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古典芭蕾与现代芭蕾舞的区别芭蕾舞作为一种经典的舞蹈形式，可以追溯到几个世纪前的欧洲。
它经历了漫长的发展与变革，逐渐形成了两个主要的流派：古典芭蕾和现代芭蕾舞。
虽然这两个流派都源自于共同的起源，但它们在舞蹈风格、技巧和表现形式等方面存在着明显的差异。
本文将探讨古典芭蕾与现代芭蕾舞的区别。
一、舞蹈风格的区别古典芭蕾舞在形式上强调优雅和对称，注重舞者的姿态和线条。
它起源于欧洲宫廷舞蹈，经过漫长的发展，形成了一系列经典的舞剧作品，如《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》等。
古典芭蕾舞的舞步优美、流畅，追求技巧的完美呈现。
现代芭蕾舞则更加注重创新和自由表达。
它源于20世纪初的欧洲与美国舞蹈革命，突破了传统舞蹈的束缚，追求更加灵活的舞蹈语言和形式。
现代芭蕾舞融合了多种舞蹈形式和风格，包括即兴舞蹈和现代舞等，强调舞者的个性与情感表达。
二、技巧要求的区别古典芭蕾舞的技巧要求更加严格、精确。
它注重舞者的线条和形体训练，要求舞者具备出色的柔韧性和力量。
古典芭蕾舞中常见的动作包括飞跃、转体和伸展等，需要舞者具备精确的控制和协调能力。
此外，古典芭蕾舞还强调对称的舞蹈姿势和镜像对称的编排。
现代芭蕾舞在技巧要求上更加灵活多变。
它不仅强调身体的柔韧性和力量，还注重舞者的身体控制和创造性表达。
现代芭蕾舞中的动作往往更富有个性化和表现力，舞者可以更加自由地运用身体和空间。
此外，现代芭蕾舞还注重对音乐的演绎和对舞台视觉效果的探索。
三、表现形式的区别古典芭蕾舞通常以故事情节为基础，通过舞者的肢体语言来诠释角色和情感。
它注重剧情的叙述和戏剧性的表演，使观众可以通过舞者的舞蹈来理解和感受故事的情节和情感。
古典芭蕾舞中的编舞、音乐和舞台设计都旨在支持故事的表达。
现代芭蕾舞更加强调抽象表现和情感的内化。
它通常没有明确的故事情节，而是通过舞蹈本身来表达情感和意象。
现代芭蕾舞的编舞常常突破传统的形式和限制，追求创新的舞蹈语言和独特的表现方式。
它可能涉及一些现实生活的主题和情感，也可能纯粹追求舞蹈的美学表达。
简述芭蕾舞的审美特点
芭蕾舞是一种优美、高雅的舞蹈形式，具有以下审美特点：
1. 线条美感：芭蕾舞强调舞者身体的线条美感，通过伸展、挺拔的身体姿态和精确的动作控制，展现出一种优雅、高贵的气质。
2. 轻盈飘逸：芭蕾舞的动作要求舞者轻盈地跳跃、旋转和抬腿，给人一种轻盈飘逸的感觉，如同在空中翩翩起舞。
3. 高超技巧：芭蕾舞需要舞者具备高超的技巧和力量控制能力。
舞者通过精确的动作和身体的控制，展示出高度的技巧和专业水准。
4. 音乐与舞蹈的完美结合：芭蕾舞与音乐紧密配合，通过音乐的节奏和情感表达来增强舞蹈的表现力。
音乐和舞蹈相互呼应，共同营造出一种美妙的艺术氛围。
5. 情感表达：芭蕾舞不仅仅是技巧的展示，更是一种情感的表达。
舞者通过面部表情和身体语言，传达出各种情感，如喜悦、悲伤、爱和愤怒等。
6. 艺术的综合性：芭蕾舞是一种综合性的艺术形式，它融合了舞蹈、音乐、服装、灯光等多种元素，共同创造出一种独特的艺术体验。
