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五行文化元素在艺术设计中的应用
五行文化是中国古代的重要传统文化，它的理论从五行的概念、权衡观念以及五行的和谐观念等综合而成。
五行文化中存在着一种自然观，强调万物和谐共处，甚至可以从物质或虚无中寻求最优解。
这种观念和艺术设计的传统文化深刻地融合在了一起，为后来的艺术设计注入了独特的理论精神。
五行文化的理论一直深深地影响着艺术设计的发展。
按照五行文化的理论，五行中的元素有金，木，水，火，土，它们相互联系，共同创造出宇宙的完整性。
这意味着在五行文化的视角下，设计者可以运用这种自然观来给艺术设计注入生命力，达到完整性和平衡。
在艺术设计中，金元素可以用来表示财富、高贵，木元素可以用来展示木质的温和、柔顺，水元素可以用来表示仪式感，火元素可以用来表示力量和勃勃生机，土元素主要用于表现郁郁葱葱的山水景观。
在设计中，五行文化的元素可以结合我们的视觉感知，以及其他审美理念，如颜色、比例、结构等，以及五行文化的自然观，结合起来，营造出呼应的艺术设计。
在利用五行文化的元素的过程中，设计者还可以通过水墨画、中国山水画等传统艺术形式，提取经典元素，从而更好地表达五行文化的精髓。
从上述可以看出，五行文化元素在艺术设计中的应用有着重要意义。
设计师可以利用五行文化背景和审美理念结合起来，创造出独特的设计作品。
同时，不同的五行文化元素还可以借助传统艺术形式传达文化寓意，不仅丰富了设计作品的内涵，也将传统文化精神以新的
方式呈现出来，体现出中国传统文化中独特的美学理念。
总之，五行文化元素在艺术设计中的应用，既有助于增强设计作品的审美价值，又有助于将传统文化精髓以新形式展现出来，为社会注入新的文化氛围。
五行与音乐艺术探索中国古典音乐的五行元素五行与音乐艺术：探索中国古典音乐的五行元素中国古典音乐是中华文化的瑰宝之一，它融合了丰富的哲学思想和审美观念。
而五行作为中国古代哲学的重要组成部分，也深深地渗透进古典音乐的创作和表演中。
本文将探索中国古典音乐中的五行元素，揭示其对音乐艺术的深远影响。
一、金元素：皇家典雅的表达中国传统音乐中的金元素代表了皇家典雅的表达。
金在五行中象征权力和尊贵，它对应着古代中国的皇帝和高官。
因此，在古典音乐中融入金元素的作品通常富丽堂皇、庄重典雅。
比如，古琴曲《广陵散》以其深沉婉转的旋律和贵族气质，将金元素完美地融入音乐中。
二、木元素：生机勃勃的自然之音木元素代表了五行中的生机与活力，具有富有活力、生气勃勃的特点。
在中国古典音乐中，木元素被用来表达自然之音，如林间鸟鸣、溪流潺潺。
古筝曲《阳春白雪》正是以木元素为基调，通过流畅的音符和明亮的音色，恰如其分地传递出大自然的生机与活力。
三、水元素：柔美婉转的情感表达水元素在五行中象征柔和、婉转的情感表达。
在中国古典音乐中，水元素常被用来表达爱情、离别和温柔的情感。
古琴曲《广陵散》中的《高山流水》，以其柔美与流动的旋律，形象地传达了离别之情。
而古筝曲《十面埋伏》则通过水一般的流畅音符，描绘出爱情的柔情脉动。
四、火元素：热情奔放的节奏与强烈的表现力火元素象征着热情与激情，在古典音乐中常被用来表达节奏明快、热烈洋溢的情绪。
京剧中的唢呐伴奏曲《春江花月夜》以其热情奔放的节奏和强烈的表现力，完美地展现了火元素的特点。
通过快速的音符和激昂的旋律，这首曲子让人们感受到了火元素所带来的热烈与激情。
五、土元素：厚重稳定的基调与民间风情土元素在五行中代表厚重、稳定的基调。
在中国古典音乐中，土元素常被运用以表达民间独特的风情与情感。
梆子曲《赛马》以土元素为基础，通过稳定的节奏和厚重的音色，展示了民间豪情的氛围。
同时，土元素也赋予了古典音乐深沉的内涵和稳定的节奏。
