。
其次，欧洲艺术家们更多地关注了人体的比例和解剖学方面的表现，体现在画作中的人物形象更为真实、生动，人物的肌肉和筋骨形态更明显。
此外，画作的颜色使用更充分，混合也更熟练。
在从暗到明、从浅到深的变化中，红、蓝、黄三色具有主导地位。
文艺复兴时期欧洲艺术的主要特点之一是追求真实的表现。
艺术家们尝试通过物理学和解剖学的知识，绘制出更真实、更生动的画作。
他们在这方面的成就为后世艺术界提供了可供学习的范例，并在整个艺术史上占据了重要地位。
二、主题方面的特点文艺复兴时期欧洲艺术的主题广泛且多样。
在这个时期，欧洲艺术家们探讨了许多不同的主题和话题，从宗教到贵族阶级的肖像，从风景到战争，以及从私人领域到公共领域的许多主题。
艺术家们向着自然主义和真实主义的方向探索，为现代素材主义艺术打下了基础。
一个特别重要的主题是著名的“圣经主题”，这是指文艺复兴时期壁画和油画中描绘圣经故事的一类主题。
这些画作一些反映出欧洲艺术家们对圣经故事的深入理解，同时还把这些故事与欧洲现实生活中的事件联系起来。
比如，拉斐尔的“西斯廷圣母”是一幅献给玛丽亚众人的圣像，被认为是文艺复兴时期最伟大的杰作之一。
三、文化和社会方面的特点欧洲文艺复兴时期是人文主义的黄金时代。
人文主义特点体现在对人的尊重、个人能力的强调和知识的追求。
文艺复兴时期的欧洲艺术家们表现出对人文主义哲学的极大兴趣，他们对人类的本质和世界的本质的探索，代表了文化和社会的变革。
【毕业论文】试论中世纪时期的绘画艺术特点【标题】试论中世纪时期的绘画艺术特点【作者】试论中世纪时期的绘画艺术特点【关键词】中世纪绘画客观真实性精神世界【指导老师】甘学明【专业】美术学【正文】一、中世纪时期绘画艺术的形成(一)何谓“中世纪”所谓“中世纪’,泛指自公元四、五世纪至十四、五世纪的一千年间，这一千年间正是古代学术衰落直至文艺复兴的漫长时期。
英国自然科学家波尔皮说:“这是人类由希腊思想从罗马统治的高峰降落下来，再沿着现代知识的斜坡挣扎上去所经历的一个阴谷。
”人们通常把这段时间的前期称为“黑暗时期”，后期称为“中世纪”，后来某些学者把文艺复兴作为近代文明的起点，把古希腊古罗马作为古代文明，把二者中间的一千年(公元5,15世纪)，作为从古代文明向近代文明的过渡时期，亦即两个历史繁荣时期的中间时期，统称“中世纪”。
在将近一千多年的时间里，宗教成为艺术发展的力量来源，在艺术发展的同时，也极大的禁锢着艺术，艺术进入了“黑暗时代”。
基督教产生于公元一世纪，却成为欧洲中世纪时期艺术的主导力量。
因此，中世纪时期的美术常常统称为“基督教美术”。
中世纪美术是西方文化的特殊表现形式之一，宣传基督教教义的理论学说称作“神学”，当然一切宗教理论都可以泛指为“神学”。
基督教的神学是以形而上学的方法，利用唯心主义哲学为依据，宣扬基督教的各种主张。
因此中世纪的美术可以说是为宗教服务的。
中世纪是的美术传承了了古希腊美术、古罗马美术的传统，并在发展中逐渐形成自己的形式和内容体系，成为特定时期人们生活、观念、思想、感情的特殊表现形式。
(二)中世纪宗教绘画艺术的形成中世纪时期的美术称基督教美术，这一时期的艺术是为宗教所服务的，艺术的发展是受宗教所制约的。
为了适应宗教的需要，很多大型纪念性建筑拔地而起:比如拜占庭式教堂高大的圆穹、哥特式教堂火焰般的尖卷，都充分显示出了这一时期封建宗教的权威，与教堂建筑应运而生的装饰性雕塑、镶嵌画、彩色玻璃画、壁画以及圣经、文学作品的插图画等多种绘画形式也都发展起来。
简述欧洲中世纪绘画的艺术特点朋友，你要是想了解欧洲中世纪绘画的艺术特点，那我可太有话想说了。
我觉得吧，欧洲中世纪绘画有很强的宗教性。
