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塞尚的部分静物画赏析前言：说句实话在开始上美术欣赏这课前我对塞尚这个人还是不太知晓的，为了完成好这次的作业，我也在网上收索了许多他的资料，看了他的许多作品，也仔细地分析了他的画所要表达的意思。
但是我毕竟没有所过专业的美术知识的培训，没有深层次的美术欣赏的能力，所以在欣赏这位大家的画作是也只是停留在表层。
希望老师同学看了能见谅我的不足，我也会在以后多多欣赏一些名人大家的画作，提高自己的鉴赏水平，丰富自己的人文生活。
摘要：在塞尚的静物作品中，苹果常常成为他写生的“静物”，几枚苹果凌乱地放在铺着台布的桌子或者果盘里，是一幅特别有意味的画面。
当塞尚的静物苹果出现时，西方美术界为之震惊。
这是只没有政治，没有所谓思想，没有雄心壮志，不急不躁，不会故作深沉的苹果，它清新芬芳真实可触，忠实于自己的自然属性，安静而光泽。
塞尚画笔下的所有女人，似乎都有着苹果般的气质，她们坐在那里，没有所谓为了前途而疯狂打拼的野心，她们安静到只是一只苹果。
从静物可以看出保罗·塞尚的探索精神和画风特色。
对此西方曾有人评论说：“如果试想从17世纪荷兰的静物画中拿一个东西，立即就好像到了你手里；而如果想从塞尚的静物画里挪动一只桃子，它就会连带把整幅画一起拽下来。
”塞尚的静物之美是得到公认的，其原因就在于他善于确凿地证明：他的“变形”观察比普通人对现实事物的知觉要更真实、更可信和更生动。
关键字：静物、苹果、映像正文：《埃斯泰克的海湾》的中景部分是海湾，这是一片强烈浓重的色块，各种各样的蓝色，从画布的这端延展到另一端，建立起经过细致融合的笔触。
海湾的后面，是一排蜿蜒起伏的小山，山的上空是淡淡的、柔和的蓝天，里面只加了一些极淡的玫瑰红笔触，象是落日的余辉。
艺术家在画的边缘切断了空间，这种切断空间的手法具有否定在深度中消退幻觉的效果。
海湾的蓝色，甚至比前景的褐色和红色更强烈地表现自己，结果空间变得模棱两可又相类似。
我们必须把它当做深度中的全景画来理解，同时又把它当做在画表面上搞色形排列组合来理解。
水粉静物知识点总结水粉静物画有着独特的魅力和表现形式，其特点在于色彩的柔和与流畅、形态的轻盈与迷人。
通过对色彩、形态和光影的处理，画家能够将平凡的物品赋予生动的艺术表现力，给人以美的享受和心灵的感动。
本文将通过对水粉静物画的知识点进行总结，以便更好地了解和欣赏这一艺术形式。
一、水粉静物画的基本知识点1. 色彩水粉静物画的色彩是其最具吸引力的地方之一，它以柔和的色调和渐变的过渡为特点。
水粉颜料本身就具有一定的透明性和流动性，因此在画面上可以表现出丰富的色彩层次和细腻的色彩过渡。
画家可以通过层层叠加颜色、混合和提炼来呈现出丰富多彩的效果，从而使画面更加具有表现力和张力。
2. 形态水粉静物画在形态上追求的是柔和与流畅，画家常常通过细腻的笔触和流畅的线条来勾勒出静物的形态和质感。
在处理物体的立体感和透视关系时，画家可以巧妙运用色彩和明暗的对比来表现，并通过层次感和空间感来使画面更加立体和生动。
3. 光影在水粉静物画中，光影的处理是至关重要的。
画家可以通过对光影的处理来表现物体的形态和质感，突出画面的层次和立体感。
在光影的处理上，水粉的透明性和流动性使得画家可以更加自如地表现出物体的明暗和光影效果，使画面更加生动而富有魅力。
4. 表现手法水粉静物画的表现手法是其独特之处，画家常常会通过淡彩、细笔、干刷等技法来表现画面的质感和线条的流畅。
在表现画面中的静物时，画家需要灵活运用各种技法来表现物体的不同特征，使整幅画面更加具有传神的艺术表现力。
二、水粉静物画的欣赏与赏析1. 水粉静物画的题材水粉静物画的题材主要以日常生活中的静物为主，如花、果、鱼、器皿等。
这些静物常常具有丰富的质感和生动的形态，适合用来展现水粉静物画的表现力和艺术魅力。