五行与戏曲戏曲艺术中的五行元素体现五行与戏曲艺术中的五行元素体现戏曲艺术作为中国传统文化的重要组成部分，深受广大观众的喜爱。
在戏曲表演中，五行哲学的影响不言而喻。
五行理论是中国古代哲学中重要的概念之一，它包括金、木、水、火、土五个元素，通过这些元素的相互作用和转化，构成了世界万物的发展变化规律。
在戏曲艺术中，五行元素的体现不仅贯穿于角色性格的塑造，还表现在舞台布景、服饰、音乐等方面。
本文将探讨五行与戏曲艺术之间的密切关系，进一步理解中国戏曲的独特魅力。
一、金行——刚毅豪杰的代表金行代表着坚强、刚毅的特质，常常被用来塑造正义的英雄形象。
在京剧中，著名角色如曹操、秦琼等都属于金行代表。
他们形象高大威严，声音洪亮有力，令人感受到一种霸气和力量。
在表演中，他们举手投足间彰显出的气势更是金行元素的集中体现。
此外，金行元素还常用于描绘描述成功人士，如商人、官员等角色，突出他们的智勇与魄力。
二、木行——婉约灵动的象征木行代表生机和柔韧的特质，常常用来描绘女性角色，尤其是花旦角色。
花旦在戏曲艺术中扮演着重要的角色，她们形象柔美婉约，舞姿轻盈，音色清亮。
她们所扮演的角色往往是心地善良、温柔体贴的女子，如《红楼梦》中的林黛玉。
木行元素通过她们的表演，传递出一种温暖和优雅的氛围，让观众感受到生命的活力和美好。
三、水行——柔和流畅的象征水行代表变化和流动的特质，在戏曲表演中经常用于描绘技艺娴熟、身手矫健的角色，如武生和行当中的戏班子角色。
武生擅长表演各种功夫和动作，他们形象矫健飘逸，动作迅猛娴熟，展现出的水行元素给观众带来一种视觉上的享受和震撼。
相比之下，行当中的戏班子角色则更注重表演技巧的流畅性，他们的动作柔和流畅，如行云流水，展现出水行的特质。
四、火行——激情奔放的象征火行代表热情和激情的特质，被广泛应用于表现烈士、英雄等激情派角色。
这类角色通常活跃于战争和冲突的场景，他们气势磅礴，意志坚定，表演具有强烈的感染力。
五行与传统音乐传统音乐中的五行演奏技巧中国传统音乐是世界文化遗产之一，流传了几千年。
其中一个独特的特点就是融入了中国古代哲学中的五行理论。
五行理论是中国古代哲学中的一部分，它包括金、木、水、火和土五个元素，每个元素都代表了一种音色和情绪。
本文将以五行理论为基础，探讨传统音乐中的五行演奏技巧。
一、金元素金元素代表着清亮、明亮的音色，常用于表达明朗、振奋的情绪。
在传统音乐中，金元素经常用于演奏宫、商、角、徵、羽等音阶，能够表现出豪放、激昂的情感。
演奏金元素的技巧包括弹奏明亮的音符，灵活运用琴弦和乐器指法，使音符富有层次感和表现力。
二、木元素木元素代表着柔和、舒缓的音色，用于表达温和、宁静的情绪。
在传统音乐中，木元素经常用于演奏宫、商、角、徵、羽等音阶，能够表现出柔和、安静的情感。
演奏木元素的技巧包括轻柔地弹奏音符，保持音符之间的连贯性和平稳性，使音乐流动起来。
三、水元素水元素代表着流畅、悠扬的音色，常用于表达忧伤、浪漫的情绪。
在传统音乐中，水元素常用于演奏各种促音、连音等技巧，使音乐具有流动感和柔和感。
演奏水元素的技巧包括控制演奏速度、加强音符之间的衔接，使音乐在听觉上具有流畅感和舒适感。
四、火元素火元素代表着激烈、热烈的音色，用于表达激情、活力的情绪。
在传统音乐中，火元素常用于演奏宫、商、角、徵、羽等音阶，能够表现出激情和动感。
演奏火元素的技巧包括强烈而有力地弹奏音符，注重节奏的准确性和力度的变化，使音乐充满活力和激情。
五、土元素土元素代表着稳定、厚重的音色，用于表达庄重、沉稳的情绪。
在传统音乐中，土元素常用于演奏宫、商、角、徵、羽等音阶，能够表现出庄重和厚重的情感。
演奏土元素的技巧包括稳定而有力地弹奏音符，注重音符的韵律规律性和音乐的整体平衡感，使音乐具有稳健和庄重的特点。
通过五行理论的运用，传统音乐能够更加精细地表达出不同的情感和意境。
