从拉斐尔的圣母像看文艺复兴时期女性形象

世界名画中的优雅女性摘要：经过一学期《美术鉴赏》课的学习，欣赏到了许多东西方不同类型的美术作品、绘画风格，对东西方美术的发展有了初步的了解。

美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。

美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。

我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。

尤其是西方进入近现代社会以后，对女性的绘画和歌颂。

我对这方面的作品充满了浓厚的兴趣，关键词：优雅女性鉴赏能力蒙娜丽莎我想世界名画中最出名的莫过于列奥纳多·达·芬奇（意大利）创作的《蒙娜丽莎》了，她最为人们称道的就是画中人那“神秘的微笑”。

只见画中人物坐姿优雅，笑容微妙。

画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。

袒露的胸部显示了这位妇女的健康、华贵和青春的美。

在背景处理上,达•芬奇运用的是“空气透视法”,让后面的山崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水都推向遥远的深处,仿佛这一切都被笼罩在薄雾里,以此来突出形象的地位。

到了今天，蒙娜丽莎已经成为一个永远探讨不完的问题。

于美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。

就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想。

自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。

当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。

时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。

就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。

艺术论坛Arts circle美术界ARTS CIRCLE 2010/2中世纪与文艺复兴两时期圣母形象之比较TEXT/沙海朋圣母，圣子耶稣的母亲，是西方基督教文化中被众生所信仰与尊敬的女神，集爱和正义于一身。

传说中的圣母是可以普度众生、救人于危难的一座真神，也是一位温柔娴静、慈爱和善、伟大的母亲形象。

在基督教文化盛行的中世纪以及后来呼唤人性觉醒的文艺复兴时期，圣母形象都不可避免地成为艺术家所表现的主题。

在由中世纪向文艺复兴过渡时期，由于精神信仰和思想观念的转变，绘画中所呈现的圣母形象也发生着变化。

本文将选取具有一定代表性的作品，对两个时期圣母形象进行比较分析。

两时期圣母形象的比较我们从库柏的《圣母与圣婴》（见图1）和拉斐尔的《草地上的圣母》（见图2）对中世纪与文艺复兴这两个时期的作品先作一个感性的认识。

图1中的圣母庄重威严地坐在宝座中，头戴王冠并略微向下倾斜，面无表情，脸部被纱巾包裹，双目朝向画面之外，右臂怀抱圣婴，左臂横搭在腿前，两腿僵硬地放在椅子前方，背景被金黄色调所笼罩。

这是中世纪常见的圣母的造型和色调。

画面装饰意味浓重，王冠、光环、天使等标志性事物构成了天国的情境，洋溢着宗教气息，使人感到敬畏、仰慕。

图2是美丽的人间田园景象，丝毫没有宗教的肃穆气氛。

在稳定的金字塔构图中，圣母位于画面中央，身穿红衣蓝袍，双手自然垂下，护佑着正在嬉戏玩耍的圣子和圣约翰，两腿的摆放轻松自如。

再看圣母的脸，面色红润，五官恰到好处地融于脸部，表情的描绘逼真细腻而又不失生动。

在这里，画家赋予了圣母以民间女子的形象：有血有肉、表情丰富、姿态自然、举止典雅的高贵女子。

我们只有从她头顶若隐若现的光环才能辨别出她神圣的圣母身份。

如图所示，我们可以清晰地辨认出两种圣母形象的不同格调：从人物造型上看，图1展示的是一位神圣、肃穆、庄严的女神，图2展示的是一位是美丽、优雅、慈爱的民间女子；从画面色彩上看，一个色调单纯、色彩明亮鲜丽，一个则是色调整体统一，色彩自然柔和。

结合作品论述意大利文艺复兴三杰的主要艺术特色和艺术成就达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔被称为意大利文艺复兴时期的“美术三杰”。

达芬奇：达芬奇的画充满了科学的精神和这里思考，画面构图完整、形象端庄，细微的光线变化和忠于自然的艺术特点，要求绘画要表达光、空间、地质和人物的内心世界。

如《岩间圣母》，人物位置处在一个标准的等腰三角形之中，使画面拥有严谨、稳定的构图，自然风光的描绘栩栩如生，光线的运用更是达到了达芬奇绘画作品的巅峰；《最后的晚餐》中对于多个人物的位置关系处理成为“多样统一”这一艺术美学原则无与伦比的范例；而《蒙娜丽莎》中对人物的心理刻画，更是后人津津乐道的话题。

达芬奇的画以自尊和高贵的人性提升着人们战胜中世纪的信心，他的艺术实践和艺术理论都是人类文化史上最珍贵的遗产。

米开朗琪罗：米开朗琪罗的作品中倾注了满腔悲剧性的激情，倾诉了原始的宗教感情，以及对真理的公正和生活的渴望。

如《最后的审判》，是他对人生的总结，也是对历史的裁判，以《圣经》的名义痛斥虚伪之徒；在天顶壁画《创世纪》中，他尽情地歌颂心中的英雄，表现着对祖国命运的忧心，对人的信心，作品的成就是他个人艺术的胜利，也是人文主义在教会最高的圣殿里征服神性的胜利。

