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第一章测试1.在不同规模的弦乐队中，各乐器声部的乐器数量不同。
但大致趋势是一样的：随着音区由高到低，乐器数量呈递增排列。
（）A:错B:对答案:A2.在管弦乐队的总谱中，弦乐组一般被放在乐队总谱的最下方。
（）A:错B:对答案:B3.弦乐队里有四种乐器：小提琴，中提琴，大提琴和低音提琴，所以弦乐队一共有四个声部。
（）A:对B:错答案:B4.弦乐组的排列方式，一般是按照第一小提琴，第二小提琴，中提琴，大提琴和低音提琴的顺序自上而下地排列。
（）A:对B:错答案:A5.让两组小提琴对称地分列于舞台两边，这种舞台布局是从20世纪才开始使用的，其目的是为了让两个小提琴组相互应答，形成一种弦乐“立体声效果”。
（）A:错B:对答案:A6.下面是三种乐器的音域，其中哪一个是大提琴的音域？（）A:B:C:其余都不对D:答案:B7.7.将钢琴谱上的和弦改编为弦乐队演奏，下面列举了三种不同的改编方案，第三种没有错误，且最合理。
（）A:错B:对答案:B8.以下关于弦乐队音域和音区的描述，有哪些是正确的？（）A:弦乐器的低音区和中音区的拨奏效果最好。
B:从整体来看，弦乐队各个音区是乐器数量均等的，音响能量分布均匀的C:在小型规模的弦乐队中，低音提琴声部一般有4位演奏员。
D:中提琴的低音区与中音区，正好和大提琴的中音区及高音区相重叠。
答案:AD9.贝多芬“月光”奏鸣曲第三乐章，以下哪一种描述是错误的？（）A:活泼的快板，音乐轻盈灵动。
B:激烈的急板，音乐情感的爆发十分激烈。
C:如歌的行板，带有虔诚之感。
D:绵延的柔板，音乐朦胧宁静。
答案:ACD10.英国作曲家布里顿的《管弦乐队指南》第13变奏，1-10小节中，弦乐组的小提琴与中提琴声部没有采用什么弓法？（）A:拨奏B:波弓C:连弓D:弹跳弓答案:ABC第二章测试1.下面的两组乐谱，有一组存在错误的内容。
请选择出来。
（）A:其余都不对B:将小提琴声部的旋律，降低两个八度，交给小提琴声部演奏C:将小提琴声部的旋律，降低两个八度，交给大提琴声部演奏D:将小提琴声部的旋律，降低一个八度，交给中提琴声部演奏答案:C2.贝多芬“月光”奏鸣曲的第二乐章，在1-8小节中，弦乐队的音色以何种顺序出现？（）A:拉奏，拨奏，拉奏，拨奏。
格拉祖诺夫钢琴曲《四季》演奏技法初探作者：屠梦婉来源：《音乐时空》2016年第13期摘要：亚历山大·康斯坦丁诺维奇·格拉祖诺夫（Alexander Konstantinovich Glazunov，1865-1936）是浪漫主义后期俄罗斯著名的作曲家、指挥家和音乐教育家，是俄罗斯民族音乐学派承上启下的人物。
格拉祖诺夫一生中只写过两首芭蕾舞剧，《四季》就是其中的一首。
这本是为交响乐队而作，但格拉祖诺夫在发表的同年将这首著名的芭蕾舞剧改编成了钢琴独奏曲。
因此，在演奏钢琴曲《四季》时需要注意协调交响乐的声音效果，采取不同的演奏技法来表现作品，特别是丰富的装饰音、八度和弦、复调、乐句连贯性的表达等方面的演奏技巧。
关键词：格拉祖诺夫《四季》钢琴曲演奏技法19世纪末期，俄国芭蕾舞剧在全世界开始流行，亚历山大·康斯坦丁诺维奇·格拉祖诺夫（Alexander Konstantinovich Glazunov，1865-1936）作为当时最有名望的作曲家之一，在芭蕾舞剧上有着自己独特的贡献。
他的芭蕾舞剧《四季》被众多的交响乐队所演奏，但鲜少有人研究它的钢琴版本。
本文将从《四季》钢琴版本演奏的角度来探究这类由交响乐改编的钢琴作品。
一、格拉祖诺夫和《四季》作为一名作曲家、指挥家和音乐老师，格拉祖诺夫具有非常出色的音乐听觉能力和记忆能力，这对他早期的著作帮助非常大。
他从9岁才开始学习钢琴，但11岁时就开始创作音乐，而他的第一首交响乐创作于16岁时，是当时公认的最具天赋的音乐家之一①。
格拉祖诺夫走访过多个国家，吸收了许多著名音乐家的风格及音乐元素，他的作品具有国际性特色。
《四季》创作于1899年，发表于1900年，属于独幕剧，是格拉祖诺夫最具影响力的芭蕾舞剧之一。
1929年，格拉祖诺夫亲自指挥交响乐团演奏了这部芭蕾舞剧，而《四季》的钢琴版本是由格拉祖诺夫本人在1901年改编并发表的②，却鲜少有人用钢琴来演绎。
肖邦圆舞曲版本一、肖邦圆舞曲的概述肖邦圆舞曲是由波兰作曲家弗雷德里克·肖邦创作的一系列钢琴独奏曲。
