西方镜像式自画像

赏析梵高《自画像》凡高一生中创作了30多幅自画像，这幅作于1887年的画像是其中之一。

据记载，凡高于1886年来到巴黎，并对莫奈等人的法国印象派绘画技法产生浓厚兴趣。

他试图采纳印象派画家们生动的色彩和自由的笔法。

然而，由于凡高当时没钱雇模特写生，他只好把自己当成模特，并且在一种最廉价的材料——硬纸板上作画。

凡高时年34岁，但是这幅自画像怎么看都像是50来岁，可见画家当时的生活状态简直是太不顺心了。

虽然在西方美术史的江湖排位中，即使是在荷兰，凡高都算不上最伟大的艺术家——荷兰最伟大的艺术家是伦勃朗。

但是对于这位在37岁时就给自己的肚子来了一枪的疯子而言，他的明星效应是超越美术界的。

《自画像》是凡高于1887年所绘，被认为是凡高艺术生涯的代表作。

据阿姆斯特丹馆长TacoDibbits先生介绍，时年34岁的凡高爱上了长他15岁的酒吧经理，但是这段恋情没持续多久就因双方不断争吵而结束。

凡高在画这幅画时，特意戴上礼帽穿上夹克，还系了丝巾，以此显示他城市居民的身份。

但显然他对这身装束并不情愿，这从他严肃的眼神中就能看出当时凡高的经济状况并不好，使用的绘画材料也相当廉价，这幅自画像就画在硬纸板上，仅用油画颜料就创造出绚烂的色彩。

这张自画像作于凡高1886年2月刚到巴黎后不久，在这里他比以前要自信许多。

"无论在这儿的生活将如何艰难，即使会比从前更糟，但至少法国的空气清新了我的头脑，它对我是有好处的。

"这是第一张显示出凡高受到印象派影响的自画像，尽管他对之理解很慢并且始终没有全部认同其主张，但它却改变了凡高对色彩的看法。

"永远记住今天艺术所需要的是非常鲜活的东西，是强化有力的色彩。

""我变得越丑、越穷、越有病，我越要通过创造明亮、有序、灿烂的色彩来复仇。

""我喜欢画人的眼睛胜过那些教堂，在眼睛的深处藏着一种无论多么感人，多么肃穆的教堂都没有的东西。

2022/05解读《阿尔诺芬尼夫妇像》中的镜文/金智佳[中国艺术研究院]【摘要】镜是西方绘画中常见的元素，从古至今，镜常常出现在艺术品中，或作为形象出现，或作为材料出现。

本文将探讨扬·凡·艾克的经典艺术作品《阿尔诺芬尼夫妇像》中的镜。

从图像学、透视法和艺术社会学角度进行分析后得出《阿尔诺芬尼夫妇像》中的镜蕴含了中世纪与文艺复兴之间的双重意义，镜的意义也被赋予了中世纪与文艺复兴的双重张力。

【关键词】扬·凡·艾克；阿尔诺芬尼夫妇像；镜在中世纪与文艺复兴浪潮的过渡阶段，扬·凡·艾克创作的《阿尔诺芬尼夫妇像》以其深厚的可读性和细致的真实感成为艺术史中的经典。

画面中描绘了一男一女缔结为夫妻的室内，在画面的正中间，墙上悬挂着一块圆镜。

然而，这块圆镜的存在原因引起了众多争议。

有学者认为画中镜的含义为中世纪的意象，也有学者根据画家所处时代、画家生平以及其他作品的研究认为此处的镜更多的是见证画家本人的在场，是个人在场的彰显，因此带有人文主义主体性声明的内涵。

象征主义与现代性同时存在于这幅文艺复兴早期的绘画中，并引起了美术史界的巨大争议。

一、图像学的解读1934年，著名学者潘诺夫斯基在《凡爱克的“阿尔诺芬尼夫妇像”》一文中根据历史文献的记载以及艺术史背景的考证确认了画面中的主角是商人乔万尼·阿尔诺芬尼和他的妻子，并确定这是一幅婚礼场景，故将这幅作品命名为《阿尔诺芬尼夫妇像》，这一考证和命名被多数学者所接受。

在这篇文章中，潘诺夫斯基运用图像学的读图方法，指出画中出现的物品背后作为象征符号的功能性，并对《阿尔诺芬尼夫妇像》被认为是现实主义风格的风俗画这一观点提出了质疑。

