《艺术发展史》读后感1000字_1

艺术发展史读后感（样例5）第一篇：艺术发展史读后感艺术是一种生活态度本来对于《艺术发展史》一书的书名实在不感兴趣，但在我看了前言以及第一章以后，我对这本书有了不一样的感觉，吸引着我继续往下读。

这本书通过文字以及图片的结合，从古代美洲，到古埃及，到古希腊、古罗马，再到东方的伊斯兰教国家及中国，最后回顾到西方欧洲，向我们展示了艺术的发展历史。

而这一段段历史的介绍，始终围绕着作者贡布里希在导论中所提到的一句话“现实生活中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已”。

的确，看完了这本书，给我感受最深的不仅仅是每个时期每个地方的每种艺术史实，更是改造并创新这种史实的艺术家。

艺术家不仅仅是在创造艺术，他们更多的是在解决当时社会中所存在的问题，每种艺术，其实也是体现着当代艺术家的一种态度。

因此，我想简单谈谈，艺术，是一种生活态度。

古代美洲的原始民族，为艺术开拓了一个奇特的源头。

他们会用简陋的石器，在墙上画出自己所想要的，那是他们当时的一种信仰：“只要他们画个猎物图——大概再用他们的长矛或石斧痛打一番——真正的野兽也就俯首就擒了”。

他们还会有固定的节日，披上动物的皮毛来模仿动物的动作跳一些神奇的舞步，“他们相信这种方法会莫名其妙地赋予他们力量去制服猎物”。

在当时那么落后的环境下，他们没有任何强劲的工具来与野兽作斗争，为了解决这样一个众人都担忧的问题，他们便创造出了这样一种形式，也就是创造出了第一种艺术。

而他们，也顺理成章地成为了第一批艺术家。

其实，艺术不一定要是绘画、雕刻之类的，在我看来，古代美洲的原始部落为自己设定特殊的节日，并在那天装扮成猎物，那也是他们的艺术。

可贵的不是所创造出来的艺术，而是艺术家们勇于面对困难解决困难的一种态度。

在古埃及时期，人们创造艺术的方式则发展为以人的视觉为主导了。

他们并不在乎角度的种种限制，而是在乎是否能向人们展示最清楚的画面。

这个画面不要求完整或不完整，也不要求漂亮或不漂亮，它早已被赋予了一种新的性质，一种服务性质，也就是尽可能地把一切保留下来，以便于向人们展示。

中国艺术史读后感中国艺术史读后感（精选5篇）中国艺术史读后感1平时利用寒假时间仔细看了《中国艺术史》这本书。

刚开始,接触这本书时,看着厚厚的一本我还担心没有信心看完它,但当我真正翻阅的时候,才发现这本书真的很精彩,不仅可以了解中国的美术,还把我国的历史也研究了。

美术包括:建筑,雕塑,绘画,工艺美术.可是在中国艺术史上还包括了书法和篆刻两大类.光绘画这一个门类就经历了从石器时代---汉代的壁画---汉唐的宫殿壁画(由于时代的久远,很多没有保存下来,留下来的只是墓室壁画和一些画像石,画像砖),还有很多宗教美术保存在石窟中,到了唐末又出现了很多屏风画和卷轴画。

我国是从旧石器时代漫漫演化过来的,光是从旧石器时代到新时代就经历了上万年的历史,在石器时代我国就出现很多“美”的事物,当时的磨制石器和陶器上的花纹更是当时人民艺术的结晶.其中彩陶和黑陶标志着古代美术创造的第一次高峰。

