浅谈数码摄影对绘画语言的美学借鉴

数字化技术对传统绘画的影响与融合传统绘画在人类的艺术史上有着重要的地位，是文化传承的重要一环。

然而，数字化技术的发展正在日渐影响着传统绘画，数字技术已经深刻改变了绘画的制作方式、表现形式和传播方式。

本文将从以下几个方面探讨数字化技术对传统绘画的影响和融合。

一、数字化技术对传统绘画的影响1. 制作方式数字化技术改变了绘画的制作方式，创造了更多创作方式。

传统绘画需要画师凝神静心完成，而数字绘画软件则能够允许画师自由创作、修改和完善。

同时数字化技术的出现让绘画创作变得更加实用和易于传播。

作品可以电子邮件或者上传至网络，以便世界各地的人们欣赏和收藏。

2. 表现形式数字化技术能够帮助画师实现自己的创意和想法，使得线条的质感和颜色的纯粹性更为丰富。

数字绘画软件具有更强的可控性和便利性，可以让画师快速的表达出自己的创意和想法。

同时，数字技术还可以通过后期处理等方式为画作添加特效和元素等细节，使得绘画作品更加生动和立体，这是传统绘画所不能达到的。

3. 传播方式数字化技术的发展也让绘画作品在时间和地域上都得到了扩展。

数字绘画软件能够处理、保存和分享绘画作品，艺术家可以将作品上传到网络平台获取更广泛的粉丝，并在各种平台上进行交流、比赛和展览。

传统绘画在传播上的限制要远远大于数字绘画。

二、数字化技术与传统绘画的融合1. 集成数字技术的传统绘画很多画师在传统绘画基础上结合数码技术进行创作，如通过扫描手绘画作品转化为数码文件，利用数码分层技术进行修饰和优化，进而通过激光印刷，完成高精度的印刷版画品等等。

这种融合方式让画师有更多的灵活性和创造性，同时也增加了传统绘画作品的生产和销售途径。

2. 数字技术创新的传统绘画数字技术的发展为传统绘画注入了新的生命。

现在的画家可以通过平板电脑、高清晰度液晶屏幕等设备进行模拟绘画。

这些工具不仅可以轻松地把作品传输到各个平台上，还可以在后期对图片或视频进行处理和修饰，从而大大丰富数字与传统绘画的融合样式。

摘要随着科技的发展，1939年摄影术在法国诞生以来，深深影响了人类的视图习惯。

摄影诞生初期以其逼真的影像效果及便利快捷的纪实功能很快被人们所接受和传播，与此同时也对当时以记录和再现为使命的写实绘画艺术形成了极大地威胁，致使很多当时技艺精湛的肖像画家纷纷失业，这是摄影对绘画带来负面影响，也迫使绘画不得不重新找寻自己的定位。

这正是摄影术为绘画带来危机的同时所带来了新的使命——抽象分离化。

摄影术取代了绘画的写实记录功能的同时也把绘画从具象写实的泥沼中解放出来，从而让绘画重新思考自身的发展之路，也使绘画以更为单纯的方式继续行使艺术审美的职能。

绘画从此从具象写实走向了抽象分离的阶段。

艺术家更加单纯的只关注绘画最根本的元素，点、线、面、形、空间等，绘画更加关注艺术家的情感表达。

摄影也为绘画带来了更多新的创作元素，将绘画推向一个全新也更为多样的阶段。

关键词：摄影绘画现代艺术可复制性平面化解放绘画抽象Abstract Key words:1摄影1.1摄影的含义：摄影俗称拍照，照相。

英文photography来源于希腊语φω phos（光线）和γραφι graphis（绘画、绘图）或γραφη graphê，大致可以解释为“以光线绘图”。

摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。

（出自百度百科）摄影包括拍照和录像，本文中主要讲解的为拍摄静态的图片摄影。

1.2摄影技术的原理1.2．1 小孔成像的原理相机的成像原理其实就是小孔成像。

小孔成像，就是利用光沿直线传播的原理，在物体与屏幕之间放置一个带有小孔的平板，由于光沿着直线传播，从而当光线穿过小孔后在屏幕上会得到一个倒立的影像，移动中间带有小孔的平板，屏幕上的影像大小清晰度也将会发生变化。

