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美国现代平面设计美国现代平面设计是20世纪中期以来，在美国兴起并独立发展的一种设计体系。
它在美国设计界产生了深远的影响，并被广泛应用于广告设计、标志设计、包装设计等领域。
美国现代平面设计强调视觉冲击力、简洁明确的表达和创意的整合，具有独特的风格和特点。
美国现代平面设计的起源可以追溯到20世纪初的德国包豪斯学派。
包豪斯学派的创立者瓦尔特·格罗皮乌斯强调合理的设计、准确的比例和简约的形式。
他的设计理念对美国的平面设计界产生了深远的影响。
随着包豪斯学派的解散和纳粹政权的崛起，很多包豪斯学派的成员移民到美国，将包豪斯的设计理念传播到了美国。
在二战结束后的几十年里，美国经济迅速发展，大量的商品需要推销。
广告设计变得越来越重要，人们开始注重如何通过图像和文字来吸引消费者的注意力。
这时期的平面设计图案多样，流派混杂，但是都体现了美国人对创新和实用性的追求。
到了20世纪60年代，美国现代平面设计进入了一个全新的阶段。
一些平面设计师开始从艺术家手中夺取了设计的主导权，开始了一系列对传统设计和视觉风格的反叛。
他们放弃了过于装饰的样式，强调简约和直接的表达。
这些设计师的作品大多数是黑白的，图像和文字简洁明确，色彩对比鲜明，用以吸引观众的注意力。
美国现代平面设计的一个重要特点是对大众文化的充分利用。
平面设计师利用流行文化的符号和元素来设计广告和宣传品，使其更能符合当时的潮流和消费者的口味。
这种利用流行文化的设计手法也对后来的平面设计产生了重要影响，为当代广告设计提供了丰富的资源和灵感。
另外，美国现代平面设计强调创造力和表达个性。
平面设计师追求独特的风格和独特的创意，注重在设计中表达自己的个性和思想。
这种强调创造力的设计理念对美国的平面设计尤为重要，也为年轻的设计师提供了更多的展示和创作的机会。
最后，美国现代平面设计也注重以人为本。
设计师们在设计过程中考虑到用户的需求和感受，将用户体验放在首位。
他们通过研究消费者的行为和心理，来设计更吸引人的广告和宣传品。
“里特罗”设计（Retro）和乡土风格(2009-01-05 15:52:17)标签：后现代主义构成主义里特罗美国杂谈分类：设计平面设计的后现代主义运动系列之三20世纪80年代期间，平面设计有非常令人耳目一新的大发展，不但设计水平因为设计意识的进步和设计技术的发展，特别是电脑广泛运用于设计而得到崭新的进步，同时，平面设计的观念推广也日新月异，出现了各种有关设计的书籍、设计杂志、设计展览等等。
在旧金山出现了代表丰裕时代的后现代主义平面设计风格，而在纽约，却出现了与后现代主义密切相关的，但是更加注重历史因素的新平面风格，特点是强调历史风格的复古，这种风格被一些设计师称为“里特罗风格”，或者“里特罗”设计（Retro）。
这种风格的基本特征是对欧洲20世纪上半叶的平面设计风格的复兴，对这个时期具有装饰特点的风格的喜爱，对现代主义和国际主义的刻板、沉闷、理性的反对，特别是20世纪20年代和30年代流行的某些平面风格，这种风格的核心内容是“向后看”、“与众不同”（retroacitive and retrograde,或者：“backward-looking” and “contrary to the usual”）。
由于“向后看”（retroactive）和“与众不同”（retrograde）这两个术语都具有同样的词头“retro”，因此这个设计流派就按照音而称为“里特罗派”。
所谓的“里特罗”设计，其实是以古典复古为核心装饰方式的纽约后现代主义平面设计运动，与旧金山“湾区”派自由放任、恣意纵横的方式不同，纽约平面设计的后现代主义更加注重设计上的古典成分、历史装饰风格的合适运用。
当然，从目的上来说，它也是用来向刻板的现代主义、国际主义风格挑战的典型后现代主义运动之一，不过在表现上具有不同的强调重点。
“里特罗”设计采用广泛的复旧装饰方法，特别注意吸收20世纪初期出现在火柴盒设计、棒球卡设计、杂志海报的商业广告和商业插图等等方面的装饰因素，来丰富本身设计的形式。
图钉工作室是20世纪最具影响的设计组合之一。
