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论爱乐之城电影音乐的戏剧性功能本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！摘要：优秀的电影音乐可以最凝练的传递出电影的主题与气质。
本文以第第89届奥斯卡获奖影片《爱乐之城》为例，探析电影主题曲及其配乐对影片戏剧性叙事的影响。
总结出电影音乐的四个戏剧性叙事功能，主要表现为：为影片渲染气氛，营造意境；作为剧作元素，推动剧情发展；控制影片节奏，形成独特声画蒙太奇；连接时空，连贯画面，展现电影梦幻之境。
以期为当代电影音乐加强电影结构叙事能力的良性发展略尽绵薄之力。
关键词：电影音乐；电影结构；戏剧性叙事功能电影从诞生以来，就从来没有完全“无声”过。
早在1896年卢米埃尔兄弟的影片在英国上映时，在放映的现场就有钢琴演奏流行歌曲作为配乐。
那时欧洲和美国的主要电影院里都配有乐师或乐队，影片在发行时都要附上配乐说明。
随着电影艺术的发展，声音作为一种艺术存在，与视觉画面共同构筑成无限广阔的视听空间和丰富多彩的视听形象。
它有效地拓展了电影艺术的表现空间，丰富了视听语言的传达手段，使电影创作能够自由的处理真实与虚拟的关系，充分发掘各种题材的内涵意蕴，灵活表达人类各种思想感情，使“形美以感目，声美以感耳”的美学理想得以实现。
电影中的声音元素有多种不同形态，主要分为音乐、音响和人声三个部分。
音响基于纪实和再现的需要，营造氛围、展示环境空间，以表真为主；人声是传递信息的基本方式，以表意为主；而音乐则提供一系列无意识的支持，最直接而强烈的激发情绪及想象，以表情为主。
因此，音响与人声可以说增强了电影艺术的逼真性，音乐则提供了电影成为艺术的可能性。
因此，电影音乐可以被视为电影“灵魂的伴生物”，它与电影画面紧密结合，成为浑然天成的艺术整体。
它即保持着自身旋律、节奏、和声等元素丰富的情感表现形式，又服从于电影情节的总体构思，配合视觉语言完成表意的功能。
浅析歌剧《浮士德》中音乐描绘的戏剧作者：蔡越来源：《知识窗·教师版》2013年第02期摘要：音乐与戏剧文学是歌剧中具有决定意义的元素。
音乐具有时间性、抒情性和表现性，而戏剧文学则具有空间性、造型性和再现性。
音乐与戏剧文学同时进入歌剧这一综合体中，两者相互对比又相互渗透，从而造就了歌剧艺术空间性与时间性的统一、造型性与抒情性的统一、再现性与表象性的统一。
本文从音乐的角度出发，分析了歌剧《浮士德》中的音乐是如何为戏剧服务的，又通过分析音乐对人物形象、矛盾冲突、场面三方面的描绘，探究了音乐艺术与文学艺术相比，哪个更具戏剧性的描绘能力。
关键词：歌剧《浮士德》音乐描绘音乐戏剧性歌剧是叙事的艺术，而叙述恰好是音乐艺术不擅长的，歌剧脚本为歌剧艺术提供的造型性、空间性、视觉性不是音乐所能赋予的。
然而，音乐作为表情的艺术、时间的艺术和听觉的艺术，具有高度的抽象性和非语义性，对营造歌剧的综合美以及为表达歌剧中人物跌宕起伏的情感与情节冲突的撞击力起着不可替代的作用。
