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论音乐剧的发展音乐剧是一种集音乐、舞蹈和戏剧于一体的艺术形式，它以音乐为主线，通过歌曲、对白和舞蹈来讲述故事。
自从19世纪末音乐剧诞生以来，它在世界范围内迅速发展，并成为了当代戏剧界的重要组成部分。
本文将探讨音乐剧的发展历程、特点和影响。
一、音乐剧的发展历程音乐剧起源于19世纪末的美国，最早的音乐剧可以追溯到1866年的《布莱克·克罗夫特》。
随着时间的推移，音乐剧逐渐发展壮大。
20世纪初，音乐剧开始在百老汇大量涌现，其中最具代表性的是《咖啡馆》和《吉屋出租》。
这些音乐剧以其精彩的音乐和故事情节吸引了大量观众。
在20世纪40年代和50年代，音乐剧经历了黄金时期。
这个时期的音乐剧作品包括《音乐之声》、《西区故事》和《卡米洛特》等。
这些作品在商业上取得了巨大成功，并对音乐剧的发展产生了深远影响。
随着时间的推移，音乐剧开始在全球范围内发展。
英国的音乐剧产业也逐渐崛起，其中最著名的是《悲惨世界》和《猫》。
此外，亚洲的音乐剧市场也逐渐兴起，如日本的《歌剧魅影》和韩国的《尼禄》。
二、音乐剧的特点1. 音乐剧是一种综合艺术形式，融合了音乐、舞蹈和戏剧。
它以音乐为主线，通过歌曲和舞蹈来表达情感和推动剧情发展。
2. 音乐剧的剧情通常以爱情、友情、家庭和社会议题为主题，通过歌曲和对白来讲述故事。
音乐剧的故事情节通常富有戏剧性和感染力。
3. 音乐剧的音乐风格多样，包括流行音乐、摇滚乐、爵士乐和古典音乐等。
音乐剧的音乐旋律优美动人，歌词富有情感。
4. 音乐剧的舞蹈是其重要组成部分，通过舞蹈来表达情感和展示故事情节。
舞蹈在音乐剧中起到了独特的角色，增强了观众的视觉享受。
5. 音乐剧的演员需要具备出色的演唱和舞蹈技巧，以及戏剧表演能力。
他们需要通过歌唱、舞蹈和表演来塑造角色和传达情感。
三、音乐剧的影响音乐剧作为一种独特的艺术形式，对社会和文化产生了深远影响。
1. 音乐剧为观众提供了一种全新的娱乐体验。
观众可以通过音乐剧欣赏到高质量的音乐、舞蹈和戏剧表演，享受到视听的双重享受。
2019年音乐剧真的热了吗2019年，音乐剧再度成为了社会热点话题。
在这一年，无论是国内还是国际，音乐剧在演出数量、受众群体和口碑影响力等方面都取得了长足的进展。
从《猫》、《音乐之声》到《悲惨世界》，从百老汇到西区，音乐剧的热度似乎达到了前所未有的高度，引发了众多人对于音乐剧热潮的关注和讨论。
那么，2019年的音乐剧到底有多火？究竟是什么原因让音乐剧成为当下的热门话题？本文将从不同的角度对这一问题展开深入探讨。
一、演出数量呈现爆发式增长与此国际音乐剧作品在中国的引进也大大增加，国内观众可以在不出国门的情况下，欣赏到来自世界各地的顶尖音乐剧作品。
这种“国际化”的趋势也为中国音乐剧市场注入了新的活力，让观众在欣赏音乐剧的也能够感受到不同文化的碰撞和融合。
二、观众群体多元化过去，音乐剧一度被认为是“高大上”的艺术形式，其受众主要集中在一些有文化底蕴和经济实力的城市居民当中。
随着经济水平的提高和文化娱乐消费观念的转变，如今的音乐剧观众群体已经呈现出了多元化的趋势。
在2019年，越来越多的青年观众被音乐剧所吸引，他们以其新颖的观念和审美需求，为音乐剧市场注入了新鲜血液。
随着音乐剧作品的不断丰富和多样化，各年龄段的观众群体也逐渐加入到了音乐剧的观赏队伍当中，形成了一种跨越年龄、地域和阶层的广泛受众群体。
这种多元化的观众群体成为了音乐剧市场的重要推动力，也为音乐剧市场的繁荣和发展注入了新的动力。
三、影响力逐渐增强2019年的音乐剧市场，除了在演出数量和观众群体上取得长足进展之外，其口碑和影响力也逐渐增强。
与以往相比，越来越多的音乐剧作品受到了观众和专家的好评，成为了社会热议的焦点。
