浅析意象油画中的抽象思维

油画抽象的技巧
抽象油画是一种通过非现实和非具象的形式来表达情感和想法的艺术形式。

以下是一些油画抽象的技巧：
1. 颜色运用：使用明亮、鲜艳和丰富的颜色来营造活力和情感。

可以选择对比强烈的颜色来制造鲜明的效果。

2. 纹理和笔触：通过不同的笔触和纹理来创造兴奋和动态的视觉效果。

可以使用刷子、刮刀或其他工具来添加纹理和线条。

3. 图案和形状：通过使用各种图案和形状来表达感觉和情绪。

可以尝试使用几何图案、曲线和斑点等来增强抽象感。

4. 图层和覆盖：通过在画布上创建多层次的色彩和纹理来营造深度和丰富性。

可以通过重叠和覆盖不同颜色和线条来实现这一点。

5. 色彩搭配：选择一些有趣、有活力和对比强烈的色彩搭配来强调表达主题和情感。

6. 情绪和意象：尝试以情绪和意象为基础，表现内心的感受和表达。

7. 自由表达：放开手脚，不受束缚地创作并尽情表达情感和想法。

油画抽象艺
术不需要逼真的描绘，而是更注重情感和想法的传达。

画作中的哲思艺术哲学艺术是人类表达情感、思想和观念的一种方式，而画作作为艺术的一种形式，通过色彩、线条和构图等元素来传达艺术家的内心世界。

在画作中，我们常常能够感受到一种深邃的哲思，这种哲思超越了表面的形象，引发人们对生命、存在和意义等问题的思考。

本文将探讨画作中的哲思艺术哲学，并分析其中的意义和价值。

画作中的哲思艺术家的内心世界每一幅画作都是艺术家内心世界的一次呈现。

通过画笔和色彩，艺术家将自己的情感、思想和观念融入到作品中。

这些内心世界的表达常常超越了语言的限制，通过视觉形象来传递更加深刻和直观的信息。

在画作中，我们可以感受到艺术家对于生命、自然、人性等问题的思考和探索。

艺术与现实的对话画作不仅仅是艺术家个人内心世界的表达，也是与现实世界的对话。

艺术家通过画作来反映社会、文化和历史等方面的现实问题，同时也通过画作来探索和思考这些问题的本质和意义。

画作中的哲思常常是对现实的一种批判和反思，通过艺术的形式来传递对于社会和人类存在的思考。

艺术哲学的体现画作中的哲思也体现了艺术哲学的思想和观念。

艺术哲学是研究艺术与美、艺术与真理、艺术与存在等问题的学科，它关注艺术的本质和意义，并试图通过哲学的方法来解释和理解艺术。

在画作中，我们可以看到艺术家对于美、真理和存在等问题的思考，这些思考常常超越了日常生活的经验和认知，引发人们对于艺术哲学的思考。

画作中的意义和价值情感共鸣与审美享受画作中的哲思能够引发观者的情感共鸣和审美享受。

当我们欣赏一幅画作时，如果能够感受到其中蕴含的情感和思想，我们会与艺术家产生一种共鸣，这种共鸣能够让我们更加深入地理解和感受画作的内涵。

同时，画作中的美学元素也能够给观者带来审美的享受，让我们感受到艺术的魅力和力量。

启发思考与拓展视野画作中的哲思能够启发观者的思考，并拓展我们的视野。

当我们面对一幅充满哲思的画作时，我们会被引导去思考其中所表达的意义和价值。

这种思考不仅仅局限于艺术本身，还能够引发对于生命、存在和意义等问题的思考。

往返、抽象与新表现主义——油画赏析海男的油画是一种身体哲学的呈现，万物的身体融化于色彩，具有诗性与色彩的实验性质——当然这是关于世界结构的某种解释。

在大地、诗性、历史的幻象之间，她不断往返，以抽象意识完成个人新表现主义的油画命名。

海男的油画追求色彩的永恒状态，即精神内涵的表述。

她在油画画面上不注重自然之光的渗透，也不注重物象的基本造型，而是追求后印象派的精神塑造。

她用自己想象出来的色彩，赋予形状以持久的结构，抛弃光影和外界附加、变幻的因素，对自然意象进行逻辑的整理和富有秩序的概括后，具有海男特色的油画就诞生了。

后印象派大师塞尚认为，在绘画中“要善于幻想，并为这种感情寻找一种最简单的形式”，因此，海男的油画构图都不复杂，在海男看来，这些简单的色彩结构才有着永恒坚固的特点，是自然基础上凭借自己的“印象”，进行了超自然的重构。

