从“有意”到“无意”书法创作的几种方法与境界

书法作品创作思路书法，作为中华文化的瑰宝，自古以来便受到文人墨客的喜爱与推崇。

在进行书法作品创作时，书法家需综合考虑多个方面，以期达到形神兼备、意境深远的艺术效果。

以下是我个人在书法创作过程中的一些思路和方法。

一、选字与内容首先，在选择书写内容方面，我会根据创作目的、场合及受众来挑选适当的文字。

例如，若为庆典场合，可能会选取寓意吉祥、美好的词句；若为表达个人情感，则可能倾向于选择能体现心境的诗句或名言。

同时，我会注意文字内容的整体协调性，确保字与字之间、行与行之间在意义上相互呼应，形成和谐统一的整体。

二、章法与布局章法，即整幅作品的布局和安排，是书法创作中极为重要的一环。

我会根据所选文字的数量和内容，确定合适的幅式（如横幅、竖幅、斗方等），并在此基础上进行精心布局。

在布局过程中，我会注重字距、行距的调整，以及字的大小、轻重、疏密等变化，以形成节奏感和层次感。

同时，我还会利用墨色的浓淡、润燥来增强作品的表现力。

三、笔法与线条笔法是书法艺术的灵魂，直接关系到作品的成败。

在创作过程中，我会根据所写字的特点和个人审美追求，选择合适的笔法（如中锋、侧锋、逆锋等），并注重起笔、行笔、收笔的力度和速度控制。

此外，我还会特别关注线条的质量，力求做到线条流畅自然、有力有节。

在线条的呈现上，我会追求既符合传统规范，又能体现个人风格的独特美感。

四、墨法与色彩墨法在书法创作中同样不容忽视。

我会根据实际需要，灵活运用不同的墨法（如浓墨、淡墨、枯墨、润墨等），以丰富作品的视觉效果。

在色彩运用上，虽然书法以黑白为主色调，但我也会在适当的时候尝试运用彩色宣纸或添加印章、题跋等元素，为作品增添一抹亮色。

五、个人风格与审美追求将个人风格和审美追求融入作品是每位书法家的必修课。

在长期的艺术实践中，我逐渐形成了自己的艺术风格和审美理念。

在风格上，我注重传统与创新的结合，既尊重古典书法的法度和韵味，又敢于尝试新的笔法和形式。

在审美上，我追求简约而不简单、自然而不做作的艺术境界，力求在作品中展现出独特的个人魅力。

论书法创作中的“有意”与“无意”程思敏【摘要】在书法创作中存在着“意在笔先”与“无意于佳”两种观点.“意在笔先”讲的是在书法创作前要先进行构思,然后下笔.而“无意于佳”则表明创作不必刻意求工、墨守成规,这样反而会创作出自然萧散、出奇制胜的作品.二者看似相悖却有着紧密的联系.【期刊名称】《美与时代（下旬刊）》【年(卷),期】2017(000)002【总页数】2页(P75-76)【关键词】书法创作;“意在笔先”;“无意于佳”【作者】程思敏【作者单位】北京师范大学书法系【正文语种】中文在中国书法史上，有诸多书论对“有意”与“无意”的书写状态作出了苦心孤诣的探索与研究。

书家们在进行大量的书法创作之后，积累了非常丰富的经验和总结了深刻并真切的体会，同时凭借着敏感与锐利的艺术感知力,对书法创作的“有意”与“无意”进行过生动的描述。

本文就书法创作中的“有意”与“无意”作了探讨，希望能对书法创作者有所助益。

艺术创作是一种主体性的实践活动，其过程是清晰的、理智的。

艺术创作当然离不开艺术家在进行创作之前的构思与准备的“运思”阶段，也就是我们通常说的“有意”。

书法作品的创作与其他艺术一样，同样需要书者“有意”地进行，正所谓“意在笔先”。

书论中“意在笔先”是指写字之前事先进行构思，然后再下笔。

此语出自王羲之《题卫夫人〈笔阵图〉后》中“意在笔前，然后作字”[1]26。

这是书法创作的宗旨之一，因为它直接关系到创作出的作品的成败。

如果书者在创作时“有意”为之，将可能收获到预期的效果。

因此，“意在笔先”这一命题深入人心。

王羲之主张的“未作之始，结思成矣”就表达了构思的重要性。

早在东晋，卫夫人就说过，“意后笔前者败”“意前笔后者胜”[1]23，强调的是要想进行书法创作须构思在前。

由此我们可知“意在笔先”就是要做到作字时的胸有成竹。

在完成一幅作品前，我们不但要思考每个字的笔划如何书写，每个字的结构怎样安排，整个章法的预期效果又会是怎样，还要看所书词句，需要用什么书体进行创作，或真或草，以何种纸色相称，素白或是仿古。