其实对于光与影的发现研究最早可以追溯到公元四世纪，当时古希腊人发现当光线经过小孔时，经过小孔的光线会在墙壁上形成倒立的景象。

书评•广告新媒体时代数字媒体艺术教育中技术与美术的结合与发展—评《数字媒体艺术》高玉臣(唐山师范学院玉田分校，河北唐山064100)在技术加速迭代、信息爆炸发展的时代，美学已深入渗透于视听文本等，其内容融入日常生活、精神文明、传媒文化等方面,影响着人们的感知态度和审美习惯，参与构建人类的良好生存空间。

观照现实，可以清晰看到当代人正面临审美泛滥的冲击，对美术教育的重视刻不容缓，亟待突出美术在大学教育中的地位。

因此，在新媒体浪潮的影响及技术革新带来的有利环境下,美术与技术应用相结合,是敏锐把握数字媒体艺术发展的关键，对于重构新媒体时代的美学教育起到了良好的奠基作用。

数字媒体艺术这一概念于20世纪90年代被提出。

“它(数字媒体艺术)是艺术精神与高科技手段相结合，以数字化媒体方式呈现出来的艺术形式的统称。

”这充分表现了艺术在科技作用下巨大的发展潜力。

与此同时，为保障数字媒体艺术更好地适应新媒体时代发展,其相应的大学学科教育应运而生。

在2012年教育部颁布的高校本科专业目录中，明确表示数字媒体艺术属于设计学类(130508)和计算机类(080906)。

数字媒体艺术结合了技术与艺术，特别是代表着美学传统的美术,在美学层面推动着数字媒体艺术的时代难题，拓宽技术红利下的研究视野。

本文通过简要评析《数字媒体艺术》一书，探讨新媒体时代数字媒体艺术教育中技术与美术的结合与发展。

《数字媒体艺术》由邹梅和董璐主编，电子科技大学出版社于2016年12月出版，是面向大学生的一本专业基础教材。

该书旨在加深对“技术”和“艺术”概念的本质思考和体验，围绕数字艺术的核心和一般规律，了解与掌握技术和美术相结合后所表现的作品光鲜亮丽的外在形式，以及内在的深刻思想。

该书内容共分为七个章节，分别是数字媒体艺术理论、数字媒体艺术的时代背景、数字媒体艺术与创意产业、数字媒体艺术与影视艺术、数字媒体与广告艺术、数字平面涉及艺术、数字媒体艺术教育。

文教研究浅析数字绘画对传统绘画艺术的影响魏国平（淄博职业学院，山东 淄博 255314）摘要：当代科技的发展赋予艺术创作更丰富的形式，随着电子信息技术、数字媒体技术的高速发展，在短短几年时间里，吸引了很多人从事数字绘画。

虽然将绘画艺术向娱乐化与简单化方向普及，有利于绘画艺术的传播发展，但也不可避免地出现了对传统艺术绘画的冲击。

关键词：数字绘画；传统绘画；影响；分析目前可以看到，传统绘画面对数字绘画的冲击会相应地失去部分市场。

因此，面对这种冲击传统与数字绘画，两者之间到底是相互排斥还是共同促进文化艺术的发展，这是传统绘画需要面对的问题。

一、数字绘画的产生和发展随着计算机以及信息技术的爆炸式发展,给很多行业带来了新的发展机遇，同时也带来了挑战。

而绘画向来都是比较高雅的艺术行为，可是数字绘画的出现却打破了这样的现象，借助计算机强大的CPU处理能力以及图形编辑能力，能够高效完成数字化绘画，因此也被称之为无纸绘画。

