静物画赏析

塞尚的部分静物画赏析前言：说句实话在开始上美术欣赏这课前我对塞尚这个人还是不太知晓的，为了完成好这次的作业，我也在网上收索了许多他的资料，看了他的许多作品，也仔细地分析了他的画所要表达的意思。

但是我毕竟没有所过专业的美术知识的培训，没有深层次的美术欣赏的能力，所以在欣赏这位大家的画作是也只是停留在表层。

希望老师同学看了能见谅我的不足，我也会在以后多多欣赏一些名人大家的画作，提高自己的鉴赏水平，丰富自己的人文生活。

摘要：在塞尚的静物作品中，苹果常常成为他写生的“静物”，几枚苹果凌乱地放在铺着台布的桌子或者果盘里，是一幅特别有意味的画面。

当塞尚的静物苹果出现时，西方美术界为之震惊。

这是只没有政治，没有所谓思想，没有雄心壮志，不急不躁，不会故作深沉的苹果，它清新芬芳真实可触，忠实于自己的自然属性，安静而光泽。

塞尚画笔下的所有女人，似乎都有着苹果般的气质，她们坐在那里，没有所谓为了前途而疯狂打拼的野心，她们安静到只是一只苹果。

从静物可以看出保罗·塞尚的探索精神和画风特色。

对此西方曾有人评论说：“如果试想从17世纪荷兰的静物画中拿一个东西，立即就好像到了你手里；而如果想从塞尚的静物画里挪动一只桃子，它就会连带把整幅画一起拽下来。

”塞尚的静物之美是得到公认的，其原因就在于他善于确凿地证明：他的“变形”观察比普通人对现实事物的知觉要更真实、更可信和更生动。

关键字：静物、苹果、映像正文：《埃斯泰克的海湾》的中景部分是海湾，这是一片强烈浓重的色块，各种各样的蓝色，从画布的这端延展到另一端，建立起经过细致融合的笔触。

海湾的后面，是一排蜿蜒起伏的小山，山的上空是淡淡的、柔和的蓝天，里面只加了一些极淡的玫瑰红笔触，象是落日的余辉。

艺术家在画的边缘切断了空间，这种切断空间的手法具有否定在深度中消退幻觉的效果。

海湾的蓝色，甚至比前景的褐色和红色更强烈地表现自己，结果空间变得模棱两可又相类似。

我们必须把它当做深度中的全景画来理解，同时又把它当做在画表面上搞色形排列组合来理解。

水粉静物知识点总结水粉静物画有着独特的魅力和表现形式，其特点在于色彩的柔和与流畅、形态的轻盈与迷人。

通过对色彩、形态和光影的处理，画家能够将平凡的物品赋予生动的艺术表现力，给人以美的享受和心灵的感动。

本文将通过对水粉静物画的知识点进行总结，以便更好地了解和欣赏这一艺术形式。

一、水粉静物画的基本知识点1. 色彩水粉静物画的色彩是其最具吸引力的地方之一，它以柔和的色调和渐变的过渡为特点。

水粉颜料本身就具有一定的透明性和流动性，因此在画面上可以表现出丰富的色彩层次和细腻的色彩过渡。

画家可以通过层层叠加颜色、混合和提炼来呈现出丰富多彩的效果，从而使画面更加具有表现力和张力。

2. 形态水粉静物画在形态上追求的是柔和与流畅，画家常常通过细腻的笔触和流畅的线条来勾勒出静物的形态和质感。

在处理物体的立体感和透视关系时，画家可以巧妙运用色彩和明暗的对比来表现，并通过层次感和空间感来使画面更加立体和生动。

3. 光影在水粉静物画中，光影的处理是至关重要的。

画家可以通过对光影的处理来表现物体的形态和质感，突出画面的层次和立体感。

在光影的处理上，水粉的透明性和流动性使得画家可以更加自如地表现出物体的明暗和光影效果，使画面更加生动而富有魅力。