在他的艺术里，人文主义得到了全面鲜明的表达，因为米开朗琪罗有意无意地流露出人文主义思想的核心，即人的主动性与积极作用以及人建功立业的能力，所以米开朗琪罗的艺术几乎成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。

拉斐尔：拉斐尔的画面上始终洋溢着明净的色彩，柔和的光线和宁静幽雅的节奏感，色彩上继承了佩鲁吉诺金黄梦幻般的喜悦，和谐秀美，构图静雅平衡，继承古典传统，具有古典意义，在他的艺术里可以看到从希腊盛期到新古典主义所追求的完整、和谐、庄重、优美、清晰的脉络。

《西斯廷圣母》是拉斐尔最具人道主义魅力的作品，圣母的形象端庄优雅，充分表现了女性的美，她强压着将儿子送往人间受苦的悲痛，有着尘世间每一个母亲的慈爱和尊严，而不再是高高在上的神，这样的世俗风情在他的多幅中都得到了充分的体现，如《椅中圣母》，就充满了市民的世俗精神，所以拉斐尔笔下的圣母之所以美，是因为她们就是人间最美的母亲。

为什么说拉斐尔的《西斯廷圣母》是最美的圣母像拉斐尔的《西斯廷圣母》是毫无疑问的世界著名的艺术珍品。

它不仅是文艺复兴时期最伟大的作品之一，更是几乎所有拉斐尔画作中最受欢迎的一幅。

这幅画已经成为了圣母像的代表之一，从古至今被人们所熟知，无论是艺术史家还是敬仰者都对它赞不绝口。

那么，这幅画作为圣母像的代表，它又有哪些特点，为什么被称为最美的圣母像呢？本文将就这个问题进行一些探讨。

首先，拉斐尔的《西斯廷圣母》具有极高的艺术价值，有着完美比例、和谐的色彩、周正的构图和逼真的细节。

在这幅作品中，圣母玛利亚以一种极其温柔、和善的面容展现在我们的面前，她优美的仰面姿态以及抱着得孚安可修士手臂上的耶稣的慈祥神态，都与一般圣母像所呈现的表情大为不同。