画家可以通过对这些静物的细致描绘和艺术处理，使其成为画面的焦点和灵魂。
2. 水粉静物画的赏析在欣赏水粉静物画时，观者可以从色彩、形态、光影和表现手法等方面来进行赏析。
首先，观者可以欣赏画面中的色彩层次和色彩过渡，感受画家对色彩的运用和表现。
学号1192210406静物画：即以相对静止的物体为主要描绘题材的绘画。
这种物体（如花卉、蔬果、器皿、书册、食品和餐具等等）必须是根据作者创作构思的需要，经过认真的选择，经过精心地摆布和安排，使许多物体在形象和色调的关系上，都能达到高度表现，总的谐和，能传出物象内在的感情。
静物画中所描绘的这些物体，虽很普通，但它却包含了深刻的意义。
静物画的象征，意义：静物画表现生动活泼、鲜明有力，具有给人以鼓舞、使人兴奋向上，引人对生活产生无限热爱的艺术感染力。
一幅好的静物画，必须要尽可能的充分表现出有助于描绘出对象的精神实质的正确的形象和色彩。
《静物》,公元1世纪末叶,湿壁画,那不勒斯国立考古博物馆(石)见于《外国美术史》P62页右上角《静物》可以说是西方最早的静物画之一.在这幅别致的壁画上,画家选择淡雅的色彩,用类似素描的画法,真实再现了厨房里的用具和食品,让人认识到古罗马人家庭生活的一个生动侧面,光从左侧照射着室内的所有物品,通过精确的形状和微妙的明暗,它们全呈现立体的状态,有了可接触的真实感.蛋.禽.水罐.桌子等无不显露出本身固有的特制,投影更增强了它们实实在在存在于三维空间里的效果.画家全力追求的,依然是忠于模仿自然,让画面成为眼见之物的镜像.当然,它的创造者不仅仅显示出摹写对象的高超技艺,而且也展露经营画面的完美意识,均衡,简洁而又富于变化的构图,同样是这幅静物画迷人的所在罗马人能画这么精彩的“单色静物画”，也能画十分生动的彩色静物。
与庞贝同埋在火山灰下的古城赫库兰尼姆也发现了壁画，其中就有一幅彩色的《静物》。
如下图。
它和前一幅作品在国立那不勒斯考古博物馆，一起展示着古罗马静物画的特色。
暖棕色的台子上，摆放着黄绿的桃子和玻璃的水罐，色彩的对比，使桃子和水罐显得分外突出。
明暗和投影，与色彩相配合，营造这它们似真的样子。
最令人感兴趣的，还是画家精确地捕捉到水罐上的闪光，把玻璃制品的特征再现得及具说服力，你会觉得用手指弹它就会听到清脆的响声。
文艺复兴名画赏析静物文艺复兴时期的静物画以描绘静态的物体为主题，通常包括花卉、水果、器皿、食品等。
这些物体通常被摆放在一种精心设计的背景中，通过精细的绘画技巧和光影效果来表现出物体的形态和质地。
在文艺复兴时期，静物画成为了艺术家们展示绘画技巧和表现力的重要手段，许多著名的文艺复兴画家都创作了优秀的静物作品，这些作品不仅在当时备受赞赏，而且至今仍然被人们所喜爱。
其中，莱昂纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》中的静物描绘是最为著名的之一。
在这幅作品中，莱昂纳多通过精湛的绘画技巧和对光影效果的把握，将蒙娜丽莎手中的水晶杯和水果描绘得栩栩如生，给人以强烈的视觉冲击力。
同时，静物的描绘也为整幅画作增添了生动的氛围，使得蒙娜丽莎的微笑更加神秘动人。
这幅作品不仅在静物的描绘上达到了极高的艺术水平，而且在整体构图和表现手法上也堪称完美，成为了文艺复兴时期静物画的经典之作。
另外，拉斐尔的《圣母子与圣安娜》中的静物描绘也是非常出色的。
在这幅作品中，拉斐尔通过对静物的精细描绘，使得整幅画作更加富有层次感和立体感。
静物的描绘不仅为画面增添了趣味和生动感，而且也为整个画面增添了一种平衡和和谐的美感。
这幅作品在静物的处理上展现了拉斐尔高超的绘画技巧和对光影效果的精准把握，成为了文艺复兴时期静物画的又一杰作。
除了莱昂纳多和拉斐尔，米开朗基罗的《大卫像》中的静物描绘也是非常出色的。
在这幅作品中，米开朗基罗通过对大卫手中的弹弓和弹弓袋的精细描绘，使得整幅画作更加生动和具有戏剧性。
