美术鉴赏论文
———清明上河图
摘要：清明上河图乃中国十大传世名画之一,它是北宋风俗画作品,该画卷是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品,全图可分为三个段落,展开图,首先看到的是汴京郊外的景物;中段主要描绘的是上土桥及大汴河两岸的繁忙景象;后段则描绘了汴京市区的街景;人物大不足3厘米,小者如豆粒,仔细品察,个个形神毕备,毫纤俱现,极富情趣;该画内容丰富,结构严谨,繁而不乱,长而不冗段落分明,在技法上,大手笔与精细的手笔相结合,善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意,又具本质特征的事物、场面及情节加以表现;写了北宋都城东京市民的生活状况和汴河上店铺林立、市民熙来攘往的热闹场面,描绘了运载东南粮米财货的漕船通过汴河桥涵紧张繁忙的景象;
关键词：
清明上河图是一幅具有历史价值的风俗长卷;作者张择端通过对清明节日北宁都城汴梁和以虹桥为中心的汴河两岸各阶层人物活动情景的描绘,集中反映了这一历史时期社会生活的一些侧面;清明上河图这一不朽杰作,无论从绘画艺术价值或从历史价值而言,皆堪称国之瑰宝; 清明上河图长525厘米,宽厘米,其中计有人物684个,牲畜96头,房舍122座,轿子8顶,舟船25只,树木124棵;清明上河图画卷,北宋风俗画作品;传世名作、一级国宝;清明上河图是中国绘画史上最着名的作品之一,不但艺术水平高超,而且围绕着它还流传下来许多有趣的故事;该图描绘了清明时节,北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光;作品以长卷形式,采用散
点透视的构图法,将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中,画中人物500多,衣
着不同,神情各异,其间穿插各种活动,注重戏剧性,构图疏密有致,注重节奏感和韵律的变化,笔墨章法都很巧妙;全图分为三个段落; 首段,汴京郊野的春光：在疏林薄雾中,掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟;两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴,向城市走来;一片柳林,枝头刚刚泛出嫩绿,使人感到虽是春寒料峭,却已大地回春;路上一顶轿子,内坐一位妇人;轿顶装饰着杨柳杂花,轿后跟随着骑马的、挑担的,从京郊踏青扫墓归来;环境和人物的描写,点出了清明时节的特定时间和风俗,为全画展开了序幕; 中段,繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽,商业交通要道,从画面上可以看到人烟稠密,粮船云集,人们有在茶馆休息的,有在看相算命的,有
在饭铺进餐的;还有王家纸马店,是扫墓卖祭品的,河里船只往来,首尾相接,或纤夫
牵拉,或船夫摇橹,有的满载货物,逆流而上,有的靠岸停泊,正紧张地卸货;横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥,它结构精巧,形式优美;宛如飞虹,故名虹桥;有一
只大船正待过桥; 船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆,以便船只通过;邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着
什么;船里船外都在为此船过桥而忙碌着;桥上的人,也伸头探脑地在为过船的紧
张情景捏了一把汗;这里是名闻遐迩的虹桥码头区,车水马龙,熙熙攘攘,名副其实地是一个水陆交通的会合点; 后段,热闹的市区街道：以高大的城楼为中心,两边的屋宇鳞次栉比,有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等;商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营,此外尚有医药门诊,大车修理、看相算命、修面整容,各行各业,应有尽有,大的商店门首还扎“彩楼欢门”,悬挂市招旗帜,招揽生意,街市行人,摩肩接踵,川流不息,有做生意的商贾,有看街景的士绅,有骑马的官吏,有叫卖的小贩,有乘座轿子的大家眷属,有身负背篓的行脚僧人,有问路的外乡游客,有听说书的街巷小儿,有酒楼中狂饮的豪门子弟,有城边行乞的残疾老人,男女老
幼,士农工商,三教九流,无所不备;交通运载工具：有轿子、骆驼、牛马车、人力车,有太平车、平头车,形形色色,样样俱全;绘色绘形地展现在人们的眼前; 总计在五米多长的画卷里,共绘了五百五十多个各色人物,牛、马、骡、驴等牲畜五、六十匹,车、桥二十多辆,大小船只二十多艘;房屋、桥梁、城楼等也各有特色,体现了宋代建筑的特征;整幅画面上的景观从城郊一直到城内最热闹的街市,全画的房屋和树木繁多姑且不说,仅仅以描绘的人物而言,就有五百多个查资料得知,他们中间有农民、船夫、商人、小贩、知识分子、和尚、算命先生......可以说是五花八门,形形色色,这些充分显示了当时生活的繁荣,可见,作画者是有着深厚的社会基础和高度的生活观察能力的人,才可以创作出这样一件超现实主义的伟大杰作; 实际上,画家不仅仅是详实而又真实地描绘了京城主要河流两岸的节日风光,而且运用了高超的艺术手法,发掘和表现了生活中的戏剧和诗,也突出地表现在对汴河中的大船通过虹桥时的戏剧性的描绘,以及对市民生活的富有诗情画意的赞美;所以,它不是单纯的社会生活的真实记录; 先看对汴河中大船通过虹桥时的描绘,就是整个画卷中最为精彩的一段,也是全画的高潮;当满载货物的大船准备穿过桥洞时,一个惊险的戏剧性场面就开始了,船顶上的船夫,急急忙忙放下桅杆,但是有些困难,所以看得出面部表情很紧张,显出呼喊纷扰之状；与此同时,甲板上的许多船夫,有的在船舷两侧使劲撑篙,有的用长杆顶住桥洞的顶端,以防冲撞；还有人从桥上抛下绳索,以便挽住那支船,使它平稳地穿过桥洞；此外,邻近的一些大型船只和大桥上的好些人,也在一旁指指点点地帮忙助力;总之,从不同的角度,参加到这场紧张而富于戏剧性的同激流搏斗的斗争场面中去;画面是那样逼真,仿佛有喧哗之声从画面传来;画家通过这段精彩的描写,使整个画卷再次形成了一个热闹而紧张的高潮,避免了平铺直叙;同时,也是发掘和表现现实生活的戏剧和诗句,把平凡的生活变成了动人