7. 传统与创新的结合：芭蕾舞既有传统的经典作品，又不断进行创新和发展。
现代芭蕾舞作品常常融合了各种风格和元素，展现出多样化的审美特点。
总之，芭蕾舞以其优美的线条、轻盈的动作、高超的技巧、音乐与舞蹈的完美结合以及情感的表达等审美特点，成为了一种极具魅力和观赏性的艺术形式。
关于芭蕾舞赏析对于一位初学者而言，形体芭蕾的入门课程一般着重于提高学员的基本素质并调整他们的形体姿态。
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一、芭蕾艺术赏析芭蕾(Ballet)，15世纪的意大利初次出现该词。
广义上讲，它泛指各种舞蹈和舞蹈剧目。
凡是以人体动作和姿态，表现戏剧故事内容，或是某种情绪心态的舞蹈演出，都可以称之为芭蕾。
狭义上讲，它是古典芭蕾的略称，专指15世纪出现的，经三百年发展而成的，有严格的审美标准和技术规范的古典舞种。
芭蕾产生于15世纪文艺复兴时期的意大利。
最早出现在一种城邦君主炫耀财富，权利的歌舞演出中。
比如说1489年出现大与舞会礼仪舞蹈近似的，是表现希腊神话故事的“席间芭蕾”，这是一种兼有朗诵，舞蹈，音乐，杂耍的综合表演形式。
这种形式传入法国宫廷后，颇为流行。
到1581年，则出现了奢华的长达5个小时的《皇后喜剧芭蕾》，这是第一部较为完整的芭蕾舞剧。
芭蕾在吸收了古希腊舞蹈，古罗马的拟剧表演和意大利的职业喜剧，中世纪杂耍者的艺术，法国和意大利宫廷舞会的舞蹈以及欧洲各国的民族民间舞的营养后，接受了古典注意审美理想的规范。
18世纪以前，法国芭蕾多以歌剧中的插舞形式出现，或是单纯的技巧炫耀，没有独立的艺术地位。
当启蒙主义运动兴起时，“自由，平等，博爱”的口号，艺术摹仿自然的思想引导芭蕾编导们，开始注重描述和表达“生而平等”的人的情感。
在法国，宫廷芭蕾出现了内部的革命一些著名的表演家逐渐地抛弃了假面，假发，突出了细腻的表情，要求动作符合人物的形象，性格，也称形象芭蕾。
这些都为情节芭蕾的产生和发展提供了必要的条件。
随着西欧芭蕾再次顺应上层人士的消遣品味，变得空洞乏味，而走向衰落时，芭蕾却在俄国迎来了它自身最辉煌的时期。
《睡美人》，《天鹅》的问世，无论舞台规模上，还是动作技巧，舞剧结构的完善上，都显示了古典芭蕾最为经典的形象和它的终结形态。
与此同时，19世纪末的芭蕾艺术也因动作语言的高度程式化，陷入了僵化和陈腐，从而走向了全面的衰落。
浅谈古典芭蕾《天鹅湖》的艺术魅力一、古典芭蕾的风格及审美特征本文是浅谈古典芭蕾《天鹅湖》的艺术魅力，在这之前，我们需要先了解什么是古典芭蕾，什么是古典芭蕾的风格及审美特征。
芭蕾是一门富有魅力、令人心旷神怡的艺术，芭蕾的高雅和美妙使得芭蕾被人们奉为“舞蹈艺术皇冠之珠”。
芭蕾优雅的舞姿，轻巧的跳跃和连续不断的脚尖旋转，常把人们带入梦幻般的艺术境界。
芭蕾，欧洲古典舞蹈，由法语ballet音译而来。
芭蕾舞孕育于意大利文艺复兴时期，十七世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化，在不断革新中风靡世界。
芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞。
其代表作品有《天鹅湖》、《仙女》、《胡桃夹子》等。
古典芭蕾作为芭蕾的重要流派，在芭蕾发展史中具有重要地位古典芭蕾(classic ballet)的历史约有五百年，是沿袭宫廷芭蕾的各种技法与表现方式，虽经过了不断地改变和革新，在19世纪形成的新流派芭蕾舞。
古典芭蕾依动作又可分为快舞与慢舞。
快舞孕育于意大利,最大特色是跳跃与旋转,专指男舞者与女舞者随著迅速的音乐踊舞的舞蹈,所有活泼迅速而华丽的舞蹈均属之。
慢舞孕育于法国,是法国舞蹈的最大特征,舞者以缓慢的动作,或以单脚支立平衡身体,构成优雅曲线之舞步与舞姿等均称为慢舞,这种舞蹈充满了纤细的美感。
古典芭蕾舞是很规范的艺术，具有独特的审美特征。
传统的古典芭蕾舞的技术是建立在外开、伸展、绷直的基础上的，它包括5种脚的位置和3个基本舞姿，以及各种旋转、击腿和脚尖舞技巧。
归纳起来就是“开、绷、直、立、轻、准、稳、美”8个方面。
“开、绷、直、立”4大美学原则是欣赏芭蕾最基本的审美标准；“轻、准、稳、美”是在“开、绷、直、立”的基础上的更高要求，需要演员具有高超的技术素质和艺术修养。
古典芭蕾的动作姿势具有由内向外发展，古典芭蕾动作的感觉是离心的、星射的，双臂和双腿从躯干突出向外伸长，形如从躯干飞离出去。
芭蕾动作力量的运用也是由内向外的，力量发自腰部，继而向外展开至肩部、大腿部，在延伸到上臂、下臂、手、指尖、小腿、踝、脚背、脚尖并向外延伸。
芭蕾舞可以分为几种类型的舞蹈芭蕾舞是一种优美而精致的舞蹈形式，它具有丰富的历史背景和多种舞蹈风格。
芭蕾舞的不同类型和风格都代表了不同的舞蹈传统和表达方式。
在本文中，我们将探讨芭蕾舞的几种主要类型和舞蹈风格。
1. 古典芭蕾舞（Classical Ballet）古典芭蕾舞是芭蕾舞的最古老、最传统的形式之一。
它起源于西欧，充满了优雅和浪漫的氛围。
古典芭蕾舞以技巧和控制力的高度要求闻名，舞者需要具备非常高的柔韧性、力量和平衡能力。
代表作品包括《天鹅湖》、《胡桃夹子》和《吉赛尔》等。
2. 现代芭蕾舞（Modern Ballet）现代芭蕾舞是对传统芭蕾舞的扩展和变革。
它注重个性和情感的表达，舞者可以更加自由地运用身体和动作表达情感和创意。
现代芭蕾舞逐渐摆脱了古典芭蕾舞的刻板形式，取而代之的是更多样化的舞蹈构思和艺术体验。
代表作品包括《欧蕾》、《LP 284》和《Rassemblement》等。
3. 散打舞蹈（Contemporary Ballet）散打舞蹈是芭蕾舞和现代舞的结合体，融合了两者的技巧和风格。
它拥有古典芭蕾舞的优雅和现代芭蕾舞的自由表达，同时强调身体的力量和肌肉控制。
散打舞蹈的舞者通常具有出色的柔韧性和力量，能够展现出令人惊叹的身体控制和华丽的技巧。
代表作品包括《花样新青年》、《巴黎圣母院》和《阿尔汉布拉宫的回忆》等。
4. 动态芭蕾舞（Neoclassical Ballet）动态芭蕾舞是对古典芭蕾舞的一种现代化的再创作。
它保留了古典芭蕾舞的优雅和技巧，但加入了更多的动态和现代元素。