静物的描绘不仅为画面增添了一种动态的张力，而且也为整个画面增添了一种紧张和悬疑的氛围。
这幅作品在静物的处理上展现了米开朗基罗出色的绘画技巧和对形态结构的深刻理解，成为了文艺复兴时期静物画的又一杰作。
总的来说，文艺复兴时期的静物画以其精湛的绘画技巧和对光影效果的把握而著称，许多著名的文艺复兴画家都创作了优秀的静物作品。
这些作品不仅在当时备受赞赏，而且至今仍然被人们所喜爱。
天空马蒂斯作品赏析天空马蒂斯（Henri Matisse）是20世纪最重要的法国画家之一，他以其独特的绘画风格和对色彩的运用而闻名于世。
他的作品充满了活力和生机，充满了对自然和生活的热爱。
在他的作品中，我们可以看到对色彩和形式的深刻理解，以及对生活的热情和乐观态度。
天空马蒂斯的作品涵盖了许多不同的主题和风格，但最为人所熟知的是他的静物和人物画。
他的静物画以其简洁的线条和丰富的色彩而闻名，这些作品常常给人以愉悦和轻松的感觉。
在他的人物画中，我们可以看到对人物形象的简化和夸张，以及对色彩和光影的精准把握。
无论是静物还是人物，天空马蒂斯的作品都充满了生命力和活力，给人以积极向上的感受。
在天空马蒂斯的作品中，最为人所称道的是他对色彩的运用。
他善于运用鲜艳的色彩和简洁的线条来表现形象，他的作品中常常可以看到大胆的色彩组合和丰富的色彩层次。
他对色彩的运用不仅仅是为了表现形象，更重要的是为了表达情感和情绪。
在他的作品中，我们可以感受到他对生活的热爱和对美的追求，这种积极向上的情感通过色彩得到了最直接的表达。
除了色彩，天空马蒂斯对形式的运用也是其作品的一大特点。
他善于运用简洁的线条和平面的构图来表现形象，他的作品中常常可以看到形象被简化和夸张的特点。
通过简化和夸张，他能够更好地表现出形象的本质和特点，使作品更加生动和有趣。
在他的作品中，我们可以看到对形式的深刻理解和对构图的精准把握，这些都使他的作品充满了动感和韵律。
天空马蒂斯的作品不仅仅是对自然和生活的再现，更重要的是通过对色彩和形式的运用来表达情感和情绪。
在他的作品中，我们可以感受到他对生活的热爱和对美的追求，这种积极向上的情感通过作品得到了最直接的表达。
他的作品给人以愉悦和轻松的感觉，使人感受到生活的美好和活力。
总的来说，天空马蒂斯是一位对色彩和形式有着深刻理解的画家，他的作品充满了活力和生机，给人以积极向上的感受。
通过对自然和生活的再现，他表达了对美的追求和对生活的热爱，使人感受到生活的美好和活力。
梵高的向日葵赏析狂热的冲动,追逐着猛烈的即兴而作,这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。
向日葵金黄色的花瓣, 给他一种温暖的感觉, 使他内心充满激情地去画那些面朝太阳而生的花朵．花蕊画得火红火红, 就像一团炽热的火球；黄色的花瓣就像太阳放射出耀眼的光芒一般．厚重的笔触使画面带有雕塑感, 耀眼的黄颜色充斥整个画面, 引起人们精神上的极大振奋。
色彩的对比也是单纯强烈的。
然而，在这种单纯和粗厚中却又充满了灵气和智慧。
观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤,激情也喷薄而出，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。
总之，梵高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有热情和原始冲动的生命体,像闪烁着的熊熊的火焰,是那样华美,艳丽,同时又是优雅,和谐甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力。
堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。
梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。
他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。
梵高写给弟弟西奥的信中多次谈到《向日葵》的系列作品，其中说明有十二株和十四株向日葵的两种构图。
他以12来表示基督十二门徒，他还将南方画室（友人之家）的成员定为12人，加上本人和弟弟西奥两人，一共14人。
对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。
夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如像向日葵般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。
作为世界最名贵二十幅名画之一，梵高的油画《向日葵》也是梵高的代表作之一, 也是他在最痛苦的煎熬中所倾心绘制的最充满光明的精神追求的作品．然而在当时, 他的生活却是与一贫如洗的痛苦联系在一起的。
1987年3月，当时任安田火灾海上保险代表取缔役的后藤康男在伦敦佳士得拍卖公司主持的拍卖会上，以相当于39,921,750美元的价格标得《花瓶里的十五朵向日葵》，开创了梵高作品价格的纪录，使得连那些对美术没有兴趣的人都认识《向日葵》系列。
塞尚的《坐在红扶手椅里的塞尚夫人》是为他夫人画的肖像。
在这一作品中，塞尚完全不考虑西方传统肖像画所要表现的人物性格、心理状态以及社会地位等等。
在表现手法上，也不是用传统的以光影表现质感的方法来描绘的。
而是采用色彩造型法达到他一生追求的色彩与形体的结合。
色彩与形体的表现便成了塞尚一生所追求的“造型的本质”。
他的这种重在艺术形式的追求的创作倾向，对西方现代主义美术的产生和发展具有深远的影响，故被人称为“西方现代绘画之父”。
他指出：“世界上的一切物体都可以概括为球体、圆柱体和圆锥体”，从而在画面上做到极大的概括。
他反对传统绘画观念中把素描和色彩割裂开来的做法，追求通过色彩表现物体的透视。
他的画面，色彩和谐美丽。
面对写生对象，他总是极其审慎地观察、思考和组织画面的色调，反复推敲，反复修改，以致许多画总像是没有完成一般。
为了长久地反复钻研，他经常面的题材是静物画。
在这些精心组织的静物画中，塞尚并不过多地重视空间、体积和透视丰系的科学性，而是更加注重画面形和色的平面布局，力求达到一种类似图案一样的平面的和谐与均衡.但是，他这样反复地去画人物时，常常使当模持儿的人无法忍受长时间的枯坐，因此，他越来越难以寻找可意的模特儿。
而最为耐心最为善良的模特儿便是年轻的塞尚夫人。
他的作品中，以夫人为模特儿的便有25件。
《红沙发上的塞尚夫人》便是其中之一。
塞尚夫人名叫马利·奥尔丹斯·菲格，1869年与塞尚结婚。
在这之前，她是一家装订工厂的女工，业余为塞尚作模特儿，她的耐心和顺从使塞尚十分感动。
结婚之后，她不但操持家务，照料画家的起居，而且继续为画家当模特儿。
在这幅画中，画家把红色沙发和模特儿身上的蓝绿色调，构成十分鲜明的对照，色彩响亮而协调。
在这一作品中，塞尚完全不考虑西方传统肖像画所要表现的人物性格、心理状态以及社会地位等等。
在表现手法上，也不是用传统的以光影表现质感的方法来描绘的。
而是采用色彩造型法达到他一生追求的色彩与形体的结合。
|Shu Hua Shi Jie・书画视界与时光对话—石明祥水彩静物系列作品赏析王胜湖南师范大学美术学院摘要:“人类的任何思想——思考所遵循的范式,都是从自己的认知格式中诞生出来的”，在艺术多元的当下,面对各种艺术观念,艺术家应该有自己的主张和选择。
水彩虽为西方画种,但作为一名生活在中国文化语境中的水彩画家,其作品应具有东方美的意蕴与内涵。