一、音乐对人物形象的描绘文学通过文字叙述对人物形象进行外在的描绘，读者只能按照自己的理解和推测去把握原著中所要表达的人物形象。
而音乐的概括性与模糊性更能表现出人物内心的情感活动。
因此，音乐相较于文学，更能揭示歌剧中人物的情感和个性的发展。
歌剧《浮士德》就是通过音乐，进一步刻画出了使受众更易产生共鸣的主人公形象。
1.浮士德的心理矛盾形象浮士德在序曲后的第一曲咏叹调就表现出了渴望自杀的心情，曲调的下行表现出浮士德对生命的失望、无奈以及不甘心。
随后响起了年轻姑娘们和农夫的歌声，轻快的旋律与浮士德的咏叹调形成了鲜明的对比，烘托出浮士德了无生趣的心境。
唱段《向那小屋致敬》通过朴实的语言把浮士德的内心矛盾呈现出来，又成功地刻画出浮士德性格中勇于追求的一面。
2.梅菲斯特的魔鬼形象梅菲斯特是拥有阴暗心灵的魔鬼形象。
在歌剧中，梅菲斯特在浮士德的诅咒、呼唤以及打击乐器的伴奏中出现。
歌剧《阿尔米德》中舞蹈音乐戏剧作用的探索歌剧《阿尔米德》中的舞蹈音乐在整个剧目中扮演着至关重要的角色。
《阿尔米德》是意大利作曲家克里斯托夫·威廉·冯·格卢克创作的一部歌剧，首演于1805年。
这部歌剧以它精美的音乐和戏剧性的情节而闻名，而其中的舞蹈音乐更是为剧情的发展和气氛的营造起到了至关重要的作用。
本文将探索《阿尔米德》中舞蹈音乐在戏剧中的作用，以及对剧情、角色和情绪的表达。
歌剧《阿尔米德》中的舞蹈音乐在戏剧中起到了连接不同场景的作用。
在歌剧中，舞蹈音乐常常出现在不同场景之间，通过音乐的过渡和表现来连接起不同的情节，使得整个剧目更加连贯。
比如在卡门的场景中，卡门与她的舞者们表演了一段活泼轻快的舞蹈，这个场景结束后，通过舞蹈音乐的过渡，剧情顺利地过渡到了下一个场景。
这种连接作用使得整部歌剧更加流畅、自然。
舞蹈音乐在《阿尔米德》中还扮演着表现情绪和展示角色特征的重要角色。
在歌剧中，角色常常通过歌唱和表演来表现内心的情感，而舞蹈音乐也成为了表达情感的另一种方式。
比如在帕利斯的舞蹈中，他用舞蹈来表现自己的优雅和自信，通过舞蹈音乐的优美旋律和舞蹈动作的流畅来展现他的性格特点。
而在阿尔米德的舞蹈中，则表现出了她的悲伤和孤独，通过舞蹈音乐的节奏和动作的变化来展现她的内心世界。
舞蹈音乐通过独特的表现形式，丰富了角色的形象，使得观众更加容易理解角色的情感和性格。
舞蹈音乐还在《阿尔米德》中扮演着营造气氛和增强戏剧张力的作用。
在歌剧中，通过舞蹈音乐的旋律和节奏来营造出不同的氛围，使得观众能够更加身临其境地感受到剧中的场景和情境。
比如在战斗场景中，舞蹈音乐的紧张激昂、节奏明快的旋律营造出了一种紧张刺激的氛围，使得观众仿佛置身于战场之中。
而在爱情场景中，舞蹈音乐的柔美旋律和流畅舒缓的动作则营造出了一种温馨浪漫的氛围，使得观众更能够感受到爱情的甜蜜和温暖。
通过舞蹈音乐营造出的氛围，增强了观众的戏剧体验，使得剧情更加生动、感染力更强。
