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重庆大学外国美术史与名作鉴赏论文学生：胡睿学号：********指导教师：***专业：建筑环境与能源利用工程2013年10月摘要艺术是时代的镜子。
艺术品能反映出时代的思想、潮流和生活形态的改变，因而每一个时代的艺术品都与其他时代有所不同。
重大的历史变动往往意味着重大的潮流改变。
艺术囊括了物质世界和精神世界的各个方面，在这篇论文里将概述西方美术史，并对古代的宏伟建筑以及近现代的美术稍作分析。
关键词：西方美术史，印象派，后印象主义，表现主义。
目录1 古代的灿烂文明 (3)1.1始祖之壁 (3)1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画 (3)1.1.2新石器时代——巨石阵 (3)1.2文明之火 (3)1.2.1古埃及 (3)1.2.2近东——美索不达米亚 (3)1.2.3爱琴海——希腊艺术 (4)1.3罗马之盛 (4)1.4宗教之源 (4)2文艺复兴的荣光 (5)2.1人性之醒 (5)2.2皇权之光 (5)2.3浪漫之风 (5)3科学的浮光掠影 (6)3.1科学之种 (6)3.1.1写实主义 (6)3.1.2印象派 (7)3.1.3后印象主义 (9)3.1.4象征主义 (9)3.1.5表现主义 (10)3.2现实之外 (11)参考文献 (11)1 古代的灿烂文明400万年前，人类站了起来。
而在那之后200万年，人类才有工具遗留。
这个人类开始把石块变成适当的形状作不同用途的旧石器时代。
1.1始祖之壁1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画1869年一次意外的探险，一个想摆脱名利的侯爵和他四岁的女儿共同发现了旧石器时代克鲁马农人留下来的岩画。
阿尔塔米拉岩洞有超过150幅壁画，多数是简单的风景图和动物画。
颜料主要以矿物质、炭灰、动物血和土壤为主，掺有动物油脂。
颜色以红、黑、紫为主，色彩十分浓重。
这些岩画大约是为祭祀用。
这些画家兼职猎人，他们所绘动物与他们息息相关，比如许许多多牛的图案。
他们可能是觉得把动物的灵活与力量反映在墙上，可以夺取动物的灵魂或是力量，易于部落捕猎的行动。
《西方美术鉴赏》论文学院：南信院专业班级 : 模具设计与制造姓名：许鸿旭学号：21261P40毕加索——当代西方最有创造性的艺术家巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881～1973）出生在西班牙马拉加（Malaga），是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。
毕加索也是位多产画家，据统计，他的作品总计近 37000 件，包括：油画 1885 幅，素描 7089 幅，版画 20000 幅，平版画 6121幅。
跟一生穷困潦倒的文森特·凡高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。
毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
问起他创作的秘诀时，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。
”多数画家在创造了一种适合于自己的绘画风格后，就不再改变了，特别是当他们的作品受到人们的欣赏时更是这样。
随着艺术家的年岁增长，他们的绘画虽然也在变，可是变化不会很大了。
而毕加索却像一位终生没有找到他的特殊艺术风格的画家，千方百计寻找完美的手法来表达他那不平静的心灵。
毕加索一生中画法和风格几经变化。
也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。
在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。
德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。
蓝色时期1900年毕加索来到巴黎，并在1904年定居在那里。
这期间他的创作被称为“蓝色时期”，是他第一次形成自己的风格。
这个时期的作品背景蓝，人物蓝，头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他的作品。