这种“超自然”比幻觉的世界具有更远的深度。

海男为了探寻和表现这种想象性结构，将自己的诗性与思的东西隐藏于由色彩折射出来的迷人而又迷性的结构话语里，它以人类的逻辑思维作为最好的发掘工具，使这种结构具有形而上特征。

在海男的眼中，油画的色彩存在一个内在的逻辑关系，尽管海男彻底地摧毁了画面组织，而后以自我意识介入进来。

塞尚用“色彩序列”来替代传统的色差过渡，这是一种重要的创新，而海男更为关切的是不过于追求画面的传统色彩效果，而是用诗性的抽象思维，将单纯的色彩注入想象力，让自身的情感通过色彩新的重构而成为更符合内心逻辑的颜色。

海男对自然色彩的描绘是诚实的、细致的，但并不顺从自然，不屈服于自然的原有秩序，而是富有逻辑感的心灵创作。

海男是优秀的诗人，用诗歌的逻辑思维创作油画，这是必然的。

但海男没有让油画创作出现文学倾向，她在画面中尽量排除文学性与情节性，只是将诗性植入色彩，将思维融入构图。

海男在油画中排除叙事性的文学内容，是对自己的油画创作有着清醒的认识。

她喜欢将事物的形态赋予极度的想象，如向日葵的变形、草叶的生长、湖水的梦幻，似乎每一幅油画色彩都是新的，是她内心想象完成后的一种关于世界解释的颜色。

论绘画中具象写实与抽象表现的关系1. 引言1.1 绘画的两种表现方式两种表现方式各有其特点和魅力所在，具象写实让人感受到一种真实和自然的美，而抽象表现则能够引发更多的思考和想象，让人在作品中找到自己独特的理解和感受。

绘画的两种表现方式共同构成了艺术的多样性，丰富了观众的审美体验和思维方式。

在探讨具象写实和抽象表现的关系时，我们不仅能够更深入地理解绘画作品的表现形式，还能够从中发现更多关于艺术创作和审美趣味的启示。

通过比较和分析两种表现方式的共同点和区别，我们可以更好地认识到绘画艺术的内涵与外延，从而更好地欣赏和理解艺术作品的魅力所在。

1.2 为什么需要探讨具象写实与抽象表现的关系在绘画领域中，具象写实与抽象表现两种表现方式各有其独特的特点和魅力。

具象写实注重对真实世界的客观再现，通过形象的表现方式让观者能够直观地感受到作品所表达的内容和情感。

而抽象表现则是将形象化为抽象的符号和形式，让观者在抽离现实世界的感受到更深层次的情感和内涵。

这两种表现方式在绘画史上都有着重要的地位和影响力，但它们之间的关系和联系却并不是那么简单和明确。

有必要深入探讨具象写实与抽象表现的关系。

这种探讨可以帮助我们更好地理解和把握绘画艺术的本质和内涵。

通过对这两种表现方式的对比和分析，我们可以更清晰地认识到它们之间的共同点和区别，了解它们在艺术实践中的作用和意义。

探讨具象写实与抽象表现的关系还可以促进不同艺术流派之间的交流和碰撞。

艺术的发展离不开不同思想和风格的交流和融合，而具象写实与抽象表现的相互影响和互动正是这种碰撞和交流的体现。

通过深入研究这两种表现方式之间的关系，可以为艺术创作和观念的交流提供新的思路和启发。

2. 正文2.1 具象写实与抽象表现的定义具象写实和抽象表现是绘画中两种重要的表现方式，它们在艺术史上有着深厚的根基，也在现代艺术中具有重要的地位。

具象写实是指艺术家通过描绘客观事物来展示现实世界，以真实的形象表现事物的形态和结构。

人在进入油画世界后产生思想和意识纵观美术史许多画家的写生作品，我们发现，一个个生动的场景，活灵活现的人物特征，无不让我们沉醉在这鲜活而感人的情景当中，深深地被这千变万化的物象和扑溯迷离的色彩所吸引。

但同时却又让很多学习油画的人下意识的认为平时的油画写生仅是绘画技术的一种演绎，忽略了写生是对客观对象的研究和“真实再现”;认为油画创作必须是把素描稿经过精心构思甚至一丝不苟的大制作才能称得上创作，把创作敬畏于一切之上，割断了写生与创作的关系。