浅论歌剧中戏剧与音乐的关系歌剧是一种集戏剧、音乐、舞蹈和美术于一体的艺术形式，它不仅仅是一种演出形式，更是一种文化精神的体现。
在歌剧中，戏剧和音乐是不可分割的两个部分，它们相辅相成，共同构成了一部完整的作品。
戏剧和音乐的关系一直是歌剧家们所探讨的重要问题。
本文旨在探讨歌剧中戏剧与音乐的关系，以期对这个问题有进一步的了解和理解。
首先，歌剧中的音乐是戏剧维持情节的纽带。
一部歌剧的情节是由音乐推动的，它们是不能分割的。
音乐是戏剧中情感的传达者和加强者，它可以使观众更好地理解和感受到角色的情感变化。
例如，莫扎特的歌剧《费加罗婚礼》中，当唱腔变得高亢时，意味着剧情即将达到高潮。
同样，在普契尼的歌剧《图兰朵》中，主角卡列拉的唱腔表达了他的热情和决心，从而引导了观众的情感。
其次，音乐在歌剧中也有着独立的意义和价值。
音乐不仅仅是戏剧的伴奏，它本身也是一种独立的艺术形式。
歌剧创作家们通过音乐表现角色的情感、人物之间的关系以及整个歌剧的主题，从而达到更加深入的表达。
例如，威尔第的歌剧《茶花女》中，主角阿尔弗雷多和金达之间的爱情故事深入人心，而歌剧中的著名咏叹调《静夜思》同样也成为了经典之作。
此外，歌剧中的戏剧和音乐还存在相互独立的情况。
有时候，音乐不仅仅用来表现剧情，而是单纯地呈现美感，如梅纽恩的《魔笛》中女巫重新唱出了黑魔法的咒语时，曲调异常优美，与剧情此时此刻的恐怖变形形成了鲜明对比；又如普契尼的《我是快乐的》中，音乐和唱词才是这部歌剧的灵魂，因其不需要大量的戏剧情节来衬托音乐的价值。
综上所述，歌剧中的戏剧和音乐是互相依存、互相促进的。
音乐不仅是戏剧的背景，更重要的是它给予了剧情更深刻的情感表达和人物形象塑造，而戏剧则是音乐的依托和发挥。
一部优秀的歌剧不仅要注重剧情和人物的刻画，还要注重音乐的表达和深度。
因此，戏剧和音乐的完美结合，将成为歌剧叙事艺术的经典篇章。
浅论歌剧中戏剧与音乐的关系作者：张龙飞来源：《戏剧之家》2017年第13期【摘要】歌剧已经成为中国目前音乐市场中的一个热点话题。
全方面研究国外和国内的歌剧市场，其发展得益于它的商业动作经验。
从一开始，歌剧就是一个强大的商业发展项目。
商业运作的前提条件，一是必须拥有很好的作品；二是做好宣传工作。
【关键词】歌剧；商业化的发展；调研；考察中图分类号：J80 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）13-0061-02一、歌剧的含义歌剧是将音乐、戏剧、文学、舞蹈、美术等综合在一起的艺术。
但是真正的“音乐戏剧”要数现代歌剧，它出现在16世纪末17世纪初，伴随着文艺复兴音乐剧的世俗化而形成。
二、音乐与戏剧之间的联系音乐是表达人的情感的一种方式，它能够激发人们的想象力，带给欣赏者抽象的、艺术的、浪漫的享受，也能够舒缓神经，放松心情，达到释放压力的效果。
戏剧包括戏曲、歌剧、舞剧、音乐剧等，戏剧演员借助语言、运动方式、舞蹈、音乐、舞台灯光等元素，使观众在欣赏过程中得到艺术享受。