由法国作曲家克劳德-米歇尔·勒东所创作的音乐剧《悲惨世界》在中国的演出一经开票便引发了轩然大波，不仅在演出期间取得了空前的票房成绩，同时也赢得了观众和专家对于音乐剧的高度赞誉。
这样的例子在2019年并不少见，一系列高水准的音乐剧作品在舞台上展现出了令人惊艳的艺术魅力，成为了社会热议的话题。
2024年音乐剧市场发展现状引言音乐剧是一种以音乐、歌唱、舞蹈和对话为主要表现形式的舞台艺术形式。
自20世纪初问世以来，音乐剧逐渐发展成为一种受欢迎的艺术形式，吸引了大量观众前往剧场观赏。
本文旨在探讨音乐剧市场的发展现状，并分析其未来的潜力和趋势。
发展历程音乐剧起源于19世纪的欧美地区，早期的作品以音乐和舞蹈为主要表现手段，剧本内容主要围绕浪漫爱情、社会问题和历史事件等展开。
20世纪初，音乐剧开始受到更多观众的关注，声名鹊起。
随着电影的兴起，音乐剧的发展进入了黄金时期，经典作品如《妈妈咪呀！》、《猫》等深入人心。
市场规模音乐剧市场的规模在过去几十年中呈现出稳定增长的趋势。
根据数据统计，全球音乐剧市场在2019年达到了约60亿美元的规模，其中北美市场占据了最大的份额。
与此同时，亚洲地区的音乐剧市场也呈现出快速增长的势头，特别是中国、韩国和日本等国家。
市场竞争随着音乐剧市场的不断发展，市场竞争也越来越激烈。
许多制作公司和剧场都在竞相推出新的音乐剧作品，力争吸引观众的注意力。
此外，音乐剧的进口和出口也成为市场竞争的一个重要方面，不同国家和地区的音乐剧作品在国际舞台上争夺市场份额。
消费者需求音乐剧的受众群体日益扩大，消费者对音乐剧的需求也不断增加。
观众对高质量的演出和精彩的剧情有着更高的期望，他们希望能够在音乐剧中得到全方位的艺术享受。
同时，年轻一代观众对音乐剧的喜爱也在不断增长，他们对创新和多样化的表现形式更感兴趣。
技术创新随着科技的不断进步，音乐剧表演中的技术应用也得到了极大的提升。
音响和灯光技术的发展为音乐剧的演出增添了更多的视听效果，剧场装置和舞台设计也变得更加精美和复杂。
另外，虚拟现实和增强现实等新兴技术的引入，为音乐剧的创新带来了新的可能性。
潜在机遇和挑战音乐剧市场面临着一些潜在的机遇和挑战。
一方面，随着互联网的发展和数字媒体的普及，音乐剧能够通过在线平台和流媒体服务触达更广泛的观众群体。
另一方面，市场竞争激烈和高成本的制作也对音乐剧产业构成了挑战，剧目选择和市场推广成为了制作公司需要面对的问题。
2024年音乐演出市场环境分析1. 引言音乐演出市场是一个充满潜力的行业，随着人们对艺术和娱乐消费的需求不断增长，音乐演出市场也呈现出日益繁荣的态势。
本文将对当前音乐演出市场的环境进行分析，并探讨其中的机遇和挑战。
2. 市场规模音乐演出市场在过去几年取得了稳定的增长。
根据相关数据，全球音乐演出市场规模从2015年的500亿美元增长到了2019年的700亿美元，年均增长率超过10%。
其中，中国市场是全球音乐演出市场的重要组成部分，具有巨大的潜力。
3. 消费者需求随着社会经济水平的提高，人们对艺术和娱乐消费的需求也不断增加。
音乐演出作为一种独特的文化娱乐形式，吸引了大量的消费者。
尤其是年轻一代消费者，他们对音乐演出的热情和参与度更高，推动了市场的不断发展。
4. 技术创新技术的不断进步对音乐演出市场的发展产生了积极的影响。
例如，虚拟现实技术和增强现实技术的应用为音乐演出提供了全新的体验方式，吸引了更多的消费者参与。
此外，互联网的普及也为音乐演出的宣传和销售提供了更广阔的平台。
5. 前景与挑战音乐演出市场的前景广阔，但也面临一些挑战。
首先，市场竞争激烈，各种类型的音乐演出活动层出不穷，消费者面临着选择的困惑。
其次，票价高昂和不确定的演出质量也可能影响消费者的购买决策。
此外，版权问题和市场监管也是当前音乐演出市场亟待解决的问题。
6. 市场发展趋势从长期来看，音乐演出市场有望继续保持增长。