的艺术; 桥面上的热闹场面,也是同样耐人寻味的;熙熙攘攘的行人,桥栏杆两边的售货的小商,凭栏闲眺的市民,使桥面显得人声鼎沸,热闹非凡;好像由于人多口杂吧,一些小小的纷扰发生了,骑马的和一抬乘轿的迎面而来,眼看就会撞车了,幸好骑马人急中生智,连忙把马头揪住,那匹马聚然一惊,头向下冲,才避免了一场交通事故;可是它影响到的前面的小毛驴,吓得跳了起来,又联动惊动了凭栏眺望的人们,打断了他们的闲情雅致,不得不回过头来把那小毛驴赶到了桥中间去;你看,这些细节的描写不尽丰富了生活的情趣,而且,也反应了画家对新城市的世俗生活的莫大兴趣;从这个角度上看,清明上河图具有市民文艺的特点,是反应市民阶层生活的伟大诗篇; 它的艺术构思,充分体现了中国传统的绘画方面的重要特点,它不是像西洋画一样,把视点固定于一定的位置上,而是采取“移动透视”或者“散透视”、“不定透视”的手法来处理构图方式,这种手法更具有灵动性;比如,虹桥上下,既画桥下,有画桥上, 室内室外面面俱到;画家的观察和表现物象的能力和技巧,实在是惊人的,它跳出焦点透视的局限,根据主题的要求和艺术的规律,虚实、节奏巧妙组织画面,并按照图画的需要,延长或者缩短上下上下左右的距离,更好地表现了画家的
创作意图;此外,它也将其广阔的生活画面活壮丽的山河景象,有头有尾地表现出来,充分地体现着中国古代劳动人民的艺术魅力;
美术鉴赏论文2000字(通用3篇) 论文一：对达芬奇《蒙娜丽莎》的艺术鉴赏 达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家之一，而他的作品《蒙娜丽莎》则是他最具代表性的作品之一。这幅画作是一幅肖像画，绘制于16世纪初期，目前收藏在法国卢浮宫。通过对 《蒙娜丽莎》的深入观赏，我们可以欣赏到达芬奇在绘画技巧和表现手法上的独特魅力。 首先，在绘画技巧方面，达芬奇运用了光与色彩的巧妙组合，使得画面显得十分生动。画中女子的面部充满了光影效果，而眼神中的微笑更是达芬奇的创作精髓所在。他通过运用细腻的笔触和渐变的色彩，使得画中的蒙娜丽莎仿佛具有生命力，能够和观者进行交流。此外，达芬奇还巧妙地运用了透视法，使得画面具有深度感，使蒙娜丽莎的形象更加立体。 其次，在表现手法方面，达芬奇以其深厚的艺术造诣展示了他对人物心理的独特洞察力。在画中，蒙娜丽莎的面容表情并非丰腴的微笑，而是一种微妙的、难以捉摸的神秘微笑。这种表情使得观者难以揣摩她内心的情感，给了观者更多的想象空间。这种不确定性与神秘感正是达芬奇追求的目标之一。他通过巧妙挑战传统肖像画表现方式，创造出了一种独特的艺术语言，使得观者能够在作品中感受到蒙娜丽莎内心深处情感的种种可能性。 最后，我们还可以从《蒙娜丽莎》中感受到达芬奇对于自然界的赞美和对于人类美的追求。画中的蒙娜丽莎身着一袭华丽的
礼服，头戴一顶菊花装饰的帽子，这些细节展示了达芬奇对于细节的精心雕琢。同时，画中的背景正是美丽的自然风景，这个细致描绘的背景象征着达芬奇对于自然世界的热爱与崇敬。达芬奇通过这幅画作将人类的美与自然美相结合，传递出对于真实与理想的追求。 总之，达芬奇的《蒙娜丽莎》是一幅艺术品，它展示了达芬奇卓越的绘画技巧和对于艺术的深刻把握。通过细腻的绘画技巧、神秘的表现手法以及对于自然与人类美的追求，达芬奇创造出了一幅极具魅力和内涵的杰作，给观者带来了无尽的欣赏乐趣。 论文二：对梵高《星夜》的艺术鉴赏 梵高是19世纪后期最重要的艺术家之一，而他的作品《星夜》则是他在画作风格和表现手法方面的代表作。这幅画作绘于1889年，以梵高的典型风格描绘了一个与现实世界相距甚远 的幻想世界。通过对《星夜》的深入观赏，我们可以欣赏到梵高对于色彩运用的独特见解和对于情感的深刻表达。 首先，在色彩运用方面，梵高以他特有的明亮和纯净的色彩吸引了观者的注意。整幅画作充满了强烈的对比，尤其是蓝色与黄色之间的对比最为鲜明。蓝色代表着宇宙的宏大与无垠，而黄色的星星则象征着生命的活力与希望。梵高通过这种强烈的色彩对比，打破了传统画作的拘束，创造出了一种奇特而异样的氛围。 其次，在表现手法方面，梵高通过扭曲和夸张的线条、形式和
美术鉴赏课程论文3000字范文(2) 美术鉴赏论文3000字篇4 浅谈美术欣赏课在素质教育中的作用 摘要:随着素质教育的全面深入,我国艺术教育近几年取得了很大的进步,美术欣赏课在学校整体的教育环境中,以其特殊的内容承担着人才培育中的特殊任务,不仅有助于提高学生的审美能力和艺术修养,而且有助于发展学生的创造力和想象力,有助于培养学生高尚的情操和形成健康的审美观?当教育步入素质教育时代,美术欣赏课在其中扮演着十分重要的角色,是加强素质教育的一项重要措施? 关键词:美术欣赏课、创造、审美、广博知识、人格境界 素质教育是指一种以提高受教育者诸方面素质为目标的教育模式,它重视人的思想道德素质?能力培养?个性发展?身体健康和心理健康教育?美术教育尤其是其中的美术欣赏教学在整个素质教育中有着其它学科无法取代的智育?德育?美育等多方面育人功能日益受到重视?虽然在九年义务教育阶段,美术欣赏课题只占百分之十到百分之十五随着多媒体使用信息量增大,学科课题综合化都必将大大拓展美术欣赏的容量?高中开设的美术欣赏课程以列为必修课程,以及大学美术选修课等构成全民的艺术素质教育,突现了美术教育在现代人才培养中的作用? 美术教育要在素质教育中找准位置就必须突出普及和审美二个方面,才能在新一轮教学改革中取得主动?不能认为开了美术课就是素质教育了,观念不转变美术照样搞应试教育(如重技巧?轻欣赏,重课外?轻课堂,重特长生?轻多数学生等)?美术教育要跳出低层次,实现其阶值就必须改变以掌握专业技法为主的教学模式,加强美术欣赏(既使是技能技巧教学也必须更多融入欣赏内容,对于特长生更应当重视美术欣赏及文化素养),纠正作为艺术教育的美术教学中普遍存在的两大顽症:艺术教育不艺术(套用其它学科教学模式无新意)?普通教育不普通(“重技轻理”过于强调专业技能)?使学生在学习赏评作品过程中建立完善的审美知识结构,提高艺术素养,形成健康?高尚的审美直觉和情趣,努力构建起新的适合素质教育的基础美术教育?
