大提琴技术训练的基本要素

大提琴基本功及若干简明训练法绪论：学习大提琴就接触到了音阶，练习音阶并且要注意练习方法。

掌握把位概念和换把技巧，以及一些弓法技巧，是基本功训练的关键, 包括正确的姿势都将影响演奏的进行和质量。

学生在加强音阶训练的同时, 加强基本功最重要的手段还有每日必练的练习曲，它是把音阶中遇到的问题融合贯通的综合起来。

如：波帕尔大提琴高级练习曲40 首的每条练习,都有明确的技术目标,对练习者都充满着挑战, 我在本文中列举了许多经典例证,使学生能感受到只有通过广泛的练习曲训练、认真体会训练方法才能进一步提升基本功。

、容易被忽视的基本功――弓法衔接和转换训练在大提琴演奏的过程中，我们会着重注意到音准，律动，音色，呼吸弓法的基本分类与训练在音乐中，包括很多种articulation ，每一种不同的articulation 对于音符的演奏方法都有不同的影响。

其中的标记包括slur , phrase mark , staccato , staccatissimo ,accent , sforzando , rinforzando , and每一种legato .articulation 代表了前后两个音之间的衔接关系即音符与音符之间的指向性。

以下就以大提琴演奏为例，简单介绍音乐中articulation的基本分类以及演奏时的弓法技术：在音乐中，最基本的Articulation 有两种，分别是连弓与分弓。

一）Legato 连Legato: 原意指连接在一起的，在乐谱之中表示连音。

指音与音之间连贯圆滑，没有间断。

例如：在演奏Legato 时，前一音符与后一音符之间不能够有间隔，像歌唱中一个不换气息的长句子，需要连贯平滑的演奏，不过，在一些作品中，需要演奏很长的Legato, 由于弓子长度不够，可以在连线之间恰当的音符之间换弓，这时就需要对换弓的技巧有很高的要求。