书法创作的过程和方法
书法是一门艺术，需要通过不断的创作和实践提高自己的水平。

在书法创作的过程中，需要遵循一定的方法和步骤：
1. 落笔与提起：落笔是指将笔落到纸上，提起则是将笔离开纸面。

在书写时，需要注意笔的落笔力度和提起顺畅程度。

2. 用笔的姿势：正确的用笔姿势是书写的基础。

一般来说，毛笔
书法需要用三指掌握笔杆，硬笔书法则需要用两指夹笔。

3. 书写节奏：书写需要有节奏感，避免出现过快或过慢的情况。

可以通过练习字帖来培养良好的书写节奏。

4. 用笔的转折：书写中常常需要进行笔画的转折。

需要注意转折
点的位置和有无歧义，同时也需要注意转折的力度和笔画的续接。

5. 用笔的粗细：通过掌握笔的用力程度，可以实现笔画的粗细变化，达到丰富书写的效果。

在进行书法创作时，还需要注意以下几个方面：
1. 选好材料：书法专用纸张和墨汁能够提高书写的质量和效果。

2. 把握节奏：书写需要有整体的节奏感，需要把握好每个字的比
例和形状。

3. 熟练练习：书法需要不断练习，并注意改正自己的错误，以提
高自身的水平。

4. 借鉴他人之长：可以学习其他书法家的作品，理解他们的用笔技巧和风格，从而为自己的书法创作提供参考。

总之，书法创作需要不断探索和实践，坚持下去才能提升自身的水平和艺术境界。

从尚意到无意——品读苏轼《黄州寒食帖》宋书尚意。

以苏轼为代表的宋人书法追求的是文人、文学和书法的结合，是以文章、才学为根基的个体心性的自然流露，将心灵、性情、文化素养推到至高无上的位置，传达其胸中郁结与率性真情，这就是不同于古人的“尚意”书法。

然而身为一个杰出的书论家，苏轼自然知道书法创作的最高境界乃是“无意”。

“无意”不是没有任何意识，而是我们所说的潜意识。

书法作为一门抒情达意的艺术，是书家心灵的外化，而人的情感总是自发的、自由的，是不受任何力量制约的，只有在无意识的状态下，人的性情才能得到最真实最充分的表达，也只有在无意识的状态下，书家才能“穷变态于毫端，合情调于纸上”而人书合一。

苏轼认为好的书法艺术完全应该是一种天真烂漫之意的自然流露，是一种无意识的冲动。

他曾多次在酒后作书，便是在寻求这种“无意”，他在《与上言上人书》中说：“雪斋清境，发于梦想，此间有荒山大江，修竹枯木，每饮村酒，醉后曳杖放脚，不知远近，亦旷然天真。

”苏轼的书学理论来源于他的哲学思想，他的哲学思想以佛道思想为主，其中又以庄子、禅宗思想为重，而庄、禅之核心乃“无”、“空”，苏轼书法的最高境界所达到的也是一种庄、禅的精神境界，即“无意”。

《寒食帖》无疑是最杰出的代表。

《黄州寒食帖》为墨迹素笺本，横118厘米，纵33.5厘米，共17行，129字，作于宋神宗元丰五年，无款及年月。

现藏台北故宫博物院。

作品为两首五言古风，诗句苍劲沉郁，低回长叹；而书法则以手卷形式一气呵成，苏轼将诗句心境情感的变化寓于点画线条的变化之中，作品浑然天成，在技巧、情感、意境上都无可挑剔，诗、书俱出自然。

无怪乎苏门四学士之一的黄庭坚为之折腰，在帖后题跋曰：“东坡此诗似李太白，犹恐太白有未到处。

此书兼颜鲁公、然而胸中无盘郁纠结，何能寄寓又何所外化？盘郁纠结者为何？元丰二年（1079年）苏轼受到以王安石为首的新党的排斥，因北宋最大的文字狱“乌台诗案”被贬任黄州团练副使，闲职长达四年。