可以毫不夸张地说：披头士改变了音乐的性质，图钉工作室改变了插图与设计的性质。
在纽约设计的黄金时代—1960左右，创新的暴风狂吹世界，这是一个现代性的概念与所确立的文化相互质疑的时代。
此时的图钉工作室开创了插图与设计结合的新时代，带来了自由、活泼、拼贴、融合个人观念的“图钉风格”，以前卫先锋的姿态出现在50年代后期至60年的“现代”氛围中。
半个世纪之后，在华·美术馆展出的“纽约图钉工作室回顾展”提供了见证超越时代的伟大设计的机会。
这次展览的关键词是"paradigm"——一种理论的框架所界定的某一时期的世界观。
展览所精心选择的约200件海报、杂志、书籍、唱片封套及一批珍贵的原作，着眼于4位图钉工作室的主要成员——西蒙·切瓦斯特（Seymour Chwast，1931年出生）、米尔顿·格拉塞（Milton Glaser，1929年出生）、保罗·戴维斯（Paul Davis，1938年出生）、詹姆斯·麦克穆兰（James McMullan，1934年出生），他们是如何受工作室及彼此间的相互影响，以及在离开工作室后每个成员各自的人生路径。
图钉工作室创建于1954年，最初是由西蒙·切瓦斯特、米尔顿·格拉塞及爱德?索勒（Ed Sorel）三位来自库珀联合（Cooper Union）艺术学校的学生合作创立的一个松散的组合，通过联合出版系列小册子《图钉年鉴》（1957年更名《图钉平面设计》）展示推广他们的设计和插图作品，后来这份试验性刊物逐渐发展成为美国平面设计新思想和新观念的论坛阵地和实验场所之一。
与此同时他们的创作设计理念迅速传播开来，工作室发起了一场与严谨、理性的瑞士国际主义风格鲜明对应的观念形象设计风潮，成为新一代平面设计的中心，图钉设计工作室现象之火迅速燎原于世界。
图钉工作室以其拼贴混合式的独特创作方法而著名，他们的创作灵感来源包括意大利文艺复兴时期的艺术作品、新艺术主义和装饰艺术运动、美国早期绘画、十九世纪木刻和木雕作品、俄罗斯构成主义、漫画以及十九世纪和二十世纪早期各种已经被人遗忘的印刷版式风格。
“孟非斯”风格和旧金山派“平面设计的后现代主义运动”系列之二20世纪70年代产生的另外一个重要的后现代主义设计集团是位于意大利的米兰市的“孟非斯”设计集团（Memphis），这个集团和在美国加利福尼亚州的旧金山的后现代主义平面设计集团结合在一起，成为当时非常重要的设计核心力量，促进了后现代主义平面设计的发展。
“孟菲斯”20世纪80年代是设计上后现代主义的重要发展时期，意大利的“孟非斯”集体是引起世界注意的最重要的后现代主义设计集团，这个集团的精神领导是建筑设计和工业产品设计家艾托·索扎斯（Ettore Sottsass,1917-）。
这个集团之所以称为“孟非斯”，是表现了它对于通俗文化、大众文化、古代文化的装饰的认同立场。
“孟非斯”主要从事产品设计，同时也设计平面作品，他们本末倒置地处理设计中的关系，功能往往从属于形式，对于他们这些意大利设计家来说，设计中的中心是形式主义的表现，而不是功能性的好坏。
他们在设计中大量采用了各种复杂、色彩鲜艳的表面图案、纹样、肌理，设计形式上充满了不实际的幻想、浪漫的细节，往往流于艳俗，而这种艳俗的效果，正是他们追求的目的，因为经历了长期单调、乏味的国际主义风格垄断之后，他们希望能够通过这种矫枉过正的方法来达到完全推翻国际主义风格的目的。
关于“孟非斯”设计集团的建筑和产品设计，我已经在《世界现代设计史·1864-1996》一书有讨论，在这里就不再重复这部分内容了。
艾托·索扎斯（Ettore Sottsass）Ettore Sottsass打字机Ettore Sottsass椅子“孟非斯”设计集团中从事平面设计的主要人物是克里斯多夫·拉德尔（Christoph Radl），他在设计上与其他的“孟非斯”设计集团成员具有相类似的立场，风格上与这个集团的家具设计、建筑设计也很一致，具有强烈的艳俗、色彩绚丽的特点，也经常是违反功能目的的。
浅谈二战后美国招贴设计的发展历程作者：闫承恂来源：《艺术与设计·理论》2013年第10期美国的招贴设计在世界上享有盛誉，其主要特点是直接、生动、幽默，能够被不同文化背景的人所读懂和接受，因而受到各国招贴爱好者的喜爱。