动态芭蕾舞强调快速而流畅的动作，舞者需要具备出色的节奏感和身体控制能力。
代表作品包括《克里斯特朵魯》、《异类》和《黑白·黑红跳》等。
芭蕾舞的不同类型和风格反映了不同时期和文化的特点，每一种类型都有其独特的美学和表达方式。
无论是古典芭蕾舞的优雅与技巧，还是现代芭蕾舞的个性与自由，每一种类型都给观众带来了不同的舞蹈体验。
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芭蕾舞孕育于意⼤利⽂艺复兴时期，⼗七世纪后半叶开始在法国发展流⾏并逐渐职业化，在不断⾰新中风靡世界。
芭蕾舞最重要的⼀个特征即⼥演员表演时以脚尖点地，故⼜称脚尖舞。
其代表作品有《天鹅湖》、《仙⼥》、《胡桃夹⼦》等。
传统和形成：“芭蕾”起源于意⼤利，兴盛于法国，“芭蕾”⼀词本是法语"ballet"的⾳译，意为“跳”或“跳舞”。
芭蕾最初是欧洲的⼀种群众⾃娱或⼴场表演的舞蹈，在展进程中形成了严格的规范和结构形式、其主要特是⼥演员要穿上特制的⾜尖鞋⽴起脚尖起舞。
作为⼀门综合性的舞台艺术，芭蕾17世纪在法国宫廷形成。
1661年，法国国王路易⼗四下令在巴黎创办了世界第⼀所皇家舞蹈学校，确⽴了芭蕾的五个基本脚位和七个⼿位，使芭蕾有了⼀套完整的动作和体系。
这五个基本脚位⼀直沿⽤⾄今。
芭蕾舞是⽤⾳乐﹑舞蹈和哑剧⼿法来表演戏剧情节。
⼥演员舞蹈时常⽤脚趾尖点地。
意指：①⼀种舞台舞蹈形式,即欧洲古典舞蹈,通称芭蕾舞。
这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上,经过⼏个世纪不断加⼯、丰富、发展⽽形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。
19世纪以后,技术上的⼀个重要特征是⼥演员要穿特制的脚尖舞鞋⽤脚趾尖端跳舞,所以也有⼈称之为脚尖舞。
②舞剧,最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现⼿段,综合⾳乐、哑剧、舞台美术、⽂学于⼀体,⽤以表现⼀个故事或⼀段情节的戏剧艺术,称古典芭蕾(或古典舞剧)。
20世纪出现了现代舞以后,以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现⼿段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。
逐渐地,芭蕾⼀词也⽤来泛指⽤其他各种舞蹈为主要表现⼿段的舞剧作品,尽管在舞蹈风格、结构特征、表现⼿法等⽅⾯均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。
③在现代编导创作的舞蹈作品中,有相当⼀部分没有故事内容,也没有情节,编导运⽤欧洲古典舞蹈或现代舞蹈,或使两者相结合,⽤以表现某种情绪、意境,或表现作者对某个⾳乐作品的理解等等,这些也称为芭蕾。
试论福金古典芭蕾的美学原则芭蕾史上最著名的舞蹈思想家有两人，一位是古典芭蕾“哑剧形态”时的乔治·诺维尔，一位就是米哈伊尔·福金。
这两人有一个共同点，即都抱有对当时的芭蕾加以革新的迫切愿望，只不过前者强调了“情节芭蕾”，而后者把芭蕾导向了“新古典主义”。