如果换弓明显，就会破坏掉正确的Articulation 。

所以，这时应该采用平稳换弓来达到音乐的要求。

青少年大提琴基本教学的思维与训练方法大提琴是一种弦乐器，学习大提琴对青少年的智力、情感和身体发展都有很大的帮助。

在进行大提琴基本教学时，可采用以下思维与训练方法：1.培养音乐思维：学习大提琴需要培养学生的音乐思维，即通过听、读、写和唱等多种形式来理解音乐。

可以通过让学生多听名家演奏的大提琴曲目，分析曲子的结构和表达方式，培养学生对音乐的感受和理解能力。

2.发展音乐记忆能力：大提琴是一种需要记忆乐谱的乐器，学生需要掌握乐谱的记忆和演奏技巧。

可以通过让学生多练习记忆曲谱和弹奏曲目，逐渐提高他们的音乐记忆能力。

3.注重技巧训练：大提琴的演奏技巧和手位是非常重要的，学生需要通过练习技巧来提高演奏的准确性和表现力。

可以通过教授基本的弓法和左手技巧，让学生进行反复练习，培养他们的技术基础。

4.培养节奏感和表现力：音乐的节奏感和表现力对大提琴演奏非常重要。

可以通过教授节奏练习和鼓励学生多进行合奏演练，培养他们的节奏感和团队合作意识。

5.让学生多进行演出：演出是学习大提琴的重要环节，可以通过组织学生进行学校音乐会、比赛等演出机会，让学生能够展现自己的演奏成果，并提高他们的表现能力和自信心。

在进行大提琴基本教学时，还需要注意以下几点：1.因材施教：每个学生的音乐天赋和学习速度不同，需要根据学生的实际情况进行因材施教，区别对待。

教师可以根据学生的特点和水平，制定个性化的教学计划，让学生能够在适当的时间内取得最佳的学习效果。

2.鼓励学生积极参与：学习大提琴需要长期的坚持和努力，教师要不断鼓励学生积极参与练习和演出，激发他们对音乐的热爱和学习的动力。

3.注重实践和应用：大提琴学习不仅仅是掌握一些理论知识和技巧，更重要的是能够将其应用于实际演奏中。

教师可以通过每堂课的演奏训练和合奏练习，让学生将学到的知识和技能应用到实际的演奏中，提高他们的综合素质。

青少年大提琴基本教学需要注重培养音乐思维和记忆能力，同时注重技巧训练和表现力的培养，让学生通过长期坚持的练习和演出，逐步提高自己的音乐水平和表现能力。

青少年大提琴基本教学的思维与训练方法【摘要】青少年大提琴基本教学是培养学生音乐素养和表现力的重要环节。

本文从大提琴基本功训练、思维训练方法、音乐理论学习、技巧练习和表现力培养等方面探讨了青少年大提琴基本教学的思维与训练方法。

在大提琴基本功训练方面，需注重学生姿势、手指技巧等基本要素的训练。

通过思维训练方法，可以提高学生的音乐感知和表现能力。

音乐理论学习能够帮助学生更好地理解音乐作品的内涵。

技巧练习和表现力培养则是培养学生综合实力和个性魅力的重要途径。

通过这些训练方法，可以有效提高青少年学生的音乐水平和素养，为未来的音乐发展打下坚实基础。

未来研究可以进一步深入探讨青少年音乐教育的创新方法和发展趋势。

【关键词】大提琴，青少年，基本教学，思维训练，音乐理论，技巧练习，表现力，素养，未来研究。

1. 引言1.1 研究背景由于大提琴的复杂性和技术性，青少年学习大提琴的过程中常常会遇到各种困难和挑战。

为了更好地指导青少年学习大提琴，提高他们的音乐素养和技术水平，有必要深入研究青少年大提琴基本教学的思维与训练方法。

通过对青少年大提琴基本教学的研究，我们可以更好地了解青少年学习大提琴的需求和特点，探讨如何有效地引导他们建立正确的学习态度和方法，从而提高他们学习大提琴的兴趣和效果。

这将有助于培养青少年的音乐素养，激发他们的音乐潜能，为他们未来的音乐发展奠定良好的基础。

1.2 研究意义青少年大提琴基本教学的思维与训练方法的研究意义在于，通过系统的基本功训练和思维训练方法，可以帮助青少年建立良好的音乐基础，提高音乐技巧和表现水平。

音乐理论学习和技巧练习的结合，可以帮助青少年深入理解音乐作品的内涵和表达方式，培养他们对音乐的热爱和专业素养。

表现力的培养则可以帮助青少年更好地表达自己的情感和思想，展现个性和才华，提升自信和自我认同感。

青少年大提琴基本教学的思维与训练方法的研究，对于培养青少年的音乐素养和个人修养具有重要意义，也为未来青少年音乐教育的发展提供了有益的借鉴和探索方向。

大提琴演奏中左手技巧的教学和训练实践摘要：大提琴的音乐演奏对把位的准确性以及指法的灵活性有着很高的要求，对能否完美呈现乐谱中的音调与节奏有着直接影响。

而在大提琴乐手的演奏过程中，其把位与指法主要就是以左手进行的。

因此，对于大提琴演奏来说，左手的技巧整个演奏中占据主导，具有不可或缺的重要作用。

本文对如何在大提琴的左手技巧教学与训练进行相应的研究。

关键词：大提琴演奏；左手技巧；教学训练由于大提琴的音色醇厚优美、音域宽广，因此有着很强的表现力，再加上大提琴的中音区和人的声音颇为相近，故而受到很多人的喜爱。

特别是在最近一些年，提琴在我国的演奏、教学以及普及的水平越来越高，也对音乐教师关于大提琴演奏的教学与训练能力提出更高的要求。

而左手技巧是大提琴演奏的重要组成部分，对其熟练掌握对大提琴的音乐演奏与表达有着极为重要的意义。

1左手拇指的位置及手型1.1左手位于低位的拇指应放到琴颈后，在中指与食指间形成圆形，左手拇指的关节可以向外微微弯曲。

需要注意的是，拇指务必保持放松，否则容易形成向内凹陷的错误手型，不利于大提琴的演奏[1]。

另外，虽然左手拇指是位于琴颈部，但依然要注意按照左手另外几根手指所处位置进行相应的调整。

不过，在调整左手拇指时其范围要一直保持在中指左侧，当然了，拇指在这时候也同样要保持向外微微弯曲。

1.2左手拇指在低位与琴颈部相接触的位置应是拇指左侧较为贴近指尖的地方，这样可以使在琴颈位置上下移动的左手拇指减小所受到的阻力，而若是左手拇指与琴颈正面接触，则会使上下移动的阻力增大，同时还会使左手手腕与其他几根手指朝着琴弦的方向倾斜，进而导致演奏中整只手腕下陷，这种手型无疑是不正确的，会严重影响演奏时的流畅性。

1.3在把位的过程中，左手拇指应保持关节向外弯曲的手型，拇指可以稍微用力地按在两个弦上，这样做可以更好地掌握音准，从而使大提琴演奏变得更为顺畅自然。

2拇指与其他手指的关系在完成左手把位后的大提琴演奏中，乐手不能再单独关注拇指或某个手指中的情况，必须将其视为一个整体而不是彼此分隔。

62MUSIC LOVER大提琴音准练习的诀窍文字_罗伟熹Play In Tune, Cellist’s Know-How大提琴的音域宽广，有高、中、低音区之分，音色温柔、浑厚，表现力丰富，比其他乐器更接近于人声。