其实在二战前美国的招贴设计还比较落后，随着战争期间欧洲设计师移民潮的到来，以及战后经济的强劲增长，美国招贴设计取得了长足的进步，经过数十年的发展，逐渐形成了被世界公认的“美国招贴学派”。
一、纽约平面设计派美国招贴设计受到欧洲，特别是瑞士国际主义风格的极大影响。
第二次世界大战期间，欧洲的大部分设计师为躲避战火，纷纷来到远离战场的美国，继续从事设计工作。
他们把已风靡欧洲的瑞士国际主义风格介绍到美国，刺激了美国招贴设计的发展。
二战后美国经济高速增长，很多大型企业开始全球性扩张，需要一种能够促进国际交流的平面设计风格，来帮助他们在海外市场树立企业形象，促进销售。
瑞士国际主义风格恰好符合了这种需求，被美国设计师广泛采用，成为垄断美国设计二十多年的主流风格。
由于美国人性格开朗、幽默，所以美国的国际主义风格也较欧洲有所变化，以纽约的“平面设计派”为代表。
当时纽约聚集了美国最大数量的设计师，欧洲移民到美国的大部分设计家也都集中在纽约，因此纽约成为美国现代设计最重要的发源地，发展出独特的风格，世称“纽约平面设计派”。
保罗·兰德是纽约平面设计派的开创者，他对欧洲的现代主义设计有自己的看法，认为设计虽然应该遵循功能主义的高度次序性，但同时也应该是有趣的、生动的、引人注目的、使人喜欢的，因此他的招贴设计既有理性特点，又有生动的象征性图形的新风格。
1941年到1954年期间，兰德和广告撰稿人比尔·伯恩巴赫合作，设计出很多成功的广告，包括奥赫巴赫百货的促销广告系列。
在这些设计中，兰德把照片图形、文字标题和企业标志完美地统一在一起，达到当时美国同类设计的最高水平，也展示了一种新的设计途径：欧洲严谨、理性的设计同美国以插图为主的设计完全可以进行结合，而且结合的效果相当理想。
美国平面设计的先驱“图钉派”（the Push Pin ）(2012-03-14 09:21:02)米尔顿•格拉塞（Milton Glaser, 1929-）20世纪50年代，美国的插图黄金时代因为摄影等新媒介的发展和使用而逐渐走向衰退，接近尾声。
在过去的半个世纪中，叙述性的插图基本成为美国平面设计的主要组成部分，但是，摄影的发展和普及、纸张的改进和印刷技术的改进，都使写实的插图走向衰落。
传统的插图采用明快的色彩，夸张的、完美的形象来树立与实际生活相距甚远的梦幻世界，而摄影则具有真实、准确、迅速的特点，因此得到广泛的读者的欢迎，摄影的普及，终于结束了美国插图的历史，美国的插图从此一蹶不振，逐步成为平面设计中的一个不重要的部分了。
但是，摄影的发展，却依然采用了许多原来插图的方式方法，采用了许多插图的构思和布局，因此，虽然说插图的黄金时代结束了，但是，也可以说插图摄影改变了媒介，利用摄影的手法重新发展，从这个角度来看，美国的插图发展可以说进入了新时期和新的发展阶段。
与此同时，瑞士发展起来的国际主义平面设计风格在西方普及流行，影响了许多平面设计家，也形成了平面设计上比较刻板的面貌，因此，促使一些平面设计家企图改变刻板面貌的新发展趋向。
大约在20世纪50年代到20世纪60年代期间，在设计观念上一向比较自由的美国设计界中，出现了新一代的设计家，开始比较注重个人的观念形象表现、比较注重把平面设计与艺术形式结合起来、比较重视平面设计的感性效果，这批美国青年一代的平面设计家开始运用摄影和插图混合的手法来设计新的平面作品，表现自己的观念，他们成为美国平面设计中观念形象设计派别的奠基人。
这批设计家主要都集中在纽约市，他们大部分都是纽约的艺术学院和设计学院的青年学生，其中比较典型的代表人物有西摩•切瓦斯特（Seymour Chwast, 1931-）、米尔顿•格拉塞（Milton Glaser, 1929-）、雷诺兹•鲁芬斯（Reynolds Ruffins, 1930-）、爱德华•索勒（Edward Sorel, 1929-），他们都是纽约的一家艺术学院库柏联盟（Cooper Union）的学生，他们都在1951年毕业，在学习期间，他们志同道合，大家租用同一间工作室，因此能够广泛地、充分地交流设计思想。