浅谈美术之“美” 对于一个绘画者，别人评价“画技”如何，也许只指绘画技巧。如 果别人评价“水平”如何，这“水平”二字就不止是技巧，更多的包括绘 画者的作品面世之后所引起的效应。当然，作品的面世效应还是起源于技巧，没有绘画技巧就谈不上绘画，也就无从谈起绘画者的意识和情感。这里先从技巧说起。在商业社会中，浮躁和投机的急功近利像苍蝇一样盘旋于当代艺术的各个角落，形成了庸俗文化、流行文化，在这样的背景下，潜心于绘画技巧的艰苦磨炼应该视作是成功之母。一分耕耘一分收获，一个绘画者，首先应该是一个绘画技巧的纯熟掌握者。 素描，是为正确地理解形体，也可以说是为了造型的方便，在特殊情况下，暂时避开色彩，用单色来塑造形体。素描是引导和锻炼初学者正确地观察形体和理解形体，并准确地将其描绘下来。理解物体的结构，打准轮廓，校正比例，掌握动态，刻划细部，这些都是造型的一般规律。色彩是绘画的重要因素，是绘画者传递感情的手段，正确地观察色彩，熟练地调配色彩，才能艺术地表现色彩。简单地说，要根据客观的色彩作为表现的依据，通过绘画者的感受和想象，用简练概括的笔调，强调鲜明生动的感受，加入你自己的想象，剔除那些重复繁杂的成分，从而使色彩更为鲜明生动。 这里说到色彩，并不是原模原样地照搬物体色彩，即把色彩归入绘画者的纯技巧，也不是一成不变地给物体“照像”，这里所说的“感受”、“想象”以及“剔除”已经加入了绘画者的主观因素。既然是造就艺术品，
首当其冲是绘画者的主观功能。可以说客观世界是冷漠的，只有通过绘画者的主观创造才可以注入温热。真实的一盘苹果和画上的一盘苹果，同时放进展厅，真实的苹果也许可以刺激看者的肚腹，而画上的苹果却能够引动观看者的轰然，引发观看者审美意识的飞翔，还可以引发观看者的探究心理。观看者流下的不仅仅是口水，画幅上色彩的跳跃、结构的虚实，甚至可以引发人们的呐喊，这就是艺术的魅力了。 办一个展览，绘画者与参观者虽然未曾见面，然而通过作品，绘画者与参观者却能够达到心灵的息息相通。绘画者的悲凄、哀伤、郁闷、愤怒、欢乐以及心灵的飘洒逸然，都能够通过作品传达给参观者，从而引起共鸣，这是造型艺术的功能。有人这样描述：“如果把造型艺术作品比作一面镜子，那么镜子里的映象就是创作者的意识和情感的投入，欣赏者可以从艺术作品这面镜子里获得映象所传递的信息，即艺术家创作中的意识和情感信息，从而受到一定的艺术感染。也就是艺术形象信息在审美主体意识和情感上的感应作用，使艺术家和欣赏者之间达到心理沟通。 作为绘画者，当是造型者，根本责任在于在自己的作品中注入独立的创新的意识和情感，才能够感动你的作品参观者；如若你的作品本身就清淡如水、轻薄如纸，要叫你的参观者喟叹不已、心神动荡是不可能的，正如民谚所说：打铁先得自身硬。为什么一幅好的艺术作品越看越爱看，越看越觉得美？为什么一首动听的乐曲会使我们激动万分、难以忘怀？是因为画家和音乐家把情感倾注于作品之中，通过自己的思想情感以心造境、以手运心，借景抒情，达到情景交融的美
美术鉴赏论文 ———清明上河图 摘要：清明上河图乃中国十大传世名画之一,它是北宋风俗画作品,该画卷是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品,全图可分为三个段落,展开图,首先看到的是汴京郊外的景物;中段主要描绘的是上土桥及大汴河两岸的繁忙景象;后段则描绘了汴京市区的街景;人物大不足3厘米,小者如豆粒,仔细品察,个个形神毕备,毫纤俱现,极富情趣;该画内容丰富,结构严谨,繁而不乱,长而不冗段落分明,在技法上,大手笔与精细的手笔相结合,善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意,又具本质特征的事物、场面及情节加以表现;写了北宋都城东京市民的生活状况和汴河上店铺林立、市民熙来攘往的热闹场面,描绘了运载东南粮米财货的漕船通过汴河桥涵紧张繁忙的景象; 关键词： 清明上河图是一幅具有历史价值的风俗长卷;作者张择端通过对清明节日北宁都城汴梁和以虹桥为中心的汴河两岸各阶层人物活动情景的描绘,集中反映了这一历史时期社会生活的一些侧面;清明上河图这一不朽杰作,无论从绘画艺术价值或从历史价值而言,皆堪称国之瑰宝; 清明上河图长525厘米,宽厘米,其中计有人物684个,牲畜96头,房舍122座,轿子8顶,舟船25只,树木124棵;清明上河图画卷,北宋风俗画作品;传世名作、一级国宝;清明上河图是中国绘画史上最着名的作品之一,不但艺术水平高超,而且围绕着它还流传下来许多有趣的故事;该图描绘了清明时节,北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光;作品以长卷形式,采用散 点透视的构图法,将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中,画中人物500多,衣
着不同,神情各异,其间穿插各种活动,注重戏剧性,构图疏密有致,注重节奏感和韵律的变化,笔墨章法都很巧妙;全图分为三个段落; 首段,汴京郊野的春光：在疏林薄雾中,掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟;两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴,向城市走来;一片柳林,枝头刚刚泛出嫩绿,使人感到虽是春寒料峭,却已大地回春;路上一顶轿子,内坐一位妇人;轿顶装饰着杨柳杂花,轿后跟随着骑马的、挑担的,从京郊踏青扫墓归来;环境和人物的描写,点出了清明时节的特定时间和风俗,为全画展开了序幕; 中段,繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽,商业交通要道,从画面上可以看到人烟稠密,粮船云集,人们有在茶馆休息的,有在看相算命的,有 在饭铺进餐的;还有王家纸马店,是扫墓卖祭品的,河里船只往来,首尾相接,或纤夫 牵拉,或船夫摇橹,有的满载货物,逆流而上,有的靠岸停泊,正紧张地卸货;横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥,它结构精巧,形式优美;宛如飞虹,故名虹桥;有一 只大船正待过桥; 船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆,以便船只通过;邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着 什么;船里船外都在为此船过桥而忙碌着;桥上的人,也伸头探脑地在为过船的紧 张情景捏了一把汗;这里是名闻遐迩的虹桥码头区,车水马龙,熙熙攘攘,名副其实地是一个水陆交通的会合点; 后段,热闹的市区街道：以高大的城楼为中心,两边的屋宇鳞次栉比,有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等;商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营,此外尚有医药门诊,大车修理、看相算命、修面整容,各行各业,应有尽有,大的商店门首还扎“彩楼欢门”,悬挂市招旗帜,招揽生意,街市行人,摩肩接踵,川流不息,有做生意的商贾,有看街景的士绅,有骑马的官吏,有叫卖的小贩,有乘座轿子的大家眷属,有身负背篓的行脚僧人,有问路的外乡游客,有听说书的街巷小儿,有酒楼中狂饮的豪门子弟,有城边行乞的残疾老人,男女老