演奏者在实践中需要熟练掌握五行音色特点，并且根据曲目的要求合理运用。
五行与中华传统舞台艺术探索五行在中华传统舞台艺术中的表演技巧中国传统舞台艺术悠久而独特，经历了数千年的发展和演变。
其中，五行思想对中华传统舞台艺术的表演技巧起到了重要的影响和指导作用。
本文将探讨五行在中华传统舞台艺术中的表演技巧，并分析其对舞台效果的影响。
一、金行——堂堂正正、庄严肃穆金行代表了坚实、正直、庄重的品质。
在中华传统舞台艺术中，金行的表演技巧要求演员展现出庄重的态度和庄严的形象。
演员应通过舞蹈动作的规整有力，以及面部表情的端庄凝重，传达出金行的特质。
同时，服装和道具的选用也应符合金行的形象，运用金色和金饰等元素，增强观众的视觉冲击力。
二、木行——柔韧多变、舒展自如木行代表了生命力、活力和变化的特质。
在中华传统舞台艺术中，木行的表演技巧要求演员展现出舒展自如、柔韧多变的特点。
演员应通过柔美的舞姿和灵活的身体语言，展现出木行的特质。
同时，音乐的运用也可以通过节奏和音调的变化，与演员的动作相呼应，营造出一种生机勃勃的氛围。
三、水行——柔情脉脉、流动灵动水行代表了柔情、流动和灵动的特质。
在中华传统舞台艺术中，水行的表演技巧要求演员展现出柔软、流畅的舞姿和丰富的情感。
演员应通过身体的起伏与流畅的舞线，传达出水行的特质。
同时，面部表情的细腻和眼神的灵动，也是体现水行特质的重要手段。
服装和道具的选用可以运用蓝色和流线型的设计，增强表演的水性韵味。
四、火行——热情奔放、华丽夺目火行代表了热情、光芒和炽热的特质。
在中华传统舞台艺术中，火行的表演技巧要求演员展现出热情奔放和华丽夺目的形象。
演员可以通过有力而激烈的舞蹈动作，以及烈日高照般的面部表情，传达出火行的特质。
同时，服装和道具的选用中可以运用红色和金色等色彩，凸显出火焰的燃烧感。
五、土行——厚重沉稳、坚实可靠土行代表了稳定、实在和坚实的特质。
在中华传统舞台艺术中，土行的表演技巧要求演员展现出厚重沉稳和坚实可靠的形象。
演员应通过舞蹈动作的稳定有力，以及脸部表情的坚毅沉稳，传达出土行的特质。
五行与艺术探索五行在各种艺术形式中的表现与内涵艺术作为一种表达形式，常常以多种方式折射着人类对于自然世界的认知和审美追求。
而五行理论，作为中国古代哲学思想中的重要组成部分，对于艺术的表现与内涵也产生了深远的影响。
本文将探讨五行与艺术之间的关系，探索五行在各种艺术形式中的表现与内涵。
一、五行与绘画艺术绘画是一门通过着色和构图来表现艺术家对于客观事物的观察和感悟的艺术形式。
五行理论中的金、木、水、火、土这五种元素与绘画相互关联，为艺术家提供了丰富的表现手法和意境构建的方向。
金，代表着坚实、明亮和均衡。
在绘画中，金元素可以通过明亮的色彩和几何形状的运用得以体现。
艺术家可以通过使用黄金色调或金属材质来表现金的特性，如描画金属器物或具有金属质感的建筑。
木，象征生机勃勃、生长和蓬勃发展。
在绘画中，木的特性可以通过描绘参天大树、葱郁的花草等来表达。
艺术家可以运用丰富而生动的色彩，运用线条的生动表现和形态的丰富变化，展现出大自然中生命力的呼吸。
水，代表着流动、柔软和变幻。
在绘画中，水元素可以通过描绘江河湖海、瀑布流泉等来表现。
艺术家可以运用流动的线条和层次感，善于运用水墨或轻柔的水彩画技法，来表达水的特性和气韵。
火，象征激情、炽热和变革。
在绘画中，火元素可以通过描绘熊熊燃烧的火焰、烈日或灼热的情感等来表现。
艺术家可以利用红色色彩和热情奔放的形态，运用明暗对比和热烈的笔触，展现出火的力量与炽热。
土，代表着稳定、厚重和沉稳。
在绘画中，土元素可以通过描绘山川河岳、稳重的建筑等来表现。
艺术家可以运用稳定沉着的色调和厚重感的构图，通过细腻的素描表现出土的质感和力量。
二、五行与音乐艺术音乐是一门利用声音和乐器表达情感和美感的艺术，五行理论在音乐中也有着重要的体现与应用。