其中，格拉塞于1951年毕业的时候得到美国的富布赖特奖学金（Fulbright Scholarship），得以到意大利跟随意大利著名的平面设计家乔治•莫拉迪（Giorgio Morandi）学习，其他人则都在纽约的广告设计和平面设计事务所工作，同时也兼做医学自由撰稿的设计。
他们合伙出版了一份称为《图钉年鉴》的刊物（The Push PinAlmanac），这份刊物是双月刊，通过这份刊物表现了自己的设计思想和探索。
1954年，格拉塞从欧洲回国，参加他的这批同学的活动，正式成立了“图钉设计事务所”（the PushPin Studio），这个设计事务所成为新一代平面设计的中心。
这个设计事务所存在的时间并不太长，鲁芬斯最早离开事务所，成为自由撰稿设计家，1958年，索勒也自己开业，其他的几个则依然在事务所中工作，虽然有人离开，但是他们之间在设计上的联系依然存在，因此，这个设计核心一直存在，并且形成独特的风格。
他们原来创办的刊物《图钉年鉴》也改为《图钉平面设计》(the Push Pin Graphic），这份具有试验性的刊物为美国平面设计的新思想和新观念提供了论坛和试验场所。
“图钉”设计集团在设计观念上、在设计技法上都对当时的平面设计带来了相当的影响。
平面设计一向是以互相区别开来的平面元素——图形、插图、文字、字体、标志等等进行版面编排的。
自从19世纪末20世纪初以来，一些新一代的平面设计家对这种把分开来的因素拼合的设计方式进行改革，把所有的平面因素浑然一体，比如“新艺术”运动时期的穆卡、布莱德利等等都进行了类似的探索，而“图钉”集团的格拉塞、什瓦斯特等等，也继续了这个传统，他们都是这个改革的重要设计人物。
“图钉”设计集团关心的正是如何进一步把这种综合设计的方法发展到更高的水平，使每一页纸张上的印刷都能够成为统一的、综合的、无法分割的内容。
他们采用了历史上各种平面设计的资料，包括自从文艺复兴以来的绘画，甚至流行的连环图作为自己设计的参考，他们的设计具有自由、活泼的特点，同时能够把自己的观念通过自由的方式组合成一体，这种折衷的设计方式，的确在当时令人耳目为之一新。
“图钉”设计集团的个人都有非常鲜明独特的色彩，比如米尔顿•格拉塞就是一个例子。
他的风格非常难归类，只能说是他个人的风格而已。
他大胆采用新的观念和新的技法从事设计，在20世纪60年代期间，他采用非常细的黑色线条为图形的轮廓线，以彩色胶片作为加色的手段。
这种手法，与美国流行的连环图书的插图手法非常相似，具有单线平涂的特点，因为采用了这种手法，又使他的设计与当时流行的波普艺术（Pop Art）具有异曲同工的相似处，更加符合潮流，受到广泛的欢迎。
正因如此，格拉塞的风格被广泛地模仿，他的个人风格变成流行风格。
他本人不断探索，没有停留在原来的风格上故步自封，使他能够不被模仿的潮流淹没。
米尔顿•格拉塞（Milton Glaser, 1929-）作品，“I Love NY”什瓦斯特关心的中心是如何能够把个人独特的风格和具有普遍传达功能的设计结合在一起。
他也喜欢使用线描的方法，也喜欢采用彩色胶片上色，他与格拉塞在色彩上不同的地方是：格拉塞喜欢使用具有色彩层次的胶片上色，而他则采用完全平涂的色彩，因此，他的作品更加通俗易懂，与此同时，他还趋向采用各种不同的媒介来混合使用，达到特殊的效果。
他在设计上广泛从儿童读物的插图、原始艺术、民间艺术、表现主义的木刻、连环画等等吸取参考养分，甚至对于维多利亚时期的平面设计也非常喜欢，在自己的设计中局部采用维多利亚风格。
这样的设计，充满了生机，平面设计的各种因素，在他的手下都成为统一的、具有艺术韵味的内容，他的设计得到广泛的称赞和喜爱。
什瓦斯特设计的画册《三分钱的歌剧》（The Three Penny Opera）是他能够把德国表现主义的木刻、超现实主义的空间布局、强烈的色彩、原始艺术的动机与平面设计的其他因素混合在一起，得到高度统一的典型作品。
他的设计，代表了“图钉”设计集团的努力探索方向，并且也证明这种探索是成功的，这与当时流行的瑞士国际主义平面设计风格的单调、刻板、理性风格形成鲜明的对照。
虽然他在20世纪70年代中期与格拉塞结束了合作关系，但是他依然参与出版《图钉平面设计》刊物，使这个设计集团的风格得到发挥和传播。