究竟写生与创作之间是否可以划清界限呢？绘画事实上就是画者内心情感的流露，心灵轨迹的写照。

所谓创作意识，就是作者通过对客观对象的感触及事情发展的经过，在自我头脑中形成的一种情感意识。

一、强化油画写生过程中创作意识的重要性写生是学习油画的主要训练方法，写生作品最突出的特点是能够真诚、生动、率真的表现客观对象，当然这是建立在存在有主观的创作意识为前提的。

强化创作意识的写生练习，就是把写生当创作一样去画，画什么，怎么画，用什么材料，如何表达，其实都不是那么重要，重要的是牢牢把握住内心深处对客观对象的原始触动，并且使它的鲜活度与感受引发的思考一直延续到最后。

保罗·高更曾经说“不要从自然临摹太多东西……，借着在自然面前沉溺于梦想而从自然中吸取出艺术，要多考虑创作而少想到结果。

”1这就充分说明画家的强烈的主观思想在绘画过程中所起到的作用。

油画写生是以自然为主，反映自然之美，古人称之为“外师造化”，写生主要是训练观察能力和造型能力，进而把握对象，升华为“意造”境界。

中国现代国画大师李可染先生将写生称为“对景创作”，他曾经说过：“写生，首先必须忠实于对象，但当画面进行到百分之七八十，笔下活起来了，画的本身往往提出要求，这时就要按照画面的需要加以补充，不再依对象作主，而是由画面本身作主了。

”浪漫主义大师德拉克洛瓦认为“照相充满了惊人的不合理性”。

美国画家斯契米德也指出“照片告诉您照相机看到什么，而画面则告诉人们艺术家看见了什么，这是不同的。

油画艺术语言表现题材的真实性和现实性浅析油画艺术承载作品思想情感的物质形式是用它特有的存在形式来表达的。

这种表达形式是以物质实体如由造型因素的各种材质、表现直观的视觉符号——点、线、色块等和艺术家表达的特定思想主题两大部分构成。

从思想主题的角度分析油画艺术语言，它所包含的思想主题是真实存在的，并带有其特有的现实性。

说到思想主题，人们往往一下子联想到油画作品的内容。

从油画艺术发展的历史来看，内容并非一切，许多抽象的油画作品，其实并没有明确的内容，但它们通过油画艺术语言的物质语言因素：抽象的点、线、面、色块以及材料本身的肌理纹路，反映艺术家内心意识的情感——思想主题。

因而我们能很明确地知道，油画艺术语言的思想主题取决于油画家对待现实的客观态度和反映。

（一）、油画题材与生活的关系油画题材是作品直接表达的对象，它是作者对客观生活有所感动而选取并予以加工的生活材料。

它是作品表达内容的基础，它“从作者的经验中产生，由生活暗示给他的一种思想”。

用黑格尔的话来说，它是“心灵化了的东西”。

油画题材的选择不是盲目的，油画家在长期的生活积累中，探索到特定的视觉要素及与思想主题相关联的因素，并在生活积累中逐渐沉淀一些对其有用的题材，作为思想主题的载体，传达其思想情感。