4. 表现手法水粉静物画的表现手法是其独特之处，画家常常会通过淡彩、细笔、干刷等技法来表现画面的质感和线条的流畅。

在表现画面中的静物时，画家需要灵活运用各种技法来表现物体的不同特征，使整幅画面更加具有传神的艺术表现力。

二、水粉静物画的欣赏与赏析1. 水粉静物画的题材水粉静物画的题材主要以日常生活中的静物为主，如花、果、鱼、器皿等。

这些静物常常具有丰富的质感和生动的形态，适合用来展现水粉静物画的表现力和艺术魅力。

画家可以通过对这些静物的细致描绘和艺术处理，使其成为画面的焦点和灵魂。

2. 水粉静物画的赏析在欣赏水粉静物画时，观者可以从色彩、形态、光影和表现手法等方面来进行赏析。

首先，观者可以欣赏画面中的色彩层次和色彩过渡，感受画家对色彩的运用和表现。

学号1192210406静物画：即以相对静止的物体为主要描绘题材的绘画。

这种物体（如花卉、蔬果、器皿、书册、食品和餐具等等）必须是根据作者创作构思的需要，经过认真的选择，经过精心地摆布和安排，使许多物体在形象和色调的关系上，都能达到高度表现，总的谐和，能传出物象内在的感情。

静物画中所描绘的这些物体，虽很普通，但它却包含了深刻的意义。

静物画的象征，意义：静物画表现生动活泼、鲜明有力，具有给人以鼓舞、使人兴奋向上，引人对生活产生无限热爱的艺术感染力。

一幅好的静物画，必须要尽可能的充分表现出有助于描绘出对象的精神实质的正确的形象和色彩。

《静物》,公元1世纪末叶,湿壁画,那不勒斯国立考古博物馆(石)见于《外国美术史》P62页右上角《静物》可以说是西方最早的静物画之一.在这幅别致的壁画上,画家选择淡雅的色彩,用类似素描的画法,真实再现了厨房里的用具和食品,让人认识到古罗马人家庭生活的一个生动侧面,光从左侧照射着室内的所有物品,通过精确的形状和微妙的明暗,它们全呈现立体的状态,有了可接触的真实感.蛋.禽.水罐.桌子等无不显露出本身固有的特制,投影更增强了它们实实在在存在于三维空间里的效果.画家全力追求的,依然是忠于模仿自然,让画面成为眼见之物的镜像.当然,它的创造者不仅仅显示出摹写对象的高超技艺,而且也展露经营画面的完美意识,均衡,简洁而又富于变化的构图,同样是这幅静物画迷人的所在罗马人能画这么精彩的“单色静物画”，也能画十分生动的彩色静物。

与庞贝同埋在火山灰下的古城赫库兰尼姆也发现了壁画，其中就有一幅彩色的《静物》。

如下图。

它和前一幅作品在国立那不勒斯考古博物馆，一起展示着古罗马静物画的特色。

暖棕色的台子上，摆放着黄绿的桃子和玻璃的水罐，色彩的对比，使桃子和水罐显得分外突出。

明暗和投影，与色彩相配合，营造这它们似真的样子。

最令人感兴趣的，还是画家精确地捕捉到水罐上的闪光，把玻璃制品的特征再现得及具说服力，你会觉得用手指弹它就会听到清脆的响声。

文艺复兴名画赏析静物文艺复兴时期的静物画以描绘静态的物体为主题，通常包括花卉、水果、器皿、食品等。

这些物体通常被摆放在一种精心设计的背景中，通过精细的绘画技巧和光影效果来表现出物体的形态和质地。

在文艺复兴时期，静物画成为了艺术家们展示绘画技巧和表现力的重要手段，许多著名的文艺复兴画家都创作了优秀的静物作品，这些作品不仅在当时备受赞赏，而且至今仍然被人们所喜爱。