西方美术史结业论文主题：偶遇《黄色基督》邂逅保罗高更摘要：一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍和课后的资料查找，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。
而我最喜欢的是十七世纪荷兰最重要的风景诗人雷斯达尔。
他的风景画给人一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷。
关键词：黄色基督￫保罗·高更￫后映像派￫后映像派三杰一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍讲解和自己课后的资料查找搜集，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。
我们从古希腊、古罗马的美术讲到了文艺复兴时期，直至欧洲十九世纪的美术，不仅有米隆的《掷铁饼者》、多纳太罗的《大卫》，还有米开朗琪罗的《哀悼基督》、伦勃朗的《夜巡》、荷加斯的《伯爵夫人之死》…但是给我影响最深的不是广为人知的《最后的晚餐》，也不是价值连城的《维纳斯的诞生》，也不是那神秘的《蒙娜丽莎》而是那充满历史文化底蕴而富有传奇色彩的后映像派别名画尤其是从邂逅《黄色基督》开始。
或许它们不是最伟大的作品，但总能显示出一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷，倘佯在后印象派的美丽长河之中，让我们一起来走进这个传奇的世界。
一 .邂逅《黄色基督》故事那是一个连阳光也显得懒懒的下午，或许因为一天的学习让人感到有些疲倦，又或许是有一个令我怦然心动的事物出现的原因。
懒懒的趴在桌子上看着老师的课件一页一页的翻过。
直到出现，浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型一下子吸引了我的眼球。
简介油画《黄色基督》，以其平铺的块面、浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型，反映出高更“综合主义”绘画的风格特点。
整个画面被前景的人物、十字架的垂直立柱以及顶端的水平横木所支撑。
田野、天空及十字架的道道条状的形，与妇女及树木图像圆转起伏的曲线，产生鲜明对比；那平直延展的形，与圆曲封闭的形，形成强烈的对照。
所有物象都统一于一种明快而简约的图形中。
西方文艺复兴时期的美术风格谈到文艺复兴，人们总会先联想到中世纪，因为它们是两个完全不同的伟大时代，也许没有了中世纪的压抑就不可能有文艺复兴时的灿烂辉煌。
中世纪是欧洲的封建社会时期，欧洲中世纪时代的艺术是为宗教服务的，基督教被作为罗马后期维持统治的精神支柱，在进入中世纪以后被作为了一种森严的礼教。
教会神学经过理论化、系统化达到了巅峰，产生了庞杂而严密的经院哲学。
所以，中世纪的一切都被打上了宗教的烙印。
文艺复兴的思想基础是以人为本，要求文学艺术表现人的思想和感情，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由，反对人身依附。
人类的文学艺术发展到今天，经历了不同的阶段，每一个阶段都有自己的价值，其总的发展趋势是向着文明和进步迈进的，但进程是曲折的。
从中世纪到文艺复兴，经过了一个复杂的酝酿阶段，它们之间有着承前启后的内在联系。
中世纪后期，理论化的宗教信仰和向往世俗享受的趣味在特殊的历史条件下奇异地结合起来。
这时的艺术具有既矛盾又统一的风趣，在这背后隐藏着信仰的危机和对现世的回归。
黑格尔认为导致文艺复兴的因素是某些内在的矛盾，这些内在的矛盾促使中世纪的结束和一个新时代的到来。
自中世纪后期出现的哥特式美术便是这种内在矛盾的体现，成为文艺复兴时期美术风格的内在的、直接的源头。
一、中世纪早期的美术早期基督教堂是在拱形结构的古代巴西利卡建筑基础上发展出的一种长方形有祭坛的教堂样式，称为“巴西利卡式”教堂。
教堂正面不失沉重感，屋顶是用木头做的，重要部分是由三个或五个长廊组成的空间，每个长廊之间用柱子隔开，中间的长廊比周围的宽而高，并有窗户照明，周围处于昏暗状态。
长廊的一头是入口，另一头是横廊，连接横廊的是一个有列柱的前庭。
走入教堂的人很容易把注意力集中到明亮的中间长廊和教堂深处的圣坛。