我每次看到那些中世纪绘画的时候，就感觉画家们好像都在通过画笔和上帝对话呢。
那时候宗教在人们生活里占的比重太大了，所以绘画大多是为宗教服务的。
画面里常常出现圣经里的故事场景，像耶稣诞生啊，最后的晚餐之类的。
画家们的内心啊，可能都充满着对宗教的敬畏，想要把宗教的神圣传递给每一个看画的人。
我就想象自己是当时的画家，心里肯定想的是要把上帝的荣光、圣徒的圣洁都完美地呈现出来，不能有一点亵渎。
在表现形式上，中世纪绘画有自己独特的风格。
人物形象往往比较刻板，没有太多的生动感。
我感觉画家们不是不想画得更生动，而是受到当时那种宗教氛围和传统技法的限制。
比如说人物的比例有时候不太对，不是按照现实中的比例来的。
我想啊，画家在画的时候可能也纠结过，但是没办法，传统就是这样，大家都这么画，而且宗教嘛，更注重的是传达那种神圣的感觉，而不是追求人物形象多么逼真。
色彩方面也很有特点。
颜色比较单一，不像后来文艺复兴时期那么丰富绚烂。
我看到那些画的时候就在想，画家是不是只能拿到有限的颜料呢？不过后来我想，这可能也是一种风格的选择。
他们用那些相对暗淡的色彩，来营造出一种庄严、肃穆的氛围。
这种氛围和宗教主题特别搭调，让人一看就心生敬畏。
还有啊，中世纪绘画的空间感很弱。
画面看起来就像是一个个平面的组合，没有什么透视效果。
我猜当时的画家们可能还没有完全掌握那种营造空间感的技巧。
但从另一个角度想，这种平面化的处理方式也让画面有一种独特的装饰性。
就像我有时候看那些画，会觉得它们像是精心制作的彩色玻璃窗一样，充满了神秘的美感。
我觉得欧洲中世纪绘画虽然和我们现代的审美有很大差异，但它却有着自己独特的魅力，每一幅画都像是那个时代的一扇窗户，让我们能窥探到当时人们的信仰和生活状态。
026ART PANORAMA 2007・04国际美苑我们置身于绘画艺术的历史长廊,欣赏艺术大师们的作品,每每折服于他们精湛的技艺,同时我们更惊叹艺术长河的博大,为我们呈现出精彩的艺术瑰宝。
不同的时代,绘画艺术总是以其独特的审美情趣展现在我们面前。
这是因为,任何艺术作为一种社会意识形态,它都会随着社会的变迁而表现出不同的审美特征。
如中世纪和文艺复兴时期的绘画艺术特征就有着显著的不同。
一、绘画艺术作为一种表现社会意识形态的形式与统治阶级的思想意识有着密切的关系中世纪是欧洲封建社会形成、发展和繁荣的时期,也是古希腊、罗马艺术衰落、宗教艺术兴起的时期。
当时的欧洲社会文化落后、思想愚昧,是历史上所谓的“黑暗时代”。
宗教在世界广大地区占据了思想领域的统治地位。
佛教、基督教、伊斯兰教在许多国家成为“国教”。
在等级森严的封建社会里,宗教为高层统治阶级所极力吹捧,是他们用来统治广大人民思想的工具。
因而处于统治地位的宗教意识决定了中世纪的各种社会意识形态都要服务于它。
绘画文/刘烨黄信初艺术作为人类文化活动的一种形式,也要满足中世纪统治者宣传宗教思想、巩固其对人们思想活动统治的要求。
因此,中世纪的绘画艺术就不可避免地具有浓厚的宗教色彩,成为“图画的圣经”,充当着上帝与教会“代言人”的角色。
我们可以从这一时期大量的绘画作品中感受到这一特征。
例如,在中世纪很流行的马赛克镶嵌画中有一幅很具代表性的作品,这就是意大利拉文纳“圣威塔尔教堂”中纪念查士丁尼大帝和他的皇后西奥朵拉的壁画。
查士丁尼是6世纪拜占庭的皇帝,他积极崇奉基督教。
在欧洲,基督教会已成为封建统治的工具,教会和世俗封建主共同维护着封建制度。
这幅壁画表现的是,在灿烂的黄色马赛克底色上,查士丁尼大帝身穿紫红色长袍,手捧献金宝盒,他的两边是着华服的拉文纳主教马克西米安和官员们,加上侍从武官,恰好构成十二门徒之数,画面人物正面拉长排成横列,显得肃穆、庄重,色彩和明暗变化纯粹、简洁,强调的是神圣和威仪,中间的查士丁尼看起来就像是耶稣的化身了。