书法笔意十二法书法是中国传统文化中的一项重要艺术，是一种通过笔墨进行表现和传达的艺术形式。

在书法的世界里，有着一种很重要的概念——“笔意”。

笔意是指书法作品所表现出的气韵、神韵，它是书法艺术品硕果的精髓，也是区别于普通字体书写的独特之处。

今天，我们来谈一谈“书法笔意十二法”，一起探讨如何运用笔意创作出更为完美的书法作品。

一、转折法：指画线时尤其是锋线到达某个地方时，颠簸盘旋成为另外一条线，带动整个气氛转变。

二、心意法：指写作时必须得投入感情，它是意境的载体，也是字和心灵之间最为密切的纽带。

三、透体法：指书写时将整个字看作一个整体，不但包括每一笔的起伏变化，还包括笔画之间的相互呼应和内在协调。

四、碎劈法：指在书写时，用笔跳动碎劈，形成不同的笔锋，从而形成字形，达到书写的目的。

五、提顿法：指在书写时，有意深按一下笔的顶部，生成一个稍长一些的端点。

六、点画勾背法：指书写时，头顶下顶点顶坠顶钩等点画，要做的高、直、匀、长、厚、差的尺度关系，直笔要匀，弯折要差。

七、前伸法：指书写时，每一笔都要有一个明显的进步与前行，在“前伸”中表现出蓄势待发的动力和气定神妙的优雅。

八、长短畅滑法：指书写时，把握长、短的长度、宽窄的宽度以及不同笔的温度，短一点使笔画畅滑。

九、缠绵法：指书写时，描绘出相互交错纠缠的笔画，使字的构造更加严谨而有趣味得多。

十、生变法：指书写时可以根据形势变化，随意发挥笔力，从而实现笔力的自然延伸。

十一、厚薄确切法：指书写时，对字的粗细度的表现，用笔的压力大小与强度来区分。

十二、扭曲变化法：指书写时，笔画的弯曲度和后部的缩短度因协调，就像身躯扭曲，浑然天成。

总之，“书法笔意十二法”这些法则的出现，为书法家提供了一些书写的细节要点，使得更多的艺术家能够通过笔意创作出更加优美、优雅、富有韵律的作品。

因此，我们在创作书法时要注意，不仅要掌握每一笔的力度、长度、宽度等细节关系，在形式上展现的是一份功夫，关键在于书法艺术家的心智敏锐性与笔力的配合。

书法的八个阶段
书法的八个阶段如下：
1. 歪乱阶段：这是书法的初始阶段，也是学习的第一阶段。

初学者会发现自己的字写出来不成样子，甚至进步很小。

这个阶段就是“歪乱阶段”。

在这一阶段，初学者需要掌握笔画的基本技法，并理解领会汉字结构的规律。

2. 平整阶段：这是书法的第二阶段。

当初学者掌握笔画的基本技法，理解领会汉字结构的规律后，他们的字会变得更加整齐和规范。

3. 笔法阶段：这是书法的第三阶段。

在这个阶段，书法家开始探索笔法的运用，包括笔画的力度、速度和节奏等。

4. 字形阶段：这是书法的第四阶段。

在这个阶段，书法家开始注重字形的构造和美感，尝试通过不同的字形来表达自己的艺术观念和思想感情。

5. 墨法阶段：这是书法的第五阶段。

在这个阶段，书法家开始注重墨的运用，包括墨的浓度、墨迹的干湿、墨色的变化等。

6. 章法阶段：这是书法的第六阶段。

在这个阶段，书法家开始注重整体布局和章法安排，包括字与字之间的关系、行与行之间的呼应等。

7. 性情阶段：这是书法的第七阶段。

在这个阶段，书法家开始注重表达自己的情感和个性，通过书法作品来展现自己的内心世界和
艺术追求。

8. 意境阶段：这是书法的最高阶段。

在这个阶段，书法家已经达到了随心所欲、自由创作的境地，他们的作品不仅具有形式美，而且能够传达出深邃的思想和情感内涵。

以上是书法学习的八个阶段，每个阶段都有不同的重点和要求。

只有不断努力和实践，才能逐步提高自己的书法水平，达到更高的艺术境界。