在早期的罗马，有许多“巴西利卡式”教堂，在这些“巴西利卡式”的基督教堂里，最突出的是以基督教为内容的镶嵌壁画。
基督教极大地发挥了镶嵌艺术。
西方经典美术作品赏析论文我深信，只有高度的文化建设，才能造成现代强盛的民族和国家，对美和艺术的理解，是文化修养的一个重要部分，而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术，包括了解一些艺术史，经验证明：人们对于美的鉴赏和理解力，是要靠学习才能获得的————是知识之所赐。
西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。
对西方数千年艺术发展概况的解读，体验到西方艺术的源远流长，博大精深，领略到西方艺术典雅精致的风格和浓浓的人文情怀，有身临其境的感受，深入艺术的现场，感悟艺术之趣、历史之真，知性之美。
从这本书中，学有所获，常有所思，偶有所悟，其乐融融。
西方美术发展的精神基点，始于与自身的认识上。
“美术”一词，在西方指非功利主义的礼堂艺术，或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。
艺术是人们把握现实，表达思想感情和审美理想的特殊方式。
纵观整个西方美术的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传统和相异的社会文化因素的影响，使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
西方美术的真正起点在希腊。
尽览西方美术发展的线索，有过三次高峰时期。
第一，古希腊古罗马时期；第二次，文艺复兴时期；第三次，19世纪。
对于文艺复兴，在我学这门课以前的记忆里，留下足迹的仅仅是文学作品，远远不知道美术作品的丰富、无限和逼真。
到此刻才了解到艺术的无垠天地。
历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律。
中世纪是基督教统治西方的一千年，人们的思想，生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。
这个时期的人们缺乏创造力，缺乏自主思想，只为了上天国而活着，而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。
文艺复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础，恩格斯说：“这是人类前所未有的最伟大的进步的革命。
”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言，只有古希腊罗马文明的繁荣时代可以和它相提并论。
文艺复兴的艺术文化，是人类无与伦比的不朽的珍品。
而近代先进的艺术文化，是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生，成长起来的。
论述印象派与后印象派在绘画形态与创作理念上的差异印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索等人。
而后印象派则是继印象派之后产生的以塞尚、梵高和高更等人为代表的本质不同于印象派的另一艺术流派。
那么接下来我们就二者在绘画形态与创作理念上的差异问题进行论述.在创作理念方面，印象派强调画家对客观事物的感觉和印象，主张艺术上的革新，受现代科学，尤其是光学的启发,认为一切色彩皆产生于光，因此他们主张他们根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种颜色来调配颜色从而去反映自然界的瞬间印象.他们认为，只有捕捉瞬息间光的照耀，才能揭示大自然的奥秘。
因此在绘画中注重对外光的研究和表现，主张走出画室，在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现物象在光的照射下，色彩的微妙变化。
印象主义画家多描绘现实中的人物和自然风景，他们的绘画生长在写实主义的土壤之中，但他们的主要兴趣在于准确而客观地描绘个人面对世界时的视觉感受。
印象派画家对瞬间视觉感受,对色彩、氛围、笔触的关注,甚至超越了对社会历史、宗教、伦理的关注。
