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高中音乐-《C大调前奏曲》-教学设计（学习版）编制人：__________________审核人：__________________审批人：__________________编制学校：__________________编制时间：____年____月____日序言下载提示：该文档是本店铺精心编制而成的，希望大家下载后，能够帮助大家解决实际问题。
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巴赫十二平均律由前奏曲和赋格曲构成卡农其中一个声部由另一个或另几个声部进行模仿，同一旋律在依次进入各声部中上下交叠，戈尔德堡变奏曲30个变奏每三个变奏为一组古典主义音乐代表人物：海顿莫扎特贝多芬还有勃拉姆斯奏鸣曲呈示部、展开部和再现部变奏曲《热情》第二乐章如何做变换《热情》，作品第57号。
作于1804年至1806年间。
f小调,第二十三号钢琴奏鸣曲。
这一奏鸣曲是贝多芬所有作品中最富激情的一部，充满斗志的“热情”像巨浪一样澎湃起伏。
贝多芬认为这是自己最好的一首钢琴奏鸣曲，并献给他的崇拜者弗兰茨·勃伦斯维克伯爵。
“热情”的名称是汉堡出版商克朗茨所起，由于它确切地说出了该曲的本质，因此沿用至今。
评论家们把该曲比作“火山的爆发”、“火山般的奏鸣曲”、“花岗石河床中的火流”，总之，离不开火一样的热情。
作者关于“热情”的内容说过：“去读一下莎士比亚的《暴风雨》吧。
”这首奏鸣曲所表现的悲剧性的深刻、矛盾冲突之激烈和斗争之顽强，都是史无前例的。
贝多芬的观点-人的意志和智慧必将战胜大自然，与这首奏鸣曲所表达的热情奔放、英雄主义的思想正是吻合的。
第二乐章稍快的行板，降D大调，3/4拍子，变奏曲形式。
乐章主题使人感受到作者那激进而满怀斗志的精神，整个乐章渗透着一种乐观主义情绪。
这一乐章继续表现了作者的深刻的思考。
与第一乐章的热情形成鲜明的对比，表现灵魂并没有被痛苦折磨死，仍能够享受美感，并陶醉在美妙的理想境界中。
赞歌式淳朴的主题后面，跟着三个变奏，节奏逐渐活跃，描写从沉思中活动起来的心灵，克服了痛苦、不安和失望，意志又坚强起来；但现实是无情的，战斗就在眼前了。
第一乐章很快的快板，f小调，奏鸣曲式。
第一主题所拥有的庄严肃穆气氛，由于附加了《第五交响曲》的开头动机而加强。
然后由第一主题的动机和激动的和弦，引出经过部，连续展开“命运”动机。
第二主题是充满光明与希望的旋律，与第一主题形成鲜明对比。
这个乐章反复强调“命运”主题与第二主题的对比，形式上很像是《第五交响曲》第一乐章。
对于复调的高级形式赋格来说，不仅包括主题还包括答题，主2、变奏手法作品的发展还包括变奏，通过对其时值、节拍、速度等的改变SONG OF YELLOW RIVER2020/ 21以下是三连音的快速变奏：除了以上手法，旋律的发展手法还包括逆行、扩充、紧缩、模进或者卡农式模进来进行模仿，这些手法让旋律更丰富，织体更高级，让主题不断发展发展在发展，却又从来没有脱离主题。
所有作品都是运用这些发展手法进行发展，这些手法是音乐作品创作的先驱。
（二）对位手法巴赫的写作用到的复对位技术，是巴赫每首曲子的点睛之笔，首先巴赫的对位处理是完全严格遵循音乐对位法则的，不仅如此，巴赫通过对音符音程上下关系的控制，使得曲子变得更生动，更多彩，更缤纷绚丽，体现了独特的艺术色彩。
1、二声部复对位以上为常见的八度二重原位对位和转位对位，我们可以看出音程还是严谨的以三度和六度为主处理，运用了延留音，当然延留音的使用是有道理的，延留之后必须下行进行级进解决，从而体现出从不协和到协和的处理，也给人一种满足的心理感受。