这里我们要弄清楚思想主题容量与油画表现题材大小之间的关系。

小题材可以表现大主题。

毕加索的一生作品无数，《格尔尼卡》所表达的思想主题可谓人类所关注的大主题，人们对于和平的向往与对战争的厌倦通过他的画面全部展现出来。

作品反映的思想主题与题材之间是一种制约关系，它们是相对的、有条件的，理解这一点很重要。

在画家们的艺术实践中，一些处在风格形成期的油画家，常常思考着去反映大主题、大思想，构思往往陷入痛苦的蜕变之中，如何沟通二者之间的关系，在于找到恰当的物质媒介。

因而，苦恼的根源在于媒介的合理性，这种合理性包含着作者与社会意义的共性的一面。

制约画家选取题材的因素很多，其中题材的真实性、现实性是不能回避的重要因素。

论绘画中具象写实与抽象表现的关系具象写实是绘画作品中最为直观的表现形式。

通过具象写实的手法，艺术家可以用细致的笔触和逼真的色彩来描绘客观存在的人物、风景和物体。

这种形式的绘画在艺术史上有着悠久的传统，自古以来就是人们表现现实世界的一种重要方式。

具象写实的绘画作品可以给观者带来直观的审美愉悦，使他们感受到作品所表现的对象的真实存在和丰富的情感内涵。

在绘画创作中，具象写实往往需要艺术家对细节的把握和技巧的运用，因此对画家的绘画能力和技巧水平提出了较高的要求。

与具象写实相对应的是抽象表现，抽象表现主张以形式、色彩和线条等非客观对象的艺术元素来表达艺术家内心的情感和思想。

抽象绘画在20世纪艺术史上具有极为重要的地位，代表作品有毕加索的《吉尔·苏兹昆》、克里姆特的《色彩的音乐》等。

相比于具象写实，抽象绘画更注重艺术家的灵感、想象和审美意识，作品具有更大的想象空间和审美张力。

抽象绘画的表现形式更加多样化，可以通过色彩的对比、线条的结构、形式的变化来呈现出艺术家内心深处的情感和思想。

抽象绘画的表现手法更加自由，有着更大的审美和表现可能性。

在绘画创作中，具象写实和抽象表现并不是非此即彼的两种选择，它们往往同时存在于同一幅作品中。

艺术家可以在具象写实的基础上，通过抽象的手法来对作品进行再创作和加工，以表现出内心更深层次的情感和想象。

梵高的《星夜》中的星空可以看作是具象写实和抽象表现相结合的典范。

艺术家通过笔触和色彩的运用，将星空表现得栩栩如生，同时又融入了他内心深处的孤独和苦闷，使作品更具有情感迸发力和审美张力。

具象写实和抽象表现之间还存在着相互借鉴和相互影响的关系。

具象写实可以通过抽象手法来加强对客观事物的把握和表现，从而使作品更具有表现力和感染力。

而抽象表现也可以通过具象写实来增强作品的可读性和表现力，使艺术家的情感和想象更直观地呈现在观者面前。

艺术家在创作中可以根据具体的创作目的和审美追求，灵活地运用具象写实和抽象表现的手法，从而使作品更具有多样化和丰富性。

具象是写实性较强的艺术形式，它保留了可观世界各个具体物象的直观状态，画面形象与人的直观所想近乎一致，人们根据自己习惯的视觉经验可以很容易地识别出作品中展示的画面物象，并且可以根据图像的描绘，审析出艺术家想要传达的思想、审美等。

所以，具象表现的作品在现实生活中更具有直达性、真实性，更容易为人所接受。

“抽象”这个名词来源于哲学，本意是从许多具体事物中，舍弃个别的、非本质的属性，抽出共同的、本质的属性。

抽象的绘画艺术，主要是运用形象思维方法对生活的创作素材进行加工、提炼、概括和集中，以特定的方式创造某种画外意象、情趣的表现特性。

艺术总是以生活为依据的。

具象绘画虽以具体物象为主要依据，但艺术家在创作过程中所孜孜以求的，不是逼真的生活形象，而是要塑造出最能表现他自己对生活的独特感受、鲜明态度和透彻理解的艺术形象。

西方画家对绘画中具象与抽象的认识理念来自于西方的哲学方法论，西方哲学对“数”的绝对概念以及“实证”理论的具体性，拓开了西方画家对具象与抽象的认识理论，即：通过对“术”的实验进而上升到对“理”的认识，以实证科学对“术”的突破，解决“理”的建立。

在这种理念的主导下，西方绘画必然是从最初原始的“主观抽象”发展到“平面装饰”时期（图像学空间），继而又进入到“具象”时期（错觉的空间）。

西方古代雕塑艺术家运用的“黄金分割律”，以及西方画家运用的“错觉空间”、“焦点透视”法，都是在认识“术”的前提下最后达到“理”（即理论）的建立，并且因此而产生了立体雕塑艺术和“具象”绘画艺术。

这不仅体现出西方以“术”求“理”的认识事物的方法，同时也反映出此种方法对西方的雕塑家及画家之影响是何等重要。

西方写实“具象”绘画的出现反映出了西方哲学理论的进步，同时也促进了西方绘画艺术的发展，这个时期出现的写实“具象”绘画艺术及其表现方法，充分说明西方画家对自身“方法论”的深刻理解。

“印象派”绘画艺术的出现，是西方画家对自身哲学观的一次冲击。

论印象派画家雷诺阿作品的抽象与具象摘要：油画艺术是人类用具象化视图进行交流的一种方式，在社会发展过程中，越来越重要，在传播和传递思想以及文化方面都发挥着重要作用。

知名的艺术家印象派画家雷诺阿的在油画作品中，习惯用具象的画面来表达抽象的抽象思维和感情，因此，油画创作中具象和抽象实际上是相同的，这些因素都在潜意识中影响到了其在油画艺术创作艺术，本文旨在分析优秀油画作家印象派画家雷诺阿作品的抽象与具象的油画艺术，从艺术特点的角度，分析具象和抽象这些不同元素会给油画艺术呈现出怎样不同的特点，使得每个作品都具有不同感觉的视觉冲击力和生命力。