宋是我国陶瓷发展的高峰时期.当时以青瓷和白瓷为主,但也发展了彩绘以及产生窑变的彩釉陶。

著名的五大名窑是:官窑、哥窑、定窑、钧窑和汝窑。

其中汝窑以青瓷为主，釉色有粉青、豆青、卵青、虾青等，汝窑瓷胎体较薄，釉层较厚，有玉石般的质感，釉面有很细的开片。

汝窑瓷采用支钉支烧法，瓷器底部留下细小的支钉痕迹。

器形多仿造古代青铜器式样，以洗、炉、尊、盘等为主。

汝窑传世作品不足百件，因此非常珍贵。

官窑是宋徽宗政和年间在京师汴梁建造的，窑址至今没有发现。

官窑主要烧制青瓷,大观年间，釉色以月色、粉青、大绿三种颜色最为流行.官瓷胎体较厚，天青色釉略带粉红颜色，釉面开大纹片。

这是因胎、釉受热后膨胀系数不同产生的效果。

瓷器足部无釉，烧成后是铁黑色，口部釉薄，微显胎骨，即通常所说的"紫口铁足"。

定窑为宋代"五大名窑"之一，为民窑。

始建于唐，兴盛于北宋，终于元代，烧造时间近七百余年.窑址分布于河北曲阳县磁涧、燕川以及灵山诸村镇，这里唐代属定州，故称为定窑.定窑以烧白瓷为主，瓷质细腻，质薄有光,釉色润泽如玉。

艺术史学要略读书心得一、古代艺术史的发展与演变在《艺术史学要略》作者详细阐述了古代艺术史的发展与演变。

从史前时期的洞窟壁画到古埃及、古希腊、古罗马的艺术品，再到中世纪的宗教艺术和文艺复兴时期的艺术创新，每一时期都有其独特的艺术风格和价值。

史前时期的洞窟壁画是古代艺术史的起点，原始人们通过绘画来记录生活、传递信仰和展示社会地位，这些壁画不仅展示了当时的审美观念，还反映了当时的社会制度和文化背景。

非洲部落的图腾崇拜壁画，展现了人类对自然和祖先的敬畏；古埃及的墓室壁画则体现了法老的显赫地位和对永恒的追求。

古埃及时期的艺术以其宏伟和神秘著称，金字塔、神庙和法老陵墓等建筑充满了象征意义，反映了古埃及人对死后世界的信仰和统治者的权力。

壁画、雕像和木乃伊等艺术品也展示了古埃及人的审美观念和艺术技巧。

古希腊和古罗马时期的艺术则以其对人体美和理性精神的追求而著称。

古希腊雕塑家追求“理想化”作品中的人物形象充满力量和优雅。

古罗马雕塑则更注重现实主义，作品中的人物形象更加真实生动。

建筑艺术在古希腊和古罗马也非常发达，如帕台农神庙等建筑代表了古希腊建筑的典范，而罗马斗兽场等建筑则展示了古罗马建筑的宏伟气势。

中世纪时期的艺术则以宗教为主题，形成了独特的宗教艺术风格。

哥特式教堂的彩色玻璃窗、玫瑰窗和雕塑等都充满了宗教气息。

拜占庭艺术的圣像画和马赛克装饰则展现了中世纪基督教艺术的独特魅力。

这些宗教艺术作品不仅传播了教义，还成为人类文明的宝贵遗产。

文艺复兴时期的艺术创新将古代艺术史推向了新的高峰，达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔等大师的作品不仅技艺精湛，更在构图、色彩和人物情感等方面进行了大胆的创新和突破。

文艺复兴时期的艺术作品强调人性和现实主义，为后世艺术家提供了丰富的创作灵感。

《艺术史学要略》一书为我们揭示了古代艺术史的发展与演变。

从史前时期的洞窟壁画到古代埃及、古希腊、古罗马的艺术品，再到中世纪的宗教艺术和文艺复兴时期的艺术创新，每一时期都有其独特的艺术风格和价值。

贡布里希《艺术发展史》有感在基于《中国美术史》和《外国美术史》的基础上，贡布里希的《艺术发展史》是非常好的启发性著作。

这里是我概括的几点个人感言：- 艺术家会通过不断的尝试，需求一个最合适最平衡的状态使得整个艺术品达到极端的和谐和合适的关系。

- 艺术家会通过不断的尝试，努力去感受和追求和谐，他们对那种和谐感受越深，越能理解艺术品。

- 人们对艺术的感受是永无止境的，总是有新的东西有待发现，欣赏作品时，必须要有一颗赤子之心，敏于捕捉每一个暗示，感受每一个内在的和谐，特别是要摆脱冗长、浮华的辞令和现成套路的干扰。