然而，真如潘诺夫斯基所言这幅画是一幅“伪装的象征”？又或者说这是一幅融合了中世纪象征的写实主义作品？根据潘诺夫斯基解读图像的方式，第一层为“前图像志的描述”：画面的主角是一男一女，男人的右手举起，左手抓着女人的右手，女人的左手轻捂自己的腹部，看向男人的方向。

第 2 章自画像艺术在西方的起源与发展2.1 自画像艺术在欧洲的起因世界几大古代文明中，如古埃及，中国，古印度等地区都先后出现了涉猎人物形象的造型,例如早期中国地区出土的彩陶上都绘制了人物的形象（图 1）,它们都被视为是人类最早对自己形象的观照案例.但是这几支文明的发展过程中，肖像画发展出了独立的自画像艺术面貌的就只有欧洲文明，仅仅在后来的欧洲地区出现了我们今天传统意义上所熟知的对镜自画的文化艺术现象.纵观艺术史，早期的人类的肖像画题材呈现的方式大致过于简单，成像的技术也相对原始，创作它们的动机，大多是与早期人类意识里的神灵有关，创作图像的动机大多也是为了祭祀活动. 因此，欧洲早期文明中的那些肖像的绘制者，一般都不具备自我意识.欧洲文明在希腊灭亡之后被罗马人继承，罗马人主要以借鉴和汲取希腊文化为主要精神来源.所以，希腊文明在学术上仍旧被视为欧洲文明的最早的起点,但实际上，希腊文明是在大量借鉴了早期地中海和爱琴海地区的多种文化以及结合了古埃及文明的优点基础上所产生的一种理想文化状态的集合体,希腊文化的主要贡献在于欧洲的传统.希腊时期所产生的人文主义和民主，为后来的在欧洲地区出现自画像艺术奠定了坚实的哲学基础.虽然希腊第一次出现了民主意识，但由于当时在希腊诸多的城邦当中，制作那些伟大的石刻与雕塑的制作者们仍旧受制于统治阶级，仍旧不具备传统意义上具有独立思维的艺术家的特质，他们大多创造的写实性的作品也是以人体的造型来铸造他们理解的希腊诸神形象,很少具有艺术上的个体创造意识,之后漫长的中世纪在罗马教皇黑暗统治下希腊文化所产生的民主思想也在很长一段时间内被束之高阁,中世纪对人性的压抑，对宗教的迷信，导致了当时的社会环境根本可能产生类似自由主义及个体意识宽容的社会环境，很长一段时间里，艺术家就是维持着工匠的角色.充当那些王权和贵族统治阶级的政治宣传工具，个人意识完全被压制，从社会的政治状态而言，与中国古代的社会情形相似.直到漫长中世纪的结束，才迎来了发生在西欧的文艺复兴运动，欧洲艺术创作的宗旨也完成了从神到人的一次蜕变,这个时期可以说是欧洲尊重人本思想传统的文化高潮，当时的人文主义者，主要复兴的是希腊人的文化和审美传统.例如，苏格拉底对民主和自由的信念，对个性的关照，对理性主义光芒的追寻，艺术创作中也加强了个人主义的色彩，创作很大程度上是对个体意识的尊重，宗教改革后封建因素在画面中日渐衰落，人文传统全面回归,当时的社会封建教会势力的瓦解归根于社会上出现了新的贵族资产阶级，例如，美第奇家族.当时这些显贵家族势力，对艺术家的个性是持肯定态度,极大程度上欣赏艺术家本人对艺术的理解，很大程度上区别于黑暗的中世纪艺术.艺术家在那个时期的社会角色和地位发生了显着的变化，社会地位得到空前提升,甚至享有同贵族一样的社会待遇,这一切直接导致了艺术家本人的肖像的大量出现.2.2 自画像艺术在欧洲的发展情况分析。

摘 要：自画像是艺术家审视自我的镜子、衡量自我的工具，也是表达内心想法、情感的过程，是表现自我发展历程不可或缺的一部分。

在自画像的发展过程中，镜子作为绘画工具和绘画元素常常被运用和出现在自画像中。

本文结合对含镜子的自画像的分析，探索镜子和自画像相融合而展现出的艺术家对自我意识的认知。

关键词：自画像；镜子；自我意识古希腊哲学家苏格拉底说：“认识你自己。

”人们自古以来就一直在认识自己的道路上做探险之旅。

人们能够看见外部，评判他人，却绝少能看见内部、了解自己。

弗洛伊德认为，凭借在水中或其他反射物如镜子中得到自己的印象，人才可以确立自我形象，并把自己与他人区分开来。

Susan Ridley在Intergenerational study: mirrors as a tool for self-reflection中提道：“镜子可以用来联系一个人在身份问题上的内心想法和感受。