关键字：潜意识表现；艺术创作；风格化具象；抽象；引言油画艺术的创作实际上就是用具象化视图说话,将创作者的思想通过潜意识的表现,丰富抽象思维转化成视觉元素。

绘画构图在一定程度上反应的就是创作者的绘画构思，绘画者的思想也是受到了不同国别文化和历史的影响存在差异的，这也就造成了不同作者在绘画构图上的差异。

对于艺术家优秀油画作家印象派画家雷诺阿的作品这个方向的探析，也能够了解创作者性格在油画艺术中的运用，是如何赋予了作品丰富的想象和展示空间。

雷诺阿的油画作品发展历史是漫长的，不同时代的画家热衷于油画的创作，如何在油画发展中树立自己的风格和特点，寻找不停的创作灵感和源泉，是本文的创作思路，在了解了潜意识与油画创作关系后，分析作品的抽象与具象的表达，本文也希望促使创作者积极发挥自身潜意识的强大作用，将绘画艺术的绘画语言通过油画带到了大众的世界促使油画艺术的水平不断地提高。

创作出具持久生命力的艺术作品。

油画是在西方兴起的一种绘画艺术。

因此，雷诺阿的油画作品作者在受到法国传统文化以及思想的影响下，在油画绘画的技巧运用上也综合了本土文化中的精髓部分，呈现出具有民族特色和意蕴的作品。

在优秀油画作家的油画作品中，就将法国浓厚的人文思想与西方先进的技巧和技艺结合起来了。

在绘画的构图和整体的思想以及感情的表达上都强调的就是需要呈现一种和谐的美感，体现对美好事物的追求和超脱的精神状态的追求，不求个体的完美，但求整体和和谐与统一。

浅析对抽象画的鉴赏第一篇：浅析对抽象画的鉴赏让视觉带动思维——浅析高中生对抽象画的鉴赏【摘要】高中美术教学中，有对抽象画的欣赏课程，看“懂”，还是看“不懂”？这并不重要，用直觉感受就是了，有感受就是能看懂，当然感受如何因人而异，这自觉感受才是对绘画的最好诠释。

我们需要转变思想，用合适的方法打开思想之窗，让抽象画的视觉冲击带动我们的思想走向更广阔的天空。

【关键词】抽象感受想象心灵震撼我听过这样一个故事，美国的一位母亲因幼儿园过早地教孩子认字母，而削弱了儿童对图形的想象力，思想被套上枷锁，于是把幼儿园告上法庭并赢了官司。

我们都希望让自己的思维更开阔，然而我们在现实生活中，如学习，接受各种媒体信息，受各种的培训等等，尽管也像儿童认字母一样学会了一些东西，但也不免会被套上思维的枷锁，使我们对事物的认识变得模式化、程式化。

我们的视觉所感受的东西是有他的独特性的，我们不要丢掉视觉感受这一宝贵财富，就让抽象画的视觉冲击带动我们的思想走向更广阔的天空。

一、审美观念的转变高中美术教学中，有对抽象画的欣赏课程，在欣赏抽象绘画作品时，学生普遍提出一个问题，画的是什么？怎么看不懂？难以理解和接受！这让我想起一件事，有个人在听外国音乐，这时候来了一个朋友，听音乐的人问刚来的朋友：“喜欢听吗？”对方不加思索地回答：“不愿意听，听不懂歌词”。

这样的人的确不少，好象歌词是重要的，而忽略了对音乐的直觉感受。

音乐的欣赏不在于歌词，而是在于种朦胧抽象的直觉感受。

而绘画中画面对人视觉的直觉感受也像音乐对人听觉的直觉感受相近，可是人们对绘画中的直觉感受，却没放在第一位。

一看画就要弄懂画中的故事情节，似乎知道了画中的故事就是会欣赏了这幅画，而忽略了画最重要是的“画面给人视觉冲击带来的直观感受”。

看“懂”，还是看“不懂”？这并不重要，用直觉感受就是了，有感受就是能看懂，当然感受如何因人而异，这自觉感受才是对绘画的最好诠释。

在欣赏抽象思维系列作品时，就摆脱了已有知识的束缚，画面给人的感受是全新的，这全新的内容不带有任何我们现有世界认识的痕迹，让人看到的画面就像新生婴儿看到的全新陌生的世界一样。