第一根A 弦发音华丽有力，富于歌唱性；第二根D 弦音色比较朦胧；第三根G 弦和第四根C 弦则低沉响亮。

音准是大提琴的“灵魂”和“生命”，是伴随着大提琴学习全过程的永恒话题，同时也是一个最难突破的问题。

大提琴演奏的音准十分重要，主要体现在它能影响到整个音乐表演的质量，以及能够使音乐更加生动和富有感染力这两个方面。

本文将从音准对于大提琴演奏的重要性、影响音准的因素以及如何进行大提琴音准练习等方面，对大提琴演奏中的音准练习诀窍进行阐述。

音准是每一个大提琴学习者在学习和演奏中都会遇到的问题，是学习大提琴过程中的重要挑战，同样也是衡量一个大提琴演奏者表演能力的重要标准。

音准是学琴者能够完整地表达一首大提琴作品的基础，是大提琴表演艺术的内在基因。

音准问题是每个习琴者在自己的学习和表演生涯中必须要关注和重视的问题，它的解决是不能一蹴而就的。

大提琴音准问题的解决是有一定的规律可一直遵循的。

我们可以通过合适的方式和诀窍来练习音准，从而提高自己大提琴演奏音准的准确度和熟练度。

音准的含义所谓的音准，就是歌唱和乐器演奏所发出的音高，能够与一定律制的音高相符合。

大提琴演奏的音准，也要符合大提琴的律制。

有些乐器在制造或调音时就有音准要求，比如说钢琴。

音准的取得有多方面的因素，有赖于优良的乐器、精湛的演奏技巧以及适宜的演出环境等，而且与表演者的听觉是否敏锐息息相关。

在大提琴的表演过程中，演奏者要随时通过自身的知识和控制能力等来调整音准，从而达到音高的准确度，实现完美的表演。

在大提琴演奏的过程中，演奏者尤其是初学者往往会发现自己所演奏的曲子并不像想象中的那么动听，这个问题的关键就在于音准。

大提琴的音准与自身的演奏方式关联性很强，它不像钢琴这类乐器，只要自身的音准调正确了，演奏者直接演奏就可以了。

青少年大提琴基本教学的思维与训练方法大提琴是一种优美的弦乐器，深受青少年们的喜爱。

对于青少年来说，学习大提琴不仅可以锻炼他们的音乐细胞，还可以培养他们的耐心和毅力。

大提琴的基本教学对于青少年的学习和发展具有重要意义。

本文将介绍青少年大提琴基本教学的思维与训练方法，帮助青少年更好地学习和掌握大提琴技能。

一、理论基础：音乐思维的培养1.音乐理论知识的学习：青少年在学习大提琴之前，需要先了解一些音乐理论知识，比如音阶、节奏、调性等基本知识。

这些理论知识可以帮助他们更好地理解和掌握大提琴的演奏技巧。

2.音乐表达能力的培养：学习大提琴不仅是为了能够纯熟地演奏乐曲，更重要的是培养青少年的音乐表达能力。

他们需要学会如何通过大提琴发挥感情，表达内心的情感，让音乐更加动人。

3.乐曲分析与理解：在学习大提琴的过程中，青少年需要学会分析乐曲的结构、旋律和节奏，并能够理解乐曲的意境和主题。

这样才能更好地演奏出乐曲的内涵和情感。

二、基本技能训练1.姿势与手法的培养：学习大提琴首先要掌握正确的姿势和手法。

青少年需要学会正确地拿提琴、握弓、摩擦弦等基本技巧，这对于接下来的演奏至关重要。

2.音准训练：大提琴是一种具有浑厚音色的乐器，因此音准是学习大提琴的重中之重。

青少年需要通过不断的练习，培养对音高的敏感度，使自己能够准确地演奏出每一个音符。

3.节奏感的培养：学习大提琴还需要培养良好的节奏感。