随着音乐产业的发展，音乐演出将成为音乐产业链中最重要的环节之一。
同时，跨界合作也将成为市场发展的新趋势，将不同类型的艺术元素融入音乐演出中，以吸引更多消费者。
7. 结论音乐演出市场作为一个充满潜力的行业，具有广阔的发展前景。
然而，市场竞争激烈、票价高昂等问题也存在。
通过创新技术、改进演出质量、加强版权保护和市场监管，可以进一步推动音乐演出市场的发展，满足消费者对艺术和娱乐的需求。
音乐剧知识：如何从视觉效果分析音乐剧成功原因音乐剧是一种集合了音乐、歌舞、剧本等多种艺术形式的综合艺术表演。
在音乐剧中，主要采用了视觉效果进行表现。
而如何从视觉效果分析音乐剧成功原因，就是本文要探讨的话题。
一、服装设计在音乐剧中，服装设计是重要的一环。
良好的服装设计可以使演员更好地表现角色的情感和性格特点。
同时也可以为观众带来独特的视觉效果。
有些音乐剧中的服装甚至已经成为了流行趋势。
例如《猫》中的黑色紧身衣和猫耳朵、《狮子王》中的动物造型服装等。
这些独特的服装设计为音乐剧带来了许多的票房和粉丝。
因此，一个音乐剧是否有成功的服装设计，对于音乐剧能否成功非常重要。
二、舞台设计舞台设计是音乐剧成功的关键之一。
现代音乐剧舞台已经不再是单向的，而是更加复杂、多样化的舞台形式，它能让观众视觉上感受到更具魔力的世界。
舞台上的移动、转动、上升、下降、变幻着不同的景象，这可以营造出不同的气氛和情感。
例如由ANDREW LLOYD WEBBER创作的全球著名的音乐剧《猫》，它整个演出舞台就设计得像一只猫头骨。
当演员站在上面，整个演出就像是在讲述一个神话故事一样。
这种舞台设计给观众留下很深的印象。
三、灯光设计灯光设计是影响音乐剧的另一个重要因素。
灯光效果能够营造出不同的气氛、色彩和情感。
而在音乐剧中，灯光设计的作用则更加突出。
良好的灯光设计可以有效地引导观众的情感和情绪，让观众融入舞台中。
例如在歌剧《西区故事》中，灯光的变化能够很好地帮助观众理解情感的变化，随着音乐快慢或者情节的推进，灯光也随之变换，从而让观众有最直接的感受。
四、音响效果音乐剧中的音效是非常重要的。
音响效果的好坏直接影响到演出效果。
适合剧情的音乐、音响效果的组合，可以带给观众更加直接地情感、刺激、体验。
此外，还有经验丰富的音响师为音响效果提供更好的呈现。
五、转换转换是音乐剧的一个非常关键的部分，也是场景转换的一个重要环节。
在转换中，演员们的离场、铺设家具、布景等等都需要通过配合完成，这有助于让观众进入下一场景的情境，并进一步激发观众的情感。
音乐行业存在的困境与突破计划一、引言音乐是人类文明中不可或缺的一部分，它具有美妙的旋律和表达情感的力量。
然而，随着数字化时代的到来，音乐行业面临着前所未有的挑战。
本文将探讨目前音乐行业存在的困境，并提出相应的突破计划。
二、困境：盗版和数字化带来的问题1. 盗版侵权问题盗版成为摧毁音乐产业发展根基之一。
在互联网时代，轻松复制和传播音频文件导致了大量非法下载和在线分享活动，造成了巨大损失。
2. 数字化对唱片销售造成冲击传统流体唱片销售受到数字化技术推动市场扩张以及在线流媒体服务兴起等因素影响而减少。
这使得艺术家们变得更加依赖于巡回演出等其他收入来源。
三、困境：收入分配不公平1. 低收入艺术家压力增大在流媒体平台上进行数百万次播放可能只能带来微薄的收入，这使得很多艺术家难以维持正常的创作生活。
过度集中化的数字分发模式导致了音乐人和唱片公司之间不公平的收益分配。
2. 演出市场垄断问题大型演唱会市场被娱乐巨头所主导，有限的机会让中小规模音乐演出难以展开。
这种不公平竞争现象削弱了音乐行业多样性和艺术家发展空间。
四、突破计划：打击盗版与提倡合法付费1. 建立全球统一的版权保护机构各国政府应加强对知识产权保护力度，建立更完善有效的法律体系打击盗版。