与此同时，这幅油画的金碧辉煌的背景给人一种神圣和闪耀的感觉，整幅画都非常和谐美好。

这些特点让《西斯廷圣母》成为了毕生中不可多得的杰作。

其次，这幅画作为艺术品，它融合了大量人文主义的元素和基督教的文化。

拉斐尔虽是一个天才画家，但他也是一个人文主义者。

在这幅作品中，他以柔和的笔墨勾勒出来的圣母像非常让人感觉到和善。

这种感觉和当时的人文主义文化一脉相承。

此外，拉斐尔用油画的形式赋予了圣母的形象，传达了神圣与尊荣的感觉。

整幅画虽是基督教文化的表现形式，但是它已经成为了人们生活中怀念的特殊的文化符号。

值得注意的是，作为一个文艺复兴时期的杰出艺术家，拉斐尔在制作这幅画的时候，可以说是找遍各种资料，以求更好地再现圣母的真实形象。

他敏锐而深刻的观察、仔细的凝神于生活细节的描写以及对天然材料的运用，都是一种奇异的才华。

这幅画的制作，经历了严格构思、绘图彩稿、修整等环节，以便于更好地真实地再现圣母本真的形态。

拉斐尔的《西斯廷圣母》因此呈现出真实、生动、传神的艺术形式，成为圣母常见形象之一。

最后，这幅画的标志性地位也是不容忽视的。

拉斐尔的《西斯廷圣母》是意大利文艺复兴时期的代表作之一，也是整个世界的美术艺术宝藏之一。

论西方绘画中女性形象的发展和象征意义1. 本文概述西方绘画中的女性形象，如同一面多棱镜，映射出社会对女性的期望、观念和地位的变迁。

从古代的维纳斯到现代的肖像画，女性形象在画布上留下了无数引人深思的痕迹。

本文将探讨西方绘画中女性形象的发展历程，以及这些形象所蕴含的象征意义。

我们将从古代绘画中的女性形象开始，审视古希腊和罗马绘画中女性作为神话人物或贵族妇女的描绘，以及这些形象所体现的当时社会对女性的审美期待。

我们将进入文艺复兴时期，艺术家们笔下出现了更多真实生活中的女性形象，如圣母、贵妇或女神，画家们开始关注女性的内在美和情感，使女性形象更加人性化。

随着时间的推移，进入现代绘画时期，女性形象变得更加多样化和复杂化。

艺术家们开始通过女性形象探索社会问题、表达政治观点或呈现个人情感体验。

这些变化反映了社会对女性观念的演变，以及对女性多元性和独立性的接纳。

通过研究西方绘画中女性形象的发展和象征意义，我们旨在深入理解艺术与社会、历史和文化之间的紧密联系，以及女性形象在艺术史中的重要地位。

这将有助于我们更全面地认识女性在社会中的角色演变，以及艺术在反映和塑造社会观念方面的力量。

2. 古代至中世纪的女性形象在古代至中世纪的西方绘画中，女性形象的呈现和象征意义经历了显著的演变。

这一时期的艺术作品不仅反映了当时社会对女性的看法，还揭示了宗教、文化和哲学对女性形象塑造的深远影响。

古代时期的女性形象，尤其是在希腊和罗马艺术中，常常与神话和宗教故事紧密相关。

女神、缪斯和女性英雄等形象被赋予了美丽、力量和智慧的象征意义。

例如，希腊雕塑中的阿佛洛狄忒（Aphrodite）形象，不仅展现了女性的身体美，还象征着爱与美的统一。

许多古代壁画和马赛克作品中的女性形象，也体现了当时社会对女性角色的期待，如家庭的守护者和子女的教育者。

进入中世纪，基督教教义对女性形象的塑造产生了决定性的影响。

在这一时期，女性形象多以圣母玛利亚为中心，她的形象被赋予了纯洁、谦逊和母性的美德。

127鉴 赏浅析拉斐尔前派绘画作品中的奥菲利娅形象钟悦颖奥菲利娅是出自《哈姆莱特》中的人物形象，其形象中所包含的悲剧、忧郁的气质被各时期的画家在不同画面中表达，其中拉斐尔前派对这一形象表现最多。

拉斐尔前派致力于回到文艺复兴早期，对中世纪文化着迷，反对教条化，主张自然美学的观点，但是由于拉斐尔前派代表人物的思想不能与其所在的时代背景相符合，从而产生伤感怀旧的情绪。

奥菲利娅是西方绘画史上被反复绘画的题材，其人物形象中所含的感伤忧郁气质符合拉斐尔前派的作画风格。

基于不同画家的表现，本文分析了奥菲利娅是以何种面貌展示给观众的。

一、米莱斯《奥菲利娅》人物形象分析最为世人广知的奥菲利娅是米莱斯的《奥菲利娅》，这幅画以精美细致的画风和唯美忧伤的氛围吸引着大众的眼球，画面表现的也是奥菲利娅刚刚跌入水中的那一刻。

画面上，奥菲利娅静静地漂浮在水面上，双手摊开，精心编织的花环散落在她的手边，嘴微微张开，就如原著中所说嘴里唱着断断续续的古老歌谣，脸上没有惊恐慌张，反而是一种解脱和从容的神情。

这一细节隐讳的表达出奥菲利娅的疯癫，但又让观众不会对此产生恐惧和反感，反而透露出一种唯美并带有忧伤的气质。

这一时期，米莱斯还坚持着拉斐尔前派的作画原则，有鲜明肯定的形体、细致的细节和清晰明亮的色彩。

此画中的植物和鲜花十分写实，甚至可以用来当作植物种类的图鉴。

值得注意的是，这幅奥菲利娅为什么给人以这么平静的感受，重点就在于它的构图。

可以看到河岸和奥菲利娅在画面中形成了三条横线，是一个平行线构图，这样的构图就能给人平静缓慢的感受。

为了不让画面看起来过于单调，米莱斯还在画面中穿插了一些竖线条，如前景里竖向生长的植物、奥菲利娅微举的双手和背景中立着的柳树。

这些竖线条打破了构图的单调，保留了整体的平静感觉。

二、罗塞蒂笔下奥菲利娅形象分析1864年，但丁·加百利·罗塞蒂创作了《The First Madness of Ophelia》，表现的是原著第四幕第五场中，奥菲利娅已经疯癫后跑到皇宫中向国王、王后和她的哥哥赠花。

拉斐尔绘画中的圣母形象浅谈摘要：文艺复兴以后，画圣母知名的画家络绎不绝，而在众多创作圣母的画家中，拉斐尔以《西斯廷圣母》成为画圣母的最高典范。

关键词：圣母玛利亚；基督教；文艺复兴；拉斐尔中图分类号：j205 文献标识码：a 文章编号：1005-5312（2013）23-0072-02拉斐尔绘画中圣母形象的主要特点：人们总是用“超凡入胜”“尽善尽美”来形容拉斐尔的作品。

拉斐尔从不塑造刚强有力的英雄人物，而是偏爱画些温柔美貌的圣母与圣婴。

在文艺复兴之前，圣母的形象总是充满“神性”，严肃的与世俗保持着距离，而拉斐尔的圣母像一反以往宗教画的呆板僵化、苍白神秘的气氛，以人性化的因素注入其中，使其变得有血有肉，平易近人。

他短暂的一生创作了大批圣母像并以圣母像闻名于世，在他的300多幅画作中有近百幅是圣母像，《圣母子》（又名：奥尔良圣母）、《大公爵圣母》、《金翅雀圣母》、《西斯廷圣母》等等。