关于美术鉴赏课程论文（8篇） 美术鉴赏课程论文篇1 1、形与神在艺术史上的源流。 形与神的关系在美术史上一直是一个连续讨论的问题。关于传神论早在汉代就有了萌芽，其代表就是刘安《淮南子》中支出作画勿“谨毛而失貌”，而当时著名的画家王 延寿则表示作画要“随色象类，曲得其情”.这些说法和观点影响到了后来的艺术工作者，并且为之后的“以形写神”的论点打下了的理论和实践基础。而到了东晋时期， 绘画艺术由“自发”转向“自觉”，而陶瓷雕塑也不例外，典型就是顾恺之的东晋画 家顾恺之提出的“以形写神”“，以神造形”“，传神写照”等论点，这些论点无不 显示出形神合一的理论特色，自此以后，形神合一作为中国美学的一项基本要求来确定。经历南北朝的青白瓷、唐朝的唐三彩、宋朝的五大名窑等的发展，在中国文化整 体大兴盛的前提下，艺术下的形神合一体系也到了又一个大总结的时期而代表就是唐 代的张彦远所说的“以气韵求其画，则形似在其间”.这样理论的完整化更是让中国的美学“气韵”表现形式更为人们所重“，气韵”也成为一件优秀艺术品不可缺少的条件。再加上当时儒家内敛化和佛道“虚无”思想的影响“，气韵”说更是得到了文人 士子们的支持成为之后艺术品的必须要求，甚至于到了后来有“得意忘形”的说法。 这些传统的艺术要求对于陶瓷造型同样有效，甚至于其更多的保留在历代陶瓷艺术中，一直到现在“形神合一”都是陶瓷雕塑审美的基本原则。 2、陶瓷雕塑中“形神合一”表现。 陶瓷雕塑其本质是一种三位体系的雕塑艺术。所以体、形是“实”，神是“虚”.对于陶瓷创作者来说，首先要考虑的就是体与形，在现有的技术利用，使外部空间与雕塑
实体有一个和谐的环境，在进行艺术创作时，在观察周围环境的情况下，进行一种合理的嵌入式的艺术，所以在一定形式上说。即精神之最高境界“始于形似，止于神似”.最后，在外部环境、雕塑实体与内在精神的三位一体的统一。而这些在我国古代一些著名的陶瓷雕塑也可看看出来，如在临潼的兵马俑中就很好地做到了三位一体，一方面利用大规模陶俑数量和军阵的.整齐划一的气势进行了与周围环境进行了一个很好的契合，再这样契合的情况下，甚至于是它们创造了一个外部环境，用这个适宜的外部环境下雕塑实体的精致程度也是无与伦比的，二者以军阵为桥梁连接在一起的时候就是其单个的军人精神与整体的军阵是精神融为一体，这样的一体化程度结果就是内在精神的直接显现，在显现的过程中又坚持了单个的军人精神。这样作品的神韵就越发强烈。思想性越深刻，主题越明朗，感染力也越大。 3、如何做到陶瓷雕塑造型形神合一。 让雕塑形神合一，不仅是许多陶艺家们的追求与梦想也是很多陶瓷雕塑爱好者们的一致要求，只有形神合一，才能给他们一个好的艺术欣赏体验，在这样的情况下，形神合一，必须找出一个可操作的办法。达到“形具而神生”的地步。但这些情况必须也要建立在造型美观的基础上，唯有如此才能有一个好的精神载体，只有这样的精神载体才能体现形神合一，才能满足其需要。 首先，要有准确且精致的造型，准确且精致的造型是进行形体创作的基本要求。造型的净值与准确与否直接影响到陶瓷雕塑的好坏程度，一旦造型失范，比例失调的那么造成的结果就是陶瓷雕塑神韵表达缺乏一个好的载体，即使有再好的精神内涵，也会被外部的问题所掩盖。因此，为了使精神能够得到最好的发挥，必须重视造型能力，进行一定时间一定量的培训。使创作者的造型能力得到进一步一定提高。
美术鉴赏论文2000字 3篇 绢本,重设色,纵 28.7 厘米,横 335.5 厘米,藏故宫博物院 顾闳中,江南人,五代时期南唐画院待诏。他绘制的《韩熙载夜宴图》,构图严谨精妙,人物造型秀逸生动,线条遒劲流畅,色彩明丽典雅,在技巧和风格上比较完整地体现了五代人物画的风貌。 五代十国(公元907-960年),在中国历史上是一个动荡、分裂的年代,而在绘画艺术上却是一个承前启后的重要时期。对意境的追求和对情趣的探索,使山水画与花鸟画得到新的发展,预示着绘画将由叙事状物转向抒情达意的更高层面。五代人物画也更为精进,融汇了秦汉的纯朴豪放,魏晋的隽永含蓄,逐渐将大唐的恢宏绚丽淡化疏朗简雅的风尚。然而人物画并未能摆脱“宣教化、助人伦”的世俗功能,要求生动地再现现实的事件和人物,在客观上直接促进了写实技巧的发展。从古代人物画中,我们不仅可以了解一些历史事件,还可以通过那些或禾农丽丰腴、或柔淑温婉的生动形象了解那个时代的面貌和人们的精神境界。 据《宣和画谱》记载,《韩熙载夜宴图》是顾闳中奉南唐后主李煜之命,夜至韩熙载的宅第窥视其夜宴的情景而作的。画中的主要人物南唐中书舍人韩熙载,出身北方豪族,避难来到南唐,李后主欲命其为宰相,而韩熙载见国事日非,不
愿担当此任,遂终日纵情声色,与宾客作长夜之饮,画中的其他人物也大多真有其人,如状元郎粲、和尚德明等,都是韩常的常客。画卷里,韩熙载虽放浪形骸,但始终双眉紧锁,难掩忧心忡忡。桌案都比较低矮,正是由席地而坐到垂足高坐的过渡时期,琵琶箫鼓、秀墩床榻,室内的陈设器物无不体现了时代的特点。现实主义的题材要求画家深入地观察生活,捕捉生活细节,目识心记,悉心体会,然后艺术地再现,把自然形态上升为艺术形态。 《夜宴图》采用了我国传统表现连续故事的手法,随着情节的进展而分段,以屏风为间隔,主要人物韩熙载在每段中出现。通过听乐、观舞、歇息、清吹、散宴等情节,叙事诗般描述了夜宴的全部情景。画家在构图上作了精心安排,每段一个情节、一个地点、一个人物组合,每段相对独立,而又统一在一个严密的整体布局当中,繁简相约,虚实相生,富有节奏感,图中三个屏风绝不雷同的处理方法体现了画家巧妙的构思。人物的趋向动势变化丰富,疏密向背有致,神态动静相宜,全图之势蓄于画卷之内,紧密而富有张力。第三段景物中安置了一枝烛台,红烛高照,点明了《夜宴图》特定的时间,而并不精心描绘夜色,这种中国传统式的意象表现手法与方式共同构成了一种“有意味的形式”。 画家对人物的刻画尤为深入,以形写神,显示出高超的艺术水平。五代人物画中肖像画的技巧前所未有地发展,顾