音乐行业可以积极参与推动全球统一版本保护机制，在国际层面上协同合作解决侵权困扰。
2. 科技手段如数字水印等防止盗版引入更先进的科技手段如数字水印等进行文件身份认证，并与网络服务商合作监控非法传播行为，将侵权责任落到实处。
3. 推动建立公正透明的收益分配机制音乐产业各方应开展合作，建立公正透明的收益分配模式。
借鉴其他行业先进经验，以艺术家的利益为核心，确保创作者能够获得他们应得的报酬。
4. 多元化经营模式降低对演唱会依赖音乐人和唱片公司可以通过多元化经营模式来减少对巡回演出收入的依赖。
例如，推广音乐授权、商业合作以及音乐教育等领域发展新兴市场，并增加其他渠道的获利机会。
浅谈西方音乐剧长盛不衰的原因作者：张云峰来源：《青年文学家》2011年第10期摘要：音乐剧长时期受到各个国家人们的喜爱有其独特的原因。
西方音乐剧在其形成发展中受到了多种艺术形式的影响并不断的兼容并蓄，海纳百川，其与时俱进不断创新使这种艺术形式充满了活力，而其成功的运作模式更是使得其获得了巨大的商业利益，客观上促进了音乐剧的良性发展。
关键词：音乐剧发展表现形式创新运作我国的戏曲艺术在宋朝就已经确立，几百年来一直是我们中华民族在音乐方面的最高代表形式。
然而今天，戏曲已逐渐衰落，失去了往日的辉煌。
但是反观西方的音乐剧，从其诞生到现在已经一百多年，却一直受到各国人民的热爱，经典剧目常演不衰，新鲜剧目不断涌现，并造就了美国百老汇和伦敦西区两大音乐剧创作中心。
这不禁引起人们的思考：西方的音乐剧为什么能够？我们从其发展的过程中可以找到答案。
首先，音乐剧在发展的过程中兼容并包。
音乐剧是从musical翻译而来，从字面上理解，应为“音乐的戏剧”。
但在其发展的过程中，音乐剧不断博采众长，不断的吸收借鉴其他艺术的表现手法与形式，并将其巧妙地融合在一起，从而形成了今天这种以戏剧作为支撑，以音乐贯穿整部作品，以舞蹈等其他艺术形式作为重要的表现手法的一种全新的综合型舞台表演形式。
从其发展的宏观角度看，音乐剧曾受到了古典歌剧、轻喜剧、爵士舞、舞台美术等多种艺术形式的影响。
从戏剧方面看，其表现的主题涉及社会的各个方面，如表现爱情的《窈窕淑女》、《西区故事》，反映社会现实的《悲惨世界》、《雾都孤儿》，人物传记性质的《艾薇塔》、根据童话故事改编的《灰姑娘》等等。
从音乐方面来说，它既能运用通俗曲调又可运用古典的旋律进行，既能运用传统的管弦乐队来伴奏，又可以电声、爵士以及各类混编乐队进行编曲。
而舞蹈语汇也是如此，不管是芭蕾舞、踢踏舞还是迪斯科、现代舞，只要对作品表现力有所提高，都可以拿来运用。
甚至其他的艺术形式如杂技、魔术等，只要剧情需要就可拿来借鉴。
论音乐剧的发展音乐剧，顾名思义，集音乐和剧情于一体，通过表演者的肢体动作，舞蹈，人物间的对白，舞台效果，歌曲等把故事情节以及其中所蕴含的情感表现出来。
由于音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。
有关于音乐剧的起源，目前说法甚多，大约有以下几种观点: 一说音乐剧起源于欧洲19世纪古典轻歌剧和喜歌剧；一说起源于美国本土的由乡村歌曲、黑人灵歌与爵士音乐和流行歌舞拼装而成的歌舞杂耍；一说起源于19世纪英国人创造的“音乐滑稽剧”和“音乐喜剧”；另外还有一种“综合起源说”，认为音乐剧这种极为复杂的文化现象，不大可能仅从单一文化源流中生成，它必须从多种文化成分中吸取养料构筑自己的艺术血肉，因此它的形式来源必须是多元化的。
作者认为，所谓综合起源的说法可靠性比较大。
这是因为“综合起源说”不仅接纳了其它各说的成果，而且此说较其它各种说法更接近于音乐剧发展历史的实际状态。
而音乐剧进一步的发展按照时间的划分，可以分成以下几个阶段。
第一阶段，音乐剧的探索阶段。
这个阶段发生于十九世纪的美国，伴随着城市如雨后春笋在全美各地建立起来，于是应运而产生两种以城市观众为对象的娱乐形式：轻歌舞及其更为粗俗的姐妹剧种---滑稽表演。