青少年需要学会如何准确地掌握节奏，包括拍子、速度和节拍等方面的训练。

4.音色和表情的训练：学习大提琴不仅需要准确地弹奏乐曲，还需要注意音色和表情的处理。

青少年需要通过练习，学会如何通过提琴产生不同的音色和情感，使自己的演奏更加生动和传神。

三、实践演练1.练习曲目的选择：在学习大提琴的过程中，青少年需要选择适合自己水平的练习曲目。

从简单的练习曲目开始，逐渐提高难度，这样可以让他们在不断的练习中提高自己的演奏技巧。

2.自我练习的规划：学习大提琴需要不断地练习，青少年需要制定合理的学习计划，保证每天都有足够的时间进行练习。

当代音乐２０２０年第４期ＭＯＤＥＲＮＭＵＳＩＣ交响乐团中大提琴的训练与演奏要点郭㊀昕[摘㊀要]近年来ꎬ伴随着音乐事业的整体繁荣ꎬ我国交响乐团发展也迈上了崭新的台阶ꎬ由此对演奏者的专业素质和能力提出了全新的要求ꎮ大提琴是交响乐团中的重要组成部分ꎬ演奏者必须通过科学的理念和高效的训练ꎬ才能满足整体的演奏需要ꎬ使这门乐器特有的价值和意义充分发挥ꎮ鉴于此ꎬ本文结合实际ꎬ就交响乐团中大提琴声部的训练和演奏要点进行了总结ꎬ以期起到一定的启示和借鉴作用ꎮ[关键词]交响乐团ꎻ大提琴ꎻ训练和演奏[中图分类号]Ｊ６２２㊀[文献标识码]Ａ㊀[文章编号]１００７－２２３３(２０２０)０４－０１２２－０２[收稿日期]２０１９－１２－０４[作者简介]郭㊀昕(１９８７ ㊀)ꎬ女ꎬ江苏交响乐团三级演奏员ꎮ(南京㊀２１００００)一㊁交响乐团中大提琴演奏者应具备的素质和能力在探讨交响乐团大提琴训练和演奏要点之前ꎬ有必要先对大提琴演奏者应具有的素质和能力进行明确ꎮ１９９６年ꎬ中国交响乐团经过一系列重大改革后ꎬ首次建立了与世界职业乐团同步的音乐季演出机制ꎬ被视为是中国交响乐团职业化发展的开端ꎮ此后全国各地的交响乐团都提出了职业化的发展目标ꎮ所以交响乐团中的大提琴演奏者ꎬ也要以职业化作为重要的衡量标准ꎮ这既是一种向国际看齐的理念ꎬ也是演奏者努力的方向所在ꎮ具体来说ꎬ职业化的标准应包含以下几个方面ꎮ首先是扎实的演奏技术ꎮ演奏者应该具备扎实的演奏基本功ꎬ精通古今中外乐曲的演奏ꎬ并通过科学㊁合理的训练ꎬ让自己始终保持在良好的状态中ꎮ其次是广博的音乐知识ꎮ一方面ꎬ演奏者在分析㊁体验和表现作品的过程中ꎬ都需要以乐理㊁和声㊁作曲㊁音乐史等各类音乐理论知识为基础ꎻ另一方面ꎬ交响乐是一门合作的艺术ꎬ演奏者不仅要精通个人乐器的演奏ꎬ还要对其他乐器和声部有相应的了解ꎬ方能获得理想的合作效果ꎮ再次是敬业的团队精神ꎮ交响乐团的人员多㊁乐器多㊁声部多ꎬ要求演奏者必须要具有良好的团队精神ꎬ心系他人ꎬ相互合作ꎬ才能获得整体的成功ꎮ反之ꎬ如果只顾自己ꎬ相互拆台ꎬ也就失去了交响乐最基本的价值和意义ꎮ可见ꎬ作为一名职业化交响乐团的演奏者ꎬ有着高标准的素质和能力要求ꎬ必须通过长时间㊁科学的训练和培养ꎬ才能达到职业化的目标ꎮ二㊁交响乐团中大提琴的训练和演奏要点(一)养成良好习惯每一个大提琴演奏者的学习㊁训练和演出过程都是十分漫长ꎬ很多名家大师都为此献出了毕生的精力ꎮ所以在这个过程中ꎬ习惯的养成是至关重要的ꎮ具体来说ꎬ演奏者应该养成 唱 和 练 两方面的习惯ꎮ首先是 唱 ꎮ唱 