不同的音乐音调、乐器等元素都能够与五行理论相对应，使得音乐作品呈现出不同的内涵和氛围。
金，代表高亢、明亮和洪亮。
在音乐中，金元素可以通过高音乐调、明亮而洪亮的乐器声音来表现。
五行与传统舞蹈传统舞蹈中的五行舞姿展现传统舞蹈作为古老的艺术形式之一，以独特的舞姿和动作表达情感和思想。
在中国传统文化中，五行理论被认为是构成宇宙万物的基本元素，包括金、木、水、火、土。
这些元素不仅贯穿了自然界，也深入了人类的生活，对传统舞蹈的表现和构成具有深远的影响。
本文将介绍传统舞蹈中五行舞姿的展现，探讨五行与传统舞蹈之间的内在关联。
一、金舞蹈金是五行之首，象征着坚强、光明和尊贵。
在传统舞蹈中，金舞蹈通过饱满的动作和优雅的姿态展现了这些特质。
舞者身穿华丽的金色舞衣，舞动双臂向上挥舞，以表达力量和独立的意象。
金舞蹈通常伴随着快节奏的音乐，给观众带来一种热情奔放的感觉。
二、木舞蹈木代表着生机和生长，象征着希望和生活的力量。
传统舞蹈中的木舞蹈以舞者模仿树木摇曳的姿态为特色。
舞者化身为婀娜多姿的树木，舞姿连贯流畅，展示出生命的活力和成长的力量。
舞者的动作轻盈而富有弹性，仿佛树木在微风中轻摇。
三、水舞蹈水象征着柔韧、流动和变化。
传统舞蹈中的水舞蹈通过流线型的舞步和云袖的运用，表现出水的柔软和灵动。
舞者以扭转和舞动的姿态展示出水的流淌和涌动。
舞蹈动作多变，感觉如水般流畅，给人以柔情和细腻之感。
四、火舞蹈火是一个具有破坏力和热情的元素，也象征着活力和激情。
在传统舞蹈中，火舞蹈通常通过快速的动作和炽热的表现手法来表达火的能量。
舞者以跳跃、旋转和跳跃为特色，展示出火焰般的热烈和激情。
同时，火舞蹈也经常伴随着火焰般的红色和橙色服饰，给观众带来视觉上的冲击力。
五、土舞蹈土代表稳定、实在和安定。
传统舞蹈中的土舞蹈以舞者踏实的步伐和稳定的动作为特点，表达出土地的沉稳和承载万物的能力。
舞者通过用脚踩实地、用臂展示平稳的舞蹈形式来展现土的特质。
土舞蹈常常以朴素而庄重的形象呈现，给人以宁静和安定的感受。
通过以上的介绍，我们可以看到五行与传统舞蹈之间存在着紧密的联系。
传统舞蹈通过扭转、挥动、踏实的舞姿，将五行的特质生动地展现出来。
五行与中华传统音乐和谐共振的韵律之美中华传统音乐是中国艺术的瑰宝之一，其内涵丰富，与五行哲学密切相关。
五行理论是中国古代哲学的重要组成部分，它包括五种元素，即金、木、水、火和土。
这些元素不仅用来描述物质世界的构成，还用来解释自然界和人类社会的变化规律。
五行与中华传统音乐之间存在着和谐共振，通过音乐中的韵律，人们可以感受到五行之美。
在中华传统音乐中，五行元素被巧妙地融入到作曲和演奏中。
以古筝为例，古筝是中国古代传统乐器之一，其音域分为五段，每一段代表一个元素。
金段代表金，音色高亢、明亮；木段代表木，音色清脆、绵柔；水段代表水，音色悠扬、潇洒；火段代表火，音色激昂、热烈；土段代表土，音色沉稳、厚重。
通过演奏五段不同的音色，古筝音乐勾勒出了五行元素的丰富内涵，令人陶醉其中。
除了乐器的演奏方式，五行元素还体现在音乐的创作中。
音乐作曲家们在作品中运用五行哲学的思想，通过音符的选择和编排，使作品表达出五行之间动态平衡的美感。
例如，在一首传统的古曲《醉渔唱晚》中，作曲家运用了金、木、水的元素。
乐曲开头以金段音色引人入胜，接着木段音色显得清新而优美，最后以水段音色渐入佳境，将整个作品的情感高潮推至最高点。
通过巧妙地运用五行元素，作曲家创作出了一首韵律优美的古曲。
除了乐器演奏和作曲创作中的运用，五行哲学还体现在传统音乐的表演形式和意义中。
中华传统音乐注重舞蹈与音乐的结合，舞蹈动作和音乐旋律与五行之间存在着紧密的联系。
舞蹈动作的轻灵与舒展，与木的元素相呼应；舞蹈动作的流畅与悠扬，与水的元素相契合；舞蹈动作的热情与奔放，与火的元素相呼应；舞蹈动作的稳重与厚重，与土的元素相契合。