书法艺术境界的九重划分法书法是我国传统艺术之一，有着悠久历史和深厚文化底蕴。

在书法艺术的创作过程中，有一种九重划分法，可帮助艺术家更好的创作。

一、写作手法。

书法艺术的第一种境界是写作手法。

作为书法创作者的基础，正确的写作手法可让文字更加流畅、潇洒，表现出手迹的特点。

二、笔墨运用。

书法的笔墨运用是书法艺术的重要组成部分，它不仅要求笔墨浓淡、方圆的规矩，还应该注重中国传统文化的呈现。

三、字体选择。

字体的选择是书法艺术中不可忽视的元素。

它们的特点是有所不同的，比较流行的字体有楷书、行书、隶书、草书等，每种字体有着自己独特的韵味，需要根据书法创作者的风格和创作内涵来选择。

四、着重部位。

书法艺术的第四个境界是在着重部位上寻找突破。

着重部位应该吸引读者的眼球，并进行展示。

五、掌握书法法则。

书法艺术除了要有复杂的表现技巧外，还必须有条不紊，有章可循。

书法方面的法则有很多，如“八法”、“八点有躯”等，要想尽可能更好地发挥艺术家的创作能力，也必须要学会其中的每个细节。

六、行文整齐。

行文整齐是书法艺术第六个境界，书法作品的行文要整齐，具有规律性，这样才能使书法的美感更加脱俗。

七、气韵生动。

书法艺术的气韵生动是作品赋予生命的根本，它是书写线条的魅力、感情强度的集大成体。

八、简化手法。

书法艺术的第八个境界是使用简化手法。

较少繁琐的笔画，使文字更加清晰，让观众更加容易地理解书法作品所表达的文化意义。

九、创意设计。

最后，创意设计在书法艺术创作中也非常重要。

创意设计可能涉及形式、主题、画面构成、以及文字、颜色搭配等方面。

艺术家的想象力及创新能力在此发挥。

总之，“书法艺术境界的九重划分法”是一种综合性的思想方法，它提供了一种有效的方法，以帮助创作者创作更好的作品。

因此，在书法艺术的发展中，创作者应该积极探索，以提高自己的书法艺术境界。

一、书法创作的境界“创作”一词，包含两个方面。

一方面是“创”。

所谓“创”者，有开始做、初次做的意思，西方人称为“begintodo”或者“firsttimetodo”，其中心意思是“create”（创造）。

另一方面是“作”。

“作”有“skill”（作法）、“make”（制作）的意思，其中的“法”含有技巧化理论、意识的意思，制作的“制”含有目的、方法的意思。

因此上，英语对中国的书法创作解释为“techiniqueofcalligrahy”，意思是“有技巧的书写”。

“techinique”本义是技术、技巧、技能，在书法上则是指“汉字书写的方法”。

从上面的解释我们可以认识到：书法创作是有技巧、有意识、有方法的汉字书写。

理解有意识、有目的、有方法（技法）的书写汉字，对书法创作来说是很重要的。

它有五个要件：一是要有才学（有意识），二是有书写目的（动机），三是要有法（有技巧），四是线条书写（时空记录），五是汉字（作品性质的规定是汉字，而不是绘画）。

这五个方面是书法创作的全部内涵，它们是相辅相成有机的统一体，缺其一则不能称为完整的中国汉字书法创作。

当然，笔者在这里注重强调的是“意识”，尤其是书法家自己的意识对书法创作的影响是很重要的。

“有意识、有目的、有方法”中的三个“有”字的含义是得到、取得、获得、达到。

每个人获得的才、能和个人的创作目的是不相同的，所以每一个书法家创作的作品是唯一的、排他的、不可复制的。

也许，他可能借鉴某一个书法家的书写风格，或者他受师承关系的影响，具有某一书风笔意，但是他在创作某一件书法作品时，已经把过去所学的“才”和掌握的“能”升华为有自己意识的、独立的、排他的线条艺术了。