艺术作品如何符合当代的审美要求,体现自身的生命状态。
如何将写实能力与中国文化的承载完美结合,追求作品与内心的统一,真正形成自己的艺术语言和面貌,这是石明祥对绘画艺术正在追求的目标。
关键词:水彩静物系列作品赏析中图分类号:J205文献标识码:A 文章编号：1008-3359（2020）04-0051-02—、作品品读从作品的类型来看，石明祥的绘画作品主要可以分为三个系列,分别为马王堆系列、静时光系列和太湖石系列,文章将分别对这三个系列进行赏析。
（一）历史的吟唱——马王堆系列克洛依伯说“文化的核心是由传统的观念所构成的,特别是同这些观念密不可分的价值观”。
石明祥很显然就是这样一位注重传统，并以之作为自己作品核心的画家，马王堆系列是他对历史文物长期探索研究后的情感爆发。
在用色上面,整个系列作品采取了汉楚色彩体系，厚重且华丽。
在构图上面采用了汉楚屏风式的构图，这种构图将主体物切割开来，观者通过视觉完形的惯性主观将切割的事物连接起来，这样便实现了画作和观者之间进一步的交流。
对于背景的处理，与主体物青铜器相比则显得粗放和简洁，对于主体物青铜器来说，背景的简洁平面化处理使得观者更多地着眼于青铜器。
在马王堆系列作品中，青铜器成为了承载中国传统文化的符号，采用写实技法刻画出来的具象的青铜符号，给人更加直接的情感冲击。
图1石明祥青灯佛语（水彩）（二）现实的轻语——静时光系列诸葛亮在《诫子书》中说到：“君子之行，静以修身，俭以养德，非澹泊无以明志，非宁静无以致远。
”石明祥的静时光系列便深刻地体现出了宁静致远的意蕴。
梵高的《向日葵》赏析《向日葵》是荷兰著名画家梵高创作的一幅静物画作品，作品描绘了一朵活灵活现的花朵，就像它的名字“向日葵”，它有活力、有生气、有洒脱的活泼，充满活力的颜色，散发着柔和的光芒，浓浓的向往之情，使这幅描绘向日葵的小画作更具有艺术价值。
《向日葵》画的是一朵花的主体，而背景中的植物和小河更是构成了一幅完整的作品。
画作中使用的是深浅不一的绿色，使作品更加灿烂，粗粝的线条更增加了整幅画作的表现力。
梵高采用涂抹笔触表现花朵和植物中的结实和纤细，使画作更加生动。
整幅画采用平行视角，空气中充满了自然的气息。
《向日葵》是梵高期间创作的重要作品之一，它体现出梵高在对向日葵的描绘中注入了大量的青春活力，使作品显得更加活泼生动。
梵高的《向日葵》的绘画技巧也有着独特的魅力，他将向日葵画得活灵活现，花瓣上的假面也让画面显得更加立体。
《向日葵》正是梵高一贯善于使用低处灰色阴影，高处用暗色反衬的色调，形成黑白对比，营造出一种意境，并且熟练地使用暗色来表达花朵的光泽和质感，使画面更加深入生动。
同时，梵高还采用了自己的绘画技法“非线性绘画”，将颜色随意地推上画面，表现出一种抽象的风格，让人仿佛沐浴在一个世界里，可以畅想自由地漫步，寻找未知的探索。
此外，画面上大量使用自然颜色，如浅绿、淡黄、淡紫等，使整幅画充满了自然的气息，让人心旷神怡，隐隐感受到一种自由自在的感觉。
整幅画作浑然一体，每一处细节都表现出自然的风致，令人深思，让人陶醉。
梵高的《向日葵》是荷兰著名的浪漫主义和艺术运动的重要作品，它体现了当时浪漫主义的审美标准，也反映了晚近几百年对美的力求。
梵高曾说过：“画画是一种语言，用它来表达内心的情感，而画作是无声的。
”在《向日葵》中，梵高就把自己的思想和心情表达得淋漓尽致，彰显了他审美观念的传承精神，让观者无不深受感染。
梵高的《向日葵》无疑是一幅完美的艺术作品，它对梵高的浪漫主义风格的研究有着重大的现实意义。
它的技巧是梵高的独特魅力，它的细节更使人深醉其中，它充分表现了当时浪漫主义的审美观念，使人陶醉在自由舒适的美中，是一件珍贵的艺术载体。
苹果和葡萄莫奈赏析标题：《苹果与葡萄：探索莫奈画作中的光影与色彩》克洛德·莫奈，作为印象派绘画的代表人物，以其对光线和色彩的独特捕捉而闻名于世。