音乐可以有效拓展和丰富舞台形象。
戏剧的舞台形象可以大大提高戏剧的表演效果，是一种高水平、高质量的文化艺术。
三、音乐与戏剧表演之间的关系音乐和戏剧表演是局部与总体的关系。
一位演员是戏剧的主导，通过语言，运动和舞蹈等元素能够让戏剧创出更好的故事，然而音乐、道具、烟火、灯光、等都将成为强大的附加元素，可以为演员的情感提供更好的舞台。
这样可以大大提高戏剧艺术和舞台效果的力量，潜移默化地提高欣赏舞台形象的想象力和艺术感。
音乐和戏剧表演好比是主角和配角的关系。
各大戏剧表演都很直观，易于理解。
演员在观众的欣赏中占主体地位，然而音乐是十分抽象的，它为观众提供了空旷的、幻想的体验空间，不能够发挥主导级别的作用，只有通过适度美化剧场，使舞台戏剧达到更好的效果。
所以，戏剧将成为舞台上的主角，音乐将成为配角。
音乐对于舞台剧，是非常积极的、富有表现力的、艺术感染力的重要元素，起着格外重要的辅助作用。
歌剧《阿尔米德》中舞蹈音乐戏剧作用的探索歌剧《阿尔米德》是17世纪法国歌剧中的杰作之一，由让-巴普蒂斯特·吕利所创作。
歌剧中不仅有璀璨的音乐和脍炙人口的剧情，还有极具特色的舞蹈表演。
本文将探讨《阿尔米德》中舞蹈音乐戏剧作用的重要性。
首先，舞蹈的视觉效果对歌剧的演绎起到了重要的作用。
《阿尔米德》中的舞蹈精美绝伦，令观众赞叹。
演员们身着华丽的服饰，在舞台上翩翩起舞，身姿纤秀，各种舞蹈动作翩然而至，充满活力和生命力。
舞蹈的视觉效果能够吸引观众的注意力，同时也能够为观众带来视觉上的享受和美的感受。
在现代的歌剧演绎中，舞蹈的视觉效果仍然是很重要的元素之一。
其次，舞蹈的音乐效果对歌剧的演绎也起到了至关重要的作用。
在歌剧中，舞蹈与奏乐是紧密结合的。
音乐和舞蹈的结合，突出了歌剧中每个场景的情感色彩，起到了平衡音乐与情感之间的关系。
在《阿尔米德》中，舞蹈的音乐效果使得音乐更具感染力，增强了情感的表现力。
音乐和舞蹈的互动使得歌剧的情节更加深刻和生动。
此外，舞蹈在歌剧中也可以用具体的动作来表现角色的个性、心理状态和性格特征，跳舞动作与音乐和谐统一。
在《阿尔米德》中，舞蹈有时用于表现角色的欢乐、放松和娱乐状态。
例如，洛林舞蹈、格阿尔德力骑士的舞蹈等，让观众感受到角色的轻松和愉快。
反之，当角色面临挑战、危险或悲伤时，舞蹈又会表达出角色的痛苦和苦恼，引导观众进一步了解角色的内心世界。
通过舞蹈的表现手段，歌剧传达出角色深层次的情感和故事内涵，丰富了歌剧的表现形式。
最后，舞蹈还能够为歌剧提供背景支撑和情节推进的作用。
在《阿尔米德》中，舞蹈的时空变化和情节推进，使得故事更具有悬疑性和吸引力。
例如，第四幕玫瑰花园的舞蹈，为角色的感情转折提供了舞台上的背景，也更加美化了整个故事。
综上所述，舞蹈在歌剧《阿尔米德》中的作用不可忽视。
它不仅突出了视觉效果，而且通过音乐和动作的结合，体现了角色的性格和情感状态。