油画艺术中的主观性研究油画艺术是一种富有艺术表现力的艺术形式，它能够通过色彩、线条和形态等方式表达艺术家的观点和情感，从而与观者产生共鸣。

油画艺术中的主观性问题一直备受关注。

本文将从艺术家的主观性、观者的感知主观性以及艺术作品的解读主观性三个方面展开论述，对油画艺术中的主观性进行深入探讨。

艺术家的主观性在油画艺术中起着至关重要的作用。

艺术家的主观性指的是他们对世界的独特理解和观点，以及通过作品表达出来的个人情感和情绪。

在油画创作中，艺术家往往会受到自身经历、文化背景、心理状态等因素的影响，这些因素都会在作品中得到体现。

著名艺术家梵高的作品中充满了他内心的痛苦和孤独，而皮卡索的作品则反映了他对于形式和结构的独特理解。

油画艺术中的主观性首先体现在艺术家对世界的独特认知和情感的表达上。

观者的感知主观性也是油画艺术中的重要问题。

观者在欣赏油画作品时，往往会受到自身的经验、情感和认知等因素的影响，从而对作品产生不同的理解和感受。

同一幅作品可能会被不同的观者赋予不同的意义和情感，这就是观者的感知主观性。

一幅描绘大自然的油画作品，对于一个喜欢户外活动的人来说，可能会给予他对大自然的热爱和向往；而对于一个生活在都市的人来说，可能会让他感受到对大自然的渴望和向往。

观者的感知主观性使得油画作品具有了更广泛的意义和共鸣。

艺术作品的解读主观性也是油画艺术中的重要问题。

艺术作品的解读主观性指的是观者对于作品含义和意义的不同理解和诠释。

艺术作品往往具有多重意义和层次，观者在面对作品时会根据自身的经验和见解对其进行解读。

一幅抽象油画作品，可能会被不同的人解读为不同的情感表达或是对实际事物的隐喻。

艺术作品的解读主观性使得作品具有了更加丰富和深刻的内涵。

通过以上的论述，我们可以看出，在油画艺术中主观性问题的存在是不可忽视的。

艺术家的主观性、观者的感知主观性以及作品的解读主观性，这三种主观性相互交织，共同构成了油画艺术中的主观性。

绘画中的抽象与具象表现艺术是人类表达情感和观念的一种方式，而绘画作为艺术的一种形式，既可以通过具象的描绘展现客观世界，也可以通过抽象的表达突显主观内涵。

绘画中的抽象与具象表现，展示了艺术家独特的视角和创造力，给观者带来了丰富的艺术体验。

一、抽象表现的艺术手法在绘画中，抽象表现是一种超越客观形象的方式，通过形状、色彩、纹理等元素的组合和变化来传递情感、思想和精神内涵。

抽象艺术注重表达的是艺术家内心深处的感受和个人体验，而非具体的外在形态。

通过剥离事物本质，抽象艺术创造出独特的形式和结构，从而激发观者的联想和感受。

以绘画色彩为例，抽象表现通常强调色彩的纯度和对比，通过冷暖、明暗等变化来创造出充满动态和张力的画面。

艺术家可以运用不同的色彩组合和笔触的表现手法，来传达自己对主题的情感态度和个人观点。

抽象艺术不受现实世界的限制，艺术家可以随意构思，突破传统的描述方式，展现独特的视觉冲击力。

二、具象表现的艺术手法与抽象表现相对应的是具象表现，它更直接地描绘客观世界的事物和形象。

具象绘画通常以人物、风景、静物等具体对象为创作主题，通过准确的线条和逼真的表现手法，向观者传递对事物的观察和理解。

在具象绘画中，艺术家需要通过观察和研究，捕捉并展现事物的特征和细节。

通过准确的比例和透视，具象艺术着重描绘人物的形态特征和情感状态，还原事物的真实性以及给人带来的触动和感动。

三、抽象与具象的融合抽象与具象并不是完全独立的存在，实际上在很多艺术作品中，抽象与具象的元素常常会相互交融。

艺术家可以将具象的形象与抽象的元素相结合，创造出独特的视觉效果和意义。

例如，艺术家可以利用具象形象来表达事物的外在特征，同时通过抽象的表现手法，强调和突出主题的内在含义。

这种融合使作品更加多样而富有创意，同时也给观者带来更加丰富和深入的阅读体验。

四、抽象与具象的意义和价值绘画中的抽象与具象表现是艺术家与观者之间的沟通与对话。

抽象的艺术形式可以启发观者的想象力与联想，让观者沉浸其中，自由地从作品中获取属于自己的意义。

绘画中的意象表现-最新年精选文档绘画中的意象表现绘画中的意象的表现，本身就是个值得探讨的议题。

改革开放20余年来，中国的油画、国画以及其他样式的绘画，已经很快地进入了国际市场，十分活跃。

在当今世界经济一体化、信息全球化、文化多元化的背景下，中国的学者、艺术家正在探讨和思考中国绘画在今后发展进程中的传承与借鉴问题，并力求在理论上有所建树。

意象在整个绘画创作中到底是个什么样的位置，我觉得很值得研究。

画家在绘画创作过程中，存在理论思考，这是关于绘画意象的一种实践，是画家自身进行绘画语言意象性的创作。

不同的艺术思维，可以创造出不同象征的作品。

象征性绘画艺术思维最早产生于远古，黑格尔说：“‘象征’无论就它的概念来说，还是就它在历史上出现的次第来说，都是艺术的开始。

”迄今发现最古老的图写符号可以上溯到距今4万年之前，这是人类最早的象征性形象。

此后的4万多年的时间里，人们一直发展着、完善着象征式绘画艺术思维的模式，构成了人类绘画史上最漫长的绘画艺术思维空间。

“意象”成为象征型绘画艺术思维的核心。

它是创作艺术思维的体现，成为艺术作品的灵魂。

布留尔认为，原始思维的核心是“具有极大情感因素的互渗的表象”。

原始人对主客观持混沌的思维空间，分不清两者的界限，常常采用意象的思维方式，将模糊的意识活动混沌交融而综合表象，这是早期人类生活经验的唯一手段，他们还不会用抽象的方式思考，只会用意象的方式思考与表现。

法国社会学家布留尔的著作《原始思维》和瑞士心理学家皮亚杰的《发生认识论原理》都从不同角度研究并肯定了原始人群和婴幼儿的“前逻辑思维”的存在。

所谓“前逻辑思维”，正如布留尔的描绘：“他们的思维没有上升到抽象化和逻辑公式的程度，而是固守着一些观察或情势的图景。

”也就是说，表象是他们对周围事物进行真实反映的重要方法。

真实的也就是美的品质。

而美也就在这对表象的真实反映中自然的产生了。

在原始表象思维中，主观性世界与客观性世界是混沌的、合一的，所以说意象思维正是人类的本能思维。

高中《美术欣赏》3-5课：具象艺术、意象艺术、抽象艺术高中《美术鉴赏》3-5课教学目标是具体了解三种主要的美术类型（具象艺术、意象艺术和抽象艺术）及其相关的问题。

通过这几个方面的教学，使学生更进一步地了解具象艺术、意象艺术、抽象艺术的语言、形象特征，并能初步掌握辨识具象艺术的能力。

具象从字面上说，所谓“具象”就是有具体的形象，但这样解释并不确切。

在英语中，“具象艺术”被表述为figurative art，意思是“比喻的艺术”或“用图形表现的艺术”，这表明“具象艺术”就是用和我们所见到的事物相类似的图形来代替或比喻这些客观事物。

显然，这种图形不是空想出来的，它必须是来自于客观事物本身，它的目的是要让我们看出它所代替或比喻的那个事物。

为了做到这一点，具象艺术采取了模仿的办法，并且为了使模仿成功又创造出一系列诸如透视、解剖、明暗、比例等方法，这样，具象艺术就成为一种艺术家尽量放弃自身去接近客观事物的艺术了，这是“具象艺术”的最初或者说最本源的意思。

至于以后，就有了各种各样的具象艺术。

意象从字面上说，所谓“意象”即“意欲之象”、“意念之象”，或者说“主观之象”，就是艺术家所感觉到的或想要表达的事物的样子，这两个方面基本上可以让我们去观看或鉴别所有的“意象艺术”了。

从这方面说，意象艺术家就不是尽量放弃自己去接近或模仿客观事物，恰恰相反，他要与客观对象保持相当的距离，因为只有在一定的距离上他才能独立于他所表现的对象，并产生他自己的“意象”。

但从此可以看出，意象艺术的前提还是依赖于客观对象的，这一点和抽象艺术就不同。

抽象所谓“抽象”是与“具象”相对而言的，一般人按照字面的意思去理解，以为抽象就是把具体可感的客观形象抽去，事实并非完全如此，因为抽象艺术中有的是对客观形象的简化和抽离，而有的则与客观形象完全无关。

所以有人认为“抽象艺术”这个概念并不准确，他们就从抽象艺术与具象艺术相对的角度出发称抽象艺术为“非具象艺术”（non-figurative art）或“非客观艺术”（non-objective art）。