而后印象派则不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩,转而强调抒发作者的自我感受和情绪。
其根本观点是反对真实的表现自然界的光与色，而主张在艺术形式和技巧上大胆尝试和探索，重视自我的表现，用大脑去思考艺术真实表现的方法和手段，通过理性的组合和安排使所看的一切在有意味的秩序形式之中得到表现，使画家的情感得到充分的表达。
在绘画形态方面，印象主义绘画在阴影的处理上，不再像传统绘画的黑色和灰色，而是改用有亮度的青、紫等色。
并且不再使用轮廓线,物体的外形因而模糊，这使得印象派绘画变成了光影、气氛和色彩融合之作。
印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面,从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。
具体的说，从近处观察印象派绘画作品时，我们看到的是许多不同的色彩凌乱的点，但是当我们从远处观察时，这些点就会像七色光一样汇聚起来,给人光的感觉，达到异想不到的效果。
西方美术鉴赏期末论文：艺术中的残缺美在美学领域里，有一种“大成若缺、大巧若拙”的美，说的就是残缺美。
何谓残缺美?我没有能力，也不愿用一个条条框框的定义把它束缚住，既然它是美，必定动人。
虽然，我不知道怎么定义它，诉说它。
只知道，当我接近她、聆听她，感受她，我的心灵也随之澎湃，有时壮阔，有时低吟，却无时无刻不惊心动魄。
我只能以自己对西方美术短浅的认识，来讲述这博大的残缺艺术，却已经不知如何挑选例子。
因为，这样的美，太多太多。
残缺的美，是岁月和历史的倾诉；残缺的美，是人类思维的飞翔；残缺的美因为遗憾更加灿烂。
在西方艺术的长河里，美妙的杰作无处不在，那是祖先、前人给我们留下的宝贵的财富。
那些建筑、雕刻、绘画艺术都各自以她们独特的姿态，伫立在这条历史的河流中，有时静谧，有时磅礴。
残缺的美，是岁月和历史的倾诉。
就说说这建筑之美吧。
说到建筑，不得不提的是古罗马的建筑群。
经历了岁月的洗礼，在罗马这片土地上，这里巍峨雄伟的建筑经历了无数的战争，接受着自然的洗礼，人为的破坏……但罗马却并没有因为这些，失去罗马斗兽场、君士坦丁凯旋门、庞培城、万神庙这些传奇……当时的世俗建筑已经相当成熟，建筑艺术成就很高。
大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。
罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。
斗兽场在建筑史上堪称典范的杰作和奇迹，以庞大、雄伟、壮观著称于世。
现在虽只剩下大半个骨架，但其雄伟之气魄、磅礴之气势犹存。
意大利的古罗马斗兽场平面呈椭圆形，占地约2万平方米，共四层。
外部全由大理石包裹，下面3层分别有80个圆拱，其柱形极具特色，按照多立克式、爱奥尼式和科林斯式的标准顺序排列，第4层则以小窗和壁柱装饰。
场中间为角斗台，仍为椭圆形，相当于一个足球场那么大。
整个斗兽场就这么矗立在意大利的市中心，从那些残存的建筑体里磅礴之气喷泄而出。
如今的斗兽场只有半个残荷般的躯壳，帕特农神庙也只剩下一堆柱子。
而就是这些看似破旧不堪的建筑群，映射了整个罗马文明的发展，她随着罗马而生而亡，即使残破也永远以骄傲的姿态伫立着。
西方美术欣赏鉴赏相关论文西方美术欣赏是高校美术专业的重要课程，对于提高学生的综合素质发展创造力有着重要的意义。
下面是店铺为大家整理的西方美术欣赏相关论文，供大家参考。
西方美术欣赏相关论文篇一：《试论中西方美术的融合与当代工艺美术》工艺美术的创作初衷是对艺术的感悟，基本点在于美，这一点与传统艺术(包括绘画)的出发点是一样的。
无论什么形态的美，它必定是包括着人们美好的愿望。
形态的多样性使工艺品更具广泛的市场与发展空间，艺术的创造来源于生活的各个角落，任何东西都有可能成为一件艺术品。
用艺术的眼光来创造工艺品，是人们物质生活和精神生活提高的表现，也是人们喜爱艺术的愿望，艺术对于社会、对于人的成长起着非常重要的作用，体现了人们的精神面貌。
在西方美术中，注重绘画材料与工具的多样性及绘画材料与写实观念的紧密结合，体现了它的科学性。
强调对客观事物的真实再现，描绘自然界中一切事物的真实情况。
严谨的比例，光线的变化，空间以及色彩的表现。
通过绘画的过程找寻事物的特征并逐步进行科学的研究，形成完整的，科学的绘画语言，创造真实的“理想之美”。