它们以欢快、轻快的旋律和舞曲的形式为特点，广受欢迎。
肖邦圆舞曲的版本众多，每个版本都有其独特的特点和表现方式。
二、肖邦圆舞曲的版本分类1. 传统版本传统版本是指最早由肖邦本人创作并演奏的版本。
这些版本在速度、音色、表达等方面都有肖邦个人的风格和特点。
传统版本是肖邦圆舞曲的基础，也是后来各种版本的参考和借鉴对象。
2. 现代版本现代版本是指根据传统版本进行改编和演奏的版本。
现代版本在保留肖邦原作的基础上，加入了更多的个人风格和创新元素。
现代版本常常注重演奏技巧和音乐表达的深度，使肖邦圆舞曲更加富有个性和艺术感。
3. 管弦乐版本管弦乐版本是将肖邦圆舞曲改编为管弦乐队演奏的版本。
在这些版本中，钢琴独奏曲被转化为不同乐器的独奏或合奏部分，配以管弦乐队的伴奏。
管弦乐版本使肖邦圆舞曲融入了更丰富的音色和表现手法，增强了音乐的宏大感和戏剧性。
三、肖邦圆舞曲版本的特点比较1. 速度和节奏不同版本的肖邦圆舞曲在速度和节奏上存在一定的差异。
传统版本往往更加快速、轻快，强调舞曲的欢快感和活力；现代版本则更注重细腻的演奏技巧和音乐表达的深度，节奏相对更加灵活变化。
2. 音色和表达不同版本的肖邦圆舞曲在音色和表达上也有所不同。
传统版本通常采用清澈明亮的音色，表达出舞曲的欢快和轻松；现代版本则更加注重音色的变化和表达的细腻，使肖邦圆舞曲更具个性和情感。
3. 创新和个性现代版本和管弦乐版本在创新和个性方面更加突出。
现代版本常常通过音乐技巧、和声处理等手法来展现个人风格和创新元素；管弦乐版本则通过乐器的组合和音色的变化，使肖邦圆舞曲呈现更加丰富多彩的音乐形象。
四、肖邦圆舞曲版本的影响和价值肖邦圆舞曲作为肖邦的代表作之一，无论是传统版本还是现代版本，都对后来的音乐创作和演奏产生了深远的影响。
肖邦圆舞曲的优美旋律和独特风格，使之成为了音乐界的经典之作。
世界钢琴名曲前十名NO.1 《梦中的婚礼》世界钢琴名曲前十名梦中的婚礼是Paul de Senneville（保罗·赛内维尔）Olivier Toussaint奥利佛·图森）作曲,而梦中的婚礼（法文是Mariage DAmour）由理查德克莱德曼演奏。
理查德克莱德曼是法国钢琴家，擅长演奏萧邦、拉贝尔、德布西等人的作品，但那是他热衷于古典音乐的时候。
后来他转向发展通俗音乐界（梦中的婚礼、水边的阿狄丽娜、乡愁等皆是），演奏的曲目是波尔塞内维尔和奥利维图森作的曲子。
世界钢琴名曲前十名《梦中的婚礼》法文原名为“MARIAGE DAMOUR”，直译过来应该是“基于爱情的婚姻”，“爱人的婚礼”这种译法更接近其本意。
这首曲子是法国作曲家及音乐制作人保罗·塞内维尔（Paul De Senneville）和奥立佛·图森（Olivier Toussaint）为理查德·克莱德曼量身定制的，出自理查德·克莱德曼的《水边的阿狄丽娜》。
音乐魔术师保罗·塞内维尔：达芬唱片创始人保罗·塞内维尔，原本是一位相当杰出的新闻工作者以及电视节目制作人，由于音乐上的天赋异禀，促使创作的决心，音乐路程一路走来，不仅脍炙人口的旋律流传千里。
1976年，浪漫唯美的音乐城堡———达芬唱片，在保罗·塞内维尔努力耕耘成果下，于法国巴黎成立，蔚为世界新浪漫音乐潮流的第一品牌。
保罗·塞内维尔，法国众所皆知的杰出作曲家，曾与法国顶尖艺人合作过，Mireille Mathieu、Michel Polnareff、Dalida、Claude Adeline……等，而如日中天的创作高峰，则是为理查·克莱德门作了一首世界名曲《给爱德琳的诗》，自此，理查亦因而名扬国际，创下法国艺人在全球最高的销售记录。
慈祥和蔼的脸庞如同他的音乐令人亲近与熟悉，保罗·塞内维尔至今依旧不断地创作浪漫唯美的音乐，因为他始终坚信，不论什么时代，都有人追求美的音乐。
浅析中国作曲家创作的钢琴协奏曲发展钢琴协奏曲这一体裁虽然源自于国外，但因受到中国文化的影响，所以同其它器乐曲一样，都表现出自己鲜明民族特色的一面。
根据中国作曲家们运用不同的创作技术和改编手法，把钢琴协奏曲创作大体分为“文革”结束前和“文革”结束后、改革开放至20 世纪末两个阶段。
1.以“改编性”为主导的钢琴协奏曲创作“文革”结束之前的钢琴协奏曲创作方式主要是以改编自其它音乐体裁占主导地位。
新中国成立前共有两部钢琴与乐队作品，它们是江文也在1937年创作的《第一钢琴协奏曲》OP.16 和张肖虎、黄晓飞在1945 年合作的钢琴与乐队《梅花新咏》。