中国美术鉴赏论文15篇 中国美术鉴赏论文:对高中美术鉴赏教学的感悟 高中美术鉴赏作为一般高中阶段美术科目中的一个学习领域，是在九年义务教育阶段美术课程“鉴赏？评述”学习领域基础上向更高层次的拓展与延长。“鉴赏”与“鉴赏”这两个概念，只有一字之差，在现实生活中往往通用，两者好像并无多大区分。事实上，它们是有区分的。“鉴赏”一词的基本含义是“鉴别（或‘鉴定’）” 和“鉴赏”。“鉴别”是指对美术作品的真伪、创作年月、艺术质量之凹凸的识别与确定，或者是对各种美术现象、美术思潮的分析与评价。可见，“鉴赏”包括“鉴赏”，但不仅仅是鉴赏，它的内涵大于“鉴赏”。由此可见，美术鉴赏的学习活动，设计的范围要比美术鉴赏大，要求也更高。在学习过程中，应当更加发挥学习的主动性，更加深化地进行讨论性学习。在美术鉴赏过程中，鉴赏者是主体，没有同学们的主体行为，仅仅靠老师的讲授，就没有真正意义上的美术鉴赏活动。本文就是我在教学中的一些感受。 1. 美术鉴赏的客体与主体的审美关系 在美术鉴赏课中，美术鉴赏的客体与主体之间发生一种审美关系。一方面，客体对人的审美感知和体验，以及审美力量和需要的本质特性的制约；另一方面，由于客体具有审美价值，主体对其感知与体验必定表现为评价性；客体在主体心目中的地位和认可程度，都具有主体的评价标准和情感态度。高中生对美术作品的评价，最初都是以自己目前的审美标准来衡量其美与丑，过于自我缺少客观性，不能真正熟悉美术作品，更不行能
进行客观评价。虽说评价本身不能制造价值，但审美价值必需经过评价才能被熟悉和把握。在教学中，这种评价是多方位和多层次的，既可以是外部语言的表述，也可以是内心的评判。通过大量的审美感知和体验的沟通活动，渐渐使主体的评价标准与客体的审美价值相吻合，以达到鉴赏教学的目的。 鉴赏教学难于艺术实践教学，而现代作品鉴赏则更难。这或许由于在鉴赏传统的再现性作品时，有关史料和作品内容丰富了教学内容，符合了同学追求现实意识和阅历的需求，故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品鉴赏的着眼点不能直接为日常意识所接受，同学一时无法超消失实阅历和鉴赏习惯的局限性，因而使教学发生了困难。对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能达到的，审美意识的形成需要有个学习的过程。人们在鉴赏美术作品时对于具象、写实的作品几乎都能顺当地鉴赏。然而，对于抽象的作品却无法理解其内容，更不行能产生共鸣，很多学美术专业的同学在“毕加索”、“米罗”的画展上，都曾有过这样的疑问“这些画好在哪里？”“而不是提出“我感觉到了什么？”等评价性的看法，大多数都是乘兴而来败兴而去。造成这种状况的缘由是多方面的。但有一点是确定的，即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上，当面对着新的审美现象时，其评价标准就失去了有效性。 2. 艺术的审美价值与评价 2.1审美价值的客观性 艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的，具有客观性。在鉴赏中，
中国美术鉴赏2000字论文 篇一：中国美术鉴赏毕业论文 中国美术鉴赏 学号：20223206709 姓名：xxx 学院：计算机信息工程 元、明、清时期文人画获得了突出的发展，题材上山水、花鸟占有绝大比重。文人画强调抒发主观情趣，提出“不求形似”、“无求于世，不以赞毁挠怀”，不趋附社会大众审美要求，借绘画以自鸣高雅，表现闲情逸趣，涌现出难以数计的文人画家和作品，许多画家借绘画抒写高尚情操，发泄对黑暗腐败势力的不满，艺术上敢于突破陈旧成法的藩篱，注意师法自然，勇于创造革新。文人画注意笔墨情趣及诗文书法相结合的题跋。此一时期具有代表性的画家中，既有为正统文人画奉为典范的赵孟□、元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）、沈周、文徵明、唐寅、董其昌及“四王、吴、恽”，又有带有鲜明个性的徐渭、陈洪绶、朱耷、石涛及扬州八怪中的郑燮、金农等人。民间绘画的书籍版画插图和年画进入繁荣兴盛时期。 人物画在隋唐占主要地位。著名画家有阎立本、吴道子等。吴道子一生在京洛画寺观壁画300余堵，变相人物，千变万态，奇踪异状，无有同者，具有天衣飞扬、满壁风动和自然高出缣素的效果，世称为“吴装”。中唐周□善画天王和菩萨，创造了“水月观音”这一具有鲜明民族特点的宗教画新样式，一直为后代沿袭，被称为“周家样”。唐代人物画反映了当时的重大政治事件，如《步辇图》；有描绘功臣勋将的，如《凌烟阁功臣图》；相邻民族，如《西域图》、《职贡图》；皇室贵族，如《玄宗试马图》、《虢国夫人游春图》；文人雅士，如《醉学士图》。唐代山水画有着多种风貌，金碧青绿与水墨挥洒并行，专门山水画家日益增多，山水画即将进入成熟阶段。隋代展子虔所画山水具有咫尺千里之妙，唐代李思训、李昭道父子的山水画技巧上更有提高。而吴道子于佛寺壁上画怪石崩滩，达到“若可扪酌”的真实
有关美术鉴赏论文范文 学校通过美术鉴赏程的设置来潜移默化的培养和提升学生的艺术素养，这门课程的设置对于提高学生的综合素质的重要性不言而喻。下文是店铺为大家整理的美术鉴赏论文范文的内容，欢迎大家阅读参考! 美术鉴赏论文范文篇1 浅谈美术鉴赏《大宫女》 《大宫女》这幅油画创作于1814 年，它的作者是法国画家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔。安格尔创作的这一幅《大宫女》和其所创作的其他宫女题材的油画有着明显的不同，这一点从安格尔刻意将这幅作品命名为《大宫女》这点可以看出来。《大宫女》这一幅作品充满着独特的格调，安格尔在《大宫女》当中的用色更体现出浓厚的异国风韵，以及装饰性的美学考量。这一点也促使安格尔的《大宫女》和古典主义的油画美学之间产生一定的差别，无论是颜色，还有其腰身的比例，都和传统的西方古典主义油画艺术规则有所冲突，也正是如此，《大宫女》才能够很好地将观赏者震慑住，使观赏者受到这种美学的吸引，从而构建出独特的美学空间。 安格尔创作的《大宫女》在当时就已经有很大的争议，因为安格尔创作的《大宫女》之中，宫女的体型是如同平面几何一般，并没有充分和现实当中的女性身材比例进行衔接，这一点和西方油画一向来追求精益求精的写实风格之间就产生了一定的冲突。但是，这种夸张的比例，却能够很快地造成视觉上的关注，而且蓝色的背景与宫女的身体颜色之间的冲突不和谐，也造成了非常大的视觉冲击，这种颜色的对撞、人体基本身体结构出现的错位，代表着一种属于安格尔风格的审美。 安格尔创作的《大宫女》首先是一个明亮颜色和冷暗颜色之间的撞击对比。西方古典主义的油画创作过程当中，强调油画画面之中颜色与颜色之间的自然过渡，只有进行恰到好处的过渡，才能够更好地