这种手法也一直沿用到现代作品之中，现在学习钢琴的孩子们练习的车尔尼599中好多曲子都是运用这种复对位处理来写作。
2、倒影对位以上为巴赫运用比较多的倒影对位，通过以第三级音为轴，从而使得乐曲中的主功能音和属功能音交换位置，这是一种对位手法，同时也是一种优秀的发展手法，可以在主题节奏不变的情况下，让听者聆听主题旋律上下声部互换，功能对置的不一样的艺术效果。
这种倒影对位也对现代作品做出了巨大的影响，这种手法可以广泛地运用在现代作品中，更加完美的实现功能转换和扩展。
（三）和声的运用巴赫的作品中经常出现一些七和弦、九和弦，并擅长运用离调和弦巧妙地进行离调或转调，巴赫在赋格曲的写作中，没有直接单单地运用主调思维，但是其中还是包括主调元素的。
[7]巴赫用的最多的就是留音技法了，体现了和声风格的大胆创新，甚至影响到了古典主义的几个音乐家。
其实现在好多作品的和声都非常的和谐，不敢采用一些复杂的和弦，巴赫的和声技法的运用真的需要我们好好借鉴，不仅是在钢琴曲领域，在艺术歌曲，流行歌曲的和声中也可以好好运用这些七和弦、九和弦和离调和弦，使得作品的和声变得更加的灵活和多彩。
专辑英文名: Bach: The Well-tempered Clavier (Book I & II)专辑中文名: 巴赫：十二平均律曲集（上下卷）别名: The 48艺术家: András Schiff古典类型: 室内乐发行时间: 1986年05月22日地区: 英国简介:资源码率：256K专辑介绍：一、十二平均律《平均律钢琴曲集》（48首前奏曲与赋格）是巴赫键盘音乐中最伟大的作品，这套作品是巴赫音乐创作的峰巅，彪罗（Hans Guido Von Büllow)把它比喻为音乐上的《旧约圣经》。
平均律的标题乃巴赫所起。
平均律是一种律制，它对自然律进行修正，将八度音程分为十二半音的调律法，以便于转调。
这种调律法虽在18世纪已被提倡，但一直未予以重视、首先采用这种方法运用于全部二十四调的音乐家，就是巴赫。
在巴赫之前，菲舍尔（Johaun Kaspar Fisher，1665—1746）曾作过二十调的《前奏曲与赋格》（作于1702年）。
《平均律钢琴曲集》一共两卷，各24首。
第一卷BWV846—869；第二卷BWV870—893。
在第一卷的扉页，巴赫作有这样的说明：“《平均律钢琴曲集》（48首前奏曲与赋格）使用一切全音和半音的调，和有关的三大度do、re、mi，小三度re、mi、fa作成的前奏曲和赋格曲集。
这不仅能给热心学习音乐的年轻人提供一个机会，也能使熟悉此类技巧的人从中获得乐趣。
”前奏曲与赋格或幻想曲与赋格，井不是古老的曲种。
这种曲体起源，可能是自由的即兴部分与赋格曲部分所交替的多段体的托卡它。
托卡它的创世者可能是梅鲁洛(Claudio Merulo，1533－1604)，梅鲁洛的托卡它是把对位方式部分放在中间的三段体。
后来，弗洛贝尔格(Johann Jakbb Froberger，1616—1667)等，把即兴性的第三部极端缩小，把第二部赋格曲扩大，最后把第三部删去。
把第一、第二部分开，就产生了前奏曲与赋格。
浅析巴赫《无伴奏大提琴第一组曲》的音乐特征1. 引言1.1 介绍巴赫《无伴奏大提琴第一组曲》《无伴奏大提琴第一组曲》是德国巴洛克音乐大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫创作的一部杰作。
这部曲目共有六个乐章，包括预奏曲、阿莱格罗、科拉尔、萨伸巴、米努特和吉格等不同形式的乐章。