”因此，镜子作为最清晰、最完美的映射物，就渐渐产生并发挥了它独特的作用——帮助人们认识自己。

镜子，英文“mirror”,词根是拉丁语“mirari”(诧异)，意大利语为“mirare”(凝视)。

这就暗示着镜子有观察自我、审视自我、认识自我的功能，就像那喀索斯在水中看到自己倒影的时候首先感到十分诧异，进而凝视起自己的倒影一样[1]。

千百年来，人们都对着镜子打扮自己，也扮演着属于自己的角色。

我们能想象第一次从镜子里看到自己形象的人有多么惊讶吗？也许就像与世隔绝的比亚米人第一次照镜子的时候反应一样：“他们简直呆若木鸡。

在最初的惊恐反应之后，他们竟然一动不动地站在镜子面前看着自己。

”[2]这是一种来自自我意识的恐惧，类似于亚当和夏娃在伊甸园偷吃苹果因而突然间有了自我意识。

戈登•盖洛普说:“我在故我思。

”与笛卡尔的“我思故我在”则相反，他认为人类首先意识到自己，进而产生思维和意识。

由此，笔者认为“我思故我画”，人类自我意识的觉醒是出现自画像的前提。

西方自画像艺术史自画像是一种独特的艺术形式，它允许艺术家通过自己的形象来表达个人的内心世界和情感。

这种艺术形式在西方艺术史中有着悠久的历史，从文艺复兴时期一直到现代社会，西方自画像艺术经历了许多重要的发展阶段。

自画像的起源可以追溯到古希腊和罗马时期，那时艺术家通常会绘制自己的形象作为纪念品。

然而，自画像真正得到发展是在文艺复兴时期。

在15世纪和16世纪的欧洲，艺术家们开始更加深入地研究人类形象和表情，他们通过自画像来探索自我和表达个人情感。

例如，意大利艺术家拉斐尔在其生涯中创作了许多自画像作品，其中《持笔的自画像》被认为是其最著名的作品之一。

到了17世纪和18世纪，西方自画像艺术进入了一个新的阶段。

在古典主义时期，艺术家们追求完美的比例和对称，以展现出人类形象的理想美。

而到了浪漫主义时期，艺术家们则更加注重表现个人情感和想象力，他们通过自画像来传达内心的激情和感受。

例如，德国艺术家埃德加·德加创作了《持镜的自画像》，通过镜子反射来展现他自己的形象和情感。

进入20世纪，西方自画像艺术再次发生了重大变革。

在现代主义时期，艺术家们追求创新和个性化，他们通过自画像来探索自我和表达自己的艺术观念。

这个时期的代表艺术家包括西班牙艺术家毕加索和美国艺术家杰克逊·波洛克。

他们的自画像作品充满了抽象和实验性质，突破了传统的绘画规则和束缚。

与此西方自画像艺术在20世纪也受到了一些东方文化的影响。

一些艺术家开始尝试将东方元素融入到自画像作品中，例如日本浮世绘和中国水墨画。

这些元素为自画像艺术带来了新的视觉效果和文化内涵，也影响了后世艺术家们的创作思路。

例如，美国艺术家克拉斯·奥登伯格就曾将中国水墨画技法融入到自己的自画像作品中，展现出独特的艺术魅力。

总的来说，西方自画像艺术史是一部反映人类情感和思想变革的历史。

从文艺复兴到现代社会，艺术家们通过自画像这一形式来探索自我、表达个人情感和艺术观念。

□余园园冯斌浅析文艺复兴时期镜子在传统西方绘画中的作用摘要:在文艺复兴时期的西方，镜子不仅是科学研究的对象，而且是绘画创作中的重要工具。

该文从利用镜 子作为绘画的判断标准、利用镜子创作自画像以及通过镜子研究透视现象三个方面,研究镜子在绘画中的作用。

关键词:镜子 文艺复兴绘画13世纪，叙利亚等地区的制镜技术流传到意大利威尼斯。

由于威尼斯玻璃工业发达，镜子工业在此发展至顶峰。

直到16世纪，现代玻璃镜诞生。

在文艺复兴时期，镜子的生产之所以取得跨越性的成功，不仅是因为其作为一种宝贵资产和时尚配饰 具有较强的审美吸引力，而且是因为它是文艺复兴时期艺术家的重要绘画工具。