数字绘画从出现到现在也不过几十年而已，但正是在这短短的几十年当中却迎来了巨大发展，而如今移动互联网时代已经到来，数字绘画技术可以同当前商业因素完美融合。

在5G时代，得益于智能手机普及，快速的传播方式以及较低的制作成本，已经越来越受到业内人士的热捧。

在商业领域取得成功的同时，也出现了一些问题，那就是很多艺术工作者对于传统绘画技巧的专业显得不上心，可以说目前传统绘画艺术也面临时代所带来的巨大挑战。

二、数字绘画技术对传统绘画艺术正面影响任何事情的出现都有正、反作用，虽然带来了挑战，同时我们也要看到其积极的一面。

客观地讲，目前数字绘画在很大程度上也降低了卡通动漫绘画的创作门槛，让广大年轻人充分发挥出自己想象力，并且也在一定程度上提高了我们的审美素养。

同时也可以让人们通过电脑尽情地进行创作，让艺术走向大众化，走到了普通人身边。

而传统绘画只能够通过展览馆画册等单一渠道对作品进行鉴赏，这也不利于提高全民文化素养，因此也有人认为这样的艺术太过于高雅、不接地气，很难被大众所接纳。

关键词:绘画形式美;摄影;表现在经济迅速发展的今天，人们除了满足日常生活需要，对美的追求也越来越高。

而对这种“美”的认识在人的脑海中是有其共性的，这种理论观点在格式塔心理学中也有所体现。

绘画的形式美贯穿于整个绘画作品中，人们所感受到的美也是视觉的直接传达。

形式美给人的感受是最直接的，是人们经过长期的生产生活、对自然界的感受、社会的规律等感性的有机组合。

绘画中的形式美在摄影中的提现具有直观性，两者本身就是形势与内容的统一。

作为二维成像的摄影艺术，手机的普及促进了摄影艺术的广泛应用，通过绘画中形式美的法则应用到摄影艺术中，能够促进受众群体对美的理解和认知，从而拍摄出更具品味的摄影作品。

1绘画形式美———构图在摄影中的表现构图又称为布局，也就是说对画面的整体布置，处在整体协调画面的位置。

绘画时不受固定的形态及时间限制，灵活处理画面的同时，按照所表现物体的形态根据艺术家的创作习惯和想法进行合理布局，能够表现出艺术家的内心世界。

构图在摄影艺术中，能够体现摄影者对所拍事物的认知及个人感悟，它对被摄影事物的发掘起到重要作用。

绘画中的构图与摄影中的构图都强调主题明确，形式语言与内容相统一的原则。

艺术家经常把所表现的事物分为主体与陪衬两个部分，构图重视主体的表达，它是被表现事物的核心，一副优秀的绘画及摄影作品最佳的位置就是它的视觉中心，也是呈现给受众群体最想表现的事物。

在画面及摄影作品中通过构图的合理布局能够减少受众群体在视觉上的疲劳，留给受众更多的想象空间，从而提高作品的辨识度。

2绘画形式美———光线在摄影中的表现在欣赏艺术作品的时候，受众的视觉中心往往是作品中明暗对比强烈的地方，这符合大众的审美习惯，往往也是艺术家表达作品的中心位置及高潮所在。