一、人性化而非神化拉斐尔笔下的圣母形象人性化而不再神化，它是拉斐尔圣母区别于中世纪圣母像的最大标志，也使得他的圣母像成为文艺复兴时期圣母像的代表。

1507年拉斐尔创作了《花园中的圣母》，圣母在人间，除去光环、十字架和远方的教堂，这就是一幅很美的母子图，圣母的眼睛凝神下视，眼中流露着温柔和慈爱，圣婴的表情则天真活泼，母子间其乐融融；同年他创作了《金翅雀圣母》，而这幅画即是因其上有一只抓在婴孩手中的金翅雀而得名，画中的人物没有一点宗教的标签圣婴与圣约翰都画成了幼儿形象，年轻的圣母就象带着孩子的民间母亲，幼婴的天真烂漫与圣母脸上的爱抚，组成了画面的基本内容——吟诵天伦。

人性化的因素显示出拉斐尔深受文艺复兴时期倡导的人文主义思潮的影响，在这一时期，人被提到了前所未有的高度，在人神的关系上，人文主义者追求的是建立一个以人为中心人神统一的世界，“人文主义者对神的看法经历了三个阶段：上帝人情化、上帝保佑幸福、上帝被排除在人间事物之外。

”①整个中世纪都在强调末日审判，完全不鼓励欢乐，过分强调灵魂与精神，对肉体极度贬抑，这些使得人性、欢愉、亲情、爱情不被重视。

欧洲文艺复兴时期的绘画和雕塑艺术欧洲文艺复兴是欧洲历史上最为灿烂的文化时期之一，其中绘画和雕塑艺术更是表现出了极大的创作活力和丰富性。

本文将会从艺术家、艺术作品以及象征主义等角度来探讨欧洲文艺复兴时期的绘画和雕塑艺术。

一、艺术家欧洲文艺复兴时期绘画和雕塑艺术的杰出代表有许多，其中最为有名的当属达芬奇、拉斐尔和米开朗琪罗等人。

这些艺术家的作品极大地推动了文艺复兴时期的艺术发展和繁荣。

达芬奇以其著名的《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》而闻名于世。

《蒙娜丽莎》中的女性面容柔和而神秘，更在后来的艺术史中成为了无与伦比的杰作之一。

而《最后的晚餐》则表现了耶稣与门徒在最后的晚餐上的场面，极具史诗感和戏剧性。

拉斐尔是意大利文艺复兴时期最受欢迎的艺术家之一，他以其杰出的技艺和成就而令人称道。

其代表作包括《雅典学院》和《西斯廷圣母》。

在《雅典学院》中，他画出了苏格拉底、柏拉图等古希腊哲学家的形象，更表达了对人文主义和智力的崇尚。

而在《西斯廷圣母》中，他生动地表现出了处于双手间的婴儿基督、神圣的圣母玛利亚以及其他要素。

米开朗琪罗则是文艺复兴时期的艺术巨匠之一，其作品《圣母像》表现了圣母玛利亚抱着一个婴儿基督。

作品中，圣母的面容表情严肃、专注，而肌肉的处理细致而生动。

而他的另一件作品《达维德》则体现了巨匠对雕塑的精湛理解和独特技艺。

二、艺术作品欧洲文艺复兴时期的艺术作品以表现人类的理想化和完美化为主题，而追求艺术反映现实生活的景象。

在这些作品中，可以看到人物形象的逼真、肌肉结构的独到处理以及情感表达的淋漓尽致。

这些元素的处理体现了艺术家们对细节的关注和生动的技艺处理。

在文艺复兴时期最为受欢迎的作品之一是拉斐尔创作的《圣母在草地上》。

这一作品描述圣母玛利亚和三个天使在典型的乡村景象中所构成的组合。

画中表现出来的角色轻盈、优美，更完美地表达了神圣主义和天堂之国与现实之间的联系。

米开朗琪罗的雕塑作品《达维德》和《圣母像》则把人体肌肉的质感和深入嵌入到了艺术作品中。

水墨丹青50出生于1483年的拉斐尔，是文艺复兴三杰中最小的一位，在他短暂的37年生涯里创作了300多幅作品。

绘画史中最知名的，被描绘最多的一个主题——圣母，正可以说明拉斐尔画作的特色。

拉斐尔笔下的一系列圣母形象，不仅展现出圣母各种细微的姿态，恬淡的微笑，温柔细腻的神情，而且证明了他在处理人物情态、布景、景色、光线、方位及其他复杂元素的卓越能力。

拉斐尔的人生可以分为三个阶段：乌尔宾诺时期（1483—1503）、佛罗伦萨时期（1504—1508）、罗马时期（1509—1520）。

在佛罗伦萨时期（中期）的拉斐尔画了大量的圣母像，接下来笔者将会选取拉斐尔中期时的三幅圣母像（《草地上的圣母》《美丽的女园丁》《金莺与圣母》），通过对比这三幅画中的色调、构图、技法和细节，从而来探究拉斐尔中期时的艺术风格。