是指在日常训练中ꎬ面对各类作品ꎬ要在演奏之前先哼唱ꎮ这种哼唱不在音色上有任何要求ꎬ假声和真声均可ꎬ但是音高要绝对准确ꎬ如果感到不准确ꎬ随时借助钢琴等进行校正ꎮ在唱准音高的基础上ꎬ再加入节奏㊁力度㊁表情记号等ꎬ通过一次次完善后达到理想的状态ꎮ这种训练可以保证演奏者脑海中始终有正确的音高概念ꎬ有效解决弦乐的音准问题ꎮ其次是 练 ꎮ这里的 练 指的是演奏者要长期坚持训练ꎮ心理学中有 凹槽效应 的说法ꎬ意思是说通过长时间的反复思考和训练ꎬ人们的动作就会自动落到 凹槽 中ꎬ成为根深蒂固的习惯ꎮ大提琴演奏者就是要形成一个个正确的 凹槽 ꎮ很多成名已久的演奏家ꎬ不管演奏任务有多么繁重ꎬ仍然坚持每天练习ꎬ目的就是为了让自己始终处于良好的演奏状态中ꎬ保证手臂㊁手腕和手指的机能性ꎬ随时随地面对各种演奏需要ꎮ即便是面对一些大型交响乐时ꎬ也能够做到游刃有余ꎮ反之ꎬ如果在学习和练习过程中没有形成这两个习惯ꎬ那么个人发展就会受到很大的阻碍ꎮ(二)始终保持专注多数演奏者都是具有扎实和娴熟的演奏能力ꎬ但是在业务考核或者实际演出中ꎬ却有紧张㊁没有百分百发挥的感觉ꎬ造成这一现象的原因是多方面的ꎮ其中一个重要原因就在于没有保持专注ꎮ换言之就是其他因素考虑太多ꎮ比如担心这一段是否可以完美地演奏下来ꎬ自己今天的形象如何?这个新环境是否会影响到演奏效果等ꎮ这些杂念都会影响到演奏者的正常发挥ꎮ而如何摒弃这些杂念呢?那就是保持专注ꎮ演奏者坐定之后ꎬ就要全心投入到作品中ꎬ一边在心中哼唱着旋律一边演奏ꎬ将注意力集中到音色㊁乐句表达㊁音乐的连贯性上ꎮ特别是在与乐队的合奏２２１中ꎬ还应该在内心中提前想象到交响乐的效果ꎬ做好充分的准备ꎮ在此基础上ꎬ演奏者还应该对表情和身体律动有充分的重视ꎮ作为二度创作的演奏ꎬ不仅要奏出美妙的声音ꎬ还是一个演奏者与作品㊁观众融合并走向审美认同的过程ꎮ而且多数演奏者都会或多或少的心生杂念ꎬ对此不妨将这些杂念转化为表情和肢体动作ꎬ为这些杂念找到一个合适的归宿或摒弃的渠道ꎬ同时这种投入的表情和动作ꎬ也会给观众带来相应的视觉美感体验ꎮ而且这种专注的保持ꎬ不应只局限于演出ꎬ要求演奏者在日常训练中也要主动培养这种习惯ꎬ经过长时间的训练后ꎬ就会始终保持在专注的状态内ꎬ可以从容应对各种挑战ꎮ(三)做好准备工作演奏者是作品和观众之间的桥梁ꎬ演奏技术的展示是手段而非目的ꎮ演奏者应该通过良好的配合ꎬ共同展示出音乐作品的思想和内涵ꎮ所以作品体验环节是十分重要的ꎮ近年来ꎬ随着交响乐团的职业化发展ꎬ演奏者之间也面临着激烈的竞争ꎬ很多演奏者都将重点放在了技术训练方面ꎬ而忽视了对作品本身的了解㊁分析和体验ꎬ这种状态下的演奏是难有艺术感染力可言的ꎮ所以在面对一首新作品时ꎬ不能急于演奏ꎬ而是要做好全面的准备工作ꎮ首先ꎬ演奏者要对作品背景进行分析ꎮ即作曲家是谁ꎬ其在何种状态和背景下创作了这首作品ꎬ作品的主要内容和风格是怎样的ꎮ其次ꎬ演奏者要对乐谱进行试唱ꎮ乐谱不仅是乐思的直接反映ꎬ也包括各种音乐记号㊁表情术语等ꎬ更是展示乐思的辅助手段ꎮ演奏者应该先通过哼唱的形式了解作品ꎬ并在脑海中初步建立起音高㊁音准㊁节奏概念ꎬ并对演奏效果有大致的设想ꎮ再次ꎬ演奏者要对作品进行试奏ꎮ在对作品进行充分了解和体验的基础上ꎬ可以对作品进行尝试演奏ꎮ这个过程中既不追求速度ꎬ也不追求完整ꎬ重在检验自己之前的体验是否准确ꎬ还有哪些地方需要得到完善等ꎮ 大提琴在拨奏㊁拨弦㊁断奏等方面ꎬ也一直受到广大听众的喜爱ꎬ以其不同的音乐感受ꎬ给听众不同的体验ꎮ [１]所以对于一些技术难度较高的片段ꎬ更要进行重点准备和练习ꎮ经过以上三个环节的准备后ꎬ基本就可以做到成竹在胸了ꎬ为排练和演出打下了坚实的基础ꎮ(四)形成良好配合合作性是交响乐艺术的基本属性ꎬ具有良好的合作意识和能力ꎬ也是诸多演奏者应具备的基本素质ꎮ然而在现实中ꎬ受到学习经历等方面的影响ꎬ很多演奏者在合作方面还是存在欠缺ꎬ主要表现在两个方面ꎮ首先是认识方面ꎮ在整个交响乐团中ꎬ每一种乐器㊁每一个声部都是独立而平等的ꎬ都有着不可替代的价值和意义ꎮ而不是以数量多少论英雄ꎮ一些演奏者看到大提琴或者弦乐器数量较多ꎬ不禁对其他乐器和声部心存轻视ꎬ这显然是不可取的ꎮ另一方面ꎬ在其他乐器较为突出时ꎬ又片面地认为大提琴只要做好伴奏工作即可ꎬ遮蔽了大提琴作为一个独立声部的价值ꎮ以上这种妄自尊大和妄自菲薄都是不可取ꎬ所有乐器和声部之间都是相辅相成ꎬ互为统一的ꎬ只有通过密切的合作ꎬ才能获得整体的㊁高质量的演奏效果ꎮ其次是行动方面ꎮ在进入乐团之前ꎬ多数演奏者都是以独奏为主的ꎬ交响乐团集体排练的经验并不丰富ꎬ所以要有意识地补足和完善ꎮ要对个人声部在整个作品的作用㊁价值等有明确的认识ꎬ并与指挥㊁其他声部等进行沟通ꎬ形成了多方认可的观念ꎮ在认识上达成一致后ꎬ则要在练习中不断磨合ꎬ包含节奏㊁音色㊁旋律等各个方面ꎬ并且要主动给其他声部以鼓励和支持ꎬ而不是各说各话ꎮ只有所有人通力合作ꎬ才能真正达到一加一大于二的效果ꎮ(五)实现自我突破从当下的实际来看ꎬ多数交响乐团的大提琴演奏者都是高校科班出身ꎬ而且以艺术学院㊁音乐学院为主ꎮ但是受到历史等多方面原因的影响ꎬ我国艺术㊁音乐院校对学生交响乐演奏的培养一直比较薄弱ꎮ很多教师也极少接触和演奏交响乐ꎬ难以给予学生以针对性的指导ꎮ学生毕业后进入交响乐团ꎬ很难在短时间内适应ꎮ在培养机制难以在短时间内改变的情况下ꎬ就要求演奏者主动学习㊁探索和突破ꎮ 仅仅学习演奏的方法和技巧是远远不够的ꎬ还要不断地学习和提高自己的艺术修养ꎮ [２]首先ꎬ要求演奏者在平时做一个有心人ꎬ多问几个为什么ꎬ多总结得失ꎬ不断积累和丰富个人经验ꎮ其次ꎬ则要眼光外放ꎬ四处取经ꎮ如主动参加各种大师班㊁音乐节等ꎬ其好处在于可以在短时间内集中接触一些音乐会曲目ꎬ近距离感受名家大师的风采ꎬ还能得到他们的亲自指点ꎬ这对于个人的提升和发展来说无疑是一个绝佳的机会ꎮ所以演奏者要树立起终身学习的理念ꎬ活到老ꎬ学到老ꎬ不断突破自我ꎬ艺术之树才能常青ꎮ结㊀语综上所述ꎬ进入新世纪后ꎬ在音乐文化整体大发展的背景下ꎬ全国各地交响乐团的数量也一直呈增长的态势ꎬ彼此间也形成了激烈的竞争ꎮ在这种情况下ꎬ演奏者的专业素质和能力就成为了决定性因素ꎮ大提琴是交响乐团中不可或缺的重要声部ꎬ对整体演奏质量起到决定性影响ꎮ所以无论是乐团还是演奏者ꎬ都应该充分认识到提升演奏质量的迫切性和重要性ꎬ并把握住训练的要点ꎬ实现个人的可持续发展ꎬ这对于个人㊁乐团和中国交响乐来说ꎬ都是大有裨益的ꎮ本文也正是基于此目的ꎬ结合个人心得和体会ꎬ进行了简要的分析ꎬ希望可以起到抛砖引玉之效果ꎬ给更多演奏者以相应的启示和借鉴ꎮ注释:[１]黄秋烨.大提琴演奏方法之研究[Ｊ].中国体卫艺教育论坛ꎬ２０１９(０５):８９.[２]刘凤义.大提琴演奏技巧浅析[Ｊ].内蒙古民族大学学报ꎬ２００８(０１):１４.(责任编辑:崔晓光)３２１郭㊀昕:交响乐团中大提琴的训练与演奏要点。