在现实生活中光源不是一丝不变的，对于艺术家而言，他会观察每个时段光源的特征，选择最符合能表现作品核心内涵的时段绘画出来，从而营造出艺术家所表现的主体思想。

摄影一词是源于希腊语光线和绘画、绘图，两字一起的意思是”以光线绘图”。

摄影对绘画创作的影响在艺术的长河中，摄影和绘画作为视觉艺术的两种重要形式，相互影响、相互促进。

摄影的出现，给绘画创作带来了前所未有的冲击和变革，同时也为绘画创作提供了新的灵感和可能性。

摄影术诞生于 19 世纪，它以其能够真实记录瞬间的特点，迅速在社会中普及。

摄影的写实能力让人们对视觉形象的认知发生了巨大的改变。

对于绘画来说，这意味着传统的写实功能受到了挑战。

在摄影出现之前，绘画主要承担着记录现实的任务，画家们通过细腻的笔触和色彩来描绘人物、风景和事件。

然而，摄影能够更加精确、迅速地捕捉到现实的瞬间，这使得绘画在写实方面的优势不再那么明显。

一方面，摄影的出现促使一些画家开始重新思考绘画的本质和价值。

他们意识到，如果绘画只是简单地模仿现实，那么在与摄影的竞争中将失去意义。

于是，画家们开始探索绘画的表现形式和内在精神，不再局限于对客观事物的如实描绘。

印象派画家就是其中的代表，他们强调对光线和色彩的瞬间感受，注重捕捉瞬间的印象和氛围，而不是追求物体的精确形态。

这种对瞬间和主观感受的关注，在一定程度上受到了摄影技术的启发。

摄影能够定格瞬间，而印象派画家则试图通过画笔来表现瞬间的视觉体验。

另一方面，摄影也为绘画创作提供了丰富的素材和参考。

画家们可以通过摄影作品来观察和研究现实世界的细节、形态和结构，从而为自己的创作积累素材。

例如，一些画家会参考摄影作品中的人物姿态、场景布置和光影效果，将其融入到自己的绘画中。

同时，摄影的构图和视角也为画家们提供了新的思路和灵感。

摄影可以从各种独特的角度拍摄物体，展现出不同寻常的视觉效果，这启发了画家们在绘画中尝试新的构图方式和观察角度。

摄影还对绘画的风格和技法产生了影响。

在摄影的影响下，绘画的风格变得更加多样化。

超现实主义绘画就是一个很好的例子。

超现实主义画家受到摄影中特殊效果和奇特视角的启发，创作出充满奇幻和想象的作品。

他们打破了现实的逻辑和常规，将梦境、潜意识和幻觉等元素融入到绘画中，创造出独特的视觉语言。

一、绪论摄影技术诞生之初，绘画已发展成熟。

绘画不断从摄影艺术中汲取营养的同时，摄影创作也从绘画中得到不少启示。

早期的绘画大多依靠艺术家的写生经验进行创作，受大自然自身条件的限制。

摄影与绘画有着千丝万缕的联系，最初的摄影作品是以绘画语言为参照，在定格场景与人物组合时脱离不开绘画的视觉经验，从构图和用光是以绘画的视角观察对象。

同时，摄影的出现改变了画家的绘画途径，并给画家带来新的视野去观察世界，为创作艺术作品提供了借鉴意义。

二、摄影术与绘画的发展历程（一）摄影术的诞生最早，在中国古书中就有记载，中国哲学家墨子观察到小孔成像的现象，这在他的著作《墨子·经下》中有记载，为摄影的发明奠定了理论基础。

到了16世纪文艺复兴时期，欧洲出现了供绘画用的“成像暗箱”，也是绘画和图像开始接触，真正交集比较深的是1825年尼埃普斯用晒相法在涂有沥青的石板上制作了《牵马少年》照片。

（二）摄影与绘画的相互融合从史书中记载，最早在文字发明以前，远古社会人类在洞穴石壁上刻画各种动物图形，如阿尔塔米拉洞穴壁画和肖维特洞穴壁画，画中的物体是以几根简单的线条有意识的“创作”出来，这种简单的线条构成了有象征意义的符号，符号的出现在众多学科都有重要的意义，其中在语言、数学、记忆中也许这是当时人类用于计数、记忆的标志，里面包含了更深层次的复杂信息。

这是人类最早的抽象画作。

伴随人类社会的发展、科技的进步，绘画的表达慢慢变成一种模仿。

为了力图模仿的更真实，画家会利用一些黑科技帮助他完成画作。

我们从维米尔《倒牛奶的女仆》观察，画面人物非常生动真实，若仔细观察有些是肉眼无法看到的，比如装面包的篮子利用的就是摄影相机的对焦效果。

最突出的是边缘性的处理，人的眼睛盯着物体的边缘看时是虚的，而这幅画的边缘都被虚化了，这就说明这幅画运用了透镜成像的原理。

而成像技术的进步也造就了画家越画越像。

达·芬奇说：“镜子是画家的老师”，我们看到的世界是三维的、立体的，若要把一个立体的东西画下来是非常困难的，而照相机记录下来的物体是平面的，通过相机的截面再把物体以描绘下来就简单多了。

浅谈美术创作的语言美术创作是一种表达艺术家内心思想、情感和审美追求的语言。

它通过绘画、摄影、雕塑等方式传递信息，唤起观众的共鸣，产生美学感受。

美术创作的语言包括形式语言、符号语言和色彩语言等，它们共同构筑了美术作品的艺术性和美感。

形式语言是美术创作中最基本的语言，它以线条、形状和空间等视觉要素作为表现形式。

线条是形式语言中最基本的元素，它可以有不同的粗细、弯曲和方向，产生各种内涵和感受。

形状则是构成形式的具体表现，可以是明显的基本几何形状，也可以是抽象又难以名状的形态。

而空间则是形式语言的最高境界，它可以产生画面的深度和立体感，营造出具有强烈空间意识的场景。

符号语言则是美术创作中表现心理、社会、文化等主题的重要方式。

符号是代表特定涵义的图形、图案或象征。

在美术作品中，符号可以作为场景和人物的背景、道具和服饰等，通过特定的文化内涵和象征意义表达特定的主题和情感。

例如，在中国画中，龙、熊猫和梅花等图案就是常用的符号，代表中国文化的特色和气质。

色彩语言是美术创作中最为醒目、生动且感性的语言。

色彩是一种强烈的表达媒介，能够传递出人物、场景等的情感和氛围，也能够引发观众的情绪共鸣。

在美术创作中，色彩的使用不仅是色彩的单纯表现，还借助更加抽象的符号和形式语言的互动，来传递更加复杂的文化、情感和思想。

总之，美术创作的语言是多种多样的，每一种语言都都可以在作品中达到丰富的表现。

美术家可以根据自己的创作主题、语言风格和情感构思，运用不同的语言来传递信息。

因此，在美术学习和实践中，我们需要注重对不同语言的研究，以达到更好的创作效果。