“艺术的使命在于用感性的艺术形象的形式去真实”(黑格尔《美学》)。
中国美术早期则深受儒家、道家文化的影响。
“礼之用，和为贵。
先王之道，斯为美;小大由之。
有所不行，知和而和，不以礼节之，亦不可行也”(《论语·学而》)，“淡然无极而众美从之”(《庄子·养生主》)，强调抒发主观意志，以主观的思想来控制情感，从美好的一方面来净化内心世界。
塑造理想的人格，从而达到人与社会，人与自然的和谐之美。
通过所要描绘的具体对象表达自己内心感受，以咏物来寓志，借景抒情，形成中国美术特有的“意境”。
讲求“气韵生动”，不求形似但求“传神”，(明·徐渭)“须得书意，转深点画之间皆有意”(东晋·王羲之)，把主观的情感和客观的景物相融合，通过画面上的“物”与“意”即“书”成为一个整体，形成“诗、书、画”一体的特有表现形式。
通过这四个星期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，我深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。
首先西方美术在经历了较长时间的原始美术之后逐渐发展，接下来的中世纪美术由于受到基督教的制约，开始不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现，具有了浓厚的宗教色彩。
这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。
十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术，发源于意大利，主要是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。
十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽纤巧和精致。
期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。
德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。
十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。
十九世纪后期在法国产生了印象派，受到现代光学和色彩的启示，注重在绘画中表现光的效果。
二十世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。
在如此多的流派时期的作品与画家当中，印象派给我的感觉最深刻也最独特。
德彪西尝试以音乐捕捉事物的印象或情绪，在他的音乐中，色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。
这种特点跟印象派美术非常相似，印象派画家就是注重表现绘画中光与影的变化。
莫奈的《日出印象》给人静谧，朦胧，深邃，富有韵律，富有节奏的。
一种素描的风格，一种诗的意境。
观看日出给我们带来了人生感慨，而对艺术家是好的表现题材。
红日冉冉上升，阳光由柔而强，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，莫奈用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象，画面的物体比较模糊，给人以一瞬间的感受，而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它用绘画的方式表现出来，莫奈把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。
XX美术史的优秀论文西方美术史的优秀论文导语：以下是的关于西方美术史的优秀论文，内容如下，以供参考：20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬辘的各种美术流派和思潮，又称现代派。
发展状况现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。