一、自然表情的规律如果说，诺维尔的功绩是将芭蕾从宫廷宴会和歌剧串场中解脱出来而使之成为一门真正独立的艺术形式的话，那么福金的贡献则在于再度恢复了舞蹈的自然性、表情性和真正纯朴性。
他认为：“舞蹈是舞姿的发展，是它的理想化(即‘艺术概括’)。
古典芭蕾抛弃了表情手势，从而使舞蹈变得没有表情，成了软功式的、机械的、空洞的了。
为了把舞蹈的精神内容还给它，必须在舞蹈中从姿势出发，把姿势建立在自然表情的规律的基础上……Arabesque也是如此。
只有当它成为带思想的姿势时，才会有涵义。
这是一种非常清楚的姿势，表达了向上翱翔的渴望，是整个人、是全部身体的运动。
如果没有这一运动，如果没有姿势而只有‘抬起的腿’，那Arabesque就成为不可忍受的蠢态了。
”事实上，福金对古典芭蕾的批判态度，在于他想使这门艺术重新焕发生机。
在他看来，“舞蹈作者不应该利用现成的药方，而应该每一次都亲自去寻找最能充分表达这一内容的舞蹈、姿势和造型范式。
这条原则无疑地会产生多样化的结果。
‘英明的芭蕾规范’无论多么丰富多彩，多么别具匠心，生活本身是更胜于它的。
脱离生活而囿于传统的框框，舞蹈自然会变得矫揉造作、滑稽可笑。
”福金认为自己创作的独舞《天鹅之死》是说明从旧舞剧向新舞剧过渡的出色的例子。
他说：“在其间我利用了旧舞蹈的技术和传统的服装。
在这里需要有高超的技术；可是这个舞蹈的目的不是展示技术而是塑造一个形象--一切会死的生物无时无刻不在求生存。
这是一个全身心的而不仅仅是手和腿的舞蹈；它不仅诉诸观众的感知而且也诉诸其感情和想象力。
”二、“新舞剧”创作的原则在这种新的舞剧观的驱使下，福金提出了新舞剧创作的五条原则，他指出：不是把现成的、早已固定了的舞步编成组合，而是在每个场合下创造出符合于情节、能够体现时代精神和该民族性格的、最有表现力的新形式。
浅谈古典芭蕾动作原理及美学原则一身纯美的白纱、一双柔软的舞鞋、亭亭玉立的身躯、轻盈曼妙的舞姿……舞台上的芭蕾舞者把观众都带入到她们所呈现的唯美世界中，带领观众一起感受舞蹈的魅力之处、艺术的精华所在。
兴起于17世纪俄国沙皇彼得大帝末期的古典芭蕾舞，至苏联时期得到了很大发展。
伟大的俄罗斯浪漫乐派作曲家柴可夫斯基创作的三个古典芭蕾舞剧乐谱《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》后来都演绎成人们心中经典的古典芭蕾舞剧。
柴可夫斯基和前苏联芭蕾舞剧的奠基人彼季帕、舞蹈家巴甫洛娃、乌兰诺娃等艺术家一同将芭蕾舞艺术推向了世界高峰，让更多的人欣赏、了解、感受到芭蕾舞剧的魅力，更有人由此推开了舞蹈欣赏之门，踏入艺术之路。
“开、绷、直、立”为古典芭蕾的四大动作原理，修长、轻盈缥缈的审美理想也渐渐成为其审美原则所在。
四大动作原理及其美学原则促使各位舞者尽其所能地对称打开肩、胸、胯、膝、踝五大关节部位，将肢体的各个部位的肌肉能量向身体中心的垂线凝聚。
因此，无论男女舞者，在舞台上都能让每一位观众单单看着他们如柱子般昂首挺立的身形就能感受他们全身焕发出来的傲然气息，感受到他们的气宇轩昂。
舞蹈是一门通过身体动作表现情感、故事内涵的艺术。