作曲于1720年，被认为是大提琴曲目中的经典之作。
巴赫的《无伴奏大提琴第一组曲》在音乐史上具有极其重要的地位，它不仅展示了巴赫卓越的作曲技巧，还突显了巴赫对大提琴音乐的独特理解和创造力。
这部曲目融合了复调、对位法和巴赫独特的和声风格，充满了复杂的音乐结构和丰富的音乐内涵。
巴赫的《无伴奏大提琴第一组曲》被认为是大提琴音乐的典范之一，它展示了巴赫对于音乐形式和结构的深刻理解，同时也展现了巴赫对于旋律、节奏和和声的精彩处理。
这部作品不仅是巴赫的代表作之一，也是巴洛克音乐的杰作，被广泛认为是大提琴曲目中的精华之一。
1.2 目的和意义巴赫《无伴奏大提琴第一组曲》作为大提琴曲目中的经典之作，具有重要的音乐历史意义和艺术价值。
这首曲子的存在不仅为大提琴曲目的发展贡献了重要的作品，更为音乐创作和演奏技巧的发展提供了宝贵的素材和启示。
通过深入分析和解读这首曲子，我们可以更好地理解巴赫的音乐风格和创作思路，同时也可以感受到他在音乐构思和表现技巧方面的独到之处。
研究巴赫《无伴奏大提琴第一组曲》的音乐特征不仅可以拓展我们对音乐作品的认识和理解，还能够为我们提升音乐欣赏和演奏技巧，促进音乐文化的传承和发展。
通过对这首曲子进行深入的分析和探讨，我们可以更好地领略巴赫作为音乐大师的卓越才华和创作魅力，同时也可以为音乐教育和演奏实践提供宝贵的参考和借鉴。
2. 正文2.1 曲目概述约2000字。
【曲目概述】：《无伴奏大提琴第一组曲》是德国作曲家巴赫创作的一部无伴奏大提琴组曲，是大提琴乐曲中最著名的作品之一。
该组曲一共包含了六首乐曲，分别是前奏曲、阿勒曼德、科拉坡、诺曼迪、布里雅和吉戴。
中国作曲家前奏曲与赋格
《中国作曲家前奏曲与赋格》是一本专门展示中国作曲家创作的前奏曲和赋格曲目的音乐专辑。
这里以著名的中国作曲家吕绍恩为例，他的《钢琴大赋格》是这张专辑中的重要作品之一。
吕绍恩是一位在音乐创作和教学上都有杰出成就的音乐家。
他生于1935年山东青岛，小学五年级在当地教会学校接触音乐学钢琴，高中时开始自学二胡、小提琴。
他在中国民族音乐的创作和教学上都有着深厚的造诣，尤其值得一提的是他的代表作《狼牙山五壮士》，被《中国大百科全书音乐卷》、《中国音乐词典》等列为新中国当代琵琶名曲之一。
而他的《钢琴大赋格》正是我国音乐事业的重要补充，甚至可以说填补了一项空白。
这部作品从艺术质量和社会意义来看，都为我国的音乐事业增砖添瓦。
《钢琴大赋格》的创作灵感来源于巴赫和贝多芬的作品。
熟悉音乐史的人都知道，巴赫在1749年曾拟以自己的姓氏“BACH”为主题写一首《管风琴大赋格》，但因他翌年去世而成为永远的遗憾。
而在贝多芬去世的前一年，他完成了巴赫的遗愿，写出了《弦乐四重奏大赋格》。
这是迄今为止西方音乐史上惟一一首大赋格作品。
而在1962年，吕绍恩填补了这个空白，成为第一个写出第二首大赋格的中国作曲家，这中间跨越了136年。
总的来说，《中国作曲家前奏曲与赋格》是一张展示中国作曲家独特音乐视角和深厚音乐造诣的专辑，吕绍恩的《钢琴大赋格》只是其中的一部分。
如果您对中国的现代音乐或者赋格曲式感兴趣，这张专辑将是一个很好的选择。
f大调前奏曲与赋格教学F大调前奏曲与赋格是巴赫的代表作之一，也是音乐教育中的经典之作。
本文将从教学角度出发，介绍F大调前奏曲与赋格的基本知识、演奏技巧以及教学方法，帮助学生更好地学习和演奏这首经典作品。
一、基本知识F大调前奏曲与赋格，是巴赫在1722年所作，收录于《平均律钢琴曲集》中的第一卷。
前奏曲与赋格相互独立，但是又联系紧密。
前奏曲的乐曲结构清晰，音乐风格严谨而富于变化，整个曲目有序而完整。