通过舞蹈和音乐的融合，传统音乐将五行之美展现得淋漓尽致。
总结来说，五行与中华传统音乐之间存在着和谐共振的韵律之美。
五行元素不仅融入到乐器的演奏和音乐的创作中，还在舞蹈表演中得到体现。
通过音乐的韵律和舞蹈的动作，人们可以感受到五行之间的平衡和谐，体会到中华传统音乐独特的美感。
五行与传统中国艺术的融合随着时间的推移，中国传统艺术一直以其独特的魅力吸引着全世界的目光。
其中，五行哲学在中国文化中扮演着重要的角色。
五行理念源于古代中国对自然界的观察与分析，它由金、木、水、火、土五种元素组成。
这种理念可以在中国传统艺术中得到广泛的应用，为作品带来独特的韵味和深刻的内涵。
在书法艺术中，五行理念被广泛地运用。
书法家常常通过墨色的运用来表达五行的不同特性。
比如，金色象征贵重、华丽和高贵，与金相对应的五行元素是金，因此金色的墨水在书法中通常代表着高尚和贵族风范。
相反，火色墨水代表着激情和热情，与火相对应的五行元素是火。
这样的表达方式使得书法作品更加丰富多样，具有强烈的视觉冲击力。
中国传统绘画中也融合了五行思想。
绘画家经常通过使用不同的颜料和笔法来呈现五行元素。
比如，金色或黑色通常用来画出强大的山脉和峰顶，这与金元素的特性相契合，同时也展示出了山脉的威严和壮丽。
而水的特性则常常通过使用蓝色和绿色来表现，为画面增加了平和和宁静的氛围。
在传统音乐和舞蹈中，五行元素也能够找到其影子。
音乐家常常利用不同的乐器和音调来表达五行的特性。
比如，低沉的乐器声音与土的元素相呼应，让人感到沉稳和安定。
舞蹈中的舞姿和舞蹈动作也会受到五行元素的启发。
有时，舞者会模仿金元素的刚度和坚韧性，有力地跳跃和舞动，展示出力量和自信。
除了上述艺术形式外，五行元素还可以在建筑设计、陶瓷制作、服饰和饮食等多个领域中找到其存在。
例如，在建筑设计中，金元素通常被用来装饰富丽堂皇的宫殿和寺庙，而木元素则常常被应用于园林设计和庭院布置中，为建筑带来自然而生机勃勃的气息。
在陶瓷制作中，设计师也会通过釉色和花纹来表达五行元素的内涵。
服饰和饮食方面也常常以五行元素为灵感，选择具有特定颜色和味道的材料和菜肴。
总之，五行与传统中国艺术的融合丰富了传统艺术的表现力和内涵。
通过运用五行元素，艺术家们能够赋予作品更深层次的意义和生命力。
无论是书法、绘画、音乐还是舞蹈，五行哲学的灵感都使得这些艺术形式更具独特的韵味和文化背景。
五行与中国古代音乐的关联中国古代音乐是一门独特的艺术形式，在其发展的过程中，受到了众多因素的影响和塑造。
其中，五行理论作为中国古代哲学文化的重要组成部分，对古代音乐的创作与表演有着深远的影响。
本文将探讨五行与中国古代音乐的关联，以及这种关联对音乐的形式和表现方式产生的影响。
一、五行理论的概述五行理论是中国古代哲学中的一个重要理论，用来描述宇宙万物的基本组成和相互关系。
五行分别代表着金、木、水、火、土五种元素，每种元素都有其特定的属性和相互关系。
这一理论深入到了各个领域，包括音乐。
二、五行与音乐的关联1. 音乐与五行关系的探索中国古代音乐家经过长期的观察和实践，发现了音乐与五行之间的相互关联。
他们认为，每种音乐音调的传达效果与五行的特性密切相关。
比如，高亢的音调与金元素的锐利、明亮特性相对应，低沉的音调与土元素的坚实、厚重特性相呼应。
2. 音乐元素与五行属性的对应在古代音乐创作中，五行的属性被用来决定音乐元素的运用方式。
比如，金元素通常与高音调、尖锐的乐器如箫、笛子相联系；木元素则与中音调、具有弹性的乐器如古琴、梆子相对应；水元素则与低音调、具有柔和质感的乐器如古筝、琵琶相匹配。
3. 五行与音乐表达情感古代音乐家认为，五行的不同属性能够表达不同的情感和意境。