中国绘画艺术浅谈 博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术文化、悠久历史的最佳词汇。一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在！ 从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！ 在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之，字长康，晋陵无锡（今江苏无锡）人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得”“以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的故事，《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化，他的画有敷染容貌，以浓色微加点缀，不求晕饰；笔迹周密，紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展，影响很大。
美术鉴赏论文范文 我对美术鉴赏的认识 对于美术鉴赏，每个人都有自己的一番独特见。我是建筑学的，对于 艺术的欣赏认识算是一种必须的学习吧。艺术资源博大精深，我们学习的 只是其中的一小部分。首先就让我谈一下自己对建筑艺术的认识吧。 从建筑方面来说，建筑美学以如何按照美的规律从事建筑美的创造以 及创作主体、客体、本体、受体的关系和交互作用为基本任务，其具体内 容是：建筑艺术的审美本质和审美特征；建筑艺术的审美创造与现实生活 的关系；建筑艺术的发展历程和建筑流派、观念和风格的发展嬗变过程； 建筑艺术的形式美法则；建筑艺术的创造规律和应具有的美学品格；建筑 艺术的审美价值和功能；鉴赏建筑艺术的心理机制、过程、特点、意义、 方法等。根据当前建筑艺术的发展趋势，重点是研究建筑美与城乡环境的 关系、建筑美的审美效应、建筑美与山水园林关系等。接下来就具体的对 我国的奥运会的水立方发表自己的认识。“水立方”位于奥林匹克公园B 区西侧，和国家体育场‘鸟巢’隔马路遥相呼应，建设规模约8万平方米，最引人注意的就是外围形似水泡的ETFE膜。ETFE膜是一种透明膜，能为 场馆内带来更多的自然光，他的内部是一个多层楼建筑，对称排列的大看 台视野开阔，馆内乳白色的建筑与碧蓝的水池相映成趣。这个看似简单的“方盒子”是中国传统文化和现代科技共同“搭建”而成的。中国人认为：没有规矩不成方圆，按照制定出来的规矩做事，就可以获得整体的和谐统一、在中国传统文化中，“天圆地方”的设计思想催生了“水立方”，它 与圆形的“鸟巢”，国家体育场相互呼应，相得益彰。方形是中国古代城 市建筑最基本的形态，它体现的是中国文化中以纲常伦理为代表的社会生 活规则。而这个“方盒子”又能够最佳体现国家游泳中心的多功能要求，
这学期，我们开设了美术鉴赏这门课，通过对这门课的学习，我有了很大的收获和体会，我发现美术是一种富有内涵，表现形式多样，意义深刻悠远的艺术形式。老师讲课的内容和上课的气氛让我觉得很愉悦，课堂上我也学到了很多知识，让我学会了如何真正的去欣赏一幅画，从它给人的第一直观感觉到它所真正表达的内涵以及再想象出画家在作这幅画的时候是什么样的心情。跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。 时代变迁，各个时代有它不同的主流艺术。欧洲文艺复兴时期，终于有人意识到人性的意义。以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，艺术家们创造了符合现实人性的崭新艺术。以意大利的达?芬奇、米开朗基罗和拉斐尔为首的14-16世纪的文艺复兴，为了回归人性的自由，他们高举古希腊古罗马艺术精神的旗帜，创造出的人物形象或雄伟健壮，气魄浑宏，或秀美典雅，高于平凡。艺术不再被教条所禁锢，人文的力量再一次被发扬出来。看着那个时代的不朽之作，即使是色彩不再光鲜，甚至不再完整，我依然可以想象出它们当年所能引起的轰动。同样在看到古希腊、古罗马的那些完美绝伦的雕塑时，我也一再惊讶于他们那天神一般让人只能仰视的造型。复兴，这个词的意义就在于告诉我们那一切曾经发生过，也会一直焕发夺目的光彩。在描绘教堂壁画的时候，米开朗基罗可以仰着脖子几天几夜，即使自觉已到极限，依然无法停下手中的创作；为了逼真的描绘人的肢体动作，达芬奇不惜去盗取人的尸体，只为了解人体的构造，在那样一个时代，这样做是难以被世人所认同的。对于达芬奇，似乎有一句很著名的话，说天才和疯子只有一线之隔。我并不十分赞同这句话。艺术创作不是每个人都能做得出来的。所以它们必定要经历某些不寻常的过程，而我们大多看到的只是结果。而且，就算是在做不是普通人会做的事情，他们很清楚他们在干什么。如果我们能够更加理解那些过程，我相信，这些艺术带来的将不仅仅是享受。尼采说，美术是日神的造物，而与之相对的酒神则是掌管音乐的祭司。前者有各种各样的限制，如颜色的调配，画布的尺寸，是一种节制的艺术。而在我看来，二者的美虽然在形式上有所不同，但它们都能带给人心灵的震颤。而那种美所带给人的享受，将拯救人于苦难的水火之中，甚至在人太过沉醉时发出警告——它总是在关键时刻告诉人们——这就是人类存在的意义。某一时期所发生的重大事件构成的时代特征，让那个时代的人选择接受什么样的艺术。因而如今你的我们在看美术的历史的时候，经常会看到这样的字眼：“17世纪出现了巴洛克美术”、“18世纪洛可可风格在法国兴起”、“19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期”。被主流大众所接受，才能流传至今的东西，被我们看成当时的艺术，而能够名留青史的却只有屈指可数的几人。因而有时我也会想，如果你发现了某幅因为种种原因而保存到现在的一幅画作，如果它的一切特征都在显示这是一幅印象主义的作品，而最终你被告知它完成于17世纪，而书上没有告诉我们17世纪曾经出现过印象主义。是不是想为那位不知名的画家叹息呢？但时代的作用是巨大的，这种情况我想也不会经常发生，首先就算有，因为当时不被认为是有价值的，因而连流传至今的可能都没有。更何况历史也会出现断层，我们能做的只是在欣赏过去的同时不断前进。当然，那些从事发扬美的画家，无论他们笔下的美是来自美好的事物或丑恶的事物——对于艺术家来说有时候丑恶中也有美存在，那种唤醒生命的，惊人的美。在他们的画中也有思考，哲学的思想，并不为所有人所理解的，而不仅仅是表现美的，当然对于理解它们的人来说那也许是美的。