很多芭蕾舞演员从小学舞，一是因为人年纪小时身体较为柔韧、学习舞蹈动作时较为轻巧灵活，二是因为舞蹈动作从技能的认知到技巧的发展，必须通过长时间知觉的认知与动觉的反复练习，从经验的累积中习得个人的动作特质，因而一个人想要在成年时在芭蕾舞方面有所成就，则需要尽早学舞，通过长时间练习使认知达到一定高度的层面，否则年纪过大较难有所造化。
无独有偶，软件设计的学习与舞蹈学习有着共通之处。
一名舞者要想成功必须经过一个漫长的学习过程，而且从开始学习到能有出色表演的时间是因人而异的。
其原因就在于，在技能认知方面，人与人之间差异还不是很大，但在技巧发展方面，由于各人对音乐、对舞蹈动作、对思想感情的领悟能力各有不同，舞者如果要有出色的芭蕾舞蹈表演，将“开、绷、直、立”这四大古典芭蕾的动作原理演绎到位又能尽力表现出修长、轻盈曼妙的舞姿，使观众真正有美的享受的，各位习舞者所花的时间、精力各不相同。
古典芭蕾舞基本特征
古典芭蕾舞的基本特征是其优美的姿势和动作，严格的技术要求以
及富有表达力的故事情节。
这种舞蹈形式始于17世纪的法国宫廷，逐
渐发展成为一种独特而精致的艺术形式。
古典芭蕾舞的基本特征之一是姿势和动作的优雅美感。
舞者们通过
柔美的姿势和流畅的动作传递情感和故事。
他们经过长时间的训练，
掌握了严谨的技巧，能够展示出极其精确和协调的动作。
古典芭蕾舞
的动作包括旋转、跳跃、扑捉、拧转、抬腿等等，这些动作通过舞者
准确的身体控制和优美的线条表达出来。
古典芭蕾舞的另一个基本特征是严格的技术要求。
舞者必须具备出
色的柔韧性、力量和耐力。
他们需要通过长期的训练和练习来完成复
杂和高难度的动作。
同时，古典芭蕾舞也要求舞者具备良好的平衡感
和协调性。
这些技术要求对于舞者来说是一项巨大的挑战，但也是他
们展示自己的机会。
古典芭蕾舞的第三个基本特征是富有表达力的故事情节。
不同于现
代舞蹈，古典芭蕾舞经常通过故事情节来展示舞者的技巧和表达能力。
这些故事通常是戏剧性的，充满了爱情、冒险和悲剧等元素。
舞者们
通过舞蹈动作和表情来传达人物的情感和内心世界，以让观众能够感
同身受。
综上所述，古典芭蕾舞的基本特征包括优美的姿势和动作、严格的
技术要求以及富有表达力的故事情节。
这种舞蹈形式追求完美和精致，需要舞者经过长期的训练和练习来展现出他们的技巧和艺术才华。
古
典芭蕾舞以其独特的美感和表达能力吸引了全世界的观众，并成为了一项受人尊敬和喜爱的艺术形式。
学院：计算机科学与技术学院班级：软件工程·NET一班学号：311009070105
姓名：罗杨杨
古典芭蕾的艺术美学
《乐记》有云：诗，言其志也；歌，咏其声也；舞，动其容也。
自古也就有国家、社稷，以舞见兴衰的说法，可见舞蹈与人们的生活是息息相关的。
古人在劳动中创造舞蹈，在舞蹈不断进步和发展。
从某个意义上讲，舞蹈发展史也就是人类的发展史。
芭蕾是什么？它是欧洲的一种古典舞蹈，或是指以这种古典舞蹈为形式的舞剧。
究其源流，流传几百年的芭蕾的文化根基，或者说文化背景，我认为，不能离开古希腊。
恩格斯也曾说过：“没有希腊的文化和罗马帝国所奠定的基础，就没有现代的欧洲。