赋格部分则以主题为基础，展开了一系列的旋律和节奏变化，极富于技巧性和艺术性。
二、演奏技巧1. 前奏曲部分（1）手指技巧：前奏曲部分基本上采用了全音阶和半音阶的运用。
在演奏过程中，需要注意手指的力度和灵活度，尤其是在跨度较大的音程上。
需要反复练习，逐渐掌握。
（2）节奏感：前奏曲的节奏感比较强，需要注意节奏的准确性。
在演奏过程中，可以先把节奏和强弱关系练习好，在加上速度，达到更好的演奏效果。
2. 赋格部分（1）主题：赋格部分的主题是整个曲目的灵魂所在，需要注意强调。
同时，在后续旋律的展开过程中，还需要注意保持主题的清晰度和连贯性。
（2）技巧：赋格部分的演奏需要较强的技巧性。
需要注意的技巧包括：手指的准确度、变化的节奏和速度、需要跨度较大的音阶、以及需要掌握的不同强度和节奏的运用等。
三、教学方法教学F大调前奏曲与赋格，需要兼顾基本知识和演奏技巧。
建议采取以下教学方法：1. 分析和讲解：在教学前，可以先对乐曲进行分析和讲解，帮助学生更好地了解曲目的结构和内容。
2. 练习和演奏：在教学过程中，要求学生反复练习和演奏，特别是需要注意的技巧和节奏变化。
可以分阶段进行，逐渐加深难度。
3. 听取意见：在教学过程中，需要听取学生的意见和建议，及时修改和改进教学方法，使教学更加有效。
总之，F大调前奏曲与赋格是一首经典的音乐作品，它不仅具有艺术价值，也是音乐教育不可或缺的一部分。
通过合理的教学方法，可以帮助学生更好地学习和演奏这首曲目，提高他们的音乐素养和技巧水平。
巴赫复调音乐作品风格特征研究作者：杨天成来源：《中国民族博览》2020年第08期【摘要】巴赫是巴洛克時期最伟大的音乐家，是欧洲音乐史上里程碑式的人物之一。
巴赫复调音乐风格独特，具有强烈的艺术魅力，其作品丰富多彩，充满情感，旋律优美、乐思完整，影响深远。
本文通过深入浅出分析巴赫复调音乐作品风格特征，旨在提示巴赫复调音乐爱好者、学习者明白学习巴赫复调音乐的重要性，了解巴赫复调音乐的风格特征，掌握巴赫复调音乐的演奏技法。
同时，期望通过本文可以帮助巴赫复调音乐爱好者、学习者提高演奏水平。
【关键词】巴赫；深入浅出；巴赫复调音乐作品；演奏技法【中图分类号】J631.3 【文献标识码】A一、关于巴赫与巴赫复调音乐作品巴洛克时期是西方音乐史的过渡时期，这期间诞生的作品都是极具张力的，充满戏剧性。
歌剧与宫廷乐的风靡，影响着巴洛克时期音乐的发展。
巴洛克时期的音乐具有强烈的宗教气息，因为那时的宗教音乐对西方音乐的发展起到了很大的作用。
巴赫是巴洛克时期最伟大的音乐家，是欧洲音乐史上里程碑式的人物之一，他毕生创作的无数作品影响至今。
巴赫的复调将传统音乐与民族音乐相结合，创造了独具风格且具有强烈艺术魅力的音乐作品，他的作品丰富多彩，充满了情感和人文精神，旋律优美，堪称复调音乐的典范。
二、巴赫复调音乐作品风格特征许多初学者在学习复调音乐时对其定义是很模糊的，其实很简单，假设你设想了一个优美的旋律，但是旋律单一，因此你可以采用两种方法来处理：第一种方式是通过旋律加伴奏的形式，把主要旋律渲染出来；第二种方式是旋律在纵向上叠加另一个或更多的旋律，并且这些旋律中的地位基本上都是一样的，那么，简单来说，第二种方式便是复调音乐。
（一）充满人文主义精神巴赫出生在巴洛克后期，当时流行的古典音乐深深影响着巴赫的音乐创作。
巴赫信仰宗教，他的作品蕴含着深刻的宗教哲学。
巴赫有着坚定的意志、甘于奉献的精神，这种精神在巴赫的艺术作品中体现得淋漓尽致。
他的作品从多元化的角度反映了18世纪德国市民们的人文精神。