其中，莱昂纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》中的静物描绘是最为著名的之一。

在这幅作品中，莱昂纳多通过精湛的绘画技巧和对光影效果的把握，将蒙娜丽莎手中的水晶杯和水果描绘得栩栩如生，给人以强烈的视觉冲击力。

同时，静物的描绘也为整幅画作增添了生动的氛围，使得蒙娜丽莎的微笑更加神秘动人。

这幅作品不仅在静物的描绘上达到了极高的艺术水平，而且在整体构图和表现手法上也堪称完美，成为了文艺复兴时期静物画的经典之作。

另外，拉斐尔的《圣母子与圣安娜》中的静物描绘也是非常出色的。

在这幅作品中，拉斐尔通过对静物的精细描绘，使得整幅画作更加富有层次感和立体感。

静物的描绘不仅为画面增添了趣味和生动感，而且也为整个画面增添了一种平衡和和谐的美感。

这幅作品在静物的处理上展现了拉斐尔高超的绘画技巧和对光影效果的精准把握，成为了文艺复兴时期静物画的又一杰作。

除了莱昂纳多和拉斐尔，米开朗基罗的《大卫像》中的静物描绘也是非常出色的。

在这幅作品中，米开朗基罗通过对大卫手中的弹弓和弹弓袋的精细描绘，使得整幅画作更加生动和具有戏剧性。

静物的描绘不仅为画面增添了一种动态的张力，而且也为整个画面增添了一种紧张和悬疑的氛围。

这幅作品在静物的处理上展现了米开朗基罗出色的绘画技巧和对形态结构的深刻理解，成为了文艺复兴时期静物画的又一杰作。

总的来说，文艺复兴时期的静物画以其精湛的绘画技巧和对光影效果的把握而著称，许多著名的文艺复兴画家都创作了优秀的静物作品。

这些作品不仅在当时备受赞赏，而且至今仍然被人们所喜爱。

天空马蒂斯作品赏析天空马蒂斯（Henri Matisse）是20世纪最重要的法国画家之一，他以其独特的绘画风格和对色彩的运用而闻名于世。

他的作品充满了活力和生机，充满了对自然和生活的热爱。

在他的作品中，我们可以看到对色彩和形式的深刻理解，以及对生活的热情和乐观态度。

天空马蒂斯的作品涵盖了许多不同的主题和风格，但最为人所熟知的是他的静物和人物画。

他的静物画以其简洁的线条和丰富的色彩而闻名，这些作品常常给人以愉悦和轻松的感觉。

在他的人物画中，我们可以看到对人物形象的简化和夸张，以及对色彩和光影的精准把握。

无论是静物还是人物，天空马蒂斯的作品都充满了生命力和活力，给人以积极向上的感受。

在天空马蒂斯的作品中，最为人所称道的是他对色彩的运用。

他善于运用鲜艳的色彩和简洁的线条来表现形象，他的作品中常常可以看到大胆的色彩组合和丰富的色彩层次。

他对色彩的运用不仅仅是为了表现形象，更重要的是为了表达情感和情绪。

在他的作品中，我们可以感受到他对生活的热爱和对美的追求，这种积极向上的情感通过色彩得到了最直接的表达。

除了色彩，天空马蒂斯对形式的运用也是其作品的一大特点。

他善于运用简洁的线条和平面的构图来表现形象，他的作品中常常可以看到形象被简化和夸张的特点。

通过简化和夸张，他能够更好地表现出形象的本质和特点，使作品更加生动和有趣。

在他的作品中，我们可以看到对形式的深刻理解和对构图的精准把握，这些都使他的作品充满了动感和韵律。

天空马蒂斯的作品不仅仅是对自然和生活的再现，更重要的是通过对色彩和形式的运用来表达情感和情绪。

在他的作品中，我们可以感受到他对生活的热爱和对美的追求，这种积极向上的情感通过作品得到了最直接的表达。

他的作品给人以愉悦和轻松的感觉，使人感受到生活的美好和活力。

总的来说，天空马蒂斯是一位对色彩和形式有着深刻理解的画家，他的作品充满了活力和生机，给人以积极向上的感受。

通过对自然和生活的再现，他表达了对美的追求和对生活的热爱，使人感受到生活的美好和活力。

梵高的向日葵赏析狂热的冲动,追逐着猛烈的即兴而作,这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。

向日葵金黄色的花瓣, 给他一种温暖的感觉, 使他内心充满激情地去画那些面朝太阳而生的花朵．花蕊画得火红火红, 就像一团炽热的火球；黄色的花瓣就像太阳放射出耀眼的光芒一般．厚重的笔触使画面带有雕塑感, 耀眼的黄颜色充斥整个画面, 引起人们精神上的极大振奋。