在他的众多作品中，苹果和葡萄的描绘不仅体现了其对静物画的精湛技艺，也映射了莫奈对生活中简单事物的深刻感悟。
本文将带领读者赏析莫奈笔下的苹果和葡萄，一同领略大师如何巧妙运用光影与色彩。
在莫奈的静物画中，苹果和葡萄是他喜爱的主题之一。
这些作品大多创作于19世纪末至20世纪初，那时的莫奈已经在印象派风格的探索中建立了自己独特的艺术语言。
首先，我们来看莫奈对苹果的描绘。
在他的画作《苹果和碗》（Apples and a Bowl）中，几个普通的苹果被置于一个简单的陶碗中。
然而，莫奈并没有简单地复制这一常见的静物场景，而是通过光线和色彩的交织，赋予了画面以生命。
他运用了丰富的色调和明暗对比，使苹果的质感和立体感跃然纸上。
从红润的果实表面，我们可以看到光线在苹果上的跳跃，这种对光线的细腻捕捉正是莫奈艺术的魅力所在。
当转向葡萄的描绘时，莫奈同样展现了其高超的技艺。
《葡萄与桃子》（Grapes and Peaches）一画中，葡萄串与桃子的组合在光线下呈现出诱人的质感。
在这里，莫奈不仅注重物体本身的色彩，更通过背景与物体间的光影互动，营造出一种静谧而深邃的氛围。
葡萄的紫色与桃子的粉红色在光与影的交织中，既有对比又有融合，形成了一种和谐而丰富的视觉效果。
莫奈的这些作品，不仅仅是对静物的简单复制，更是他探索自然界中光线变化和色彩表达的途径。
他常常在不同的时间段内，对同一主题进行多次描绘，以此来捕捉光线和色彩的不断变化。
通过赏析莫奈笔下的苹果和葡萄，我们不仅能够欣赏到他对静物画的精湛描绘，更能体会到莫奈对艺术的不懈追求。
他通过光线和色彩的巧妙运用，将日常生活中的简单元素转化为富有生命力的艺术作品，给予观者以无尽的想象空间。
浅谈静物油画蕴含的艺术之美摘要：对于艺术爱好者而言，静物油画是他们进入油画艺术世界的门槛，也是探索艺术的一种尝试。
现代静物油画通过多年来的创新及发展，其文化内涵越来越丰富，而且表现出来的艺术魅力也越来越独特，为了进一步深入领略静物油画蕴含的艺术之美，本文主要从几个不同的角度赏析了静物油画的艺术之美。
关键词：静物油画；艺术之美；色彩；情感之美静物油画是绘画学习者非常熟悉的一个主题，不管是从前还是后现代的画家都涉猎过静物油画这个题材，在美术行业发展的历史长河中，静物油画一直都散发着自己独特的艺术光辉。
我国现代油画艺术经过多年来的沉淀已经取得了很大的发展，并且发展成一种独立的艺术形式，通常静物油画创作的描绘对象都和人们的日常生活具有紧密的联系。
因此，取材简单、广泛，不仅可以将人们的真实生活客观地反映出来，表达人们内心的思想情感，而且也可以很好地表达画家对于现实生活中艺术美的追求，这对于提升画家的审美品质以及艺术涵养具有极其重要的现实意义。
为了进一步开拓画家的艺术生涯，非常有必要研究分析静物油画中蕴含的艺术美。
一、静物油画静物的生命之美一直以来，静物油画创作对于画家的心灵感受以及绘画语言都比较注重，虽然静物油画描绘对象都是各种各样静止不动的静物，但是也应该将静物画得形神具备、栩栩如生，让观赏者感觉画中的“静物”如同“动物”一样，应该使油画看起来有品质、极富情感，有生命，进而使人深切地感受到静物油画中静物的生命之美。
画家在创作静脉油画的过程中，首先一定要仔细观察物体，并且用心细心去体会，将自己的真情实感融入到创作中，进而通过恰当的艺术手段以及表现形式有机结合客观的物象和主观的情感，充分体现出静止物象自身的本质特征，使人们感受到艺术的生命之美。
比如，如果描绘一个长颈玻璃花瓶以及一个陶瓷，在绘画创作的过程中，画家一定要用心地一笔笔添加，每一笔都要融入自己的真心情感，一幅幅地进行创作，创作出来的每幅画都应该有其自身的意境情调，进而使描绘出来的花瓶显得温柔、细腻又高贵，描绘的陶罐显得平和又朴素，让人有一种充满生机、生命力比较强的感觉。