巴赫《小提琴无伴奏奏鸣曲及组曲》赏析一、巴赫简介约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的音乐诞生在巴洛克的大时代背景中。
他的作品主要是在教堂和宫廷中创作的：1708-1717年，巴赫在魏玛担任宫廷管风琴师和室内乐演奏家。
这一时期，他对管风琴做出了巨大贡献，并钻研了意大利的弦乐音乐。
1717-1723年，巴赫在科腾宫廷任职，创作了大量器乐及室内乐作品，成为他新风格的形成期。
此时期的作品有：《布兰登堡协奏曲》、《六首无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲》、《平均率钢琴曲集》等。
1723-1750年，巴赫在莱比锡托马斯教堂任职，创作了大量宗教及世俗康塔塔、三部宗教清唱剧、弥撒曲、经文歌、受难曲，如《狩猎康塔塔》、《圣诞清唱剧》、《ｂ小调弥撒曲》、《马太受难曲》等。
在巴赫生命的最后几年，他潜心完成了《音乐的奉献》和《赋格的艺术》，为音乐的进步与发展做出了巨大贡献。
巴赫是代表巴洛克音乐高峰的最著名的作曲家，由于他一生杰出的创作活动和对音乐艺术发展所做出的巨大贡献。
在世界音乐史上，巴赫素有“音乐之父”的美称。
巴赫全面地继承吸取了前辈和同辈大师的创作技巧，融会贯通地加以发展和创新，他的作品几乎涉及到当时的所有音乐体裁，内容严肃深刻，技术完美创新，形式丰富多样，将复调创作推向了顶峰。
对此．贝多芬曾评价“巴赫是大海”。
二、《小提琴无伴奏奏鸣曲及组曲》在巴赫众多的作品中有一部作品，对小提琴艺术有着不可估量的贡献，那就是被称为“小提琴圣经”的《小提琴无伴奏奏鸣曲及组曲》，巴赫在其中融人了丰富的和声与对位法，使小提琴这一旋律性乐器在独立、没有其它乐器伴奏的情况下演奏出不可思议的多声部复调音乐。
小提琴的音响功能得到了最大限度的挖掘，呈现出宏大富丽的音响和无穷的艺术魅力。
这也全面地完善和提升了小提琴的演奏技术。
同时巴赫独特的音乐风格与深刻的音乐思想内涵在这部作品中所揭示的美学诉求与哲理思辨，使其具有重大的训练价值和深远的研究意义。
《巴赫十二平均律》上卷前奏曲的演奏与教学研究（下）作者：魏虹来源：《乐器》 2019年第10期文／魏虹第二部分（第18小节）开始，以低声部与高声部的八度对答开始，主动机从左手低声部强奏（f）领衔，随后高声部弱奏（p）应答，很快高低声部又互换位置，音乐充满追逐与对比。
第26～34小节以二重对位方式把第9～18小节进行了声部交换，由高声部对主动机进行模进发展，音乐跌宕起伏，最后主动机在高声部坚定地重归主调（第35小节）再现，一派生机勃勃的景象。
这首前奏曲的第17小节和第34小节中的波浪线记号( )代表终止式颤音。
在巴洛克风格的乐曲中，装饰音与附点节奏相结合的形式，演奏需要明确两点：（1）巴洛克时代的一个颤音，不论它出现在音乐的任何地方,都应该从骨干音的上方邻音始奏。
如第17小节、第34小节的颤音应从骨干音f1的上方g1和b1上方的c1开始，在音乐中，由不和谐音向和谐音解决的效果是最富表现力的声音，这种颤音效果是当时表现内在激情的一种重要方式。
（2）巴赫时代经济富足、文化繁荣，人们生气勃勃，处处夸张情感，事事讲究气派，当时的附点节奏弹法就是个例子。
演奏者不仅有添加装饰音的自由，还有变换节奏的一定自由。
为了创造出流畅的风格而缩短附点节奏，或是为了制造清脆的节奏感而延长附点节奏音符。
如第17小节、第34小节都属于后者，需要延长附点音符f1和b1。
J.J.匡茨在《论巴洛克长笛的演奏方法》一文中提到这种附点音符的阐释，他认为：“附点音符增加了音乐的宏伟感，演奏附点音符的时候务必要有力。