舞蹈的多重作用使得《阿尔米德》具有了强大的表现力，成为了17世纪法国歌剧中的杰出代表之一。
浅论歌剧中戏剧与音乐的关系歌剧作为一种融合了戏剧和音乐的艺术形式，其戏剧性和音乐性之间的关系一直以来备受讨论。
戏剧与音乐在歌剧中相辅相成，彼此之间相辅相成、紧密相连，形成了独特的艺术魅力。
本文将从戏剧与音乐的相互影响、结合方式以及对作品的表现力等方面浅论歌剧中戏剧与音乐的关系。
1.戏剧与音乐在歌剧中相互影响。
音乐是歌剧中最重要的元素之一，它通过旋律、和声、节奏等音乐要素表现戏剧中人物的情感、冲突以及剧情的发展。
戏剧情节的剧情发展和人物塑造会直接影响到音乐的创作和演绎方式。
音乐作为表达情感的媒介，可以通过音乐的旋律高低、音符的长短、音调的改变等方式来展现人物的喜怒哀乐，使观众更加深入地理解戏剧中的情节和人物的内心世界。
2.戏剧与音乐在歌剧中的结合方式多种多样。
歌剧是一个综合性的艺术形式，戏剧和音乐往往以不同的方式交织在一起。
有的歌剧作品中，戏剧和音乐相互配合、相互呼应，共同表现出戏剧的主题和情感。
有的歌剧作品中，音乐被用来表达戏剧中的情感和心理状态。
在戏剧中的高潮部分，音乐常常会达到高潮，使观众更加沉浸在戏剧的氛围中。
而有的歌剧作品中，音乐和戏剧的关系则更加紧密，音乐不仅仅是情感的表达，还可以成为故事发展的重要推动力。
戏剧和音乐的紧密结合使得观众可以通过音乐的旋律、和声、节奏等来更好地理解和感受到戏剧的情节和人物。
3.戏剧与音乐的关系也影响着作品的表现力。
戏剧和音乐之间的相互影响使得歌剧作品在情感表达上更加深入、丰富。
音乐作为非常直接的艺术形式，可以通过旋律和声音的变化来传达人物内心的情感状况。
而戏剧则通过人物的动作、台词等来表达情感。
两者的结合使得观众可以通过不同的感官途径来感受戏剧作品中的情感，增强了作品的艺术感染力。
另外，音乐还可以通过曲调的变化和旋律的转折来刻画不同的人物形象和个性特点，从而更好地传达戏剧作品中的人物形象和冲突。
总之，戏剧与音乐在歌剧中形成了一种相互依存、相互影响的关系。
戏剧性在歌剧中通过音乐来得到发挥，音乐性则通过戏剧来增强表现力。
论音乐在歌剧中的戏剧功能
摘要：歌剧是一种融音乐、戏剧、舞蹈、舞台美术等艺术形式为一体的高度综合性的舞台音乐戏剧艺术。
音乐贯穿歌剧始终并在歌剧中处于的统治、支配地位且起主导作用是歌剧最本质的特征。
关键词：戏剧功能歌剧本质歌剧形象歌剧气氛
歌剧是一种融音乐、戏剧、舞蹈、舞台美术等艺术形式为一体的高度综合性的舞台音乐戏剧艺术。
音乐与戏剧是歌剧这个综合艺术体里最重要的两个基本要素,如何处理他们的关系一直是一个很敏感而重要的话题。
从歌剧自身发展的每一次质变中,我们都可以看到音乐与戏剧的关系是改革的一个焦点与核心。
从蒙特威尔第、莫扎特、格鲁克到瓦格纳等的歌剧改革,都是以音乐与戏剧的关系问题为切入口的。
远在公元前五世纪,欧洲出现了希腊悲剧,亚里斯多德就提出音乐在戏剧中只占第五位,仅仅比布景重要一点。
这意味着音乐与戏剧之间那微妙的关系.