西奥朵拉皇后同样捧着宝盒,她的两侧是男侍从,所有人物的形态都尽可能平稳、庄重,以显示出他们与凡人之不同。
中世纪的统治者就是这样利用艺术将自己与宗教神话中的人物结合为一体,并将自己上升到“神”的高度,从而加强自己在人们心中的威慑力,达到巩固其统治阶级地位的目的。
伴随着资本主义萌芽的产生,欧洲出现的“文艺复兴”运动是人类思想的一次大解放,它促进了文化艺术的繁荣和近代科学的大飞跃。
当时正处于由封建社会向资本主义社会过渡的时期,新兴的统治阶级对艺术这一社会意识形态有了新的要求,为了发展资本主义的生产关系,原有的推崇宗教、利用宗教控制人们思想的做法已经不符合统治阶级的要求了,他们要建立一个新兴的社会,而这个新兴的社会崇尚自然、科学,于是艺术也就由一种意识形态转变为另一种意识形态,它不再充当上帝与教会代言人的角色,而是从自然出发体现了艺术的世俗化。
如果说中世纪的艺术是宣扬宗教思想的工具,那么文艺复兴时期的艺术则摆脱了宗教思想的束缚,充分体现了人性的一面。
我们可以从这一时期部分作品中看到它与中世纪不同的艺术特征。
文艺复兴时期的天才人物—达・芬奇是一个纯正的人文主义者,他有许多不朽的杰作,其中以《蒙娜丽莎》尤为突出。
这幅作品画的既非伊斯兰的神,也非基督教的神,而是一个与他同时代现实生活中的人物,甚至连半点“神”的渲染都没有,纯粹是生活中一个妇人的形象。
画中人物坐姿优雅自然,笑容微妙,感觉她时而笑得舒畅温柔,时而又显得严肃,时而略含哀伤,不再是高不可攀的“神”,而是“人”的情感意味十足。
背景也不再是庄严的圣殿,而是一派自然的风景。
这充分表达了达・芬奇的人文主义思想,这也是文艺复兴时期艺术的一个主要特征。
所以,我们说中世纪的艺术崇尚“神权”,而文艺复兴时期的艺术崇尚人文。
二、中世纪的绘画艺术宣扬禁欲主义,而文艺复兴时期则是崇尚生命体的自然美达・芬奇曾鲜明地说过:“人是最神圣之物,人体是自然中最美的对象。
”而中世纪的神学和禁欲主义者,把活人的肉体称为“灵魂的牢狱”,“罪恶欲念的根源”,对一切表现生命体自然美的东西与文艺复兴时期的绘画艺术特征浅谈中世纪Features of the Medieval -and Renaissance -period Painting2007・04027美术大观国际美苑均加以排斥。
那时艺术家不敢大胆描绘人体的美。
在中世纪严厉的思想控制下,希腊、罗马艺术中美丽的维纳斯,被看做“异教的女妖”而遭到焚毁。
在中世纪的艺术作品中描绘的人物大都像“查士丁尼大帝和他的皇后西奥朵拉”的壁画中的人物那样,从头至脚包裹着严实的衣物,呆板、肃立。
而到了文艺复兴时期,人们冲破了思想的禁锢,如佛罗伦萨画家波堤切利的《维纳斯的诞生》一画中,裸体的维纳斯像一颗珍珠,从贝壳中站起,升上了海面,其优美的身姿、飘逸的秀发充满着美感。
在这幅画上波堤切利还画了许多玫瑰,在轻风的吹送中,玫瑰花瓣围绕着维纳斯窈窕而柔和的身姿飘舞。
洋溢着生命活力的肉体,美丽娇艳的鲜花,在当时成为了向宗教禁欲主义挑战的旗帜。
三、在空间透视、人物造型等方面中世纪与文艺复兴时期绘画艺术存在许多不同的特征我们再来看看查士丁尼大帝和他的皇后西奥朵拉那幅壁画,从中感受中世纪绘画艺术在空间透视和人物造型方面的特征。
在这幅壁画中,人物与圆顶拱门的位置之间没有体现出前后的空间关系,有时让人觉得人物是“贴”在上面一样。
再看这些人物的位置关系,所有的人物“一”字排开,缺少一种布局的美,十分呆板。
在人物造型上,修长的身体,细小的手足,大眼弯眉,瘦小的头部,都成了一种“程式化”的形象,描绘人物形象的线条僵硬,更不用说有体积感了,人物是一种平面化的状态,没有明暗光影的效果。