新中国成立后至“文革”的17年间(1949-1966)，由于得到政府的大力支持以及新文艺工作者的重视和介入，共产生了三部钢琴协奏曲。
在1958 年由刘诗昆、潘一鸣、黄晓飞、孙亦林集体创作的《青年钢琴协奏曲》在当时产生极大影响，这部作品对钢琴与民乐队的结合进行了很好的探索和实践。
除此之外还有刘庄创作的钢琴小协奏曲《献给青少年》和施万春的《第一钢琴协奏曲》，但这两部影响不如前者。
“文革”的10 年(1966-1976)可以说是改编曲的时代，特别是文革后期，“钢琴改编曲”成为这一时期中国钢琴曲创作的唯一形式。
在这一时期的钢琴协奏曲创作中，由冼星海《黄河大合唱》移植改编而成的钢琴协奏曲《黄河》(1969 年)，是在国内外最有影响力的一部作品，它以磅礴的气势、振奋人心的旋律而载誉海内外。
它的整体构思、主题材料都源自冼星海的《黄河大合唱》，运用钢琴的语言与手段代替原来的声乐独唱与合唱，由殷承宗、储望华、盛礼洪、刘庄等集体创作的。
此外还有刘诗昆、郭志鸿(根据王昌元创作的古筝曲《战台风》)合作改编的钢琴协奏曲《战台风》;还有王强改编的钢琴协奏曲《红色娘子军》;在这一时期的台湾，由作曲家郭芝苑创作的《青年钢琴协奏曲》(1972 年)，又名为钢琴与弦乐队的《小协奏曲》，获1987 年金鼎作曲奖，并入选20 世纪华人经典作品。
一．蓝色狂想曲曲目简介《蓝色狂想曲》（Rhapsody in Blue）是美国作曲家乔治·格什温（George Gershwin）于1924年写给独奏钢琴及爵士乐团的乐曲，它融合了古典音乐的原理以及爵士的元素。
此曲的首演一般是认为在一个标题为“现代音乐实验”的音乐会中，于1924年2月12日纽约风神音乐厅（Aeolian Hall），由保罗·怀特曼（Paul Whiteman）指挥他的乐团以及格什温演奏钢琴。
钢琴与交响乐团的版本是在1946年由美国作曲家格罗菲（Ferde Grofé）所改编，它成为了美国音乐会中最受欢迎的曲目之一。
就像其它格什温最受欢迎的古典乐曲，蓝色狂想曲让他建立了多产作曲家的声誉。
编辑本段创作历史1924年美国作曲家乔治·格什温发表了交响曲《蓝色狂想曲》（Rhapsody in Blue），获得巨大成功，使他成为世界级作曲家。
早在格什温创作生涯的初期，他就怀有成为严肃音乐家的雄心壮志。
因此，当保罗·怀特曼为组织"现代音乐实验"音乐会而邀请他写一部"爵士协奏曲"时，格什温很感兴趣，他一直向往着写作掺有爵士乐因素的严肃音乐。
不过怀特曼给的期限太紧，而且他早就发布了格什温将为这次音乐会作曲、并亲自担任钢琴独奏的消息。
这样，格什温一点退路也没有了。
据说格什温是在去波士顿的旅途中创作本曲的，他事后曾这样描述："那是在火车上，可以听到铿锵的节奏和隆隆的撞击声……我经常在噪音深处听见音乐。
就在那里，我忽然从头至尾构筑出--甚至是跃然纸上--……"从波士顿返回仅一星期，除了少数钢琴独奏的华彩乐段外，格什温完成了全曲的钢琴谱。
至于那几个华彩乐段，他准备留到首演时作即兴创作。
乐曲完成后，格什温为作品的标题大伤脑筋，直到离初演只有几天时才最后定名。
因为蓝色（blue）同作品中所采用的起源于美国黑人劳动歌曲和灵歌的布鲁斯（blues）曲调正好是同一个词，故最终采用了"蓝色狂想曲"（Rhapsody in Blue）之名。
完美的和谐：赏析莫扎特著名的⼆⼗七⾸钢琴协奏曲提⽰：点击上⽅'影⾳新⽣活'↑关注更多！毫⽆疑问，在所有的乐器中，莫扎特对钢琴最为钟爱，他也为钢琴作了⼤量的乐曲。
在这其中，⼆⼗七⾸钢琴协奏曲（Piano Concertos）的创作贯穿了他的⼀⽣，从他11岁创作的第⼀⾸钢琴协奏曲《F⼤调第⼀号钢琴协奏曲(K.37）》（1767年）到他辞世那年的最后⼀⾸《?B⼤调第⼆⼗七号钢琴协奏曲(K.595）》（1791年)，钢琴记录了莫扎特在⾳乐上的成长轨迹：由早期的改编模仿到逐步探索，到最终形成独⼀⽆⼆的莫扎特风格。
今天，“影⾳新⽣活”籍着莫扎特逝世223周年（1791年12⽉5⽇）纪念与⼤家⼀起赏析莫扎特著名的⼆⼗七⾸钢琴协奏曲。
模仿期《F⼤调第⼀号钢琴协奏曲》(Piano Concerto No.1 in F.K.37)作品号K37，作于1767年，该曲根据劳帕赫(Raupach)、奥诺埃尔(Honauer)的奏鸣曲乐章改编⽽成。