美术论文范文3000字(通用7篇) 摘要：近年来学前教育专业深受社会各界的关注，随着各省市地区幼 儿园的快速发展，对学前教育美术教学方向的师资也提出了更高的要求和 期望。然而学前教育专业美术教学普遍注重绘画和手工技能，却忽视了对 学生美术鉴赏教学能力的引导和培养。本文以贵州省高职院校学前教育专 业美术鉴赏教学为研究对象，进一步探讨其中存在的问题与相应对策。 关键词：学前教育；美术鉴赏；幼儿教师 1、贵州省高职院校学前教育专业美术鉴赏教学的发展现状 随着社会的不断发展与进步，人们对待教育的观念也在不断地转变和 更新，其中幼儿教育的发展越来越受到社会的关注和家长的重视，家长更 希望自己的孩子在幼儿园能受到更好的教育。因此，作为培养幼儿教师的 摇篮，高职院校对幼儿师资的培养起着至关重要的作用。同时，学前教育 专业课程设计与开展引起了相关教育部门的重视。因为幼儿美术教育教学 是学前教育课程设计中的重要组成部分，同时也是艺术领域的重要分支， 能够比较直观地引起幼儿的兴趣。因为美术鉴赏教学与幼儿审美能力的提 升息息相关，是学前教育专业“幼儿美术教育活动指导”和“美术基础” 课程的重要组成部分，对其发展起着至关重要的作用。只有未来的幼儿教 师具备较高的审美和鉴赏能力，才能更好地组织幼儿美术鉴赏活动，从事 后期的幼儿教育工作，促进美育的进一步开展。目前贵州省有多所高职院 校开设学前教育专业，如贵阳幼儿师范高等专科学校、铜仁幼儿师范高等 专科学校、毕节幼儿师范高等专科学校和黔南民族幼儿师范高等专科学校 都开设了相关专业。笔者对几所贵州省高职幼师学校进行实地调研和走访，并且和多所幼儿园相关教师进行座谈和交流。通过调研得知学前教育专业
美术鉴赏论文：毕加索的艺术特色 引言 本文旨在探讨著名艺术家毕加索的艺术特色。毕加索是20世 纪最具影响力的艺术家之一，他以其独特的风格和创造力而闻名于世。我们将从几个方面分析他的艺术特色。 立体主义的突破 毕加索以其在立体主义领域的突破而成为艺术史上的重要人物。他在他的作品中以一种非传统的方式描绘了人物和物体，将现实世 界分解为几何形状的构成要素。通过这种独特的表现方式，他呈现 了多个角度和视角的同时存在，打破了传统艺术的局限性。毕加索 的立体主义作品展示了他对形式与结构的深刻理解，给观众带来了 全新的视觉体验。 颜色与情绪的表达 除了立体主义外，毕加索在色彩运用方面也有着独特的艺术特色。他善于运用大胆鲜明的颜色来表达情绪和情感。他通过色块的 巧妙组合和对比，创造出视觉上的冲击力。毕加索的作品不仅仅是
静态的图像，它们还通过色彩的运用传达出一种强烈的情绪，触动 观众的内心世界。 主题与符号的多样性 毕加索的作品涵盖了各种各样的主题和符号。他对人物、动物、静物等多种对象进行了艺术上的诠释。毕加索的作品承载了他对社会、政治、战争等议题的思考和关注。他通过使用符号和隐喻，对 现实世界进行了寓言式的揭示。这种多样性的主题和符号使得毕加 索的作品具备了丰富的内涵与深层次的意义。 结论 毕加索以其独特的风格和创造力在艺术史上占据了重要地位。 他的立体主义突破、颜色与情绪的表达以及多样性的主题与符号， 使得他的艺术作品引人入胜。毕加索的艺术特色激发了观众的思考 与想象，对后世艺术家产生了深远的影响。 > 注意：以上所述只是对毕加索的艺术特色的简要探讨，无法 穷尽其全部内涵。要对毕加索的艺术进行全面深入的鉴赏和研究， 还需要进一步阅读相关资料和作品分析。
美术鉴赏论文2000字 美术鉴赏论文: 独立维度下的艺术解读 引言： 在当今社会中，美术在人们日常生活中扮演着越来越重要的角色。无论是在博物馆或画廊，还是在街头巷尾的艺术装置或街头艺术中，艺术的存在都不可忽视。对于普通观众来说，理解和欣赏艺术作品往往是一件具有挑战性的任务。本文将尝试通过独立维度下的艺术解读方法，帮助观众更好地理解和欣赏美术作品。 第一部分：艺术作品的本质和形式 艺术作品是一种表达艺术家情感和思想的媒介。通过绘画、雕塑、摄影等形式，艺术家可以将其内心世界展现给观众。艺术作品的形式多种多样，每种形式都有其独特的表达方式。绘画作品通过色彩、线条和形状来表现艺术家的想法和感受，雕塑作品则通过材料的形态和立体感展示艺术家的创意和构思。观众需要通过细致的观察和品味来理解艺术作品的形式和构图。 第二部分：艺术作品的主题和意义 艺术作品的主题和意义是艺术家想要传达给观众的核心信息。主题可以是关于生活、自然、社会和人类等方面的思考和观察。意义则是艺术家对于主题的独到见解和感悟。观众需要通过对艺术作品的仔细解读和思考，去发现艺术家想要表达的主题和意义。在一幅描绘自然景色的画作中，艺术家可能想要表达自然的美丽和宇宙的奥秘。观众需要透过艺术家的视角去感知和理解这些主题和意义。 第三部分：艺术作品的历史和背景 艺术作品总是离不开历史和背景的影响。艺术家的生活经历和社会背景会在作品中得到体现。观众需要了解作品所处的艺术时期和流派，以及艺术家的个人和文化背景，来更好地理解作品的意义和创作动机。在文艺复兴时期的绘画作品中，艺术家对于人体和透视的刻画非常重要，观众需要了解当时的人文主义思潮和科学发展，以便更好地欣赏和理解这些作品。 结论： 美术作品是一门需要观众用心去体验和理解的艺术形式。通过独立维度下的艺术解读方法，观众可以更好地理解和欣赏艺术作品的本质、形式、主题和意义。艺术作品不仅是艺术家的情感宣泄，也是观众情感共鸣的媒介。只有通过深入理解和欣赏艺术作品，观众才能真正与艺术家对话，感受到艺术的魅力和力量。