由于滑稽表演比较低俗，不适合全家人一起观看，二十世纪七十年代倒似乎不够劲了，因而逐渐消失，轻歌舞逐渐占据了舞台。
轻歌舞剧后台老板中的知名人物托尼·帕斯特比在纽约市的百老汇开办了他的第一个剧院，保证“提供正当，干净的杂耍演出”，供全家人一起观赏。
他的这个想法轰动一时，很快就有几百个模仿者。
1900年轻歌舞剧成了全国性的。
历史上第一部“音乐剧”是约翰·凯的《乞丐的歌剧》首演于1728年伦敦，当时被称为“民间歌剧”，它采用了当时流传甚广的歌曲作为穿插故事情节的主线；而美国的第一部音乐剧当属《黑魔鬼》，即使是它被人评价为“高级而花费大的杂耍”。
美国人对音乐剧的兴奋和拥护“就像当年米兰人等待普契尼的新歌剧，或维也纳人等待勃拉姆斯的新作交响曲一般”，正因如此，音乐剧才能在美国有着进一步的发展。
2024年音乐剧市场调研报告1. 引言音乐剧是一种结合了音乐、舞蹈和戏剧元素的艺术表演形式。
近年来，随着人们生活质量的提高和文化消费的多样化，音乐剧市场逐渐兴起。
本报告旨在对音乐剧市场进行调研，分析音乐剧市场的规模、发展趋势以及影响因素，为相关企业提供参考和决策依据。
2. 音乐剧市场的规模音乐剧市场的规模是衡量该市场发展程度的重要指标之一。
根据统计数据显示，近年来音乐剧市场呈现出稳步增长的态势。
截至目前，全国范围内拥有一定规模的音乐剧院超过200家，每年上演音乐剧的演出场次超过4000场。
音乐剧市场的总产值也从2015年的10亿元增长至2019年的30亿元。
3. 音乐剧市场的发展趋势3.1 优质演出作品增多随着音乐剧市场的逐渐兴起，市场上演出的音乐剧作品数量呈现出增长的趋势。
同时，高质量的国内外音乐剧作品越来越多地引入中国市场，提升了观众的观演体验。
这为音乐剧市场的发展注入了新的活力。
3.2 文化消费升级带来观演需求增长随着居民收入水平的提高和文化消费观念的转变，人们对于精神文化产品的需求呈现出多元化、个性化的趋势。
音乐剧作为一种高雅、艺术性较强的表演形式，受到越来越多观众的喜爱。
这种消费升级的趋势为音乐剧市场的发展提供了广阔的空间。
3.3 城市化进程推动市场增长随着我国城市化进程的不断推进，二三线城市文化场馆建设不断扩张，音乐剧市场的拓展空间正在不断扩大。
越来越多的城市建设了专业的音乐剧院，并引入优秀的音乐剧作品进行演出。
这些新兴市场的崛起将进一步推动音乐剧市场的发展。
4. 影响音乐剧市场的因素4.1 政策支持与产业链合作政府对音乐剧市场的支持政策和相关产业链的合作，对音乐剧市场的发展具有重要意义。
政府可以通过出台相关政策，优化营商环境，降低市场准入门槛，吸引更多专业化的音乐剧团体和表演者投身市场。
同时，与酒店、旅游、餐饮等产业链的合作，可以形成音乐剧市场的完整生态系统，提升整体产业的竞争力。
音乐剧产业当下困境与振兴之道【摘要】音乐剧是融入了戏剧、舞蹈以及音乐的一门综合性艺术。
在20世纪80年代音乐剧传入中国距今已有几十年的历史了，在传播国外音乐剧的同时，赋有中国特色的音乐剧也被创作出来，近年来中国音乐剧也逐渐形成了自己的文化产业链，但是在开展过程中面临了很多的问题。
本文先是分析了中国音乐剧当下所面临的困境，然后针对这些问题提出一些解决措施。
【关键词】中国音乐剧；产业困境；解决方案1中国音乐剧的开展中国音乐剧在早期是没有自己的民族特色的，只是将美国百老汇的经典音乐剧以及英国的歌剧照形式搬上中国的舞台，但是这些音乐剧不被中国观众所接受。
后面一些中国音乐人将引入的作品进行改编，融入了一些中国元素，渐渐地获得局部观众的认可。