《?B⼤调第⼆号钢琴协奏曲》(Piano Concerto No.2 in B flat.K.39)作品号K39，作于1767年，该曲是根据劳帕赫、朔贝特(Sclobert)的奏鸣曲乐章改编。
《D⼤调第三号钢琴协奏曲》(Piano Concerto No.3 in B flat.K.40)作品号K40，作于1767年，该曲根据奥诺埃尔、埃卡特(Eckart)和C. P. E. 巴赫的奏鸣曲乐章改编。
《G⼤调第四号钢琴协奏曲》(Piano Concerto No.4 in G.K.41)作品号K41，作于1767年，该曲根据奥诺埃尔、劳帕赫的奏鸣曲改编。
《D⼤调第五号钢琴协奏曲》(Piano Concerto No.5 in D.K.175)作品号K175，作于1773年，莫扎特的第⼀⾸原创钢琴协奏曲。
在莫扎特的⼆⼗七⾸钢琴协奏曲中，他创作早期的协奏曲都只是把过去作曲家的钢琴奏鸣曲改编成独奏和乐队齐奏的作品，他的前四⾸钢琴协奏曲乐谱中已有了管乐器的相当重要的地位。
钢琴萨克斯合奏曲目钢琴与萨克斯合奏是一种非常美妙的音乐形式，它将两种不同的乐器独特的音色与演奏方式结合在一起，创造出富有魅力的音乐。
这里我将为大家介绍一些适合钢琴萨克斯合奏的曲目。
1.贝多芬：《命运交响曲》第5号这是一首广为人知的交响曲，将其改编为钢琴萨克斯合奏版本非常有趣。
萨克斯可以模仿交响乐队中的管乐器和打击乐器的声音，与钢琴的和声进行巧妙的对话。
2.莫扎特：《G小调小夜曲》这首小夜曲是莫扎特最著名的作品之一，它的优美旋律非常适合钢琴和萨克斯合奏。
钢琴弹奏和弦和伴奏，萨克斯吹奏主旋律，创造出宁静又浪漫的音乐氛围。
3.德彪西：《月光下的云雀》这是德彪西的一首钢琴曲，也适合与萨克斯进行合奏。
曲子柔和而悠扬，富有浪漫主义色彩，两种乐器的声音相互交错，给人一种如同置身在月光下的感觉。
4.肖邦：《雨滴前奏曲》这首前奏曲以其奔放的旋律和淋漓的音色而著名。
钢琴弹奏如雨滴般的音符，萨克斯则演绎出旋律的柔美与激情，两者形成强烈的对比与碰撞。
5.约翰·威廉斯：《决斗者》这是电影《星球大战》中的一首插曲，以其激烈、紧张的曲调著称。
钢琴和萨克斯灵活地演绎出这首曲子中的激烈斗争与紧张氛围，给人一种奇幻的感觉。
6.亨德尔：《水上音乐》这是一首具有轻快和活泼氛围的音乐作品。
钢琴演奏流畅的旋律和和声部分，而萨克斯则为乐曲增添了一种明快而欢快的氛围，仿佛在海上漂浮的音乐派对。
7.伦纳德·伯恩斯坦：《西区故事》这是一部音乐剧的插曲，以其充满活力、动感和节奏感而广受欢迎。
钢琴和萨克斯演奏出曲子中充满激情和活力的旋律，使人不禁跃跃欲试。
8.伊万诺夫：《鸟之歌》这是一首以自然韵律为主题的钢琴曲，非常适合与萨克斯进行合奏。
音乐中充满了鸟儿鸣叫的声音和飞翔的画面，给人一种和谐与平静的感觉。
9.柴可夫斯基：《天鹅湖》这是一部浪漫主义芭蕾舞剧，其中有一些钢琴曲部分非常适合钢琴萨克斯合奏。
旋律优美，动人心弦，凝聚出优雅和激情的完美结合。
尤 鸿钢琴曲《翻身的日子》演奏技巧及音乐表现探讨 本文通过介绍《翻身的日子》的音乐特征，进一步分析钢琴曲《翻身的日子》演奏技巧，从曲式结构技巧、旋律技巧分析、和声织体技巧、节奏韵律技巧、装饰音的演奏几方面逐一阐述。
针对曲目的演奏技巧又做了在演奏过程中音乐表现力的研究，并从合奏音乐表现、多声部的搭配、弹奏者的表现以及音色统一平衡等方面逐一论述，仅供参考。
《翻身的日子》是大型纪录片《伟大的土地改革》中的插曲，由我国著名作曲家朱践耳所创作，后由我国著名钢琴家储望华改编，其改编之后的《翻身的日子》为四手联弹形式，具有较强的民族音乐风格，并融合了些许现代西方作曲技法，为我国民族音乐发展起到了推动作用。
基于其特别的创作风格以及编曲形式，本文就在演奏过程中的技巧与表现力，做以深度研究。
一、钢琴曲《翻身的日子》音乐特征 （一）《翻身的日子》创作形式概述 早期朱践耳所创作的《翻身的日子》为中西混合乐队编排，后期改编为钢琴曲及民族管弦乐，从整体结构而言,较为短小，且由于表达了人们从过去封建的土地关系中，在党的领导下，经过农村土地改革，人们得到解放的喜悦，因此整个曲风活泼生动、明朗愉悦。
其中民族管弦乐队的加入使得聆听者能够思索出热闹非凡的画面，加之板胡演奏的配合，使得整个主旋律都透露着一种浓浓的陕北风情，豪爽洒脱。