―、镜中的拟像在早期艺术史中，镜子中的拟像为艺术家提供了 判断绘画的标准。

文艺复兴“美术三杰”中的达•芬奇提出了著名的“镜子说”，他提倡自然界和人类生活是文艺的素材，艺术家使用不同的媒介将其在艺术中展 示出来“镜子说”成为他为众多艺术家提供关于如何判断自身作品的建议的基础。

达•芬奇认为，在绘画 时，艺术家应该在身边放置一面扁平的镜子，并经常观看镜子中的作品。

镜子中呈现出作品颠倒的图像，由 此形成的对画面的陌生感能够使艺术家冷静地判断作品。

达•芬奇还拓展了镜子作为艺术家指南的领域：当 想知道作品是否与从自然中获取的绘画对象一致时，艺术家需要将镜子中反射现实的图像与作品进行比 较，观察两者的画面是否一致。

这一观点为人们在研究绘画时把平面的镜子作为指南提供了可靠的支撑。

一般情况下，艺术家通过轮廓、光影效果等使画面中的 事物呈现出真实感，但是由于绘画作品在很多方面如事物展现在镜子中的图像，如果人们了解色彩并将画面的色彩调和得比镜子中的光影效果更加强烈，同时将这些色彩放在画面中恰当的位置上，那么作品在视 觉效果上可以如同自然事物被反映在一面镜子中一 般。

与达•芬奇的观点不谋而合的人还有阿尔贝蒂，他 在《论绘画》中提到镜子适合作为评测绘画作品质量的 工具。

关于艺术镜像与模仿的感想“镜像”这个话题在西方是非常的久远,从柏拉图开始就已经有了和镜像有关的的“模仿说”,后来许多的艺术家把镜子利用到艺术创作当中,像康坦梅西斯、帕而米江尼诺、达芬奇、提香等等都有关于镜子的作品,其后,弗洛伊德、拉康等是把“镜像”作为哲学和心理学问题来研究的。

镜子这一艺术形式被越来越多的艺术家所利用,在当代艺术创作中“镜像”就像一把利器,被许多艺术家所描绘！镜子和艺术之间都存在着空间性,从镜像与艺术的空间性进行探索,了解镜像和艺术之间的关系,以及它的研究意义,本文主要从物理的镜像在艺术创作中的应用进行研究,以及镜子朝内结合心理学拉康的“镜像理论”为理论依据延伸出自画像和自拍的形式,并对创作自画像和自拍的艺术家的作品进行分析。

最后结合自己的《镜·界》系列油画作品的实践,挖掘镜像在艺术创作中的研究价值。

我想通过“镜像”这一主题对我们这个时代的现状进行深入的了解。

探索镜像这一艺术创作的表达方式,以及镜像在艺术创作中的研究价值。

模仿从某些角度来看实际上是创新。

举个很简单的例子，科学家们通过观察海豚、座头鲸等动物通过发出声波来探测周围环境，模仿其生物原理制造出了声呐系统并广泛地运用于航海业。

我们不得不承认这对于人类来讲是很大的进步，对于人类文明是很大的创新。

从这个角度来看，模仿实际上是一种创新；只是这种模仿被稍加改进并应用于全新的领域，因此被看做是创新。

但是不得不承认的是，创新从某些角度来看也是一种模仿。

就像是在切苹果，你一直习惯竖着切，而终于有一天你创新性地横着切还发现了星星一样的苹果核，对于你来讲这毫无疑问就是创新；然而对于已经知道这个的人来说，这只是一种对于已知行为的模仿。

浅析镜子在中西方绘画中的体现作者：徐冉来源：《文艺生活·中旬刊》2020年第10期摘要：镜子这一本体在中西方的绘画中都有着重要地位和特定的象征意义，这些象征意义大同小异，都是特定时代里的社会文化在绘画上的缩影。

关键词：鏡子;象征意义中图分类号：J205文献标识码：ADOI：10.12228/j.issn.1005-5312.2020.29.028文章编号：1005-5312（2020）29-0040-01从人类对着水面看见自身的形象，到现如今我们起床洗漱时的常常看见的镜子，镜像反射这一简答的物理现象对于我们思考自身，思考世界都充当了重要角色。