尽管如此音乐剧在早期的中国还是不被群众所熟知，但是通过后来一些音乐剧制作人的努力，含有中国元素的外国音乐剧被中国观众所认知，例如，通过改编的?妈妈咪呀?上映以后几乎场场坐满，紧接着一些中国音乐人开始尝试外乡的音乐剧制作，但是由于经验的缺乏导致自主创作的音乐剧举步艰难，直到后来?蝶?、?三个橘子的爱情?、?钢的琴?这些作品的相继问世，中国的原创音乐剧才有了开展。
音乐剧虽然有了几十年的历史，也形成了自己特有的文化产业链，但是在开展过程中也面临着许多的困境：在我国音乐剧十分缺乏专业性的人员，例如音乐剧的编创人员、专业的演员以及制作人，对于这些专业性的人员也只能从舞蹈、音乐以及戏剧学院的相关专业里培养，但是这些专业出来的人大多从事影视圈，还有一些那么是出国学习，很少有人从事音乐剧行业，这使得音乐剧在专业性人才方面一直面临很大的缺口，再加上音乐剧只会在大学的课程里学到，我们国家的中学都不曾对于音乐剧这方面相关知识的培养，导致错失不少发现，培养音乐剧人才的时机。
1.2专业型剧场的稀少，本钱价高，资金短缺在我国音乐剧演出剧场受地域的限制，经济较为兴旺的北上广地区的剧场数量远远大于经济较为落后的地区。
影响音乐剧行业发展的几大外因(2013-09-13 22:16:29)转载标签：分类：产业解读音乐剧妈妈咪呀猫产业文化这些年来，业界一直在谈论和期待着音乐剧的春天。
春天的标志是什么大约得有一个量化的指标。
以个人的看法，至少偌大的中国，五部音乐剧同时上演，或者至少，一个城市里，三部音乐剧同时上演，连演三个月以上。
做到这些，大约算得上音乐剧的春天吧。
事实上，这些指标虽然只是一些预设，却不苛刻，百老汇与伦敦西区不能比，即便韩国与日本，也早已将这些指标远远地超越了。
前一段时间看文章，谈到互联网行业很多强大的跨国公司，如雅虎、谷歌、易趣等，纷纷在中国遭遇落败，而且都败给了本地同质化的公司。
这些声名显赫的跨国公司，在其他国家发展得大多兴旺，唯独在中国落败，是何原因如果只是一两家，也许是经营问题，但集体落败，不免令人感到与“更大的因素”有关了。
由此联想到音乐剧行业近些年来的发展，似乎也碰到这样的问题——作为西方舶来品的音乐剧及其运作模式，在中国多少有些水土不服。
拿上海来说吧。
十几年来，上海引进多部海外经典音乐剧，证明了其市场是全国最好的，为此很多公司萌发了在上海开始音乐剧产业化的雄心壮志。
可多年过去，无论原创还是本土化，大型音乐剧能长演三个月以上的一部也没有，更不用说三部大戏同时长演了。
也就是说，上海的音乐剧产业还远未成型，其他城市更不用说了。
值得留意的是，一家落户上海本地的音乐剧制作公司，两年里陆续推出《妈妈咪呀》和《猫》中文版，第三年又推出改编自韩国的音乐剧《寻找金钟旭》和《公主的盛宴》中文版。
这一系列举措，可谓成果丰硕、阵势不小。
但是，如果将其反响与当年亚洲各国相比较，会发现巨大差异。
30年前的日本与十几年前的韩国开始音乐剧本土化的时候，属于爆发式增长，即一经上演后，多个城市长演不衰，随即音乐剧的产业模式开始落地生根，枝繁叶茂。
而我们的音乐剧本土化的反响，相比就小得多，更谈不上爆发式。
首轮演出一两个月，依靠一系列宣传，尚有不错反响，到了第二轮，情况便会明显弱于前一轮，到第三轮，会更弱，显得后继乏力。
换句话说，我们的音乐剧环境缺乏惯性消费，只要不大做宣传，就难以引发市场长期自发购票的状况。
原创音乐剧是如此还情有可原，因为创作的提升非一日之功，即便日本和韩国，音乐剧产业已经不小，但原创的成果依然不大。
但奇怪的是，同样是本土化制作，同样制作的品质也不错，走着相同的发展模式，为什么结果却不相符而这发生在一个拥有巨大人口与市场，按理说应释放出几何倍数的市场能量的国土，为什么这些状况不免令人感到与“更大的因素”有关了。
马云说“赢在细节，输在格局”，我深以为然。
在竞争激烈的格局下，内因是细节，做不好，同类的竞争中就赢不了。
但如果大格局不成熟，细节做得再好也是不够的。
所谓水道才能渠成。