整曲为三段体结构，其中曲目的第二部分中的主旋律灵感来源于山东吕剧，在管子领奏之下，所营造出的乐响，表达出了农民长期受封建土地制度的压迫，在翻身之后沉浸于土地改革中的愉悦之情。
而第三部分的主旋律灵感来源于河北吹歌调，通过两组乐队的轮作演奏，使得在句幅上有递减的变化，形成了对答呼应的结构形式。
这种创作形式也正如辛珺在《中西方文化价值的碰撞与交融》一文中所说：“我国钢琴艺术在百余年的发展过程中，打破了钢琴艺术发展的局限性，在结合我国时代特征和民族特征的基础上，实现了我国钢琴艺术与西方音乐与文化的交融发展。
”[1] （二）《翻身的日子》民族元素体现 《翻身的日子》中的民族元素主要体现在两方面：一是，有模仿民族管乐器音响的效果；二是，陕北秧歌、山东吕剧以及河北吹歌等民族音乐形式的植入，使得乐曲极具丰盈感。
十大治愈系钢琴曲谱
1.《梦中的婚礼》：由钢琴家Ivo Pogorelich版的Brahms的这首经典作品，充满温暖、沉浸在感情世界里的凝重、缠绵、舒缓钢琴曲，适合抒发心中所有内心深处渴望和平的情愫；
2.《Nocturne》：由Chopin经典诗意钢琴曲，相传这首曲子是写给哥特王朝将士杰斐勒的，旋律曼妙优美，多次被影视作品中应用，是追寻幸福与宁静状态的钢琴曲；
3.《A Thousand Years》：由Christina Perri原唱的经典歌曲，旋律动听动人，适合抒写爱情追逐的故事，深情而不失轻盈的钢琴曲；
4.《Let It Go》：由Disney的动画电影《冰雪奇缘》改编，旋律清新活泼，动听，充满希望，是追寻自由的精神歌曲；
5.《River Flows in You》：由韩国钢琴家Yiruma的极具节奏感的经典曲子，旋律悦耳动听，深情而治愈，是宁静和平态度的钢琴曲；
6.《Yesterday》：由经典摇滚乐队The Beatles改编，曲调抒发英伦情怀，动听感人，是怀念时光方式的钢琴曲；
7.《Hallelujah》：由经典歌手Leonard Cohen原唱的经典歌曲，旋律动听动人，深情而宁静的钢琴曲，带给人们沉睡中的精神愉悦；8.《Für Elise》：由贝多芬编曲，是一首脍炙人口的古典圆舞曲，多次被影视作品使用，是抒情欢快的钢琴曲；
9.《With or Without You》：由经典摇滚乐队U2原唱的经典歌曲，节奏欢快感人，是发泄爱恨情仇的钢琴曲；
10.《Canon in D》：由贝多芬编曲，是一首经典的古典乐曲，给人以祥和、安详的感受，是追寻美好幸福的钢琴曲。
蓝色狂想曲（钢琴与乐队）-花城版音乐鉴赏教案介绍《蓝色狂想曲（钢琴与乐队）》是一首由美国钢琴家格什温·布鲁姆斯塔德创作的钢琴曲，后来被加入乐队伴奏，并且还有各种不同的改编版本。
本教案主要介绍的是花城版的《蓝色狂想曲（钢琴与乐队）》。
《蓝色狂想曲（钢琴与乐队）》的曲调优美悦耳，旋律跳跃且有一定的难度，擅长演奏这首曲目也需要练好手部技巧。
在演奏过程中需要充分发挥钢琴和乐队的音色和韵律，让听众能够享受到独特的音乐体验。
目标通过本教案的学习，你将能够：•了解《蓝色狂想曲（钢琴与乐队）》的基本信息；•学习如何演奏《蓝色狂想曲（钢琴与乐队）》的钢琴部分；•学习如何与乐队合作演奏《蓝色狂想曲（钢琴与乐队）》。
音乐分析乐曲结构《蓝色狂想曲（钢琴与乐队）》包含三个交替进行的部分：一个快速的、赋有韵律感的部分；一个缓慢、如泣如诉的部分；最后是一个反映前两个部分的结尾。
钢琴部分钢琴谱钢琴谱第一部分第一部分是快速的、有韵律感的部分。
左手负责扫弦，右手的旋律需要强调每个音符，并且注意区分出每个音符的时间长度。
第二部分第二部分是缓慢、如泣如诉的部分。
需要注意控制好速度和音量，音符需要有清晰的转音，带有感情色彩。
第三部分第三部分是反映前两个部分的结尾。
需要注意节奏上的延音和连贯性。
与第一部分类似，右手的旋律需要强调每个音符，并且注意区分出每个音符的时间长度。
乐队部分乐队部分主要包括打击乐、木管乐、弦乐和贝斯等，需要合作演奏。
乐队节奏整首歌曲都有一个强烈的节奏感，打击乐是整个乐队的节奏核心，应保持稳定的节奏感。
木管乐木管乐需要注意品质和音色，保持柔和而清晰的音质，不要过于突出。
弦乐弦乐的音色需要保持温暖和柔和，发挥出优美的旋律。
合作演奏能够优秀演奏《蓝色狂想曲（钢琴与乐队）》还需要乐队和钢琴演奏者之间的很好的合作。
在演奏钢琴部分的同时，需要应对乐队的旋律变化。
教学方法本教案采取听-说-唱和分组教学交替进行的方式，比较适合针对初学者和进阶者的钢琴教学。