一、背景介绍1.时代背景11世纪后，随着经济的复苏与发展、城市的兴起与生活水平的提高，人们逐渐改变了以往对现实生活的悲观态度，开始追求世俗人生的乐趣，而这些倾向是与天主教主张相违背的。

14世纪，城市经济繁荣的意大利最先出现了对天主教文化的反抗。

当时意大利的市民和世俗知识分子，极度厌恶天主教的神权地位及其虚伪的禁欲主义，但由于没有成熟的文化体系取代天主教文化，于是他们借助复兴古代希腊、罗马文化的形式来表达自己的文化主张，因此欧洲便来到了文艺复兴时期。

这是一场反映新兴资产阶级要求的欧洲思想文化运动。

文艺复兴主张人文主义精神思想，人文主义精神的核心是提出以人为中心而不是以神为中心，肯定人的价值和尊严。

主张人生的目的是追求现实生活中的幸福，倡导个性解放，反对愚昧迷信的神学思想，认为人是现实生活的创造者和主人。

2.画家背景在乌尔宾诺时期时的拉斐尔师从佩鲁吉诺学到了色彩感觉和透视原理,背景处理喜用宏伟建筑和田园风光，又从画家德拉·弗兰西斯加那里学到了如何处理和表现人物关系。

随后拉斐尔1504年来到了佛罗伦萨，此时米开朗基罗与达·芬奇已经比肩。

文艺复兴时期的艺术精品欣赏文艺复兴是欧洲历史上的一个重要时期，它涌现出了众多的艺术精品。

在这个时期，艺术家们重拾了改革前古希腊罗马的人文主义思想，摒弃了中世纪封建主义的束缚，不断地创造出一批艺术品作为人类文明史上的重要遗产。

下面，就从绘画、雕塑、建筑等方面，来欣赏文艺复兴时期的艺术精品。

一、绘画在文艺复兴时期，绘画是艺术家们创作的主要形式。

著名的文艺复兴画家有达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗等人。

其中最著名的便是达芬奇的《蒙娜丽莎》，它被誉为全球最伟大的绘画之一，是世界上最著名的描绘人物肖像的画作之一。

《蒙娜丽莎》是一幅神秘的画作，画面中的女子既不美艳，也不出众，但是画家却用了十分细致的技法去描绘她的微笑和眼神，这正是达芬奇的杰作所在。

此外，拉斐尔的《圣母像》，它是文艺复兴时期最值得欣赏的绘画作品之一，作品中的圣母像以极为高尚的态度，优美的姿态和赤足的姿势，生动形象地塑造了圣母玛利亚。

二、雕塑文艺复兴时期的雕塑也是非常著名，著名的雕塑大师有米开朗基罗、伯努利、贝尔尼尼等人。

米开朗基罗的墓碑雕塑《夜》、《晨曦》、《黎明》和《安乐》被誉为文艺复兴时期最具代表性的作品之一。

其中最受欢迎的《夜》是用大理石创作而成的，它描绘了一位睡觉之中的女性，整个雕塑呈现出一种非常神秘的气息，让人不禁想要去猜测这位女性的故事。

三、建筑文艺复兴时期的建筑也进行了广泛的改革和创新，建筑风格更加高雅、典礼和华丽。

在意大利，文艺复兴时期建筑最著名的建筑师是诺维亚，他的代表作有建于佛罗伦萨的圣洛伦佐教堂和乌菲兹美术馆。

圣洛伦佐教堂以其独特、华丽的建筑风格闻名，整座教堂都由大理石建造，让人印象深刻。

综上所述，文艺复兴时期的艺术精品涌现不断，无论是绘画、雕塑还是建筑，都呈现出了世界性的艺术风格，成为人类文明史上的重要遗产。

这些艺术品都带给了我们无限的想象和探索空间，让我们不受年代和地域的限制，去领略人类文明史上最华丽的瑰宝。

文艺复兴时期圣母玛利亚的绘画意象变化概析作者：戴巧明来源：《赤峰学院学报·哲学社会科学版》 2012年第6期戴巧明(四川大学历史文化学院，四川成都610065)摘要：圣母玛利亚的形象在基督教中具有仅次于耶稣的神圣含义，一直以来在宗教作品中被广泛塑造，而在文艺复兴时期，圣母玛利亚形象则相较于之前更加频繁的出现在各种绘画作品中。

圣母玛利亚形象变化的过程也印证了整个文艺复兴中整个社会的精神状态，见证了文艺复兴中思想发展的全过程，圣母的形象被不断赋予新的含义，成为广大民众的精神寄托。

关键词：圣母；文艺复兴；形象真实化；人性赞美；艺术创造中图分类号：J209 文献标识码：A 文章编号：1673-2596(2012 )06-0193-02圣母玛利亚作为基督教《圣经》故事中耶稣的母亲，在基督教文化中具有重要的含义，象征着圣洁、怜悯与正义，在基督教中的地位仅次于基督，特别是公元四世纪以弗公会后，圣母玛利亚的崇高地位被正式确定下来，基督教信徒对其的崇拜有甚于耶稣。