”古希腊文化是西方文化的开端，它对文艺复兴时期的思想、文学、艺术都产生了直接的影响，14世纪始，随着新兴资产阶级的出现，欧洲的历史开始从封建社会向资本主义社会过渡。
资产阶级作为一个新兴的阶级，欲摆脱中世纪教会套在人们身上的精神枷锁，在古代遗存中闪烁灿烂光辉的古希腊文化中，找到了文艺复兴运动产生和人文主义思想体系建立的基础。
希腊人追求精神快乐、追求憧憬美好、敬畏大自然、崇敬神灵，他们提出了尊重自然、尊重现实的模仿说；希腊人追求人体美，崇拜健美敏捷的人体，人们不怕裸露自己的身体，在竞技场上、在庄严的神庙祭祀礼仪、在神灵的面前展示健美的体魄。
人文主义思想应运而生，在人们把个性自由、理性至上和人性全面发展的作为生
活理想跃跃欲试之时，文化艺术复兴的时代也随之而来，芭蕾就在这个时候诞生了……
芭蕾这个东西，说是高雅艺术也好，严肃艺术也好，但最终它是一个贵族艺术，我觉得，这样说是比较准确的。
在文艺复兴的摇篮“意大利”，王公贵族竞相把艺术做为炫耀自己的权势与扩大政治影响的工具和手段，他们不惜花巨资相互攀比，相互竞争，因此这一时期的文化艺术得到了空前的发展。
芭蕾就是在这样的一个历史背景下，作为一种满足自娱自乐需要的游戏性质的舞蹈开始在意大利宫廷中逐渐形
成一种具有确定风格、舞步与技巧的艺术形式。
芭蕾，与其它艺术的不同之处也正在于它是一种由宫廷推行的一种由
上而下的表演艺术形式。
在世界各国，不仅是欧洲的艺术，都有这么一个共同的现象，舞蹈在戏剧的理想中，它是诗、乐、舞，三位一体的这样一个起源。
那么芭蕾也是不例外的，实际上芭蕾舞或者芭蕾舞剧，它就是意大利和法兰西的这些艺术家们，他们想重建古希腊的那种诗、乐、舞三位一体的这样一种艺术形式。
可见，芭蕾的诞生的形态与古希腊和意大利贵族是密切相关的。
多样的舞蹈种类中,出身于宫廷的芭蕾艺术举手投足都体现了古典优雅的风范,其历经几百年锤炼而具有的科学性、规范性和系统性也最为彰显。
芭蕾,作为普通高校(艺术类)舞蹈
教学的重要组成部分,是4年制本科生的主修课程。
近几年来,在“把高雅艺术引进校园”和国务院“加强全民素质教育,应首先重视艺术素质的提高”的精神鼓舞下,发展势头喜人。
许多知名高校纷纷成立了舞蹈系,增设了芭蕾专业的硕士点,排演芭蕾名著,繁荣芭蕾创作,形成了全国普通高校中别有洞天的一道“芭蕾风景线”。
一、古典芭蕾的“开、绷、直、立”和几何图形
在芭蕾艺术的发展中,它那科学的人体运动法则和高贵典雅的美学风范具有慑人的永恒魅力。
芭蕾的“外开”是在脚“一字”开(两脚完全向外打开,只有脚跟靠在一起形成一条直线)的基础上达到膝盖、胯部、肩膀的外开。
这是脚的一位;二位——两脚还在一条线上,两脚跟之间相距一脚掌;三位——两脚外开靠拢,脚的脚跟位于另一脚的中间;四位——一只脚在外开保持不动的基础上,另—只脚向前一小步位置,前后脚平行,前脚脚跟与后脚脚尖冲齐;五位——两脚的脚掌整个外开贴紧,一脚的脚尖位于另一只脚的脚跟旁。
脚的五种位置是古典芭蕾贵族气质的集中体现,而这五种脚位在日常生活中并不适用。
芭蕾的“绷”不仅表现在苞蕾特有的脚背、脚趾的绷直,也表现在动作过程中腿部、腰部等部位的绷直和控制。