附点延长，而紧随其后的那个音演奏得要快”。
如第17小节、第34小节的e1和a1都可弹奏地快些，表现出乐曲夺目、瑰丽、辉煌的情感。
五、咏叹调式咏叹调（aria）即抒情调,这是一种配有伴奏的一个声部或几个声部以优美的旋律表现出演唱者感情的独唱曲。
巴赫将这种以一个优美旋律为主，加以各种处理的乐曲运用于前奏曲中。
上卷第4、8、10、16、22首属于此类，以第8首为例。
巴赫《C大调前奏曲与赋格》艺术特征研究 摘要：本文主要分析巴赫《C大调前奏曲与赋格》的艺术特征,让演奏者对这首曲子有一个比较直观的理解，并且通过演奏技巧分析进行分析,以便能更好的演奏这首作品。 关键词：巴赫；前奏曲；艺术特征；演奏技巧
1 引题 《圣母颂》是一首充满着一种高雅圣洁的氛围和气息悠长的旋律的圣歌，这首歌曲的伴奏部分其实就是巴赫所写的一首钢琴曲《C大调前奏曲》。曲子的写作手法很简练，也很有特色。自始至终采用十六分音符，分解和弦如流水一般地缓缓流淌，而和弦的变化就像色彩在变幻。在相对稳定的节奏和速度上，那音乐就像珍珠一样串联起来，细腻人微的变化给人多么丰富的遐想。 巴赫(1685-1750年)被誉为“欧洲近代音乐之父”，他对欧洲音乐贡献很大，其中一个很重要的贡献就是创作了十二平均律。虽然在巴赫已经有人发现了平均律的理论，包括我国明朝时期的朱载育。然而真正在音乐上将平均律付诸实践的却是巴赫，他将八度音程平均分为十二个音来调律，使得音乐的转调变得非常简单和方便。他因此创作的《钢琴琴平均律曲集》(48首)便成为现代钢琴音乐的圣经，在音乐史上具有举足轻重的作用。巴赫分别在1722和1742年写成的《钢琴平均律曲集》(两集)就是这样的作品。在写第一集的时候，他在乐谱上便标明:为了使好学的年轻人从中得到启发，让他们在这些技巧中消遣”。在第一套曲集中，最开始的曲子就是这首《C大调前奏曲和赋格》。曲子有前奏曲和赋格两个部分，人们熟悉的就是前面的部分，即前奏曲。尤其是通过19世纪法国作曲家古诺在这个前奏曲上写了一段天衣无缝的旋律，并填上歌词后，成为流传极广的独唱曲。有人还喜欢将钢琴部分用竖琴来代替，更加反映出音乐的圣洁和高雅气质。音乐家莱曼听完这首音乐说: “它就像是奥林匹亚宁静、晴朗的太空一样的清澈。”这大概是对巴赫的《C大调前奏曲》最绝妙的评价了吧。
2 《C大调前奏曲与赋格》的音乐特点及艺术特征 巴赫的C大调前奏曲采用琶音形式的织体，并以此贯穿全曲。节奏上几乎没有变化，分解和弦在每一小节都反复出现一次(除了终止)。全曲无明显的旋律;和声节奏保持一小节使用一个和弦，乐曲使用的和弦及和弦序进关系属共同手法时期的类型，即以三度叠置的自然音体系上的三和弦和七和弦，并采用强功能根音序进关系，外音使用在乐曲中不多见。
2.1 和弦结构及序进关系 《C大调前奏曲与赋格》使用的主要是自然音体系的三和弦及七和弦，以三度叠置，之中也使用了离调性和弦，和弦之间的序进关系当然是传统风格，采用了线式和声的写法，注重横向线条流动，纵向音响具有任意性，偶合的结果中有三度叠置和弦，也有非三度叠置和弦;序进关系是非功能性的，先有旋律后有和弦。不过，有些地方我们还可以看到传统和声手法在作曲家心中的痕迹，如第7小节，低音B*e的进行，用传统手法清晰表明了新调性的确立及一个段落的结束。
2.2 曲式结构分析 全曲34小节,为单乐段曲式结构。全曲由三个构第一乐句(第1-8小节),是作品的“起”句;第二乐句(9-24小节),在第一乐句的基础上作较大规模的扩充,成作品的高潮和核心部分,起着类似发展中部的作用;三乐句(第25-34小节)与第一乐句形成呼应,最后两节的琶音让音乐情绪慢慢平静下来,起着尾声的作用,而形成“合”句。整个乐段一气呵成,具有典型的无穷效果。可见:“优秀的艺术作品,必然有着深刻的思想内和完美的艺术形式,正是这二者的有机统一,才使得艺具有令人惊叹的感人魅力。