自公元四世纪以来，大量的圣母形象出现在宗教艺术作品特别是宗教绘画作品中，而到了14世纪文艺复兴时期，圣母的形象不仅被大量描绘，而且被逐渐独立出来，成为主要表现的对象，如此鲜明的变化无疑可以清楚地展现这一时期基督教世界思想与社会的特点，因此，笔者在此选取最有代表性的文艺复兴时期圣母玛利亚的形象进行粗浅的研究，希望通过以此窥见到文艺复兴时期基督教世界的思想与精神世界发生的深刻改变。

在文艺复兴前夕出现在艺术绘画中的圣母形象，虽然依然充满了宗教庄严肃穆的色彩，延续着拜占庭圣母画的传统，但是，已经开始出现了一定的变化。

在形象构思上，开始设计更符合人性的温柔动作与表情，试图使圣母拥有凡人的感情；从构图方面逐渐打破了严格对称，使得画面的视觉感更强，率先进行这一尝试的卡瓦里尼与其继承者乔托，都有意识的打破严格对称率并试图运用阴影与物体遮盖制造出立体空间，让绘画开始富有生气与质感。

秀美、典雅、和谐、明朗——拉斐尔的圣母像意大利文艺复兴时期的绘画，在美术史上写下了辉煌的篇章。

作为文艺复兴“三杰”的达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔，也成为三颗耀眼的巨星，放射着夺目的光辉，散发着绚丽的色彩。

拉斐尔·圣乔奥生于1483年4月6日，1520年4月6日卒于罗马，意大利画家。

拉斐尔的艺术不同于迭芬奇那样含蓄和富于理智，也不同于米开朗琪罗那样雄伟、有力和充满激情。

他的艺术以优雅、和谐、高度完美为标志，他笔下的圣母，秀美、圆润、优雅、和谐、柔和、高度完美，将善良、纯洁和美丽渲染得淋漓尽致。

形成了人性化、完美化、偶像化、民间化四大特征。

拉斐尔的艺术特点是秀美、典雅、和谐、明朗.。

在他留下的近三百幅画中，大部分是圣母。

拉斐尔笔下的圣母，并不是什么冷冰冰的无玷圣女，而是一位热爱尘世，充满人文精神的美丽少妇。

她们就像人间的母亲一样，以其洋溢着温情的人性，打动了历代渴望美好生活和人间温暖的观众的心灵,从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。

虽然拉斐尔只活了短暂的37年，但他留在身后的作品，一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。

秀美、典雅、和谐、明朗——拉斐尔的圣母像《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。

这幅画是教皇朱理亚二世送给皮亚琴察西斯廷教堂黑衣修士的礼品，拉斐尔受托而为这一教堂的祭坛作画，故有《西斯廷圣母》之名。

画面表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的男性长者乃教皇西斯克特，他向圣母圣子做出欢迎的姿态。

而稍作跪状的年轻女子乃圣母的信徒渥娃拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母圣子的崇敬和恭顺。

位于中心的圣母体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，扒在下方的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上。

拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处，显示出高雅、柔媚、和谐、明快的格调，因而使人获得一种清新、纯洁、高尚、升华的精神享受。