起源（史前期和原始民族；古代美洲）1、对于这个时期的艺术创作，首先，原始人类对艺术的思考是模糊的，他们的思维和创作初衷是：实用。

这个是首要的标准，对于绘画和雕塑往往也是这种态度，它们不是被当做纯粹的艺术品，而是会给出非常明确的用途。

2、“原始人”不是因为他们比我们单纯（实际上他们的思考过程比我们还复杂），是因为他们比较接近人了当年起源的状态，他们吧那些超自然的力量看成是和大自然一样实有其物，换句话说：绘画和雕塑是用来施行武术的。

3、那时候的艺术家，创造出来的东西按照我们的标准看起来美不美，而是他们能不能发挥作用，也就是说，是为了满足他们施行巫术的需要。

（艺术家来自本部落，加上世代传承，他们清楚的知道每一个形状和每一个颜色代表什么意思，所以只是去完成工作，而不是去改变什么。

）4、那时候的艺术家与我们不一样的并不是他们艺术水平，而是他们的思想观念，整个艺术发展史并不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变史。

5、很多的艺术品在当时的艺术家看来，并不需要正真细致的去刻画出常规的图案，只需要在他们看来足以表示特征和用途就已经足够了，有可能是一个符号，有可能是一个色彩，但是只要足够的用来表示他们概念中的事物。

6、书画同源自有益处。

时代、生活、习惯等非常客观的因素以及原始人对社会生活得理解程度决定那个时代的艺术特点。

《艺术发展史》读后感1000字再次读完贡布里希的《艺术发展史》这本书，似乎又在艺术长河里遨游了一回，惊叹艺术的朴实与崇高，难怪这本书受到广泛的赞誉，几乎可认为是20世纪最重要的一部艺术史著作。

喜欢这本书一个重要的原因是该书既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。

他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。

在导论中，他就骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。

”当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，就会真正明白他的意思。

都知道“艺术”最初的功能是根据巫术或宗教或政治的需要创造一些合适的形象。

但出于各自不同的“情境”，这些形象可能像古埃及那样静肃，也可能像非洲部落艺术那样粗放或者向中国青铜纹样那样狰狞恐怖。

在历史过程中，艺术逐渐积累起自己的传统，具备了独立的审美价值，人类社会中由此悄悄地出现了一种叫“艺术”的东西。

贡布里希所要阐释的是人们不是为了响应某种潜在的“精神”的呼召去改变传统，而是情境的改变使其不得不然。

例如说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。

艺术家靠他们的辛勤劳作，解决了审美领域中那些潜在的问题而汇成了我们今天看到的艺术世界。

在《艺术发展史》中他一方面肯定艺术家超越前人的努力，另一方面竭力阐明艺术的发展变化总是有得有失。

例如希腊化艺术为了追求戏剧性的夸张效果在实际上导致了对埃及以来整齐、庄重的画面秩序的背离。

但是他强调“任何一种风格都有可能达到艺术的完美境界”，“本书的某位读者可能喜欢拉斐尔，讨厌鲁本斯，或者正好相反。

但是，如果本书的读者不能认识到这两位画家都是卓越的大师，那么本书就没有达到他的目的。

”如果从“问题情境”的角度来看20世纪的中国艺术，不难发现那些在历史的沉淀中被保留下来的杰作正是由于“解决问题”的迫切需要而使得艺术家的智慧与创造力有了充分的用武之地。