而文艺复兴时期的绘画作品在这些方面则迥然不同。
在拉斐尔的《雅典学院》一画中,我们可以清楚地看到画面中描绘了三重大的圆顶拱门,而这三重拱门有着明显的近大远小的科学的透视关系,整个画面有一种纵深感。
画面上所描绘的人群,前排的人形体大,后面的人形体小,在这些人物的位置安排上,也摒弃了中世纪呈“一字形”排开的惯例,人物不仅有前、中、后的位置关系,还出现了左、中、右的人物群,人们也已不再是木然肃立,而是三五成群各具动态了。
整个画面上的人物布局有条有理,层次清晰,形象十分生动。
再看人物的造型,十分科学,人体各个部分之间的比例,呈现出和谐的美,在用线方面也一改中世纪那僵直的味道,线条流畅、优美。
更重要的是画家开始将明暗、光影体现到画面上来了,人物有了体积感,脱离了平面化,变得立体丰满,有血有肉,是鲜活的人了。
在这幅画里,画家还大胆地运用浪漫的想象,让他所崇敬的属于不同时期的学者们欢聚一堂,中间是柏拉图(右和亚里士多德(左。
此外还有苏格拉底、色诺芬、大儒学家狄奥金尼斯、唯物论者赫拉克利特、毕达哥拉斯、罗马普洛丁诺斯以及头戴波斯帽的查拉斯特等人。
艺术家的创作不再受到枷锁的禁锢,而是充满了激情。
我们还可以再来看一幅文艺复兴时期的杰作—达・芬奇的《最后的晚餐》。
在庆祝逾越节的前夜,耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁,共进庆祝逾越节的一顿晚餐。
这幅作品画在米兰圣马丽教堂餐厅的正面墙壁上,从一定的距离看,画和屋顶墙壁的透视与餐厅建筑实际的透视衔接。
可以想象,在这个餐厅用饭的僧侣们,恍惚之间会感到餐厅深处,画中的人物在和他们一起进餐。
在人物排列上,十二个门徒分成了四个小组,各组之间又自然地由人身的倾向和手臂的穿插互相连接,在统一中有变化,变化中有统一。
人物造型在尊重科学比例的前提下还十分地生动多变,线条运用尤其体现在人物衣褶上,方向多变但流畅而不乱。
光感十分强,坐在正中的耶稣,头部正好受到中间窗户亮光的衬托,十分突出,而桌面下则描绘了桌子的大面积投影,这些光影关系在中世纪的艺术作品中都是不曾表现的。
这幅画还有一个十分突出的特色,也正好可以体现两个不同时期艺术的特征,那就是作者十分注重人物动作和神态的刻画,他认为人物的神态和动作可以展示人物的性情。
在《最后的晚餐》这幅画里:从右端起,秃顶的西门展开双手像在对侧耳谛听的达太讲:“这是从何说起。
”马可随着达太也倾向西门,可是却将双臂回伸指向耶稣,似乎在问:“真的有人敢出卖老师?”年轻的菲里普双手按胸,向老师保证:“我绝不会干这种事!”大雅多惊呼着撑开双臂,无意中把杯子带翻。
他身后的多以马竖起一个手指问老师:“真有这样一个人?!”耶稣只是摊开手,平静的面容上略显悲悯。
再过去,温柔的约翰靠向后边听彼得问话。
虬髯的彼得左手按在他的肩上,弯曲的右手还握着一把刀,使人想起他的暴烈个性。
在彼得胸前,犹大肘靠桌边,恐惧中倾向后方。
在十三个人物中只有犹大的脸隐在阴影中,彰显其卑劣……这些多具特点的神态和动作可以引起人们的无限联想。
总之,门徒在听了耶稣的话以后,各个反应不同,于是表现出个人的个性和心理。
达・芬奇的人物姿态在关键时刻充分表现出其内心世界,极具戏剧化的表现效果。
达・芬奇的《最后的晚餐》尽管被认作是流传最广的宗教绘画,实质上它不仅仅是一幅宗教绘画,而更多的是人类心理的描写。
在绘画艺术的历史长河中,中世纪和文艺复兴时期是其中的两个具有代表性的阶段。
由于这两个时代的不同,其绘画艺术各自具有不同特点,但都对艺术的发展起着推动的作用,值得我们学习和思考。
刘烨黄信初南华大学设计与艺术学院责任编辑/严赫。