什瓦斯特与格拉塞都设计出一系列风格特别的字体来。
他们设计字体往往不是出于计划，而是因为某些平面设计项目的需要，而设计这些平面设计项目中的某些字，因为已经设计出一些字体，所以在设计项目完成之后，他们就把整个字母表的全部字母设计出来。
比如为阿同墨水公司（Artone ink）设计标志而产生了什瓦斯特设计的以墨水滴为动机的新字体，还有格拉塞为法国“水牛口香糖”(Buffalo Gum)设计的字体，后来被称为“水牛体”(the Buffalo typeface)，虽然这种口香糖最终没有生产。
“图钉”设计集团形成的这种自由的、综合的、统一的和艺术的风格被称为“图钉风格”(Push Pin Style)，这种风格在世界各地得到广泛的流传和模仿，影响非常大，是美国战后平面设计对世界平面设计界重要的影响之一。
除了上面这2个杰出的设计家之外，另外还有相当一批青年设计家受他们的影响，他们在“图钉”风格的影响下成长起来，而且突破了“图钉”的局限，进一步发展了“图钉”风格。
“图钉”风格对于平面设计形象的综合使用、把个人的艺术观念和平面设计结合的设计手段，特别是把图形和字体结合起来运用的方法，对于整整一代的美国平面设计家来说，都带来了很大的影响。
受“图钉”风格影响而成长起来的第二代，也就是在20世纪60年代和20世纪70年代初期的这一代美国平面设计家中，比较杰出的有巴利•扎德（Barry Zaid. 1939-）。
扎德是加拿大人，原来是学建筑和英语的，因为个人喜好，因此自学平面设计和插图，曾经在加拿大的多伦多和英国的伦敦从事设计工作，后来到纽约加入“图钉设计事务所”，成为“图钉”设计集团的一个成员。
他对于历史的风格非常重视，对于过往的每一个时期的风格都注意研究和学习，并且力图在自己的设计中采用某些历史的因素。
他在设计中采用部分维多利亚时期的平面因素，特别的是他广泛地采用20世纪20年代的“装饰艺术”运动平面风格作为设计的借鉴和参考，设计出与众不同的新作品来。
他的这种对于历史的重视，使他的设计具有一种非常独特的个人风格，而正因为这种风格，使他成为“图钉”派中杰出的第二代设计家。
他的代表作品包括1970年为英国艺术史专家贝维斯•希勒（Bevis Hillier）设计的《装饰艺术运动》（Art Deco）一书的封面设计，突出表现了他对于“装饰艺术”运动的喜爱和成熟地把历史风格和现代视觉传达目的结合在一起的设计能力。
他的设计不仅仅是历史的回顾，也不是对历史风格的抄袭，而是把历史的设计特点与他个人发展起来的对于平面的布局、空间使用、编排和组织结合起来的结果。
另外一个杰出的第二代“图钉”集团的代表是詹姆斯•麦克穆兰（James McMullan, 1934-），他是一个插图画家，同时也是平面设计家，他擅长水彩。
作为一种曾经在西方，特别是在美国风行一时的艺术技法，水彩在20世纪60年代已经衰退了，麦克穆兰的努力是把插图与平面设计混合在一起，他重点采用钢笔线描和水彩技法结合作插图，使这种已经几乎被忘却的技法与平面设计的其他因素结合一体，达到很好的效果。
他的有力的线条和生动的水彩技法，结合在平面设计的其他因素之中，浑然一体，受到广泛的好评，到20世纪70年代，他的水彩技法达到炉火纯青的水平，他采用照相写实主义的方法，使他的插图部分达到逼真的效果。
为了使插图与平面设计的其他部分能够吻合，他又设计了各种流畅的字体，并且使字体成为自己设计的重要部分，比如他在1977年为美国剧作家尤金•奥尼尔（Eugene O’eill）的剧作《安娜•克里斯蒂》（Anna Christie）设计的海报就具有这种特点。
水彩插图和流畅的、专门为这个海报设计的字体结合在一起，坐在室内的剧中人物与海景迭合，产生了时空感，也交待了剧情内容的特点，这个设计具有很高的艺术韵味，是他的代表作品。
米尔顿•格拉塞（Milton Glaser, 1929-）作品，布鲁克林啤酒厂标志。
第三个新一代“图钉”集团的代表人物是保罗•戴维斯（Paul Davis, 1938-），他在参加“图钉”的初期，是运用木刻手法设计平面作品的，他的艺术手法具有相当强烈的原始艺术特点，因此从开始的时候就引起广泛的注意。