中国艺术发展史心得体会中国艺术发展史是一段漫长而曲折的历史，其中蕴含着无数的智慧和精神。

通过学习中国艺术发展史，我深深地体会到了中国艺术与文化的深厚底蕴，以及其对于我们今天的影响与启示。

中国艺术发展史可以追溯到几千年前的古代，从古代的甲骨文、青铜器开始，中国人便开始了对艺术的创造和探索。

通过历朝历代的发展，中国艺术逐渐形成了独特的风格和传统。

其中，我最为欣赏的是中国传统绘画艺术。

中国绘画艺术以其独特的意境、独到的技法和极富表现力的笔墨魅力，为后世留下了大量珍贵的艺术作品。

从古代的壁画到近现代的国画，每一件作品都流露出中国人对自然、人文和情感世界的独特理解。

中国艺术发展史中最为著名和具有代表性的时期之一，就是唐宋两代。

这个时期，中国的诗、画和音乐达到了顶峰，使得中国艺术在世界上享有盛名。

在这个时期，许多杰出的艺术家和学者涌现出来，他们通过创作和研究推动了中国艺术的发展。

同时，这个时期也是中国艺术创新的黄金时期，许多新的创作方法和风格出现，丰富了中国艺术的内涵。

然而，中国艺术发展史中也有一些曲折和不幸的时期。

特别是在近代历史中，中国遭受了战争、内乱和压迫，艺术领域也受到了重大影响。

在这个时期，许多艺术家和学者被迫离开中国，他们的创作受到了限制和扭曲，中国艺术陷入了低谷。

然而，即便在这个困境中，中国艺术家仍然坚守着自己的信仰和创作理念，在逆境中保持着对艺术的热爱和执着。

正是这种坚韧不拔的精神，使得中国艺术在改革开放之后得以焕发新的生机与活力。

通过学习中国艺术发展史，我深深地感受到了中国艺术的多元性和包容性。

在中国传统艺术中，我们可以看到各种不同的风格和流派，无论是山水画、花鸟画还是人物画，每一个都有着独特的魅力。

这些不同的风格和流派反映了中国人对于美的追求和表达的多样性。

同时，中国艺术也吸收了来自其他地区和文化的影响，形成了与世界各国文化交流的纽带。

正是这种包容性和多元性，使得中国艺术在全球范围内具有相当的影响力和美誉度。

第1篇自古以来，艺术就是人类文明进步的镜子，是社会发展的催化剂。

在漫长的历史长河中，艺术不断发展，从原始的岩画到现代的数字艺术，每一阶段的艺术都承载着时代的印记，反映了人类的精神追求。

作为一名热爱艺术的人，我在艺术发展的道路上不断探索，感悟颇深。

一、艺术与时代紧密相连艺术的发展离不开时代背景的熏陶。

每个时代都有其独特的文化氛围、审美观念和价值取向，这些因素共同影响着艺术创作的方向和风格。

回顾历史，我们可以看到，在不同的历史时期，艺术都呈现出不同的特点。

1. 古代艺术：以实用性为主，如原始社会的岩画、陶器、雕塑等，反映了人们对自然、生活的崇拜和敬畏。

封建社会的艺术则强调等级制度，如宫廷艺术、宗教艺术等，展现了皇权至上、神权至高无上的思想。

2. 中世纪艺术：受到宗教的影响，艺术以宗教题材为主，如基督教艺术、伊斯兰教艺术等，具有浓厚的神秘色彩。

3. 文艺复兴时期：以人文主义为核心，艺术强调人的价值，如达芬奇、米开朗基罗等大师的作品，展现了人性的光辉。

4. 近现代艺术：随着社会变革，艺术表现形式更加多样化，如印象派、现代派、后现代派等，艺术家们追求个性解放，探索艺术的无限可能。

二、艺术与科技进步息息相关科技的进步为艺术的发展提供了强大的动力。

从摄影术的诞生到数字艺术的兴起，每一次科技革命都给艺术带来了新的表现形式和创作手段。