青少年大提琴基本教学的思维与训练方法大提琴是一种优美的弦乐器，受到许多青少年的喜爱。

大提琴的演奏需要高超的技巧和丰富的表现力，青少年在学习大提琴的过程中需要细心的指导和有效的训练方法。

本文将介绍青少年大提琴基本教学的思维与训练方法，帮助学习者更好地掌握大提琴技巧。

一、理解大提琴的基本知识在学习大提琴之前，青少年首先需要了解大提琴的基本知识。

包括大提琴的结构、演奏姿势、琴弓的使用方法等。

还需要了解大提琴的音域、音色、演奏技巧等方面的知识。

通过对这些知识的了解，青少年可以更好地进行大提琴的学习和练习。

二、掌握正确的演奏姿势正确的演奏姿势对于大提琴的学习非常重要。

青少年学习大提琴应该正确认识和掌握大提琴的演奏姿势，包括身体的坐姿、手臂的位置、琴弓的使用姿势等。

只有掌握了正确的姿势，才能更好地进行大提琴的演奏学习。

三、注重音乐基本功的训练在学习大提琴的过程中，青少年需要注重音乐基本功的训练。

包括音准、节奏感、音色等方面的训练。

通过精心的练习，青少年可以更好地掌握大提琴的演奏技巧，为将来的高级演奏打下坚实的基础。

四、注重练习思维的培养大提琴的学习需要培养细心、耐心和毅力。

青少年在练习大提琴的过程中，需要注重练习思维的培养，要善于发现问题、探索解决问题的方法，并通过不断的练习来提高自己的演奏水平。

只有具备了良好的练习思维，青少年才能在大提琴的学习中取得更好的成绩。

五、培养音乐表现力大提琴是一种富有表现力的乐器，青少年学习大提琴需要时刻注重音乐表现力的培养。

通过学习音乐理论知识、不同曲调的演奏技巧等方面的知识，青少年可以更好地培养自己的音乐表现力，使自己的演奏更加生动、感人。

六、注重听、说、读、写的综合训练七、注重欣赏和学习优秀演奏家的演奏在学习大提琴的过程中，青少年需要注重欣赏和学习优秀演奏家的演奏。

通过欣赏优秀演奏家的演奏，青少年可以更好地了解大提琴的演奏技巧和艺术魅力，激发自己学习大提琴的兴趣，提高自己的演奏水平。

⼤提琴在中国有着⼴泛的应⽤范围，⽆论中西乐团、戏曲等乐队都需要它，何况它⼜是如此接近⼈声，表现⼒⼗分丰富的乐器，对陶冶⾝⼼提⾼修养都⼗分有益。

⼀、⼤提琴演奏姿势 1、⼿型。

左⼿在演奏时采取什么样的⼿型,往往因演奏者习惯和⼿的条件不同⽽具有微⼩的差异。

我的体会是基本的⼿型是松弛地拿⼝杯状,拇指⾃然弯曲,处在琴颈左后侧与⼀指和⼆指间相对(稍往⼆指靠⼀点)的位置;在⽤⼤把位时,拇指可向相对三指的位置靠近。

这种⼿型松弛⾃如,进退⾃如,便于在⼀般情况下触弦的四个⼿指摆准位置,也便于把位的上下转换,与此相联系,左臂应⾃然放松,与琴颈形成约60度的夹⾓,并随把位的⾼低适时调整。

2、按弦。

⼤提琴琴弦较粗,要把它按结实需要左臂的⾃然重量传到⼿指上。

但按弦结实并不等于按死它,这⾥有必要从概念上把它们加以区别。

“结实”是有弹性的、能动的按弦,发出来的声⾳是活的;“按死”是硬梆梆的按法,发出来的声⾳是直的。

有种⽅法可以体会按弦⼿指放松的感觉,即在A弦上,⽤任何⼀个⼿指放在第四把位E⾳的上⽅落指,拉出实⾳,然后⽴即放松,拉出泛⾳来,上臂放松,⼿腕平,肘与指尖是⼀个整体。