这世上无论一个行业还是一个人的作为，都离不开背景与平台，而这所谓“更大的因素”便是决定了一个行业能在什么平台上讲话，也决定它在某一历史阶段下可能发展成什么样子。
本文并非唱空音乐剧产业，只是在经历多年所谓业内工作后，深感行业内的很多问题，根源其实在行业外。
本文便是试图对这“更大的因素”做一些解读与分析。
在此之前，先谈一谈音乐剧自身的行业特点。
首先，音乐剧是小众的高消费娱乐行业。
与其他舞台艺术一样，音乐剧一周最多八场，场次有限，而一个剧场能容纳的观众数量一般在2000人以内，也是有限的。
与电影可以同时在全球无数屏幕放映相比，与电视可以同时在无数电视机上播放相比，与网络可以跨地域多点的播放与下载相比，音乐剧显然是小众的。
正因为小众，在带来独特的现场感官体验的同时，也决定了观众需要花费比其他娱乐产品更高的代价才能享受得到。
这在国外也是一样的。
观赏一部歌剧或音乐剧，票价就是比电影贵很多。
百老汇和伦敦一部音乐剧的票价，大约就是电影的4至12倍。
如果我们希望音乐剧的票价尽可能低，那唯一的办法就是让它尽可能地长演，摊薄运营成本。
但即便如此，音乐剧的票价远高于其他大众娱乐产品，是这个小众娱乐行业的特点。
其次，音乐剧不是赚快钱的行业。
相比于电影与电视，音乐剧的回收周期要长得多，投入资金却不低。
特别是如今的大型音乐剧，动辄上千万，甚至几千万。
这些年来，百老汇的音乐剧投资上亿的也不少见。
这些音乐剧成本之高，甚至需要一个剧场天天满座连续上演好几年才能够收回。
如果拿音乐剧的单日票房和电影大片相比较，则不是一个量级。
像《狮子王》、《剧院魅影》、《悲惨世界》、《女巫》等经典作品，标榜票房收益几亿甚至几十亿美元，但不要忘了，那是在几十年的漫长岁月中，在全世界无数家剧场靠一点一滴的票房积累而成的。
我们可以说，在西方，音乐剧一旦获得成功，钱赚起来可能比较稳定和长久，但绝不快。
第三，音乐剧是专业人才密集且需要持久付出的行业。
音乐剧不像电影或电视的从业人员，再辛苦再累，拍完就完了，一散了之，音乐剧需要拴着一群专业人士长期为之服务。
很多情况下，创作与制作是充满热情与期待的，而开演后，进入运营阶段，才是真正磨人的开始——固定不变的运营成本、演职人员的不稳定、巡演的联络与场地的布置、宣传推广与票务营销······等等，使得剧目持续上演反倒成为挑战。
从工作状态看，演职人员每天重复同样的桥段，对耐力也是一种考验。
最终，这些“艺术工作者”们，必须将自己的工作职业化，如同朝九晚五上班一样，投入热情，不报幻想，才能持久。
因此从另一方面说，音乐剧这个行当很难依靠大明星，明星可以玩票，但长时间投入是少见的。
更不用说大多数明星演不了音乐剧。
第四，音乐剧需要特定的传播渠道——剧场。
剧场决定了音乐剧这一娱乐产品的表达范围和表现方式。
没有剧场，音乐剧无从上演，没有可供长期演出的剧场，大多数音乐剧也将难以收回成本。
百老汇和伦敦的好剧场永远是紧俏的，特别是地段好、设施佳、人流量又高的剧场，往往会成为优秀剧目竞相争取的对象。
中国的情况则更为复杂，剧院业的发展极不均衡，虽然大型城市的核心剧院依然紧俏，但除此之外的很多城市，因为缺乏成熟的市场和有效的管理，剧场闲置的现象很普遍。
上述这些音乐剧的行业特点，也是音乐剧这一艺术门类区别于电影电视与网络娱乐的行业特点。
从感受上说，音乐剧的最大优势，在于独一无二的现场感，但从商业模式看，其弱点也在于现场感。
现场感制约了表达的方式、传播的途径、受众的数量，如果是大型制作，也制约了成本的回收。
结合上述因素，大致可以理出这个行业在商业上成立的依据：1. 为数不小的资金；2. 足够优质的剧目内容；3. 足够专业和稳定的演职团队。
4.可供长期演出的剧场。
最后第5个因素，也是最重要的——足够多的观众购票。
前四个要素——资金、剧目、演职团队、剧场，是这个行业的内部因素。
近些年来，原创音乐剧与经典音乐剧本土化制作纷纷出炉，有些品质还不低，其实足已证明内在因素虽还不够完善，但已不成为音乐剧制作的重大障碍。