这就是书法创作的基本内涵。

那么，我们书法家在创作作品时需要注意哪些方面呢？要达到何种境界，才是我们创作的奋斗目标呢？1.书法创作的第一境界——法无定法书法艺术有其自身的规定性，是客观的。

书法艺术的审美规律也是客观的，不以书法家意志为转移的，因此书法家只能发现它、遵循它，而不能改变它。

书法的三个境界书法作为一门艺术形式，有着悠久的历史和独特的魅力。

它不仅仅是一种文字的书写方式，更是一种表达情感和思想的艺术形式。

在书法的世界里，有着三个境界，它们分别是“模仿境界”、“达观境界”和“超脱境界”。

第一个境界是“模仿境界”，这个境界是书法学习的初级阶段，也是初学者熟悉和掌握基本技巧的阶段。

在这个阶段，学习者会通过模仿大师的作品，逐渐掌握笔画的结构和规律，熟悉字形的特点。

通过不断地模仿，学习者可以提高自己的笔法和字体，逐渐形成自己的风格。

然而，在这个阶段，作品往往还缺乏独特的个性和艺术感染力，还需要不断地努力和实践。

第二个境界是“达观境界”，这个境界是书法学习的中级阶段，也是学习者开始追求艺术感染力和个性表达的阶段。

在这个阶段，学习者已经掌握了基本的技巧和字形结构，开始注重作品的意境和表达。

他们能够通过笔墨的运用，体现出作品的内涵和情感。

在这个阶段，学习者需要不断地丰富自己的艺术修养，提高对于作品主题的理解和把握。

只有在不断地探索和实践中，他们才能够达到更高的艺术境界。

第三个境界是“超脱境界”，这个境界是书法学习的高级阶段，也是少数人能够达到的境界。

在这个阶段，学习者已经完全掌握了书法的技巧和规律，能够自由地表达自己的情感和思想。

他们不再局限于传统的字体和形式，而是能够创造出全新的风格和表达方式。

在这个阶段，学习者已经超越了技术的束缚，能够用自己独特的方式展现作品的艺术魅力。

他们的作品往往能够给人以深刻的启示和感悟，引领着书法艺术的发展方向。

总的来说，书法的三个境界代表着学习者在书法学习过程中的不同阶段和境界。

从模仿到达观，再到超脱，每个境界都需要学习者不断地努力和实践，才能够达到更高的境界。

无论是初学者还是已经达到高级阶段的学习者，都应该保持谦虚和进取的态度，不断地学习和探索。

只有这样，才能够在书法的世界里不断进步，不断超越自我，创造出更加优秀的作品。

书法开题报告创作方法创作方法是指在书法创作中所采用的方法、技巧以及艺术手段，是书法艺术追求美感和艺术效果的重要手段。

不同的创作方法会产生不同的视觉效果和艺术表现力，从而传达出不同的情感和意境。

在书法创作中，创作者可以通过以下几种方法来进行创作：1. 临习法：临习法是中国书法中最常见的一种创作方法。

通过参照古代书法名家的作品，临摹并学习其风格、笔法、结构和韵味，以提升自己的书法水平。

临习法能够帮助创作者熟悉传统书法的基本要素，并且在不同的临习中，逐渐形成自己的风格和特点。

2. 直接创作法：直接创作法是指直接在纸张或其他载体上进行创作，不需要参照和借鉴他人的作品。

创作者可以根据自己的意愿和创作灵感，自由地运用各种书法技法和艺术手段，创作出独特而有个人风格的作品。

直接创作法更加突出创作者的个性和独特性，能够表达出作者内心深处的情感和思想。

3. 结合古今法：结合古今法是指在书法创作中，结合传统与现代的艺术元素、观念和技法进行创作。

创作者可以融合传统经典的书法风格和现代的艺术理念，创造出新颖、独特且富有时代感的作品。

结合古今法能够打破传统创作的桎梏，拓宽书法艺术的表现力和创作空间。

4. 艺术技巧法：艺术技巧法是指通过灵活运用各种书法技巧和表现手法来创作作品。

创作者可以运用丰富的笔法变化、墨色渲染、线条纵横等技巧来制造丰富的书法效果和艺术韵味。

艺术技巧法能够增强作品的艺术张力和观赏性，同时也有助于创作者表达自己的艺术构思和情感。

综上所述，书法创作是一门艺术，创作者可以根据不同的创作方法来表达自己的创作理念和情感体验。

通过不断的实践和探索，创作者可以发现更多独特的创作方法，并不断提升自己的书法水平和艺术造诣。

书法创作方法的多样性和灵活性为创作者提供了广阔的创作空间，使得书法艺术得以不断创新和发展。

书法的15种境界书法作为中国传统文化的重要组成部分，其所具有的意义远不止于一个艺术形式。

透过习书，我们可以接触到中国文化的精髓，领略到先贤们对于人生、自然、社会等方面的思考与领悟。

下面，就让我们一起来探讨一下书法的“15种境界”。

一、聚精会神：书写时必须心无旁骛，全神贯注，以达到内心的专注与安宁。

二、静心宁神：书写时须平心静气，相信在内心深处的自我净化与自我提升。

三、尚美自然：尊重自然、追求和谐，让笔画在纸面上流畅自然。

四、心意相通：书写时，正念凝聚，思绪清晰，笔意贯通，心与笔相互呼应。

五、化在气中：书写时须顺应气势，通过笔墨将笔上的旋涡融为一体，形成气场。

六、柔中寓刚：勇气和刚毅并存于柔软之中，用笔之力不破却切中要害。

七、变化自然：书写的灵活、随机应变的笔画，让画面的变化如自然而然。

八、安然自在：在书写过程中不紧张，自在而从容，用毫笔杆间表现自己的艺术。

九、中和有度：笔画生动有力，却不让其过度强调，达到中和有度的效果。

十、形神兼备：在书写时，注重形态表现，同时完美体现作品的内在意境。

十一、积淀成性：通过不断的积淀和练习，成为一种稳定而高妙的表现形式。

十二、化繁为简：通过化繁为简的手法微调每一笔画，让作品思想与情感得以准确的表现。

十三、驾驭性感：在书写时，短笛笔具有灵活性，能够驾驭其性感的，让手笔尽情的发挥。

十四、醇厚淳简：笔力醇厚，色调淳简，用笔生动有力却不失其柔和之处。

十五、心灵和鸣：在书写的过程中，让手感与心灵产生共鸣，使得作品具有让人心灵抖擞的力量。

总而言之，书法是一种相当有趣的艺术形式，其所包含的定力、暗示与精神导向，都能够使我们在日常生活中更加深入理解并平衡我们内心的情感与情感世界。

书法自由创作的方法
书法自由创作的方法主要包括以下几个方面：
1. 确定创作主题：在开始创作前，需要确定主题，可以选择自己感兴趣或者熟悉的内容，如诗词、名言警句等。