“开绷直立”的芭蕾弘扬着基督教的“神选意识”——所有基督徒的精神世界都必须隶属上帝。
法国宫廷培育出的芭蕾,其挺拔直立
的飞速旋转形成一种脱离地球引力的离心式的冲动,一方面
带来进取和执著,另一方面也带来唯我独尊——进取和执著,跨越雷池一步即变成攻击和偏执。
芭蕾的训练规则对身体的塑形效果十分有效。
其“开、绷,直、立”的美学原则渗透到对身体部位的严格要求中。
首先,背部的33块脊椎骨对人体轴心的支撑要做到强直而挺拔。
横膈膜、内肋骨的肌肉支持肋骨腔,拖住胸部。
从腰部开始,脊椎充分伸展。
背部的弯曲极大地违背了芭蕾高贵气质和崇高理性的象征。
芭蕾的审美原则拒绝“粗腰丰臀”,而是讲究女性曲线。
这与当今的审美趋势不谋而合。
芭蕾对臀部采用“前收腹,后加紧”来缩减臀部的体积和厚度。
通过肩、髋、膝、踝等关节的外开,让臀部紧紧夹在两股之间,消除臀部的下坠、膨胀和厚度。
芭蕾的动作腿必须保持从胯关节开始的外开,并且以从胯部到脚趾尖的“绷直”感来有效抵制大腿容易堆积的脂肪。
总之,芭蕾舞中的每一个细小的动作变化都是对古典和规范的追崇。
二、古典美学对人体的塑造
芭蕾训练的科学性和系统性体现在由浅入深、循序渐进的规范系统的教学步骤中。
从对学生外开性、稳定性的教学到控制、跳、转等技巧的掌握,芭蕾对人体的塑造和运用具有科学性和合理性。
古典芭蕾的正确姿势依赖于人的骨盆,舞者应感觉是从腿上拉起,前后收紧,腹部的肌肉由前向上拉,用臀
部的肌肉下拉来保持平衡;不要肚子太用力.胸部尽量展开以减少脊椎拉长的长度;要提长背部的肌肉以避免重心后倒。
外开来自髋关节,膝、踝在一条直线上,反对用脚来转。
二位收回时提胯很重要,双腿在收回时要同时靠向中心线。
外开的确立和控制要用肌肉来完成,其中大腿内侧肌肉最为重要。
活动的时候大腿的后部提向身体的中心,将腿向外转开,腿的后部拉长。
连接腿和骨盆大块的臀部肌肉也负责外开的任务。
人体重力通过脚的前部和脚后跟的前半部分作用于地面,胯放直,重心放在脚掌,臀部肌肉和骨后肌群在控制重心时起至关重要的作用。
人体重力转移的原则是当重力离开新的动作腿之前,身体应有意识地向新的支撑腿移动,直到重力转移完成。
如果违背这一训练原则,没有严格按照芭蕾训练规范去做,演员的内侧肌群没有做到充分伸展,没有使肌肉达到纵轴上拉长,就会影响肌肉线条,产生练粗腿的后果。
芭蕾训练的科学性体现在对人体解剖全面、正确地分析认知基础上,建立起一套规范教材体系。
在古典芭蕾教学中,高雅的审美倾向,成为塑造形体美的坐标。
古典芭蕾教学中美学原则得到越来越广泛的重视。
可以说的其实还有很多，比如芭蕾最早是以诗、乐、舞三位一体的综合体形式出现是受古希腊戏剧舞蹈的影响；古希腊的悲喜剧对芭蕾剧作家有莫里哀、高乃依、和拉辛的影
响等。
以上仅是就《皇后的戏剧芭蕾》这部作品来看古希腊、意大利贵族与芭蕾诞生形态的关系，还要说的是，芭蕾的高“贵”是凸显上层阶级特权的表现，芭蕾的高“贵”是王宫们炫耀皇权的缩影，可以说，宫廷芭蕾从诞生的那一刻起，便与“皇”脱离不了关系，能够进行皇权炫耀、政治炫耀、权位炫耀，是其能够产生的重要因素之一。
芭蕾会以这样的面貌展现给世人，不是历史的偶然，而是受欧洲社会、文化影响的历史必然。