艺术欣赏抽象艺术作品的技巧艺术是一种抽象的表达方式，而抽象艺术则更进一步地摒弃了现实的具象形态，通过形式、色彩、纹理等元素来表达情感与思想。

欣赏抽象艺术作品需要一些技巧与理解，本文将探讨一些简单而实用的技巧。

一、凝视与感受抽象艺术作品往往不具备明确的主题或故事情节，因此欣赏时需要我们以较为放松的心态去感受。

不要急于去寻找画面中的特定形象或意象，而是先用眼睛慢慢扫视整幅作品，体验其中所蕴含的氛围和情绪。

通过凝视与感受，我们可以逐渐进入艺术家创作时的思考与表达状态。

二、元素分析抽象艺术作品通常由各种元素构成，包括线条、形状、色彩、质感、光影等。

对于欣赏者来说，逐个元素进行分析有助于理解作品的表现手法和艺术家的意图。

观察线条的方向和粗细，形状的几何特征，色彩的饱和度和明暗度，质感的纹理与厚度，以及光影的分布与强弱等。

通过分析元素的组合与变化，我们可以更好地领略到作品的美感和艺术内涵。

三、情绪共鸣抽象艺术作品常常带有强烈的情绪表达，而这种情绪并不依附于具象形态。

观众在欣赏时可以试试将自己的情绪融入作品中，感受其中的愤怒、喜悦、忧郁或冷漠等。

与作品共鸣，让其中的情感与思想触动自己的内心世界，从而产生更深层次的体验和理解。

四、意象联想尽管抽象作品没有明确的形象，但我们可以尝试在作品中找到一些“似乎是……的形象”。

这些形象不需要被理解成具体的事物，而是观众个人在欣赏过程中与作品互动的结果。

通过自由联想与想象，观众可以为作品赋予更多的意义和可能性，开展一次个性化的思考和创造。

五、历史与背景艺术作品的创作离不开艺术家所处的历史和背景。

了解艺术家的时代、艺术风格、社会背景等对于抽象艺术的欣赏是有帮助的。

通过研究作品所处的时代背景以及艺术家的创作理念，我们可以更好地理解作品并将其融入到更广阔的艺术体系中。

六、多角度对比在欣赏抽象艺术作品时，可以尝试从不同的角度来观察、解读同一件作品。

不同的角度和观点可以为我们带来不同的感受和理解。

浅谈对油画艺术的审美认识浅谈对油画艺术的审美认识摘要：审美，这是人类所独有的一种复杂而高级的精神活动。

它的复杂是因为它包含着感觉、心里、思维、情感等一系列多样化统一的精神活动。

它的高级是因为除了人类以为，再没有任何其他生物也具有自觉的审美意识了。

而油画是人类历史留给我们的一份珍贵遗产，它以独具的魅力使得人类的视觉和精神世界大大丰富了，也使人们的艺术审美与思想境界获得巨大的启迪。

油画在再现自然美以及理想美、形式美的探索上达到了前所未有的审美境界。

引言：美术不仅仅是赏心悦目的生活课题，还是博大精深的学术课题，它反映着民族的历史积淀，也预示着民族文化的发展，它是一个民族文化状况的标志，也是一个民族精神状况的标志。

美就有了艺术，难怪一切艺术形式都要强调美的重要性。

但是，与其他艺术形式比较起来。

美可视得在美术体现得更为突出，显示得更为重要。

美需要体现具体感觉在形式中。

所以高尔基说：“美是各种材料如，声调，色彩和语言得一种结合体，它赋予艺术的创作品，一种能影响情感和理智的形式，而这种形式就是一种力量，能唤起人对自己的创作才能感到惊奇、骄傲和快乐。

艺术作品毕竟具有客观性的一面，创造美和表现美，是艺术所要表达的目的。

美的创作先与美的观念。

没有了在美术的创作中，原本在于头脑中的审美意识是通过色彩，线条，形象以一定得物质材料来表现出来。

但在不同时期注重点不同，有的比较注重色彩，有的注重线条，有的注重形式和瞬间的感觉等等。

在不同文化的族群存在观念和审美趣味性，而它的相对稳定性，在一定历史时期的物质生产、社会生活方式所导致的结果。

一、再现自然美人类是在对自然的不断认识和交流中进步和发展的，作为人的意识形态的艺术更是与自然有着千丝万缕的联系。

绘画再现自然的能力是伴随着人类文明和科技的发展逐渐完善的。

油画的出现将整个绘画史在再现自然的深度上推进了一大步。

油画创造三维空间幻觉的能力和表现自然对象的真实程度以及丰富、深入程度都大大超越了其它画种，画家们利用高超的油画技巧有力地创造出自然之美以及人的精神之美。