精析钢琴协奏曲《黄河》第三乐章交响乐队部分在双排键电子琴
上的改编
钢琴协奏曲《黄河》是由殷承宗等六人根据《黄河大合唱》改编而成的,是世界音乐史上最为著名的一首中国协奏曲,其中的第三乐章《黄河愤》是整曲中音乐形式及内涵最为丰富的一个乐章。
双排键电子琴作为一种电子键盘乐器,具有强大的声音模拟功能,可通过电声极尽真实的模拟各种乐器的声音,有着极强的表现力,常被称为“一个人的乐队”。
双排键音色功能的特殊性使其能在一个键盘内同时演奏出多种乐器的效果。
因此,将钢琴协奏曲的交响乐队声部缩编在一台双排键上演奏亦可以保持丰富的音效。
实践证明,用双排键对钢琴协奏曲的交响乐队声部进行改编,以双排键代替乐队进行合奏训练和演出对于双排键乐手、独奏乐器演奏者的多声部思维、配合能力、乐队听觉的培养上收效显著,甚至于对乐队指挥的培养上都能有所帮助。
本文主要讨论双排键对管弦乐作品的改编方式,从笔者自身实践角度出发,以钢琴协奏曲《黄河》第三乐章交响乐队部分在双排键上的改编为例,从乐队总谱的缩编、音色的编辑和声部的平衡与调整三大方面来进行探讨,对笔者将钢琴协奏曲《黄河》第三乐章乐队部分总谱缩编成双排键谱的方法与步骤、运用双排键强大的音色功能来模拟真实乐器音色和奏法的要点与注意事项、双排键与钢琴协奏的过程中可能出现且需注意的问题以及将双排键作为乐队声部运用于钢琴协奏曲演奏中的意义进行一个总结归纳,对双排键编曲的方法步骤及编曲原则进行更深入的探索和研究,推进双排键编曲法则的发展与形成。
浅谈交响化思维在钢琴演奏中的应用摘要：钢琴是世界上公认的乐器之王，在世界音乐史上发挥着重要的作用，钢琴曲是世界上具有表现力和感染力的乐曲种类之一。
在钢琴演奏中，演奏者能够通过演奏技巧以及演奏情感的变化，达到不同的演奏效果，其中就包括交响乐的演奏效果。
交响性是钢琴演奏中十分重要的艺术效果，在交响化思维的引导下，钢琴家创作出了很多优秀的钢琴交响乐曲，使钢琴演奏的表现力和震撼力大大增加。
本文就针对钢琴演奏中交响化思维的应用进行分析。
关键词：交响化思维钢琴演奏应用交响化思维是钢琴演奏中比较常用的演奏方式和技巧。
交响化思维在钢琴演奏中应用，使钢琴演奏产生交响乐演奏的效果，提高钢琴乐曲演奏的表现力和感染力，增加其艺术价值。
在钢琴演奏中，交响化思维的应用比较困难，对演奏者有较高的要求。
一、交响化对于钢琴演奏者的要求（一）发挥丰富的想象力和创造力在钢琴演奏当中，演奏者通常会先通过音乐内容进行想象，之后再通过实际的演奏，将其核心内容表现出来。
这不仅是将乐谱和音响进行转换，更应该是对各种因素的创造性活动进行理解、想象和发挥。
（二）建立交响性音乐思维建立交响性音乐思维，指的是演奏者对交响乐队中各种乐器的音色有充分的了解之后，再配以自己独特的演奏技巧和演奏手法，用钢琴将其表现出来。
在演奏中要注意，需要做好自己脑海中交响性音乐的音乐空间建设，做好交响性乐器的搭配，以及音色的配合，使钢琴演奏呈现出交响性的特征。
（三）具备扎实的基本功和对触键变化的敏锐感觉要想达到交响性钢琴演奏效果，对于演奏者的基本功有很高的要求，演奏者必须具备扎实的演奏功底。
因为钢琴演奏需要具有交响性，所以演奏的乐曲其本身结构非常紧密，组织也很复杂，乐曲的声部和层次也很繁杂，这对于演奏者来说，是一项巨大的挑战，要求演奏者具有全面和高超的演奏技巧。
在进行钢琴演奏中，触键变化是十分关键的，触键的变化就意味着钢琴音色的变化，触键变化的敏锐程度，也就意味着钢琴音色的变化能力，敏锐的触键变化，能够及时和迅速地反映出钢琴乐曲中音色的变化，从而实现交响性的特征。
黄钟(武汉音乐学院学报)2001年第2期HUANGZHONG(Journal of Wuhan Music Conservatory)文章编号:1003 7721(2001)02 0048 07周雪石钢琴曲的乐队改编内容提要:把其它形式的音乐作品改编成乐队曲,是学习乐队编配的重要内容。
从实践看,将优秀的钢琴曲、器乐独奏曲、歌曲及民歌改编成乐队作品最为多见。
从教学看,钢琴曲改编是学习配器的必由途径。
文章就这一课题中几个重要的技术环节作了简要论述。
关键词:钢琴曲;改编;配器;织体;乐器组中图分类号:J614;J614.4 文献标识码:A钢琴曲的乐队改编几乎是配器法教科书的必讲内容。
这有两方面的原因:其一,中外很多作曲家在写乐队作品前,都有先写成钢琴缩编谱,然后再谱成乐队总谱的创作习惯,还有些作曲家喜欢将自己业已成名的钢琴作品改编成乐队曲。