2. 选择书体和纸张：根据创作主题和个人喜好，选择合适的书体，如楷书、行书、草书等。

同时，选择适合的纸张，保证书写流畅，不滞涩。

3. 构思布局：在创作前，需要构思整个作品的结构和布局，考虑每个字的大小、位置、间距等，以使整个作品看起来协调、美观。

4. 练习基本笔画：在自由创作前，需要练习基本笔画，掌握笔画的基本要领和技巧，如起笔、运笔、收笔等。

只有掌握了基本笔画，才能更好地进行自由创作。

5. 注重节奏感：书法创作需要有节奏感，通过调整笔速、力度等，使作品呈现出动态的美感。

在自由创作时，要注意节奏的变化，使之与整体布局相协调。

6. 发挥想象力：在自由创作时，需要发挥自己的想象力，创造出独特的艺术形象和意境。

可以通过夸张、变形等方式，打破常规，探索新的表现形式。

7. 不断尝试与创新：书法创作需要不断尝试与创新，不断探索新的表现手法和技巧。

可以通过借鉴其他艺术形式、融合不同书体等方式，来丰富自己的创作手法和表现力。

8. 多加练习和反思：自由创作需要多加练习和反思，只有不断地练习和反思，才能提高自己的创作水平。

同时，也可以通过观摩优秀作品、与其他书法爱好者交流等方式，来提高自己的审美能力和创作水平。

总之，书法自由创作需要注重主题、书体、纸张、构思、基本笔画、节奏感、想象力和创新等方面。

只有在不断地练习和反思中，才能逐渐提高自己的创作水平，创作出更加优秀的书法作品。

“意在笔先”与“无意于佳乃佳尔”辨析胡顺卿王羲之《题笔阵图》中说：书法创作“意在笔先”；唐韩方明《授笔要说》中载：“然意在笔前，书居心后，皆须存用笔法”。

其意义讲的是每在书法创作之际，要进行书前的创作与安排。

用笔粗细，用墨浓淡润枯，结字肥瘦，其书写内容适于何种书体更能表现意境和作者心情；字数的多少使用以怎样的章法表现最好等等。

所有这些均要在书前预于胸中布置，运筹。

做到胸有成竹。

至此无疑是书好作品的先决条件。

如若临时无法，任笔所成，将无益于习书创作，以致茫然适从，书之无度，所书之品也将是“废品”。

“意在笔先”对不同阶段，不同层次的书家均尤为重要。

然而，在强调“意在笔前，书居心后”的同时，“无意于书尔成书”这似乎与前述大相矛盾的观点时常困扰笔者。

不知同仁有否同感？苏轼在《评草书》中说：“无意于佳乃佳尔”；景行评：“因为是草稿，无意于求工，所以通篇遒媚飘逸字势纵横，变化无穷，如有神助。

”（《王羲之与兰亭和<兰亭序>》97年12月28日临沂日报）姜波超讲：“《文稿》是无意于工反而及其工的典型。

”（《容情于书无意于佳》98年5月24日临沂日报）等等。

历代佳作，诸如王羲之《兰亭序》颜真卿《祭侄文稿》，张旭《古诗字帖》，苏轼《黄州寒食帖》，王铎《枫林戈未息》等，都是“无意于工而极其工”的典范。

这与“意在笔前”是不是有抵触？是否相矛盾？以拙之见，从以下方面释之，望同道斧正。

第一，任何一位书家均有惨淡经营之阶段。

漫长的循规蹈矩之路你不得不“意在笔前”。

无论从摩贴，临帖，读贴到师承，创作；从初学写字到艺术修养；从字内功夫到字外学养都有一个较为漫长的过程。

在这个过程中你就应该“意在笔前，书居心后”。

从学练笔画，用锋，欹侧，贯气到结体，章法等等，均要遵循这个规律，时时规范于法度之中。

所谓“无规矩不成方圆”。

如果在这个过程中，不时信手捡来，乱涂一气，到头来也是习书无成，枉费心机。

第二，纯清娴熟的笔技是产生“无意于佳乃佳尔”的基础，情感是前提条件。

2002年2月 晋东南师范专科学校学报Feb.,2002　第19卷　第1期 Journal of Jindongnan Teachers CollegeVol.19,No.1收稿日期:2001—12—01作者简介:马俊青(1961—),男,汉族,山西省襄汾县人,太原师范学报编辑部副编审,从事书法研究与教学。

对书法创作中“有意于佳”与“无意于佳”的思考马俊青(太原师院学报编辑部,山西太原　030012) 摘　要:“有意于佳”是书法创作的基本方式,“无意于佳”是书法创作的一种特殊方式,所以,在书法创作上两种方式缺一不可,两者无法分开,没有“有意于佳”,书法创作无规律可循,没有“无意于佳”无法涵盖另书法这门特殊艺术的哲学内涵。

关键词:书法创作;有意于佳;无意于佳中图分类号:J29211　文献标识码:A 文章编号:1009-0266(2002)01-0062-02 在书法创作上,有这样两种观点,第一种是“有意于佳”,认为是书法创作必须经过认真构思才能产生出好的作品。

另一种是“无意于佳”,认为书法创作不需要做任何构思,要顺其自然,依势而行,随情而发。

有人例举出颜真卿的《祭侄文稿》,王羲之的《丧乱贴》,还有人举出如药方、便笺、门状、地契等皆均为此类作品。

对于这个问题历代书家各执一端。

有的肯首前者,有的同意后者,还有的既承认前者,也不否认后者。

持前一观点的有这样一些书家:东汉书法家蔡邕曾有这样的论述:“夫书,先默坐静思,随意所适,言不出口,气不盈息,沉密神采,如对至尊,则无不善矣。

”[1]其中的“默坐静思”明确地道出了书法创作必须先进行构思的问题。

东晋女书法家卫铄在《笔阵图》中曾有这样的观点:“意后笔前者败,意前笔后者胜。

”显然卫夫人这里的“意”也同样指的是构思问题。

其学生王羲之在其著名的《题卫夫人笔阵图后》中进一步强调和重申卫夫人的这一观点:“夫欲书者,先干研墨,凝神静思,预想字形大小、偃仰、平真、振动,令筋脉相连,意在笔先,然后作字。