比如，金元素的尖锐与明亮常被用来表达喜悦和愉悦；木元素的柔和与平静则常被用来表达宁静和舒缓；水元素的低沉与深邃被用来表达哀愁和悲伤。
三、音乐形式的影响1. 乐曲的选材和编排五行理论为乐曲的选材和编排提供了指导。
音乐家可以根据乐曲所要表达的情感和意境选择对应属性的五行，并以此为基础进行编曲和演奏。
这样做不仅使乐曲更加符合主题，也能够达到情感表达的最佳效果。
2. 声音色彩的运用五行理论也影响了音乐中声音色彩的运用。
在演奏过程中，音乐家会通过选择不同乐器和演奏技巧，将五行的属性转化为声音的质地和特点。
这样做不仅丰富了音乐的层次与纹理，也增强了音乐与观众之间的情感共鸣。
五行融合的艺术变奏作者：李明泉来源：《现代艺术》2018年第03期以此观之，周晓冰的陶艺不仅巧妙运用“水”（彩墨的浓淡、干湿、深浅、冷暖等）的墨法，利用“火”（焙烧）的裂变，发挥“木”（框架、支架等）的造型，注重“金”（矿物质色釉）的玄妙，强调“土”（陶泥粘土）的粘结力、可塑性和烧结性能，把五行相融的艺术探索发挥到极致。
一个真正的艺术家，总是在不断地超越和突破自己，在否定之否定中呈螺旋式上升发展。
这种探索创新，或是通过改变原来惯常使用的材料工具，重新寻找新的艺术表达载体；或是将多种艺术形式进行重新排列组合，探索几种艺术样式嫁接融合的全新艺术类型；或是在音乐与绘画、诗歌与美术、舞美与工艺等交融状态中寻找打通艺术壁垒的崭新坦途；或是将自己的情感、思考、认知、梦想等自由地、外化地凝固在创作过程中，显示出别样的、有意味的形式。
艺术创新之难，难在不断否定自我而又重塑自我，难在艺术作品不仅是个人兴趣的表现，更需要社会的普遍认同和大众的乐于接受。
艺无止境、文无定法、诗无达诂，说的都是艺术创新的难度和每次超越所带来的无比诱人之处。
这是我读中国陶艺设计大师周晓冰先生的作品之后的一点感悟。
周晓冰在上世纪八九十年代主要从事油画创作，其作品《远航》《孤独的草原》等入选第一届全国青年美术作品展。
油画《六月的阳光》《苍天》《风雪贡嘎山》《故乡的坡地》等多为写实之作，展现西部藏羌彝民族的历史事件和人物形象，笔触细腻，传递出栩栩如生的民族风情；《故乡的土地》《太行岁月》则选取中国革命史上的重大题材，展现一代伟人邓小平等革命先驱的风采，充满浓郁的史学意味。
这些作品使他在油画界以人物描写见长，形成了聚焦西部苍凉、高远、拙朴的风格。
但他一直没有停止艺术探索的脚步，继大学教授美术、国外多次考察经历之后，他将艺术创作转向彩墨画，尝试中国传统绘画技艺的当代转型。
他的《东方音诗》一组十二幅充分显示了听觉艺术视觉化的探索，《跳动的音笛》展现出如流水般的笔墨，如行走的歌吟，墨点的挥洒有如音符在跳跃。
周晓冰的彩墨绘画是跳出油画技法的一次开新之举。
但他并未止于此，他尝试将油画、彩墨等杂揉进现代陶艺之中，开启了集多种艺术样式于一体的探索。
我以为周晓冰执着于现代陶艺的研究与实践，是给自己出了一道新的难题。
绘画载体材料由画布、纸本换成了泥坯和瓷板，新的材料既开拓了他艺术表达的空间，可以集各种形式于一体，但也带来了新的困境，创作材料新的局限性也凸显出来。
画在瓷板上的画和捏制的泥土造型，在火炉焙烧过程中存在无限的可变性。
明知其变但不知其如何变，这既是艺术变化无穷的魅力，也是艺术家难以掌控的客观事实。
艺术探险是需要艺术家的勇气和境界的。
这种不确定性还在于焙烧冷却后或随着时间的推移，瓷器釉面会形成鳝血、金细钱线、浅黄鱼子纹或网形纹、梅花纹、细碎纹等开片，改变艺术家最初绘画作品时的色彩和纹路，绽放出意想不到的变幻之美。
在这里，载体材料变、焙烧成形变、开片釉面变，使陶艺这种既有我国九千年古老历史，又因美国1954年“奥蒂斯陶艺革命”而传入的现代艺术形式生发出新的裂变。
这不仅是陶瓷技艺之变，而且是美学观念之变。
周晓冰是一位有独立思考和专业精神的艺术家。