19世纪80年代，法国的后印象主义、新印象主义和象征主义画家们提出的“艺术语言自身的—价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、—依赖”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础，所以，法国后卬象主义画家P.塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家，被人们称作“现代绘画之父”。
较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。
以H.马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”，由此“野兽主义”得名。
1908年，另一群年轻画家以P.毕加索、G.布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。
立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》中。
这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。
立体主义用块而的结构关系来分析物体，表现体面的重叠、交错的美感，是立体主义追求的目标。
野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义己进入自我确立的阶段。
与此同时，在德国1905年—的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。
它们的美学目标和艺术追求与法国的野曽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。
如果说表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的未来主义则在现代工业科技的—下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。
他们还热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并且试图用线来描绘光和声音。
蒙克：《圣母》上述思潮和运动，特别是未来主义,在雕塑领域内均有所反映。
简论古代罗马与古代希腊的美术关系摘要：在选修外国美术简史这门课程之前，我对西方的美术了解可以用空白形容，一方面是由于自身在高中时期没有给予足够的重视，另一方面是由于高考的指向性，使得我忽略了自身的艺术修养的重要性。
然而，进入大学之后，由于我专业是机械类的关系，我开始慢慢发现，其实机械类中艺术性也是不可少的，最简单的证明就是苹果公司乔布斯先生，在我看来，正是因为他的产品创新性，科技性和艺术性并存才会使得苹果公司逐渐壮大并最终获得成功。
在这一学期，我选修了外国美术简史这门选修课，希望能够补充这一方面的知识，并希望能对自己的专业学习有所帮助。
关键词：西方美术史古罗马古希腊首先，我认为对西方美术史的发展了解是必不可少的。
最初是史前时代。
进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章，美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域），古埃及的庞大金字塔建筑，古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，古罗马美术继承着古希腊的传统。
封建社会时代、欧洲文艺复兴时期。
17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，18世纪时期18世纪罗可可风格在法国兴起，19世纪时期19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。
19世纪后期在法国产生了印象派。
直到如今，西方的美术还在不停的发展着。
西方美术在它发展的历程中，珍品无数，在论文中不能尽述，就简略了解一下在西方美术发展中地位举足轻重的古代希腊和罗马艺术吧。
在西方美术史浩如烟海的典籍里，最常看到的词汇就是“希腊与罗马”和“回归与复兴”。
根据史事记载，在公元8~9世纪加洛林王朝的“文艺复兴”，表现出的就是对古代世界的一次有意识的回归。
它以一系列语言、文字、法令以及宗教生活的改革而开始；不过查理曼大帝想要复兴的仅仅是罗马世界。
这位由教皇加冕的罗马皇帝是以保存、复兴罗马早起基督教经典教义为宗旨，时间的范围也仅限于宫廷艺术。