2.3 调性布局 第一乐句(第1-8小节),除第6小节因重属和弦的使用而发生离调外(见谱例1.1),基本维持在主调上,结束在属和声上,作开放进行。第二乐句的基本调性仍然在C调上,虽第16-20小节因模进手法的应用,采用了大量的变化音和弦作声音的色彩性变化,但从低声部的调性布局看这些极多的变化音未对调性的变化构成实质性的影响,主调特征非常明晰。第21-25小节是C主向G属再到C主方向的离调,这种离调手段的灵活运用,构成全曲的高潮也是乐曲在调性布局上的亮点,充分展示了肖邦扎实的创作功力。第三乐句采用主持续音的创作手法,未作调性变化,虽第33小节只有一个和弦和调性稳定,最后在两小节的琶音中结束全曲。
2.4 和声发展手法 巴赫在浪漫主义和声色彩的发展上,批判地吸收了传统古典功能和声的精华,不但非常注重和声的功能性倾向,更注重和声色彩性的综合运用。为后来的印象派、近现代派及无调性音乐的发展做出了有益的借鉴。用灵活多变的和声发展手法来最大限度地发挥和声的色彩功能,谱写了一曲曲辉煌大气、色彩斑斓、荡气回肠的举世佳作。在“浓缩的精华”———前奏曲创作过程中,和声手法的运用同样也不例外。使用了由离调、调式交替及变和弦所产生的大量变化音和弦。虽这三种形式产生的变音和弦在其和声功能上是有区别的,如离调变音和弦的功能性是副调的功能属性,它不但没影响主调的巩固反而产生了向着主调更多的倾向力,但变化音和弦本身的功能及倾向性在主调的构架之下,一般是不会产生变化的。以这首作为整部作品“开场白”的C大调前奏曲中,在和声的综合应用及发展手法上,也是标新立异,大胆探求新的和声发展方法。他理性认识到莫扎特、贝多芬为古典和声的发展所作出的巨大贡献,同时也深知他们在这一领域已经达到的“珠穆朗玛峰”般高度,开拓和声新的功能方向已成为他这个特殊创作时期的必然。他为尝试在作品中向下属关系的离调及下属功能脱离属功能直接进入主功能所产生的全新和声色彩而兴奋不已,以致这种变格进行的手法成为描述浪漫气质和扩充材料而采用的固定模式和潜规则。如作品的第14小节,这个bB变化音,为和声色彩的转化可谓立下了汗马功劳,也为后来情绪的进一步推进直至高潮部的出现做出了不可磨灭的贡献。虽然离调对于浪漫派音乐来说并不是新鲜的,古典主义音乐中离调也非常常见,但到了浪漫主义时期由于追求表现“暧昧、浪漫与谦和的气质”,运用就相当普遍了。如作品的第13—20小节,由于使用了大量的离调模进,不但产生了极多的变化音和弦使和声色彩有点耳目眩晕、眼花缭乱之感,更对推动高潮部在“黄金分割”点的出现,做出了极有价值的铺垫。这种既是扩充手段,又是色彩性用法,还不影响和声的功能倾向和一气呵成的语感之“一箭四雕”式用法,就是在那个时期这种体裁的创作中,或许也只有巴赫才能达到如此的艺术创作境界了。第三乐句虽然只用了一个主和弦,但通过音区、力度、速度、和声层厚度等变化,居然没有任何的枯燥感,简直就是创作中的又一奇迹。 2.5音乐主题材料发展手法 对于《前奏曲》中的每首小品来说,其“乐思”或“主题材料”的短小凝练都是非常突出的。这首《C大调前奏曲》主题乐思仅仅只有一小节,这不能不说是音乐创作和曲式实践中的一种创举。这种把凝炼之乐思纳入微型曲式的做法,是“把一切不必要的东西全部去掉了,只剩下最根本和必不可少的东西”。第一乐句(第1-8小节),虽主题乐思只有短短的一小节,将这各自相对独立的“八颗珍珠”制作成价值连城的稀世珍宝,使其气息十分宽广,优美如歌,并高度器乐化。