关于大学美术鉴赏的论文 摘要： 美术鉴赏活动作为一种艺术审美活动，它的有效开展可以提升大学生 的艺术素质。在大学美术鉴赏教学中，教师应在艺术教育视野下从多方面 着手开展这一审美教育。要注重现实生活的融入，加深大学生对作品内容美、形式美及意蕴美的理解，注重让大学生抓住作品的内涵。 关键词： 大学生；艺术教育；美术鉴赏教学；审美教育；鉴赏能力；艺术素质从当前大学生的美术教育内容看，美术教育有着较强的功利性，忽视 了审美教育。在美术鉴赏活动中，一些高校教师并没有对美术作品的文化 内涵进行揭示，也没有整合美术作品的意义、内容和形式，这致使美术鉴 赏教学没能发挥其应有的教育作用。美术鉴赏活动作为一种艺术审美活动，它的有效开展可以提升大学生的艺术素质。基于此，本文对艺术教育视野 下的大学美术鉴赏教学进行研究，以期提高大学生的艺术素质。 一、注重现实生活的融入 现实生活是美术创作的源头，要想有效开展美术鉴赏活动，需立足大 学生的现实生活，让他们把目光投到实实在在的生活中，从中获得艺术真味。比如，在随处可见的平面广告、视频广告中，有一些具备一定艺术审 美价值的广告，教师可以多启发大学生，引导他们从中寻找和发现经典。 比如，美术作品《记忆的永恒》和《向日葵》以及《蒙娜丽莎》等以多种 形式融入了广告画中，不仅赋予了广告画极高的艺术价值，而且广告的效 益极好。此外，在开展美术鉴赏活动的过程中，教师可带领大学生参观生 活中的一些绘画作品展、建筑作品、雕塑作品等，让他们进行鉴赏和对比。
总之，大学生拥有一双善于捕捉的眼睛，便能抓住生活中随处可见的美的 事物。 二、加深大学生对作品内容美、形式美及意蕴美的理解 教师在实际开展美术鉴赏活动时，应选用有生活气息的美术鉴赏作品，也就是选择能直接反映社会生活的美术作品让大学生鉴赏。为了加深大学 生对作品的美的理解，教师应先让大学生了解作品所反映和折射的社会生活。比如，欣赏油画《大典》这一作品时，很多大学生不能理解这幅油画 的喜庆及庄严感，不能理解这一作品的内容之美。所以，为了让大学生体 会这一作品的庄严和喜庆，教师可播放《大典》的相关视频，并辅以适当 的讲解，帮助大学生理解这一作品所承载的中华儿女对国家的热爱之情。 此外，要引导大学生关注作品所具备的形式美。事实上，美术作品的种类 繁多，美术作品类型不同，形式美也有所不同。通常，美术作品可分为建 筑作品、工艺作品、雕塑作品和绘画作品等。而为了能够让大学生感受到 美术作品的形式美，就需让其了解各种作品形式的特点。绘画作品可分为 素描、水粉画、油画和国画等，不同的绘画形式也追求不同的形式美，比如，油画注重质感的浓烈、色彩的丰富和浓厚，而国画则强调用墨韵味以 及笔端变化。无论哪种形式的美术作品，其明暗、肌理、色彩、构造、点 线面等都可以对美术的形式美进行充分表现。所以，教师应引导大学生从 这几方面着手鉴赏和解读美术作品。另外，教师要引导大学生感受作品所 散发的意蕴。同文学作品一样，美术作品也需对主题思想进行表达，美术 作品所表达的主题思想越丰富，越能将深刻的意蕴美展现出来。美术作品 所拥有的内在意蕴，唯有用心欣赏才可真正体会。不同历史时期的美术作 品所追求和体现的内在意蕴也不同，所以教师应先让大学生抓住美术作品 所处时代的特征，再对美术作品的内在意蕴进行鉴赏。比如，鉴赏文艺复 兴时期的美术作品时，因考虑到文艺复兴时期有着浓浓的人文主义精神，
美术鉴赏论文2000字 美术：泛指执笔占有一定占有平面或空间，且具有可视性的艺术，就叫作美术。它的划分有多种，一般地包括四大门类：雕塑、绘画、 设计、建筑。现代有些学者也把其它的归纳入主要门类里，eg:书法、 摄影等。下面是美术鉴赏论文2000字，请参考！ 《韩熙载夜宴图》鉴赏论文 绢本,重设色,纵28.7厘米,横335.5厘米,藏故宫博物院 顾闳中,江南人,五代时期南唐画院待诏。他绘制的《韩熙载夜宴图》,构图严谨精妙,人物造型秀逸生动,线条遒劲流畅,色彩明丽典雅, 在技巧和风格上比较完整地体现了五代人物画的风貌。 五代十国(公元907-960年),在中国历史上是一个动荡、分裂的年代,而在绘画艺术上一个承前启后的重要时期。对崇尚意境的追求和对 情趣的探索,使重新得到文人画与花鸟画得到新的发展,预示着绘画将 由叙事状物转向抒情达意的更高层面。五代人物画也愈加精进,融汇了 秦汉的纯朴豪放,魏晋的隽永含蓄,逐渐将大唐的恢宏绚丽淡化疏朗简 雅的风尚。然而人物画并未能摆脱“宣教化、助人伦”的世俗功能,要 求生动地再次出现现实的事件和现实人物,在客观上直接促进了写实技 巧的发展。从古代人物画中,我们不仅可以了解一些历史事件,还可以 通过那些或菁莹农丽丰腴、或柔淑温婉的生动和了解那个时代的面貌 形象人们的精神境界。 据《宣和画谱》记载,《韩熙载夜宴图》是顾闳中奉南唐后主李煜 之命,夜至韩熙载的宅第窥视邸宅其夜宴的情境而作的。画中的主要人 物南唐中书舍人韩熙载,出身北方豪族,避难来到南唐,李后主欲命其为 宰相,而韩熙载见国事日非,不愿担当此任,遂终日纵情声色,与亲朋作 长夜之饮,画中的其他人物也大多真有其人,如状元郎粲、和尚德明等, 都是韩常的常客。画卷里,韩熙载虽放浪形骸,但始终双眉紧锁,难掩忧 心忡忡。桌案都比较低矮,正是由席地而坐到垂足高坐的过渡时期,琵
美术鉴赏课对提高学生的感知、审美、创新等能力有着重要 意义。下面是为大家整理的，供大家参考。 范文一：高中美术鉴赏教育中审美价值研究作为从事美术教 育的业内人士，我们都知道审美具有多层次、多方位的特征。因此，为了更好地提高高中学生的美术鉴赏能力和审美价值，美术 教师需要通过大量的审美感知和审美体验的交互活动来增加学生 的灵感，逐渐使学生主体的评价标准和客体的审美有机结合起来，培养他们在审美价值观。但我国高中传统的美术教育只重视对学 生绘画技能的训练和培养，却经常忽视学生鉴赏能力和审美能力 的培养，在一定程度上阻碍了学生在美学领域的全面发展。因此，加强高中美术鉴赏教育和审美教育的不容小觑。美术鉴赏教育和 审美教育，不仅有利于培养学生的审美能力，提高学生的艺术鉴 赏能力，还可以更好地丰富他们的审美情感，促进学生的身心健康，进而提高他们的文化素养。 一、改变传统的教学方法 为了更好地提高学生的审美能力和美术鉴赏能力，提高他们 的审美价值，高中美术教师必须改变传统的教学方法，始终坚持
以审美为核心。学校可以根据教学实际需要开设与审美价值相关的美学鉴赏课程，并采用灵活多变的教学方法，在激发学生鉴赏美术兴趣的同时，也能参与体验艺术美的过程;在高中美术教学评价方面，学校要注重评价的发展性和动态性，还要注重评价的多元化;在美术教学具体辅助方面，学校要积极创设一个良好的学习美术的大环境，以方便广大学生更好地学习美术、欣赏美术、鉴赏美术。此外，美术教师还要努力引导学生形成正确的学习方法和学习习惯，因为这是学生学好美术的重要保证。教师努力引导学生学会观察、学会记忆和学习思维，帮助他们活跃审美思维，这样才能使学生真正找到适合自己学习美术的方法，进而提高他们的美术鉴赏能力;教师要努力引导学生，使学生充分地表达自己对美术的感触和感想，表现自己对艺术美的享受;美术教师还要创设有趣的问题情境，恰当地运用幽默风趣的语言打破课堂的沉闷气氛，起到调节学生情绪的作用，引发他们鉴赏美术的兴趣，以更好地创造个性化的美术鉴赏教学课堂，帮助学生提升美术审美水平和审美能力。 二、帮助学生构建独特的审美角度