其二,尽管钢琴作品在写法上与乐队作品有显著的差别,但从多声部音乐的组织手段和思维方式的角度来看,二者又是相通的。
因此,钢琴曲改编,是综合训练配器技术的不可或缺的手段。
把钢琴曲成功地改编成乐队曲,绝非易事。
在钢琴上有许多演奏方便且发音清晰的写法,在乐队中可能成为很大的技术障碍;同时,很多常见的钢琴织体,一旦改编成乐队演奏,就必须重新组织乃至织体上大的改变,才能获得好的效果。
如此说来,掌握与钢琴织体相适应的乐队写法固然重要,但是,要想从书本教学中学到可能有的全部手法,是不可能的。
本文只能就一些常见的或典型的技术问题简要论述如下。
一、改编钢琴上的琶音例1在钢琴作品中,如上例这样在宽阔的音域内快速的琶音进行非常普遍,如果用乐队演奏,除了竖琴之外,恐怕再没有其它乐器能够独立胜任了。
但是,竖琴没有足够的音量和力度来表现如此强烈的效果,那么,有效的解决办法是把这些分解的和弦音重新排列,并压缩到一个合适的音域内,采用多件乐器分层演奏。
如下面的写法:作者简介:周雪石(1962-),男,武汉音乐学院作曲与音响导演系副教授,文学硕士(武汉 430060)收稿日期:2001 02 19例2有时候,钢琴上的琶音进行也可以按节拍拆解开来,分配给同组中的几件乐器担任(为了统一音色)。
此时,最好采用乐器的 重叠式 交接法,以保持琶音的连贯效果:例3a例3b二、改编钢琴上的震音例4在钢琴作品中,常常见到上例这样的八度震音写法,如果照原样改成乐队,不但难以演奏,也达不到应有的效果。
在这种情况下,通常按照类似例5的方式进行改编:49周雪石:钢琴曲的乐队改编例5上面的改编涉及到以下几个方面的技术处理:1.必须将钢琴八度震音中可能隐含的旋律线条分离出来,交给合适的乐器演奏。
既然是旋律,就需要较多的乐器声部加以强调。
上例,钢琴震音中有明显的旋律线条,改编中,以两部小提琴(震弓演奏)的八度重叠为主要音色,长笛(带有下方依附声部)和第一单簧管是同一旋律声部的重复,重复是必要的,它能使旋律线条更加清晰。
2.震音与左手分解和弦之间的音域 空白 需要加以填充,否则,就会失去因琴弦共震而形成的丰满的和声效果。
上例中,双簧管、第二单簧管和圆号为填充声部。
3.例5的改编使用了乐队全奏,有突出的旋律声部、缜密的和声层,还有三个乐器声部的和声性填充。
如此强烈的音响,显然需要低音声部的强有力的支持!!!即改编后的低音提琴和大管声部。
从织体中提取低音也是乐队改编的重要原则之一。
4.改编钢琴上密集排列的分解和弦(钢琴的左手声部),也要象改编琶音那样重新排列分解的和弦音,然后根据这些音的位置分配给若干声部。
多数情况下,为了适应乐器音域以及声部组合的需要,可以提高钢琴分解和弦的音区、扩展其音域以增加新的层次。
如改编后的中提琴和大提琴声部。
三、改编钢琴上的和弦和弦的改编主要是指对钢琴特有的 柱式 和弦以及同音反复和弦的改编。
下例,是典型的 柱式 和弦写法,其音响饱满,富于共鸣。
类似这样的和弦都有一个共同的特点,即处于高低两端的和弦音之间,有较大的音区空白,如果原样移植到乐队演奏,则肯定不能获得满意的效果。
因此,改编时的主要方法,是按照 上密下疏中不空 的原则在整个音域内重新排列和弦音,以确保均衡的发音和良好的共鸣。
其中,和弦的根音应该有较多的声部重复,五音次之。
下例是在弓弦乐器组采用多音和弦的方式演奏。
如果用乐队全奏,最好是用整个弦乐组均匀覆盖乐队的全部音域。
50黄钟(武汉音乐学院学报)2001年第2期例6a例6b在钢琴作品中常见到同和弦重复的织体写法,对此,有两种改编方式:一是保持原有的同和弦反复,和弦的低音(或根音)可作下八度扩展,在不干扰旋律声部的前提下,也可将和弦音向上扩展,目的是增加音响的纵深度。
这种写法多见于安静、抒情的音乐。
如下例:例7a 库劳钢琴小奏鸣曲Op.20第一首例7b同和弦反复的另一种改编方式,是采用乐器声部相互交错的手法,将不同的和弦音分别交给不同的乐器演奏(回避同一声部的同音反复),形成动态的声部进行。
这种写法在较快的速度时可产生具有冲击性的、动荡的效果(如例8);速度缓慢时,则有一种蠕动的效果。
51周雪石:钢琴曲的乐队改编例8a例8b四、改编有钢琴踏板效果的和声音型在很多抒情性的钢琴音乐中,右手声部是优美的旋律,左手声部常常是和声音型式的伴奏,音响柔和而富于共鸣,是钢琴作品中最常见的形式之一。