事情到了15世纪才真正出现转机。
现实世界的崩溃（1453年君士坦丁堡的陷落）让人们在古代世界遗留下的文献手稿中“重新发现”了希腊和罗马。
1506年，罗马教皇朱力二世把出土的古代雕像安防在了梵蒂冈，世界上第一座艺术博物馆也就此诞生。
此时，尽管占据主导地位的基督教文明依然把“希腊与罗马”看作异教，但是罗马教皇与人文主义者在“回归与复兴”的问题上达成了某种默契。
艺术家遵循“教权的建立和巩固”这类主题创意，却能借助复兴古代文明去展现自身时代的人文精神。
从拉斐尔画在梵蒂冈的壁画可以看出，这次复兴的是希腊世界。
说到古代希腊和罗马，罗马艺术是希腊艺术的直接继承和发展，它们共同奠定了西方文明的基础，成为西方文明的摇篮，它们是不一样的。
古代罗马文明伊特鲁斯坎人的故土伊特鲁利亚横贯意大利半岛，从背部的阿诺河谷一直到南边的台伯河。
伊特鲁斯坎人大约于公元前8世纪定居在此。
作为当时意大利半岛最强大、先进的名族，像希腊人一样，伊特鲁斯坎人也没有统一的国家，而是存在着几个独立的城邦。
公元前7-前5世纪，是伊特鲁斯坎的强盛时期。
伊特鲁斯坎人有发达的农业，并且擅长航海，有熟练的冶金技术，与希腊、腓尼基等地有着频繁的贸易往来。
伊特鲁斯坎艺术受希腊的影响很深，但他们在有选择的接受中形成自己独特的个性。
有学者认为伊特鲁斯坎文明史连接希腊文明和罗马文明的桥梁。
在建筑方面，伊特鲁斯坎人的神庙建造在石头地基上，系用未经烧过的砖砌造墙面，以木头作为立柱和横梁，用陶土烧制的饰件装饰山墙的边缘和斜顶的檐口，屋脊上伫立着陶塑人像。
神像的正立面是由柱廊的开放空间，而后部确实封闭的。
伊特鲁斯坎神庙的柱廊和山墙明显受到希腊神庙的影响，而它独特的内部结构又成为后来罗马万神庙的先驱。
在雕塑方面，伊特鲁斯坎的雕塑作品主要有陶塑和青铜两种。
其中用陶土塑造的人物形象非常有特色。
人物分离的双腿、伸出的手臂已反映出伊特鲁斯坎人对人体动态、姿势的兴趣，其衣纹的处理非常熟练，两腿之间柱子上的花纹也是典型伊特鲁斯坎式的。
在墓室壁画方面，伊特鲁斯坎人的墓室里绘有丰富的壁画。
其中大多是湿壁画，只有少量是干画法的作品。
伊特鲁斯坎人墓室壁画的题材多样，有表现贵族生活的欢乐场景，如宴会、运动、舞蹈、奏乐等，还有表现葬仪的场面。
他们的壁画多用黑色和深赭色够了物象的轮廓，运笔粗犷自如，用色有黑、白、黄、红、蓝几种，色彩鲜艳，活动者的人物之间常有花草、小树、飞鸟、游鱼点缀其中，这些情景虽然画在阴森的墓中，但却洋溢着乐观的情绪，具有鲜活的生命层次，充满了对现世生活的信念。
在建筑方面，罗马人在艺术方面的才能充分体现在建筑上。
罗马的城市有着完整的规划，民居设计讲究、实用，宫殿别墅奢侈豪华。
罗马人的建筑成就突出表现在公共市政建设和纪念性建筑上。
在雕塑方面，罗马的艺术主要是为赞扬帝国的威权和武功服务的。
罗马帝王热衷于塑造自己的雕像，这就造成了罗马的雕塑作品中大部分为帝王和贵族肖像的特点。
罗马人除了极大的热情复制希腊人的神像外，他们自己创作的神话题材作品很少。
在绘画方面，主要通过火山灰下挖掘出来的庞贝和赫库兰尼姆这两个城市的壁画。
碰杯原始罗马贵族游乐休闲的胜地，许多有钱人都在庞贝建有豪华的别墅和府邸。
庞贝的壁画题材众多，风格多样，尤其有一间被称为秘仪庄的别墅中描绘秘密宗教仪式的壁画给人留下深刻的印象。
古代希腊是一个地理概念。
那时候，古希腊散布着许多有共同文化传统的城邦国家，但有时为了对抗异族，它们之间又会结成松散的同盟。
爱琴海区域的三个文明先后湮灭了，它们和后来兴起的希腊文明之间似乎没有直接的联系。
由于考古材料匮乏，人们只能把公元前12世纪末起到公元前9世纪的这几百年称之为黑暗时期，光辉灿烂的希腊文明经历了爱琴文明、基克拉迪文明、米诺斯文明、迈锡尼文明之后要有一个重新的开始。
在瓶画方面，从希腊罗马时期的一些历史、文化、哲学和游记著作中，人们可以了解到，希腊曾经产生了生活在公元前5的宙克西斯和帕拉西奥斯那样的绘画大师，他们已经在平面上创造出了三度空间的幻觉真实，希腊人还绘制了美丽的壁画和木版画。
但时至今日，所以的希腊绘画作品都湮没无闻了，惟有留在陶器上的瓶画，能让人们领略到希腊绘画曾经有过的辉煌。
几何样式是荷马时代陶瓶的主要风格，东方样式是希腊人对来自东方的刺激的反应，是采取了选择性的态度反映在瓶画上。
黑绘式是古希腊瓶画繁荣期最重要的两种艺术风格之一。
红绘式在色彩上与黑绘式相反，它涉及的题材非常多样。