他在景德镇成立了工作室，整天在泥与火中摸爬滚打，走出了一条属于他自己的“水火相容”的陶艺之路。
在2017年12月，在由周晓冰策展的“第五届中国西部陶艺作品双年展”的开幕式上，我曾即兴发言：“我认为陶艺是最具中国历史文化特色的本根性艺术。
中国的英文单词China，原指陶瓷。
因此，陶艺最能代表中华美学精神的气韵和风姿，它体现了陶艺大度包容、灵动变化、超逸实用的鲜明的民族特色。
同时，陶艺也是最具中国哲学智慧的艺术，它体现了阴与阳、土与火、冷与热、静与动、瞬间与永恒、凝固与幻化的辩证法，为艺术创造提供了无限可能性，显示了艺术张力的不确定性，展现出变化无穷的艺术魅力。
这次西部陶艺双年展突出表达了艺术家们对西部意味、西部风格、西部精神的诠释，调动了多种艺术表达方式，如陶艺+绘画、+书法、+造型等，使陶艺更具审美与实用价值。
这为丰富人们的美好生活需要提供了实实在在的艺术品。
”在读了周晓冰一系列陶艺作品之后，我强烈感到，他不仅对色釉（陶瓷）与纸本（中国宣纸）艺术进行了長期的探索和研究，还将两种艺术语言完美相融。
而且正如他自己所说：“这种艺术实践逐渐取代了我早期油画创作中不可回避的局限性。
也是我在艺术成熟期，将平面艺术走向立体、走向空间和多媒体的大胆尝试。
”我认为，周晓冰的陶艺不仅做到“水火相容”，而且追求“五行相融”，开辟出了更加广阔的艺术空间。
“水火木金土”五行不是指实在的五种特定元素，而是五种动态平衡的运动方式。
它以取象比类的方法，运用生克制化的关系来说明和解释事物之间的变化和联系。
没有相生，就没有事物的发生发展，相生保证了事物发展的原动力和可能性；没有相克，就没有事物发生发展中的协调和平衡，相克保证了事物发展的控制力和协调力。
正如明代祖籍绵竹的杰出医学家张介宾在《类经图翼·运气》（1957年人民卫生出版社）中所言：“盖造化之机，不可无生，亦不可无制。
无生则发育无由，无制则亢而为害。
生克循环，运行不息，而天地之道，斯无穷已。
”以此观之，周晓冰的陶艺不仅巧妙运用“水”（彩墨的浓淡、干湿、深浅、冷暖等）的墨法，利用“火”（焙烧）的裂变，发挥“木”（框架、支架等）的造型，注重“金”（矿物质色釉）的玄妙，强调“土”（陶泥粘土）的粘结力、可塑性和烧结性能，把五行相融的艺术探索发挥到极致。
而且更为重要的是，他自觉运用“五行”所体现出来的中国古代朴素辩证法思想，在造型、色彩、意境、情趣、思考等方面把现代陶艺与中国笔墨、写实油画与抽象意趣、梦境印象与山水鱼鹰、飞天奇幻与巴蜀图语、川剧角色与民族风情等交织在一起，或大写意，或小点缀，或缥缈空灵，或激越高亢，或艳丽逼人，或清新脱俗，让人们深深感到“五行”的艺术哲学思想，无画不有，无处不在。
画作色彩的对比反差、结构的起伏跌宕、情绪的流动变异，使我感到他的作品有如“水”的流动，具有渗透、润湿、轻盈的特点；表达了“火”的激情，具有温暖、光明、奔放的气质；显示了“木”的巧妙，具有生发、舒畅、绵延的机智；凸显了“金”的锐敏，具有硬朗、坚韧、内敛的气场；体现了“土”的厚重，具有承载、生发、沉稳的品格。
如色釉瓷板画《岁月遗梦》色彩的玄妙和红白荷花的希望；《深秋红艳》的狂舞与洒脱；《海滩的黎明》在阴郁中透出的亮色，给人以远方的希冀；色釉瓷板画《秋荷禅意》的高蹈与温馨；彩陶《记忆中的远山》中如人如舞、如歌如泣的造型，让人感念故土的苍茫与温暖；色釉瓷瓶《飞翔的思想》一组，表达了飞鹰的灵动、自由、高远与人间思絮混乱无序之间的深刻矛盾，传递出艺术家渴望思想的高度与洞穿一切的心性。
釉下彩绘瓷板《飞翔的幻影》一组与《飞翔的思想》有异曲同工之妙，一个是立体瓷瓶的浑圆展现，另一个是平面瓷板的静态表达。
裸女、飞鹰、岩石、花丛、彩云等构成了逃离局限、远离城市、飞越群山、遁入空门幻境的审美意象。
这些作品，是周晓冰立志陶艺探索的创新之作。