1. 摄影术：19世纪中叶，摄影术的发明使得艺术家们可以更真实地记录现实，同时也催生了摄影艺术这一新的艺术形式。

2. 数字艺术：20世纪末，随着计算机技术的飞速发展，数字艺术应运而生。

艺术家们可以利用计算机软件进行创作，打破了传统艺术的界限，使艺术创作更加自由、多元。

3. 人工智能：近年来，人工智能技术逐渐应用于艺术创作，如AI绘画、AI音乐等，为艺术发展注入了新的活力。

三、艺术与人性紧密相连艺术是人类情感、思想和智慧的结晶，与人性紧密相连。

艺术作品传递着艺术家对生活的感悟、对社会的关注、对未来的憧憬，引发观众的情感共鸣。

从艺术发展史观探析“艺术终结”作者：李吉宁来源：《艺术科技》2020年第16期摘要：随着时代的发展，艺术也在撰写属于它的历史发展过程。

在当代艺术发展进程中，“艺术终结”这一论题备受瞩目。

本文从艺术发展史观的角度，选择几位具有代表性的艺术史学家，如瓦萨里、温克尔曼等人，运用瓦萨里等人的思想理论与黑格尔、丹托的哲学理论基础，试探析艺术是否会终结这一问题。

关键词：艺术发展史观;艺术终结;瓦萨里;温克尔曼;黑格尔;丹托中图分类号：J110.9 文献标识码：A 文章编号：1004-9436（2020）16-00-04随着时代的变迁与发展，艺术亦是如此，艺术不断发展的进程组成了漫长的艺术发展史。

从瓦萨里的“循环论与发展论相结合”理论到温克尔曼的“艺术需要更多地考虑外在条件”思想，再到黑格尔上升为精神哲学的“绝对精神”理论，这样的艺术发展史观在欧洲乃至全世界都具有举足轻重的地位与影响。

“艺术终结”绝对不是一个全新的论题，早在19世纪，黑格尔就提出了这一创世纪的问题，而后丹托提出了艺术终结哲学的“反终结”理论，对此学者们众说纷纭。

这对于当代美学和艺术哲学都是一次全新的设想、全新的考验。

艺术是否会终结这一问题是艺术史家们永恒不变的讨论话题。

本文旨在通过阐述艺术发展史观的理论，从而探析艺术是否会终结这一论题。

1 艺术发展史观概述1.1 瓦萨里与艺术发展史观瓦萨里是艺术史家的第一人，“艺术模仿自然”是他的理论之一。

他在《意大利艺苑名人传》的序言中写道：“我们的艺术完全是模仿，首先是模仿自然，其次由于其自身达不到那样的高度，所以有时模仿那些被视为最为杰出者的大师的作品。

”[1]他强调：“视觉艺术与自然及其模仿物都要符合理想美。

”[2]模仿是一种获取美的方式，运用模仿的方式从而构成美的典型。

“它的特点在于从不同模特身上吸取最美的部分进行结合”，[3]从而组合成最完美的艺术形象展现给世人。

从本质上来说，瓦萨里所认知的美是理想化的。

《艺术的故事》是英国艺术史家E.H. Gombrich所著的一部关于艺术史的著作，自1950年首次出版以来，已经成为全球最畅销的艺术史书籍之一。

在这本书中，Gombrich以生动、通俗的语言，为我们讲述了从史前时代到20世纪的艺术发展历程，带领我们领略了人类创造美的过程。

读完这本书，我深感艺术的魅力，也让我对艺术有了更加深刻的理解。

首先，这本书让我明白了艺术的起源和发展是一个漫长而复杂的过程。

从史前时代的洞穴壁画、古埃及的金字塔、古希腊的雕塑，到文艺复兴时期的绘画、巴洛克时期的建筑、浪漫主义的音乐，再到现代艺术的各种流派，艺术的发展始终与人类社会的进步紧密相连。