第二乐句(第9-24小节)是第84一乐句的变化重复,有较大规模的扩张。表面看,这些重复似无特别之处,但通过细细分析我们发现用一连串令人几近窒息的模进手法,把音乐情绪逐渐推向高潮。第三乐句(第25-34小节),仍然用主题乐思开头,但巧妙地用织体变化手段,对中声部以加厚处理,来表达他那种“剪不断理还乱”的无限愁思。音高材料的处理方面，《C大调前奏曲》使用的是古典主义时期偶尔使用半音的自然音阶体制，典型的七声性语言，音阶中的主、属及下属各音都体现出明确的功能，使用的音高材料在不同段落各不相同。而不协和音的使用及外音的处理方面，《C大调前奏曲与赋格》中不协和音的使用有严格的限制，外音要得到解决，而且与小节是同步的。而本特松的作品中，使用不协和音成为主流。乐曲开始处，外音在不同时间段解决，体现了不同步性;而后我们看到，不协和音响成为独立的存在。 3 浅析巴赫《C大调前奏曲与赋格》的演奏技巧 此曲第一乐章为柔板, 3/4拍,主旋律是连续的附点节奏,有一种宁静中又带有动力的节奏感。演奏时应避免节奏上倾向停止不前的感觉,这是由于在拉慢板节奏时,演奏者容易将附点音符演奏得过长而造成停滞感。此附点节奏型态中的后半部,也就是十六分音符,是使节奏有动力的关键,演奏时不要太弱,以免造成附点八分音符音量不平均,必须让十六分音符节奏导入下一组附点节奏,就像是加入音乐的方向性,如此才能使整个节奏有持续向前的动力，和弦要饱满挂弦。这个乐章和声变化加上声部配置的改变,造成此乐章在固定的节奏框架下仍富有音乐性的表达且音乐张力变化的趣味。演奏时须注意到此变化并赋予表情来诠释。例如乐曲一开始由主音———C开始的附点节奏,以二度音程动机中,D音回到主音C的解决造成具有动力效果,使音乐不断前进,整曲的附点节奏动机也都以二度音程为基本音程,达到整首乐曲不断前进的效果。演奏者在演奏主题时会面临技术上的问题,是无法将持续伴随着主题的和弦声部演奏出符合实际音值的长度，增加为三声部,下方的两个四分音符声部很明显地具有和声功能,增加和弦的共鸣。 此曲的赋格乐章是巴赫3首奏鸣曲的所有赋格乐章里最长,其主题也是最长的一首,主题长达4个小节,主题模仿或者模进插入段也都形成很大的段落。其中主题的运用也有多种变化,在演奏这个主题时,应该将这个活泼的特性表现出来。但由于赋格乐章是一种以一个主题不断编织出来而形成整个乐章的,若演奏时不将主题做多样化的诠释,会造成整个乐曲缺乏变化,显得枯燥。此乐章4个小节长度的主题,从音型来观察,可发现在主题中央的下属音进入属音的长音后,往下大跳四度到上主音,似乎将主题从中分为两个小部分,后半部以上主音出现为另一组音型,前后两个部分恰好形成如倒影一般的音型,可见这个主题本身就富有音型变化。在奏这个主题时要以较有活力的演奏方式做为主题的精神,注意旋律乐句的起伏。第一次主题呈示是一种有活力但稍微节制不致太过活泼的方式,随着声部增加,要有音量上的变化,和声复杂度也在增加。到了第二次主题应答句增加为四声部(第16小节),达到乐曲第一个高潮。在接下来主题再次进入时转调为F大调(第24小节,谱例3),并且以低声部来呈现,因此这个主题应以较浓厚的音色演奏者必须将此音特性强调出,与主题呈示部第二句应答时的高音域作为对比。在赋格主题中,即可发现连续级进音型的二分音符,在奏此音时要保持其音符时值的长度较难,因此需要在演奏的范围下尽量将此音值延长,虽无法达到二分音符时值的长度,但仍须将二分音符代表的数字低音角色传达出来,并可加入揉音以增加二分音符的共鸣使其能更清楚地被听见。 在第三次主题紧密应答,达到这个乐段第一个情绪高点时,以主题在低声部呈现的方式做出在低音域的厚重感,造成呈现情绪