如下例:例9 肖邦∀夜曲#第三首由于踏板的原因,左手声部的和声音型中的每个音都是延长的,如果按实际效果记谱,就会是这样的:例10如何改编才能保持同样的效果?简单有效的做法是,把音型中的每个音,作为一个音高层次分配给不同的乐器声部,同时,要有至少一个声部保持原来音型的基本样式。
下面的改编中,考虑到乐器的音响特性,把原调提高了小三度:其中,双簧管奏主旋律;中提琴声部是钢琴音型的基本样式;分奏大提琴的下声部演奏钢琴音型中因踏板而延长的低音,低音提琴用拨奏同度重复;分奏大提琴的上声部是音型中较低的音,小提琴声部是音型中较高的音。
除了中提琴之外,其它声部各音都是延长的,但结合起来,与钢琴的左手声部一样,小节内每一个拍点都有不同音高的发音:52黄钟(武汉音乐学院学报)2001年第2期例11还有与此相类似的另一种情况,即钢琴的和声音型中隐含着主旋律。
也就是说,旋律与伴奏共存于同一声部之中。
这时候,除了保持钢琴的踏板效果之外,还必须把隐含的旋律分离出来,并在音色上与伴奏部分有所区分,通常是用不同乐器组的乐器分别担任旋律与伴奏。
从音型化织体中提取旋律,也是钢琴曲改编中的重要原则。
五、从钢琴织体中提取长音在钢琴音乐中,和声性的音型化织体是非常普遍的,譬如,动荡的琶音进行、稳定的分解和弦进行、急促的震音进行,等等。
很多情况下,这种织体写法都具有两种音响特性,即音型化织体所带来的 动态 的音响与和声所固有的似乎 凝固 的音响(钢琴踏板的作用)。
前一种效果是显而易见的,而后一种效果却不能从谱面上分辨出来,这就需要在保持原有织体样式的同时,从和声中提取长音,来体现这种 凝固 的和声音响。
这里所说的长音,可以是和声性低音,也可以是处在较高音区的和弦音。
换句话说,所提取的长音不能是原有和声之外的其它的音。
如上面的例5、6中的低音声部就是从左手的和声进行中提取而来的。
下例,前两拍是上进的经过句,由于踏板的作用,其音响非常浓郁;后两拍为二度的旋律音调。
改编中,为了便于演奏,经过句由大提琴、中提琴和第二小提琴的重叠式交接完成,大管和圆号声部则是从经过句中提取而来的和声性长音。
这样做非常必要,它既造成了浓郁的和声背景,也润饰了弦乐器略显干涩的音响(时值短的原因):例12a 拉赫玛尼诺夫浪漫曲∀春潮#(瓦西连科改编)钢琴曲的乐队改编是一个技术性很强的课题,改编中可能遇到的问题和困难决不会只有以上探讨的几种,而且,本文所探讨的技术问题和处理原则也绝不是不可更改的律条。
事实上,很多钢琴化织体都需要在乐队改编时寻求新的解决办法。
还是那句名言:实践出真知。
53周雪石:钢琴曲的乐队改编例12b参 考 文 献1.里姆斯基-科萨科夫:∀管弦乐法原理#(瞿希贤译),人民音乐出版社1983年版。
2.C ∃瓦西连科:∀交响配器法#(金文达译),人民音乐出版社1962年版。
3.罗加尔∃列维斯基:∀管弦乐队讲话#(杨名望译),人民音乐出版社1985年版。
4.米∃楚拉基:∀乐器法#(金文达译),人民音乐出版社1957年版。
责任编辑 钱仁平Orchestra Arrangement of Piano PiecesZ HO U Xue shiAbstract:An important aspec t of the orchestration course was the practice of arranging non orches tral music for orchestra.Piano works,other solo instrumental works,folk songs and songs were in used for this purpose.From the prac tice it was felt that orchestrating piano pieces was most valuable as a means of learning.The writer then made a brief explanation of some of the finer points of the technique of orchestration.Key Words:piano piece;arrangement;orchestration;texture;instrument group 54黄钟(武汉音乐学院学报)2001年第2期。