拉斐尔：文艺复兴时期的艺术大师文艺复兴时期是欧洲艺术史上一个重要的阶段，这个时期出现了许多杰出的艺术家和作品。

而拉斐尔（Raphael）就是其中一位备受赞誉的艺术大师。

他以其独特的风格和精湛的技艺，在文艺复兴艺术中占据着重要的地位。

本文将介绍拉斐尔的生平和艺术成就，探讨他对艺术发展的影响。

拉斐尔生于1483年，是意大利文艺复兴时期最重要的画家之一。

他年幼时就展现出卓越的艺术天赋，很快就成为托斯卡纳地区最受尊敬的艺术家之一。

在他的父亲和老师的支持下，拉斐尔早期的作品展现了他的绘画才华，尤其是在肖像画方面表现出色。

拉斐尔的艺术风格以优雅、柔和和和谐而著称。

他继承了雕塑家多梅尼科（Donatello）和画家贝利尼（Bellini）的传统，并加入了他自己的独特视角和技巧。

他对人物形象的处理非常精细，注重每个角色的面部表情和姿态。

他擅长运用光影效果和透视原理，在画作中创造出丰富的空间感和深度感。

拉斐尔的代表作品之一是梵蒂冈大教堂的斯坦托广场教堂（Stanze di Raffaello）壁画系列。

这一系列壁画描绘了宗教和历史的重要场景，包括"雅典学派"、"雅典学派"、"君士坦丁与将军"和"梵蒂冈公园"等。

这些作品充分展示了拉斐尔的画作技巧和对细节的关注，具有较高的艺术和历史价值。

除了壁画，拉斐尔还创作了大量的油画和肖像画。

他的著名作品之一是《平安的圣母》（Madonna del Prato）。

这幅画描绘了圣母玛利亚抱着婴儿耶稣，背景是一片优美的景色。

画面中圣母的柔和和慈祥的表情，以及耶稣的天真和无邪，展示了拉斐尔对母爱和家庭的深刻理解。

拉斐尔对文艺复兴的影响不仅体现在他个人的作品中，还通过他对后继艺术家的影响传承下去。

他的学生和追随者们继续发展和发扬了他的绘画风格和理念，使拉斐尔的影响力延续到了后世。

而他的作品也被其他艺术家所研究和模仿，为后来的艺术创作提供了重要的参考和借鉴。

文艺复兴时期的绘雕塑与音乐艺术探索文艺复兴是欧洲历史上一个重要的时期，它为绘画、雕塑与音乐艺术的发展提供了广阔的空间与机遇。

在这个时期，艺术家们通过对古希腊罗马艺术的研究，提出了许多新的创作理念与技法，为后世艺术的发展铺平了道路。

本文将重点探讨文艺复兴时期绘画、雕塑与音乐艺术的探索和创新。

一、绘画艺术的探索在文艺复兴时期，绘画艺术经历了一次革命性的变革。

艺术家们开始追求真实主义的表现，力图通过光影效果、人物比例和透视法等技巧来还原真实的视觉效果。

伟大的艺术家达·芬奇就是最好的代表之一。

他的《蒙娜丽莎》被誉为绘画艺术的奇迹，他在作品中巧妙地应用了透视法和光影效果，使得画中人物栩栩如生，给人以深刻的印象。

除了表现手法的创新，绘画题材也发生了巨大的改变。

在文艺复兴时期，宗教题材依然占据重要地位，但是艺术家们开始关注人类的尊严和自由，对自然界的描绘也变得越来越普遍。

例如，拉斐尔的《圣母像》展现了母爱的伟大和人类尊严，同时也展示了他对自然界的精准描绘。

二、雕塑艺术的探索文艺复兴时期的雕塑艺术也经历了巨大的变革。

艺术家们重新学习了古希腊和罗马的雕塑技法，并且通过对人体比例和解剖学的研究，创造出了更加真实和完美的艺术形象。

米开朗基罗是文艺复兴雕塑艺术的代表性人物之一。

他的作品《大卫像》被认为是雕塑艺术的杰作，他通过对人体构造的深入研究，以及对表情和肌肉的精准表现，创造了一个栩栩如生的形象。

除了对人体的探索，雕塑艺术家们还开始使用大理石、青铜等材料来创作作品，使得作品更加真实和持久。

同时，他们还注重作品的空间感和立体感，通过对雕塑的布局和摆放，创造出一种动态和生机勃勃的艺术效果。

三、音乐艺术的探索文艺复兴时期，音乐艺术也经历了一场革命。

音乐家们开始对古希腊和罗马的音乐理论进行研究，并且在声音的表达和音乐结构的构建上做出了许多创新。

伽利略·加里莱是其中一位重要的音乐家和音乐理论家，他提出了声音的频率和音调的概念，并且通过实验和观察，揭示了一些基本的声学原理。

文艺复兴小作文历史
温和的阳光从窗台边洒下，温暖的，像一杯甜香的热牛奶。

我一直在看关于文艺复兴的书，书上的画很漂亮！几个身着华服的人，他们灿笑，周围是精巧的雕刻和建筑，好美！
我特别注意到了米开朗基罗，他画的天花板像一片星空，充满了力量。

我看到了达·芬奇，他的画里透着神秘，让人忍不住想猜测故事的结局。

我
还看到了拉斐尔，他画的圣母像，像一位慈祥的母亲，让人感到很温情。

他们确实是文艺复兴时期的大艺术家。

他们用画笔和雕刻刀，把美丽和智慧带到了世界上。

他们打开了人们的思想，让人们重新了解了这个世界。

当我翻开书页，看到了一群人穿着奇怪的衣服，他们围坐在一个广场上，听一个人在演讲。

他们脸上诧异，流露出了强烈的渴望。

这应该是文艺复兴时期的人们。

他们渴求知识，渴望自由，渴望探索。

我闭起眼，仿佛看到了他们一直在讨论着哲学，研究着科学，创造着新的艺术。

他们的热情和梦想，像跳动的火焰，照亮了欧洲。

他们创造了文艺复兴，一个充满希望和奇迹的时代。

他们留给我们的，不仅是艺术作品，还有追求梦想的勇气，探索未知的热情。

我要像他们一样，勇敢地去追寻梦想，创造属于自己的奇迹！。

拉斐尔圣母画像中的文艺复兴思想摘要：文艺复兴时期著名画家拉斐尔以其温柔的绘画风格把圣母的崇高与人的朴素完美的结合了起来，淋漓尽致的体现了文艺复兴时期的人文主义思想，为文艺复兴的发展贡献了力量。