白底彩绘的特点是在白色的底子上，用很少的几种彩色画出物象的轮廓。
在雕塑方面，希腊的雕塑和绘画一样，一直在力图表现出人的自然形态，但人的形象却不一定要有个人的特征，可以是集中了许多人的优点，“创造”出来的理想化的个体。
珍贵的希腊雕塑作品在岁月的流逝中有许多的损坏了，今天遗留下来的尚难以有原来的十分之一，好在罗马人对希腊文明的向往和对希腊艺术的热爱，是指留下了大量的复制品。
有些留有历史记载的遗失了的作品。
人们今天只能通过罗马人的复制品来了解。
古希腊的雕塑作品大概分为下列时期：（1）古风时期（公元前660-前480年），希腊大型的雕塑制作始于古风时期。
作品虽然程序化很强但也显示出希腊人具有认真观察，以求真实地塑造人体的兴趣。
（2）古典时期（公元前490-前300年），古风时期希腊人所获得的人体知识在古典早期结出了丰硕的果实，虽然人体描绘依然保持着正面的站立姿势，后脑还是较为程式化的半圆形，但是人体的中心躯体各部位的转折已经发生了鲜明的变化。
头部有了微妙的转向，肌肉的起伏也自然舒展，不再是解剖学知识的概念化表达，二世勃勃有生气的血肉之躯。
（3）希腊化时代（公元前323-前31年），公元前第三世纪后半叶，马其顿王国控制了希腊大部。
随后在马其顿王亚历山大短暂而辉煌的视野中，希腊的影响远远伸展到前所未有的地方，在这一地跨欧亚非的广大区域内，东西方的广泛交融刺激了新的艺术灵感。
希腊化时期的许多雕塑作品继承了古典时代雕刻家史柯柏斯的风格，更加注重激情的表达和主题的戏剧性。
在著名的作品中，气氛的营造、动态的组织、情感的表达以及物象的构成都是前所未有的繁复、剧烈，然而雕刻家却凭借高潮的技艺，在粗犷奔放与端庄高贵中取得了和谐。
在建筑方面，与许多文明古国一样，古代希腊的建筑成就也充分体现在神庙的建造上。
希腊的神庙有其自身的特点，即它不仅是宗教活动的中心，同时还是城邦社会政治生活和经济生活的聚集地。
古代希腊流行的主要有三种柱式：多力克式、爱奥尼式和科林斯式。
多力克柱式和爱奥尼柱式在公元前6世纪已经形成。
多力克式最初在希腊本土应用较多，其柱身粗大，由一段段刻有尖角凹槽的石鼓组成，没有柱基，柱子直接立在三层台阶上，柱头由圆盘加方形顶板组成。
多力克柱式柱身的走向是下粗上细，但并非严格的直线，二世有着稍微外凸的弧形，从而形成某种张力与弹性。
爱奥尼柱式起源小于小亚西部沿海及爱琴海的一些岛屿。
其柱身比多力克柱式修长，凹槽数量更多，有柱基，猪头为两对涡卷纹饰，在视觉上比较优雅秀美。
科林斯柱式出现约在古典时期的后期，到希腊化时期则非常流行。
科林斯柱式与爱奥尼柱式的区别不大，仅在于柱头的装饰。
典型的科林斯柱头比起爱奥尼柱式来，造型冯家纤巧华丽。
镶嵌画到了公元前5世纪，希腊人以类似于瓶画的风格，用它来描绘神话中的人物和场景。
物象的刻画生动细致，利用明暗的变化来表现人体和动物的结构，以色调为主的风格代替了以线条造型的风格。
物象的轮廓在动荡的场景中不失为清晰，并且在某种程度上营造出空间感和立体感。
随着工艺的进步，希腊的镶嵌画做工越来越精细，所使用的材料也越来越多（包括卵石、大理石、玻璃、陶片、琉璃和各种宝石等），色彩也越来越丰富。
罗马人和希腊人的艺术观念不同。
从希腊古风时代一直到希腊化时代，希腊艺术风格的发展大致有一条清晰的线索，同时希腊人对艺术家是较为尊敬的，在许多文献和作品中都留下了艺术家的名字；而落马的艺术风格常常要根据统治者的喜好来决定，罗马时代的艺术家也没有得到应有的尊敬，虽然罗马时代的作品繁多，但作者的名字均未留下。
罗马人虽然征服了希腊，但在文化上却又被希腊人所征服，罗马人是希腊艺术的崇拜者和模仿者，他们大量地搜求、复制希腊的艺术品，从中获益良多。
相对于希腊人的景风神灵，冷峻、务实的罗马人，则把现实中的君王当作神来崇拜。
罗马的神话甚至也继承了希腊人的谱系。
希腊人用人的信箱塑造了神，用对神的崇拜来表达做人的尊严；实用的罗马人更相信优胜劣汰的丛林法则，把人的生存竞争与野兽一般等同。
古罗马最早的青铜肖像就是运用希腊人和埃特鲁里亚人所创造的青铜翻制技术，根据面具翻铸成青铜肖像的。
这种肖像酷似真人，没有艺术的创造性，不过它却奠定了罗马肖像特别注重人物面部细节刻画的特点。
罗马肖像的精神气质主要通过头部表现，希腊人则通过身体姿态动作来传达，所以罗马雕像如果缺了头部，余下的部分就没什么意义了，而希腊雕像的生命充满身体各个部分，即使只剩下断臂残躯，仍然能给人以特有的生命力和美感。