书法从临帖到创作转换的七种方法。

|书法、艺术、家|书法是一种信仰临帖是书法学习的唯一门径。

无论是初学书法，还是小有成就抑或是有建树的书家，都离不开临帖，离不开对传统的遵循和继承。

在书法实践中，临摹与创作互为彼此，创作有境界的高下，临摹也有功底的深浅，而两者之间的有机结合才是提升书法技艺的根本所在。

临摹与创作是相互转化、相互促进的过程，即，在创作实践中，有不断对传统的掌控和把握；在临摹过程中，有主体意识的浸透和潺入，具体做法是学习的各个阶段对应地展开临摹与创作。

王铎所谓“一日临帖，一日应请所”，深刻地印证了这个道理。

一、形式练习1.训练方法：改变原作章法，将其临摹成斗方、扇面、立轴、中堂、对联等样式。

2.训练目的：通过章法的重新建立，认识并提高单字结构，字组、行的因素的相应变化的能力。

3.步骤与要求：（1）以某一书家的某一作品为例，尽心严格对临，做到章法、字法字组、行字数、虚实关系、书写节奏等因素尽量逼近原作。

（2）分析并掌握原作章法结构，一般规律，画出章法分解图。

（3）设计斗方、扇面、立轴、中堂、对联等章法示意图，并将原作改造临摹成以上诸形式。

二、补白练习1.训练方法：按照从易到难的原则，依次遮住原作的几个字，一行以及一个段落，进行补字、补行、补段练习，第一层次为补原作的内容，第二层次补任意内容，但必须合所遮字数。

2.训练目的：通过补白练习强化学生对原帖笔法、结字章法的理解与掌握。

3.训练步骤（1）仔细观察体会某一名帖（碑）的单字及字组构成特征，找出一般规律。

（2）做出它们的字轴线，字组轴线及行轴线。

（3）遮住某字、字组、行及段落背临。

（4）以非原帖（碑）内容、字、词、句等填补所遮挡位置。

（5）检查填补部分笔法、字组、法等因素与原作的相似度。

三、风格练习1.训练方法：选择同一书家不同时期的二件作品进行风格转化练习，即用A帖风格临写B帖内容，或以B帖风格临写A帖内容；选择不同书家的作品进行风格转化练习。

学书法的五个阶段和书法审美的五种境界01 急进期从“起步”开始，第一阶段名“急进期。

按照正确学习途径，由临摹碑贴入手开始，或教师单独辅导，或参加各种类型的学习班。

由于人们普遍具有对新事物的好奇心理，又由于初学容易上手，从点画到字形，常常很快就有了几分形似，因此，学习的积极性比较高，大部分人都能做到日不错影，坚持天天临习，对自己的进步比较满意，旁人也常夸奖鼓励。

无论是写颜或是写柳，无论是写隶或是写魏，容易初具面目，笔性好的人，还能选一首碑帖上字比较多的诗句，“创作”一幅作品，自我欣赏或让朋友、同好品评，甚至参加本地的展览。

达到这一水平，对一般人来讲，是比较容易的，只要方法对头，以一、两个碑帖为主，坚持临摹，经过两年左右的努力，便可解决。

此期最容易出现的问题是见异思迁。

因为刚刚进入书法艺术的大门，就好象到了一个从没有去过的地方，一切都是新鲜的，具有强烈的吸引力。

又由于原来所见碑帖、法书不多，鉴赏能力自然较差。

因此每见一个碑帖，就感到新奇，就想和自己所临碑帖比较，且常能发现所临碑帖不具备的“优点”，于是便改车易辙，临起新帖来。

过了十天半月，又见了一个碑帖，还会弃旧图新。

于是乎，朝秦暮楚，蜻蜓点水，到头来，落得个一无所获。

因此，这一时期，关键是选准碑帖就坚定地学下去，千万不可见异思迁。

02 缓进期经过前一阶段的学习,可基本掌握入手碑帖的特点，即初步达到了“入帖”。

但这种收效毕竟是初步的、幼稚的，碑帖中有的字，写起来还看得过去，碑帖中没有的字，写起来就大为作难，常常是离开帖便不知所措。

因此，作为“根据地”来说，还需要大量的时间，付出更艰辛的劳动来巩固，于是，便自然步入了“缓和期”。

顾名思义，这一阶段的进度相对要缓慢些。

要熟练掌握前阶段所学碑帖的规律，做到帖中没有的字，也可顺手写来，而且让行家一看，便能识出宗法何家、源自何帖。

为此，单单停留在照本临帖，显然是不行的。

要注意逐渐打开视野，丰富自己。

譬如，对自己所学的碑帖，应该做深一步的研究：它的时代背景和当时的书风，它的师承和渊源等等，如此，从横的和纵的方面，对所学碑帖作一番了解，找出与其有直接血缘关系的碑帖，作为临习的辅助，甚至改临这些碑帖亦无不可。