第一课：另一种选择·外国风景画、静物画赏析（二）一、教材分析：本课是江苏少年儿童出版社（版）七年级美术下册《另一种选择：外国风景画、静物画赏析》，该课禀承上册第一课内容，都是赏析外国的风景画、静物画。
但和上册那些16、17世纪笔法细腻精致且让人喜爱的风景画、静物画不同，本课出现的现代主义作品，风格“怪异”，笔法“粗糙”“随意”，寓意“晦涩”，难以叫人亲近。
然而随着深入学习了解，知道了他们的生平、追求，我们可以理解欣赏他们的作品，了解他们的成就。
印象主义绘画是19世纪60年代在法国出现的艺术流派。
在西方近现代科学的启发下，他们对绘画的光线、色彩的表现进行了独到的探索，并为西方现代主义绘画的发生创造了条件。
本课向学生介绍了印象主义绘画的许多作品，其中包括印象派，新印象派和后印象派的画。
从欣赏中，使学生知道印象主义绘画探索的艺术原则和表现形式的独特风格，以及印象主义绘画尤其是后印象主义绘画在主观与客观艺术与自然的关系的革新及重大意义。
本课要讲清楚各个派系的画家、作品的名称、观念和形态的共同点和差异是什么？并重点分析画面色与光的千变万化的科学依据是什么？使学生听后感到多而不繁，杂而不乱，达到教学目的。
1.艺术流派与13册有不同的特点1.13册：16、17世纪贴近生活“再现”自然的风格2.14册：19、20世纪传统与现代的转型期，现代艺术的开端2．主要流派的特点：印象派：舍弃了严谨的“形”，追求光、影、色之间的和谐美新印象派（点彩派）：致力于色点的混合，色彩幻象的研究后印象派：蓄意抛弃把绘画作为“模仿自然”的目的上跨出了重大的一步，成为现代艺术的起点。
引领20世纪众多艺术流派的发展。
教学目标：1.初步认识19世纪末20世纪初外国风景画、静物画，了解印象派、新印象派、后印象派、的绘画风格和艺术特色。
2、通过欣赏、评述、交流、尝试等多种教学活动，发现和理解艺术作品的美感，并能用语言赏析作品。
能用自己的语言评述和交流自己的认识与感悟。
外国风景画静物画赏析教学设计一、教材分析本课是苏少版初中美术（ 13 ）册第（ 1）课，依据美术新课程标准的理念，明确了本课的课型属于欣赏与评述领域。
讲述欧洲近代风景画静物画，是绘画中朴实、接近生活的题材。
从平常的景物中发现美、了解美、感受美，并进一步学会表述和描绘内心深处对平常景物的的真实感受和激情，是美术学习的一个新起点。
二、学情分析依据初中生的年龄特点和个体差异制定本课教学方法。
初中生两级分化已形成，个体差异明显，形象思维往抽象思维转化，但形象思维仍然占主体地位，因而直观性教学更贴近学生实际。
三、教学目标必须从学生角度出发，同时结合教材人文与科技的特色，把教学目标分成三个维度来进行阐述。
1、认知目标：通过欣赏，使为学生对外国风景画、静物画产生和发展概况有初步认识。
了解17世纪荷兰画派的主要绘画风格和艺术特色。
2、技能目标：通过欣赏和评述等教学活动，增强学生参与意识，培养学生合作、互动解决问题的能力，提高分析评述美术作品的能力。
3、情感目标：外国风景画、静物画作品欣赏活动中感受艺术家敏锐的观察力和高超的表现手法，培养学生领悟与感悟外国风景画、静物画的所表现美的能力，激发学生热爱大自然的情感。
四、依据教材内容和学情分析，确定本课教学重、难点为：教学重点：①让学生了解如何表现日常生活中存在的美，自然风光与艺术的关系以及与情感世界的关系。
②认识17世界荷兰风景画、静物画技艺的娴熟已达到可以乱真地步，在西文艺术史上有着重要的地地位是欧洲近代风景画、静物画的重要阶段。
教学难点：①如何让学生领会常态的自然风光和日常静物与画家们的风景画、静物画之间的区别，提高对风景画、静物画所表现的自然和生活之美的感受能力。
②如何引导学生对分析美术作品有初步的认识。
五、教学方法本课作品种类较多，我以启法、引导、强调研究型学习，倡导主动、探究、合作的学习方法，对丰富学生的美术知识，提高审美能力，开拓学生眼界，有着不可替代的作用。