在这个过程中，艺术家们不断地探索、创新，用自己的才华和智慧为人类创造出无数令人叹为观止的艺术品。

这些艺术品不仅仅是美的载体，更是人类精神的结晶，反映了人类对美好生活的追求和对世界的探索。

其次，这本书让我认识到艺术是一种跨越时空、文化和国界的语言。

在艺术的发展过程中，我们可以看到各个时期、各个国家的艺术风格相互影响、相互融合。

例如，古希腊的雕塑艺术对后世的影响深远，文艺复兴时期的艺术家们又重新发掘和学习古希腊的艺术传统，创造出了许多经典的艺术作品。

同样，东方的艺术也对西方产生了深远的影响，如中国的书法、日本的浮世绘等都曾让西方艺术家为之倾倒。

这种跨文化的艺术交流使得艺术不断地发展和丰富，也为人类文明的进步做出了贡献。

再次，这本书让我明白了艺术的价值不仅在于审美，更在于启迪人心。

艺术作品往往具有很高的审美价值，能够给人们带来视觉、听觉、心灵的愉悦。

然而，艺术作品的真正价值远不止于此。

它们还具有启迪人心的力量，能够引发人们的思考，激发人们的创造力。

例如，文艺复兴时期的画家达芬奇的 《最后的晚餐》不仅仅是一幅美丽的画作，它还传达了基督教的精神内涵，引发了人们对人性、信仰等问题的思考。

同样，贝多芬的音乐作品也不仅仅是悦耳的旋律，它们还表达了作曲家对自由、平等、爱等理念的追求，激励着人们为美好的未来而努力。

贡布里希《艺术发展史》读后感：观念和要求的变化史(共1页)--本页仅作为文档封面，使用时请直接删除即可----内页可以根据需求调整合适字体及大小--观念和要求的变化史——读《艺术发展史》读贡布里希的《艺术发展史》，是一次漫长而美好的旅程。

读完后，我有两个这重大收获：第一，厘清了人类文明诞生以来艺术在不同时期，不同地方的风格特色；对艺术史上的名作有了深入的理解——从知道一件作品“著名”到知道它为什么著名；第二，对推动艺术发展的因素有了初步的认识。

艺术的重大进展往往被称之为“革命”。

正如其他领域的革命一样，艺术的革命也受着很多因素的影响，它的发展从来就不是孤立的。

“艺术”仿如时代巨轮中的一环，总是与社会其他环节息息相关，我们绝不能脱离经济政治宗教等等因素单单去谈艺术。

艺术发展史，从某种意义上说是艺术家地位的变迁史。

在人类文明发展的早期，艺术都是带有明确目的的。

正如埃及金字塔，希腊的雕塑，乃至后来西欧各国为基督教建造的教堂以及上面的壁画，统统都带着具体的功能与目的。

那时这些艺术的创造者，从某种维度上说并不是艺术家，只是心灵手巧的工匠而已。

这时候他们的地位是低卑的，作为社会的底层存在着，他们的创作首先是为政治宗教服务，然后才是框架下的个人才华的发挥。

当然，我们并不否认他们作品的重要性。

透过过去的绘画与雕塑，我们总可以看到他们的伟大心灵，他们在作品中的汹涌的情感表达。

正如我看到克劳斯的《先知但以理和以赛亚》时，便仿佛触及到艺术那悲悯的灵魂。

那组先知像曾是一个大十字架的底座。

先知个个手中都拿着一本大书或一卷纸，上面刻着那些话语，而且好像都在默念那些即将到来的悲剧，它以惊人的真实感震撼着我的心灵。

但是随着社会的不断发展，这些艺术的创作者们开始意识到自己从事的这项工作的意义，慢慢地，一些先驱开始追寻真正的艺术。

恰恰是这种态度，这种对传统的挑战和创新，给艺术家带来了前所未有的光环——书中对十六世纪的著名意大利画家丢勒的经历有这么一段描述：一开始他不得不像工匠那样，去跟纽伦堡和法兰克福的富人讨价还价，争长议短。