色彩的对比也是单纯强烈的。

然而，在这种单纯和粗厚中却又充满了灵气和智慧。

观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤,激情也喷薄而出，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。

总之，梵高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有热情和原始冲动的生命体,像闪烁着的熊熊的火焰,是那样华美,艳丽,同时又是优雅,和谐甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力。

堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。

梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。

他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。

梵高写给弟弟西奥的信中多次谈到《向日葵》的系列作品，其中说明有十二株和十四株向日葵的两种构图。

他以12来表示基督十二门徒，他还将南方画室（友人之家）的成员定为12人，加上本人和弟弟西奥两人，一共14人。

对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。

夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如像向日葵般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。

作为世界最名贵二十幅名画之一，梵高的油画《向日葵》也是梵高的代表作之一, 也是他在最痛苦的煎熬中所倾心绘制的最充满光明的精神追求的作品．然而在当时, 他的生活却是与一贫如洗的痛苦联系在一起的。

1987年3月，当时任安田火灾海上保险代表取缔役的后藤康男在伦敦佳士得拍卖公司主持的拍卖会上，以相当于39,921,750美元的价格标得《花瓶里的十五朵向日葵》，开创了梵高作品价格的纪录，使得连那些对美术没有兴趣的人都认识《向日葵》系列。

塞尚的《坐在红扶手椅里的塞尚夫人》是为他夫人画的肖像。

在这一作品中，塞尚完全不考虑西方传统肖像画所要表现的人物性格、心理状态以及社会地位等等。

在表现手法上，也不是用传统的以光影表现质感的方法来描绘的。

而是采用色彩造型法达到他一生追求的色彩与形体的结合。

色彩与形体的表现便成了塞尚一生所追求的“造型的本质”。

他的这种重在艺术形式的追求的创作倾向，对西方现代主义美术的产生和发展具有深远的影响，故被人称为“西方现代绘画之父”。

他指出：“世界上的一切物体都可以概括为球体、圆柱体和圆锥体”，从而在画面上做到极大的概括。

他反对传统绘画观念中把素描和色彩割裂开来的做法，追求通过色彩表现物体的透视。

他的画面，色彩和谐美丽。

面对写生对象，他总是极其审慎地观察、思考和组织画面的色调，反复推敲，反复修改，以致许多画总像是没有完成一般。

为了长久地反复钻研，他经常面的题材是静物画。

在这些精心组织的静物画中，塞尚并不过多地重视空间、体积和透视丰系的科学性，而是更加注重画面形和色的平面布局，力求达到一种类似图案一样的平面的和谐与均衡.但是，他这样反复地去画人物时，常常使当模持儿的人无法忍受长时间的枯坐，因此，他越来越难以寻找可意的模特儿。

而最为耐心最为善良的模特儿便是年轻的塞尚夫人。

他的作品中，以夫人为模特儿的便有25件。

《红沙发上的塞尚夫人》便是其中之一。

塞尚夫人名叫马利·奥尔丹斯·菲格，1869年与塞尚结婚。

在这之前，她是一家装订工厂的女工，业余为塞尚作模特儿，她的耐心和顺从使塞尚十分感动。

结婚之后，她不但操持家务，照料画家的起居，而且继续为画家当模特儿。

在这幅画中，画家把红色沙发和模特儿身上的蓝绿色调，构成十分鲜明的对照，色彩响亮而协调。

在这一作品中，塞尚完全不考虑西方传统肖像画所要表现的人物性格、心理状态以及社会地位等等。

在表现手法上，也不是用传统的以光影表现质感的方法来描绘的。

而是采用色彩造型法达到他一生追求的色彩与形体的结合。