美国当代重要音乐学家约瑟夫·科尔曼（Joseph Kerman，1924－）的名著《作为戏剧的歌剧》一书是西方歌剧研究中一部极其重要的经典名著。
作者结合运用戏剧批评、历史研究和音乐分析等不同学科的研究方法，不但触及歌剧的深层美学理论，而且涉及非常具体的戏剧与音乐课题。
书中所论及的剧目，均是西方歌剧史中最具代表性的“重头戏”作品。
作者通过自己锋利的笔触，对这些经典歌剧进行多方位的解剖和多向度的解释，从而扩展了读者的历史视野，引导读者以全新视角重新认识熟悉的艺术作品，并启发读者思考歌剧这种特殊艺术品种的精髓真谛。
《作为戏剧的歌剧》实际上是作者科尔曼解读和诠释歌剧作品的戏剧内涵和音乐特点的批评文集。
作者行文中给我留下的最深刻印象，并非他完整的理论框架和深刻的论辩逻辑，而是他极其敏锐的审美感受力和异常锋利的艺术直觉。
根据作者的论述,在此我简单地对音乐在歌剧中的戏剧功能与作用做一个简单的总结. 1.歌剧是由一系列的戏剧情节构成，并且从总体上应具有戏剧性。
戏剧理论家们认为“戏剧性”的实质是冲突、激变。
这种冲突是人类意志的冲突，是人的自然欲望和人类伦理道德的冲突，是人与社会、环境的冲突。
它制造急遽惊人的变化，设计舞台瞬间的“突变”。
它是一种表演，一种叙述，一种体验，一种与观众之间“间离”的介质，它是舞台上讲述的故事。
因此，歌剧只有具备强烈的戏剧性，才能够完成歌剧通过戏剧情节表达音乐的使命，才能达到观众通过用戏剧情节充分欣赏音乐的目的。
因此,歌剧是一种独立的戏剧形式，它由一系列的戏剧情节所构成。
歌剧的戏剧情节则是通过音乐、舞台和语言来揭示的。
由此可见，歌剧的三个构成要素是音乐、舞台和语言。
三个要素的按照一定比例、规则进行组合、搭配、排列形成了歌剧的结构。
在这三个要素中，音乐决定着舞台和语言，语言和舞台被音乐决定并为音乐服务，音乐的充分展示和被欣赏是最终目的；舞台是音乐和语言的载体，音乐和语言离开舞台则失去依托，不能存在。
舞台要和音乐、语言相协调；语言为音乐服务并与音乐相协调，语言和舞台也必须相互协
调。
这就是歌剧的基本结构。
音乐贯穿歌剧始终并在歌剧中占支配地位且起主导作用——歌剧艺术的本质。
音乐贯穿歌剧始终并在歌剧中占支配地位且起主导作用的特征重在确立了音乐和歌剧的关系。
从某种意义上说(就是在论及歌剧本质的这个意义上)，歌剧的本质就是音乐，歌剧的创作过程就是音乐创作的过程，歌剧的演出实质就是音乐展示的过程，观众欣赏歌剧实质就是音乐被观众欣赏的过程。
音乐贯穿歌剧始终，在歌剧中占支配地位并起主导作用，充分说明了音乐在歌剧中的地位和作用。
音乐在歌剧中占据支配或统治地位，是对音乐质的说明；音乐贯穿歌剧始终是对音乐量的说明；音乐在整部歌剧中起主导作用是对音乐功能的说明。
音乐在歌剧中发挥的巨大作用，决定了歌剧作为一种戏剧——音乐体裁的性质。
歌剧的结构决定了音乐在歌剧中的功能。
音乐在歌剧中的功能主要体现在以下四个方面：第一，塑造人物。
歌剧中的人物性格虽然有剧词的勾勒，但其真正的心理生命和内在生活却主要是由音乐来规定的。
歌剧中的剧词由于受到多种限制，只能提供有关人物一般信息，而作曲家必须在此基础上，利用旋律、速度、节奏、和声和乐器等音乐手段对这些一般化的信息予以具体化和个性化的转型，其结果是，音乐“溶解”并“消化”了剧词，人物的性格和感情依靠音乐得以展现。
如“薇奥莱塔”是威尔第在《茶花女》中成功塑造的歌剧形象，也是闻名于世界的经典歌剧形象之一。
本文立足于薇奥莱塔咏叹调的音乐因素和薇奥莱塔人物的戏剧因素，结合谱例，从“崇高”和“悲剧性”两个方面具体论析了薇奥莱塔人物形象的审美价值和艺术魅力。
基本思路是：在歌剧本性论及歌剧美学的理论指导下，从“歌剧人物高度上分析”的角度论析作曲家如何以剧中人物为出发点，采用种种艺术手段在过程中展开和完成对歌剧形象的塑造，从而使歌剧人物上升为生动，鲜明，感人的歌剧形象，进而赋予歌剧作品长久的艺术价值和魅力。
在理论现实意义上，本文从薇奥莱塔咏叹调的音乐因素，人物形象的戏剧特征和审美价值，以及作曲家一度创作心理等方面进行的综合分析，有利于丰富发展我国传统的歌剧理论，有利于进一步深刻地挖掘该歌剧作品的艺术内涵和价值，同时有助于演唱者从更深层次上塑造薇奥莱塔歌剧形象和对薇奥莱塔咏叹调进行二度创作。
本文在写作安排上遵循“作品—人物—作品”和“创作，表演，欣赏”两条逻辑线索。
全文共分为四大部分：第一章主要交待《茶花女》的创作背景和创作心理；第二章主要从音乐和戏剧两因素分析作曲家如何对薇奥莱塔人物形象进行塑造和演唱者如何进行二度创作的重要体现.