问题在第五个要素上——是否有足够多的观众购票这涉及到行业的外在环境，也就是所谓“更大的因素”，这是本文所要讨论的重点。
本文认为，有六大外部因素对音乐剧甚至整个演艺行业产生着巨大影响，制约了行业的发展空间。
外因一：产业结构不合理，挤压了文化行业的空间过去几十年里，在改革开放的政策背景下，凭借人口巨大红利，我们成为了世界的制造工厂，也激发出巨大的投资与消费市场。
特别是近十几年来，以资金密集型的房地产业与金融业维持着经济快速增长的同时，能源消耗、投资拉动、低附加值制造的弊端也日益严重，产业结构的日趋不合理已成为不争的事实。
而文化产业恰恰仍在各产业中处于弱小地位。
2012年国家统计局数据显示，中国文化产业所占GDP（国民生产总值）比重虽然持续上升，却仅为%。
而美国2010年文化产业占其GDP近16%，英国2010年文化产业占其GDP的%，日本为7%，韩国为%，均大大高于我国。
如果按城市比较，纽约与伦敦的文化产业可占到城市GDP的1/3以上，东京占22%，首尔占14%，对比2011年北京占近11%与上海占%，我们的差距是巨大的。
文化行业是人才的行业，这个行业的成长需要产业内部资源的相互支持与流动，当其所占整个社会的盘子小时，大格局就难以形成，高质量的从业人员和相关资源就会缺乏。
如同一个池塘和一个湖泊，所容纳的鱼的种类、数量、大小必然是不同的，更不用说音乐剧在中国的文化产业中，是属于极小的部分。
你可想过为什么在纽约和伦敦一经发布音乐剧演职人员的招募信息，就能排起长队，而且参选的人来自各行各业，而在上海和北京却不行这从一个侧面，已经说明了行业大与小的差异。
外因二：收入分配不均，多数人可支配收入低这些年中国的贫富差距呈越来越大的趋势。
据2012年《中国家庭金融调查报告》显示，中国家庭储蓄率分布极不平均。
55%的中国家庭是没有或几乎没有储蓄的，而高收入家庭的储蓄率却占到社会财富的85%。
这样的财务状况，直接决定了大多数国民的可支配收入，对于音乐剧这样的相对高成本消费的娱乐门类会产生很大影响。
据上海市统计局显示，2012年上海城镇居民可支配年收入为40188元，居全国之首。
但不要忘了，因为收入分配的巨大差异，它的真实情况是小部分有钱的人和一大批穷人的平均值。
以笔者所见，刚大学毕业的年轻人大都是月光族。
而多数刚结婚的年轻人，在40岁之前，仅住房一项就可能占据其支出的大头。
一部平均票价300元以上的音乐剧，一买就是两张，有那么多钱消费吗再往大里说，根据《2011年中国薪酬报告》，2011年中国国民收入占GDP的40%，这被认为远低于合理标准。
按国际标准，合理的国民收入一般占GDP的60%以上，也就是说，政府和企业拿走的GDP不会超过40%，而在中国是颠倒的，且近些年，这趋势还在拉大。
因为人口众多，算到人均GDP时，差距就更明显。
2011年北京市的人均GDP是东京的1/17、纽约的1/8和伦敦的1/7，可见财富被不合理地一次分配后，再度被人口稀释。
也有人说如今是国富民穷，是有一定依据的。
我常听到国人（特别是年轻人）抱怨演出票价高。
其实也可以反过来说，他们抱怨的是自己可支配的收入太低。
虽然舞台艺术的票价远高于电影，在全世界都一样，虽然音乐剧有它独一无二的现场感，但在这样的收入状况下，放弃4至12部电影的代价来只为看一部音乐剧，是需要很大勇气的。
外因三：剧场消费习惯尚未形成习惯这东西，看似不实在，要改变起来还真要点时间。
如今大多数中国老百姓还没有进剧院看戏的习惯。
在传统，看戏是中上层社会的专属享受，近代北京天津上海也曾有过一段时间，市民阶层喜欢在剧场唱唱小曲听听戏，但这些买票看戏的传统在解放后，特别是文革之后，就被中断了。
几十年来，剧院行业伴随着文艺院团国有化，多数是在计划体制下发展的，看戏不要钱，在过去是常态。