对“书初无意于佳乃佳尔”的理解在书法的学习过程中总会有这样的感觉，当我们经意地进行书法创作时，自己总是期待着笔下有佳作出现，然而往往事与愿违，废纸三千，佳构全无。

与此相反，有时候我们在不经意中却可以写出自己满意的作品来。

一言一蔽之，正所谓“有意栽花花不发, 无心插柳柳成荫”。

一、“有意于佳”和“无意于佳”的提出在书法创作中存在着这样两种观点，一种是“有意于佳”，一种是“无意于佳”。

持前一观点者，东汉时期的书法家蔡邕认为：“夫书，先默坐静思，随意所适，言不出口，气不盈息，沉密神采，如对至尊，则无不善矣。

”这其中的“先默坐静思”即在书写前一定要花上力气把该考虑的都考虑进去，先在大脑里形成总体的书写思路，做到成竹在胸以后，才能下笔书写。

东晋时期的女书法家卫夫人（传为王羲之的老师）在《笔阵图》中也提出了类似的论点：“意在笔前者败，意前笔后者胜。

”其后，王羲之在《题卫夫人笔阵图后》也有这样类似的观点，他认为：“夫欲书者，先乾研磨，凝神静思，预想字形大小、偃仰、平直、振动、令筋脉相连，意在笔前，然后作书。

”他直截了当地用字形大小、平直、振动等艺术创作的一般法则来说明卫夫人的“意”的含义。

第二种观点“无意于佳”，如怀素在《自叙帖》中说：“志在新奇无定则，古瘦漓纚半无墨。

醉来信手两三行，醒后却书书不得。

心手相师势转奇，诡形怪状翻合宜。

人人欲问此中妙，怀素自言初不知。

”作为著名的草书大师，对自身作品中的妙处却“自言初不知”，而认为是天意所钟，信手挥来，岂不怪哉？细致考虑，其中必有原由。

宋代大书法家苏轼认为，要在笔墨之中展现艺术家的个性，书家本人应该有独立的思想和追求，而不能亦步亦趋，拾古人余唾。

在书法艺术上追求平淡、直率、天真、自然，出于本心本意。

以出众的眼光，提出自己的美学标准，《论书》曰：“书初无意于佳乃佳尔”。

即高水平的书法作品都是在作者无意而为的状态中完成的。

苏轼的很多作品都是无意而为之作，笔调自然、无执着之相也在情理之中。

书法创作的5个技法秘诀、强烈推荐收藏！一、三大创作原则1.线条坚而浑——激情原自线条的熟练。

线是力和势的组合，行笔要沉着痛快，做到稳健、轻便，重笔势(即趋向)，根据字形大小排字的走向，线条斜势，整体纵向走势。

2.结体奇而稳——注意重心。

欹侧、擒纵、疏密、高低。

3.章法变而贯——竹节式(几个字一节)节数间有空隙;贯珠式(中心线);蛇行式(左右摆动);疏影式(疏疏朗朗)。

二、七大布局要点1.一字不能成行。

2.字与字之间有呼应，上承下启，左映右带，行距和字距不能相等。

书眼放中央，可大些，字与周边气贯。

3.整体上展出适合墨迹浓重的作品。

挂家中适合疏淡的作用。

4.作品中不能有错别字，异体字不过于冷僻。

5.作品整体布局上面重下面轻。

6.评作品好坏主要看总体视觉效果：节奏、墨色、用笔。

7.三三两两，似散还续，气脉一贯，此布局之妙也。

三、十个书写关键1.八面出锋。

借助于八面出锋，自然显出墨色浓淡，湿中有干，干中有湿，浓中有淡，淡中有浓，变化千万，使作品富有节奏感。

2.刚柔相济。

刚力-----铁划银钩（粗）：柔力-----行云流水（细）。

3.惜墨如金。

楷书要求蘸一次墨写一个字，甚至数字；行草一笔写3-5字，每笔结束笔毛复原，要求纸上调锋。

4.豁然开朗。

留白处有宽有窄，宽处给人以忽然开朗之感。

艺术是制造矛盾，到解决矛盾的过程。

5.中侧并用。

中锋得法立骨，侧锋得势求变。

中锋是理性的要求，是书法审美的核心所在；侧锋是情性的化身，是书法通神的手段。

6.深思熟虑。

创作前要深思熟虑，反复推敲，做到“胸有成竹”。

7.一气呵成。

书法是感情的流露，不是技巧的表现。

要在身体与心情皆好的状态下写字。

书写时随意挥洒，一气呵成。

8.错落有致。

一般情况下，作品的行距要宽，字距要紧。

字忌并列，要错开。

节数间有空隙，排列组合要有节奏，大小字参差，突出中间书眼。

9.笔情墨趣。

书法是无声的音乐，无形的舞蹈。

求变化中有呼应，使整体和谐，有强烈的节奏和视觉冲击力。