第二，规定动作。
歌剧中的动作有狭义和泛指之分。
狭义地说，动作就是指演员有舞台上的形体动作和“心理”动作。
广义是指歌剧中的剧情的发展。
用音乐规定动作，意味着在歌剧中，音乐应该最大限度地融合，参与乃至彻底卷入剧情的进展和演员在舞台上的表演，剧情进展脱离音乐将不复存在，有时甚至音乐本身就是动作。
>第二幕的终场的终场中的几个奇妙的例子,特别请注意清晰分割的音乐段落之间的结合处.苏珊娜从室内走出,面对拔剑怒视的伯爵，另外,请留意费加罗喋喋不休的狡猾饶舌中反常刺激的节奏，此处的处理及其恰如其分,以至我们可以肯定费加罗一直在门外偷听，>的读信场景属于普契尼最优秀的创造之列，伴奏的音乐企及终止式,重又开始,一个神不知鬼不觉的旋律悄然降临:蝴蝶夫人对平克尔顿笨拙的暗示弦乐上一个甜蜜而不祥的高音降B准确地反映出她当时的心理，逐渐,蝴蝶夫人不知不觉地开始唱起这支旋律.这支旋律在伴奏音型的
阴影中安静地消失,就像蝴蝶夫人的希望一样.随后,这段精致.奇妙而恰如其分的时间片刻就此结束——夏普勒斯实在无心继续。
可以说,在歌剧中,音乐匹配、展示、支持着动作。
第三，营造气氛。
音乐的魔力之一，是能够利用音响的暗示，渲染出某种特定的情绪氛围和心理环境。
歌剧不仅在局部细节上要求音乐应对外部环境进行拟声模仿，并且还要求音乐在更广的意义上对剧情内容和戏剧主旨进行寓于象征的总体色调勾勒。
就音乐在戏剧中发挥作用的角度看,更有意思、更具重要性的情形是,气氛渗透到所有的动作、思想和感情之中。
比才《卡门》的序曲介绍了三段音乐: 西班牙民俗风，斗牛士之歌与命运主题。
第一曲敷设出西班牙热情而兼吉普赛风情的地域色彩。
第二首斗牛士之歌活泼明亮，取材于西班牙的舞曲，点出了自由主题。
第三首命运主题旋律低沉凝重，有如说话的平板腔调，时常以顽固的低音主题重现。
它虽有浓烈的西班牙气氛,但还不能与>中的俄罗斯气氛相比.一出场的音乐类似于俄罗斯民众的呻吟.在登基的场面上,运用了反传统的和声来反衬出权利的虚伪。
并通过音乐来听俄罗斯人民的心声.因此,在刻画人物上,表现惊谎.不安的情景,歌剧更具有表现力和影响力。
第四，统一结构功能。
在歌剧中，音乐可以通过自己的材料组织和结构布局对戏剧的整体内在统一提供有力的支持。
以上所述歌剧的三个特征是紧密相连，缺一不可。
缺少任何一个特征，歌剧将会失去自己独立存在的意义，而难于与其它艺术形式相区分。
这四个特征中，音乐贯穿歌剧始终并在歌剧中处于的统治、支配地位且起主导作用是歌剧最本质的特征。
参考文献：
[1]约瑟夫·科尔曼《作为戏剧的歌剧》
[2]吴祖强、于润洋主编《中央音乐学院音乐百科全书》。