从中既可看出他彩墨画法的表现，又可见出他关于人生思考、生命智慧的别样呈现。
他的陶艺已远离陶瓷的实用功能，进入了纯美的现代艺术空间，他通过改变艺术载体改变着自己的艺术审美追求。
“五行”之“行”，是一种顺应自然的运行，如东汉经学大师郑玄所注：“行者，顺天行气也。
”“五行”即万事万物的矛盾运动，唯有顺“五行”而“行”，才可能把握事物的规律，在事物矛盾运动中推动事物的发展。
这里，“人”在“水火木金土”五行中具有鲜明而重要的主体地位，起着主导、引导、推演、促进“五行”所象征的万事万物，按照人的主观意志方向发展的决定性作用。
因此，“五行融合”的艺术生产主体当然是发挥主观能动作用的艺术家本身。
各种艺术创作材料、工具、载体、持艺等，如何能最佳最优地呈现艺术家的创作思想和情感，特别是在大量主客体内容耦合过程中所迸发出来的灵感、闪念、灵气、变异、奇幻等难以捕捉的艺术表达的随机性、偶然性，就更需要艺术家主观的高度自觉和敏锐能力。
在某种意义上讲，陶艺创作过程也具有瞬间艺术的特质。
在空间维度上，陶泥、瓷板等是有限度的；在时间维度上，它可以是漫长的，但更是通过一分一秒绘制而成的。
在这个过程中，因材料的不同，创作主体的思想和情感表达往往以一瞬而呈现意味，以数笔而凝固形象。
这个创作过程与方式，因陶艺家的个性而呈现出不同的创作情态。
周晓冰是一位颇有特点的陶艺家，他少年时代喜爱音乐，会钢琴、小提琴，后在解放军艺术学院进修绘画和作曲。
他曾描述他在始建于17世纪的“俄罗斯工艺美术研习所”后来改为“列宾美术学院学院”考察时，现场正在播放普罗科菲耶夫的《E小调小提琴协奏曲》和肖斯塔科维奇的《第五钢琴协奏曲》。
这两位都是与列宾同时代，但却有着各自艺术风格的作曲家，相同之处在于他们的音乐都反映了那个时代俄罗斯民族的精神需求和知识分子对音乐的审美取向。
周晓冰对音乐的这种修为，使他在绘画创作时习惯性地播放乐曲。
一方面，他在音乐的旋律中随着节奏挥洒图画；另一方面，他的画作又深深地刻录下某一段乐曲的情绪和色调，使画面具有独特的乐感和节奏。
这种打通音乐与绘画界限，将音乐听觉形象与视觉艺术交融的“通感创作方式”，我以为是周晓冰的特色和独创。
他以音乐为题材的画作《钢琴协奏曲》《跳动的音笛》《热烈的管弦乐》《冬季的赋格曲》等，自觉地将音画合一，把音乐韵味图像化，别开生面。
其当代彩墨画《东方音诗》系列被上海交响乐团永久收藏。
这为他探索两种艺术样式的融合共生奠定了坚实基础。
柴可夫斯基创作于1893年10月的绝笔之作《B小调第六交响曲》，又名《悲怆交响曲》，乐曲体现出旋律优美、形式均衡、管弦乐法精巧等特点，作品表达了从苦恼焦躁到沉入幻想，再到温柔活泼及沉郁晦暗，最后在无限凄寂中结束的过程。
在聆听这部经典交响乐的旋律中，周晓冰创作了陶雕塑《西部人系列》，表达了他对西部地区苍茫、寂静、悲壮、坚毅的情感，那似真似幻的牛羊马，那舞动飞奔的云树草，那凝重而变幻的色彩，那苍劲而枯竭的线条，都与《悲怆交响曲》遥相呼应、心性相通。
一节节音符仿佛化作了一个个形象，使陶塑焙烧成了凝固的音乐和弹奏的画面，厚重的生命力已深深地烙印在作品之中。
周晓冰努力探索音画同质同源、同形同趣的艺术创作方法。
他在乐曲中感受演奏情景，体会指挥家阅读总谱、驾奴乐队每一个音符时的合声处理以及配器的整体效果，力图在创作时由一种心灵空间融入到视觉图像之中。
这种视听合一的幻视创作能力，具有独特的艺术张力和表达空间。
《海港的黎明》《西域的白桦树》《西部苍穹》《冰河梦境》《黄昏的序曲》《蔚蓝色的天空》《英雄无觅》《远去的红云》《冰雪即将融化》等作品，是他倾听捷克作曲家安东·德沃夏克《第九交响曲（自新大陆）》那饱含乡愁、凄凉、清丽、婉转、欢快的旋律，感受弦乐器、定音鼓、长笛、圆号、小号、单簧管、双簧管等演奏出的经典乐章，而挥洒表达出的关于海港、白桦树、家乡的怀想和跌宕起伏的情感。