拉斐尔的作品体现了文艺复兴的思想，同时也成就了拉斐尔自己。

关键字：拉斐尔圣母画像文艺复兴思想拉斐尔圣母画像中的文艺复兴思想从古希腊开始，就有了对神的崇拜。

从荷马开始，就有了神话中对神的无限崇拜和敬仰，而在西方社会中，很长一段时间都以美神维拉斯为最美丽的典范。

但是自西方基督教产生以后，圣母就取代了维拉斯的位置而成为女性美的典范。

圣母是基督教中耶稣基督的母亲，描绘圣母和幼小的基督在一起，就是基督教产生以来画家们描绘最多的题材。

文艺复兴时期的画家也都几乎画过圣母，但是圣母画的最多最好的却是文艺复兴时期的天才画家拉斐尔。

直到现在，西方国家要称赞一个女人的魅力就说她像拉斐尔画的圣母一样。

圣母的美不仅仅是外表形象的美，还包含了其内在素质和修养，其端庄，典雅，崇高，朴素的精神气质美。

拉斐尔画的圣母就是其外表和内在合二为一的典范之作。

拉斐尔（1483-1520）是文艺复兴盛期意大利画家，与达芬奇，米开朗琪罗并称为“文艺复兴三杰”。

虽然他只活了三十多岁，但是他的绘画天才很早就体现出来了，“并且在佩鲁吉诺的画派中崭露头角，他完全地吸收了他老师的温柔风格以至于按照瓦萨里的看法，不可能将这位学生的作品与他的老师的区别开来。

”①在他的十多年艺术生涯完成了近三百幅作品，而其中多数画的都是圣母。

他的一系列圣母画像，和中世纪画家所画的同类题材不同，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想。

其中最有名的是《带金莺的圣母》（藏佛罗伦萨乌菲齐美术馆）、《草地上的圣母》（藏维也纳美术史博物馆）和《花园中的圣母》( 藏卢浮宫博物馆）。

1512～1513年绘成的大型油画《西斯廷圣母》，人物形象和真人大小相仿，由圣母、圣徒组成的三角形构图，庄重均衡，圣母和耶稣的体态健美而有力量，表现了母爱的幸福与伟大。

拉斐尔《披纱巾的少女》——像圣母真正回到了人间拉斐尔·桑蒂(1483～1520)是意大利文艺复兴盛期最杰出的艺术家之一，他的艺术体现出深邃的人文主义思想，并赋予这种思想以巨大的表现力。

他广泛吸收前辈大师和同时代画家的艺术成就，从而创立出自己独特的秀美、典雅、和谐、明朗的艺术风格。

他被称为文艺复兴时期的“画圣”，与达芬奇及米开朗基罗并称“文艺复兴三杰”。

披纱巾的少女意大利拉斐尔布上油画纵85×横64厘米佛罗伦萨彼蒂美术馆藏这幅女子肖像，是拉斐尔最理想的女性形象，这个形象的特征可以在《西斯廷圣母》中的玛利亚那儿找到她的影子。

画家在此运用极为丰富的绘画语言，充分发挥色彩表现力，从美丽的肤色到华贵服饰上的绵密衣褶都被细致入微地描绘出来。

画中少女安详而略含倩笑的脸庞，以及按在胸前的那只右手，都刻画得十分细腻。

华贵衣裙上的百褶纹，采用一种浅绛、银灰色的调子来表现，与肌肤的色彩相争辉。

由于画家以观察为基础，去掉了不必要的神秘色彩，增加了形象真实感。

《披纱巾的少女》又名唐娜·维拉塔，据说是拉斐尔的情人芙纳蕾娜的肖像，在这位女子肖像中，画家不仅描绘了她的美丽和多情，更是运用了一种极为丰富的色彩语言，把芙纳蕾娜的面孔和袒露的酥胸描绘得十分细腻，华贵的衣裙上，繁复精致的褶纹与单纯的披纱形成对比，更加衬托出肉体的温柔与魅力。

银灰色调的衣裙与白皙肌肤的色彩交相辉映，使画面产生了一种纯洁的主旋律。

在这个形象上，宗教的神秘意味荡然无存，突现在人们面前的是活生生的人，这无疑是画家描绘真实对象的结果。

她穿上了白色的衣裙，披上了纱巾，看上去美丽而又神秘。

也许拉斐尔在画这张画之前一定研究透了达·芬奇的《蒙娜丽莎》，在这张画上似乎可以感受到达·芬奇薄雾法的运用。

《披纱巾的少女》这幅肖像运用了一种极为丰富的绘画语言。

拉斐尔充分发挥他那色彩的表现力，在这幅画上每一笔都是一丝不苟的。

画家塑造了一位平凡而又极具审美的女性形象。