而作为绘画本体的镜子在中西方绘画中又有着什么样的象征意义呢？一、中国传统画中镜子的出现及其象征意义我们在苏汉臣的《靓装仕女图》中也能发现，仕女娴静的面容是在镜子上表现出来。

画家在表现人物侧身和背影时，可以通过镜子将人物的面容反射出来，和画外的观者产生联系。

《旧唐书》卷七十一中记载，唐太宗曾说，“夫以铜为镜可以正衣冠;以古为镜，可以知兴替;以人为镜，可以明得失。

”可见。

在中国传统文化当中，镜子不单单有反射物体的物理功能，经常拿来用作为对比，关照的手段。

这在顾恺之《女史箴图》中的第四段里有所体现。

画的是妇女在对镜梳妆。

旁边题字“人咸知修其容，而莫知饰其性”画面右边的妇女正侧身对镜自理，画家利用镜面反射的原理，巧妙地在镜面上展现出妇人顾影自怜的神态。

左边有一妇女照镜，她身后有一女子在为其梳头。

由此可见，画家用想向世人强调人格品质的修养大于对容貌的修饰，起到教化宫中妇女的作用。

同时，顾恺之也在画中通过镜子表达了自己的“悟对”的美学观念，两位妇女对镜自赏，不单单反映出女性爱美是天性，画家也将镜中影像和镜前正在“修容”的妇女形成“悟对”关系。

中国传统画中的镜子不单单可以在构图方面可以增加画面的层次感，在文化内涵经常将镜和鉴联系在一起，在绘画上用镜子表现出“鉴”的含义，且镜子在中国传统文化的象征意义又很丰富，甚至可以将“心”，“古”，“人”，“屏风”等物象代替“镜子”的物象在画面上表达出来。

一、不幸的遭遇弗里达•卡洛是一位杰出的女性绘画艺术家，毫不夸张地说，笔者认为她是一位真正的女神。

在墨西哥和美国，弗里达受到人们的顶礼膜拜，她究竟是一位怎样的画家呢？她是一个从小患有小儿麻痹症腿部残疾的女人，一个遭遇了严重车祸身体被公共汽车上栏杆捅了一个洞险些丧命的女人，她躺在床上接受了一次又一次的手术和无休止的治疗，和身材魁梧的丈夫里维拉争吵不断，却画出了惊世骇俗的绘画作品。

弗里达的不幸遭遇成就了她，倘若她从小就是一个身体健康的正常人，也没有遭遇车祸，那么她的人生也许就是另外一条道路。

弗里达是一位无师自通者，除了高中必不可少的艺术课程之外，她没有受过其他的专业艺术训练。

她从小患有疾病，行动不便，而更不幸的是，1925年，18岁的她在离校返家的路上遭遇车祸，这导致她长时间卧床接受治疗，除了镜子，她没有其他的倾诉对象，因此，镜子成了弗里达的好朋友。

通过画画这一相对漫长的过程，她有了对抗孤独的有效武器。

二、镜中的独白——自画像绘画，就像她一直在照镜子一样。

于是自画像在客观上取代了镜子的位置。

1926年，她从创作第一幅自画像开始，就学会了如何在镜中观察自己，学会了如何表现自己的跃动、炽热、无畏和脆弱。

这种双重对话持续了28年，在这期间她创作出若干20世纪最个性化、最为非凡的人像画。

1926年，她创作有生以来的第一幅自画像，最直接的灵感源于意大利文艺复兴时期的绘画作品，画面上的她端庄而冷漠，带有她那标准性的、傲慢的挑衅式的表情，她无语地凝视着眼前的自己。

第一幅《自画像》成了弗里达的替身，这为我们提供了一条理解弗里达内心世界的途径。

弗里达之后的自画像逐渐抛弃波提切拉、莫迪里阿尼和拉斐尔的艺术罗盘，她的创作更加自由大胆。

1941年弗里达父亲去世，她的病情也再一次恶化，她的低落情绪反应在她1941年创作的《有鲣鸟的自画像》中，画中她身着丧服；而在《扎辫子的自画像》中，在动脉一般的茎秆上缠绕着锯齿状的树叶，它们似乎正准备对弗里达的身体发起攻击。