要学会⼿指第⼀关凹节去或放平,这样指尖⾁垫接触弦的⾯宽,⼒也容易传上去,可使声⾳丰满,特别是⼿指细长⽽⼜较尖的⼈。

良好的按弦将给揉弦提供极好的基础。

3、按弦动作的抬与落。

⼤提琴演奏过程中,左⼿⼿指按弦能否达到时值准确、⼒度适中的要求,与按弦动作有很⼤关系。

第⼀步四个⼿指排列均匀,⾼低整齐地准备在同⼀根弦的上⽅。

第⼆步依次直接、有⼒地按节奏落指,以指根关节为主,⼿臂每个关节放松,但不介⼊。

每当⼀个⼿指落下后,原先的⼿指便把⼒传给它,然后,先落⼿指仍平衡保留在弦上,勿需⽤⼒。

第三步逐个抬指,也是⽤指根关节,垂直抬起,勿拨弦,动作⼗分果断、利索,离弦越近越好,在拾每⼀个⼿指的同时,将⼒传到下⾯⼀个⼿指,抬起来的⼿指保持在弦的上⽅。

如此顺序和反序地练习起落,特别要注意抬指的节奏感。

关于拉好大提琴的三种技巧在现代，大提琴有广泛的应用，中西管弦乐队和歌剧乐队都需要它。

此外，它非常接近人类的声音和具有丰富表现力的乐器，这对陶冶身心和提高自我修养非常有益。

下面是小编整理的拉好大提琴的3个技巧，欢迎阅读。

1，拉一个好的音阶一个好的音阶必须至少做到音准、统一节奏、发音干净。

音准：我们不能仅仅依赖老师的提醒，即应该有我们自己的标准，一般来说，每个人都有上基础音乐课。

它应该以钢琴为基础，也就是十二音平均值。

虽然弦乐器也使用五度相生律和纯律，但基本标准仍然是十二音平均，即十二音平均相隔1200分，一音平均相隔100分，全音平均相隔200分。

每个学生的听力应该是一把有一定音程的尺子，尤其是在只有半音和全音的音阶中，所以测量音量应该很容易。

好的声音有一个共鸣点的，会让人听起来非常愉快，另外还要考虑音调。

统一节奏：一弓四音或一弓八音，弓应该均匀分布，节奏应该清晰，常见到连弓只拉半弓。

没有分布，节奏也不可能是均匀的。

发音干净：注意音质，避免噪音。

2，演奏方法尽量简单、自然和有效果。

会走路就会拉琴，听起来太简单了。

事实上，这意味着人们的运动规则都是垂直和弧形的，大提琴运动也不例外，比如双脚在地上行走，然后腿关节和脚趾关节迈开。

成语“天圆之地”就可以用来形容它，意思是任何困难都可以通过调整垂直和弧形形状并在运动中形成一个点来克服。

运弓：弓毛垂直于弦(尽管大提琴弦是倾斜的，弓毛也可以垂直于弦)，然后弓毛和弓毛上的小尖刺呈弧形移动。

简单提示为一个垂直的两个圆圈(一个是弓毛小刺是小圆圈，大圆可以画到肩膀上，这两个圆是相连的)并在运行中形成一个点。

这里有一个弓毛弧线方向的问题，这应该符合手的自然运动规律。

当弓根被使用时，有一个点在外侧，然后它会呈弧形，我称为全毛弧形运弓，是最自然方便的。

左手：手指也应该垂直于琴弦，手指关节应该是弧形的，并且仍然有两个垂直的圆(一个圆在指尖，另一个圆穿过肘部和肩部)，并且在操作中也形成一个“点”。

青少年大提琴基本教学的思维与训练方法大提琴基本技巧方面，青少年学生在学习大提琴的起初阶段，首先要学会正确的手指姿势和握弓姿势。

手指姿势的正确与否直接影响到演奏的音准和音色，因此老师应该重点讲解手指与琴弓的正确姿势，并通过示范和练习引导学生逐渐掌握。

学生应该掌握指法和琴弓的基本使用技巧，包括按弦技巧、换弦技巧、颠弓技巧等，这些技巧的熟练掌握需要反复练习和指导。

青少年大提琴学生还需要通过练习不同的音阶、琶音、琶音练习、走位和音色的训练，来提高他们的音乐感觉和技巧。

在音乐素养方面，青少年大提琴学生需要培养对音乐的欣赏和理解能力。

教师可以通过讲解音乐作品的背景、分析曲谱和演奏风格、引导学生聆听音乐作品，培养学生对音乐的欣赏和理解能力。

教师还可以指导学生学习音乐理论知识，如音程、音阶、节奏等，为学生提供音乐知识的基础。

青少年大提琴学生还应该学习音乐表达和情感表达的技巧，通过对音乐作品的理解和演奏来表达自己的情感和思想。

青少年大提琴学生在音乐素养方面需要培养的不仅是技术，还有对音乐的理解和情感的表达。

在练习方法方面，青少年大提琴学生需要掌握科学有效的练习方法，以提高练习效率和效果。

学生需要养成定期练琴的习惯，保持每天的练习时间，不断积累音乐能力。

教师还可以为学生制定个性化的练习计划，根据学生的技能水平和个人兴趣进行指导。

在练习上，学生需要注重练习的质量而不是数量，即要注重练习的目的性和针对性。

在技巧练习方面，学生可以通过重复练习和分解练习的方法来提高自己的演奏技能；在乐曲练习方面，学生需要注重曲目的整体把握和细节处理，不断提高自己的演奏水平。

学生还可以通过模仿他人的演奏和多听多比较的方法来提高自己的演奏水平，向大师学习，不断完善自己的演奏。

青少年大提琴的基本教学需要借助科学有效的思维与训练方法来进行。

教师应该注重学生的技能培养和音乐素养的培养，并帮助学生合理安排练习时间和制定个性化的练习计划。

通过量身定制的教学方法和丰富多彩的教学内容，激发学生学习大提琴的兴趣和热情，培养他们对音乐的热爱和追求，提高他们的音乐素质和演奏技巧。

大提琴演奏中的手腕技巧与协调训练大提琴作为一种拨弦乐器，其演奏过程中手腕的技巧和协调训练对于演奏能力的提高起着至关重要的作用。

在演奏大提琴时，手腕的灵活性和稳定性决定了音色的质量和演奏的精准度。

因此，良好的手腕技巧和协调训练是大提琴演奏中的重要一环。

首先，手腕的技巧对于大提琴演奏中的音色控制至关重要。

手腕的柔软度和灵活性决定了弓的控制能力和对音色的调节。

在演奏时，手腕应具有柔韧的特性，以便能够灵活地变换弓的位置和力度。

对于演奏大提琴来说，手腕的技巧能够使演奏者更加准确地控制弓的速度、力度和位置，从而实现音色的丰富和表现力的提升。

其次，手腕的协调训练对于大提琴演奏的技巧和表现力同样至关重要。

手腕的协调能力影响着演奏者的左右手配合和技巧的发挥。

在大提琴演奏中，左手用于按下琴弦，右手用于控制弓。

手腕的协调性直接关系到这两只手的配合和默契。

通过针对手腕的协调训练，可以使两只手的动作更加协调一致，演奏者能够更加流畅地完成各种乐句和技巧，提高演奏的表现力和技巧水平。

针对大提琴演奏中的手腕技巧和协调训练，以下是一些建议和训练方法：首先，要注重手腕的柔软度和灵活性的锻炼。

可以通过进行定期的手腕放松和伸展运动来增加手腕的柔软度。

比如，可以轻轻握住一只软球，在手掌和手腕自然放松的情况下进行握紧和松开的运动。

此外，还可以进行手腕的旋转运动和按摩来放松手腕，增加其灵活性。

其次，要注重手腕的力量和稳定性的训练。

可以通过进行手腕的力量训练来增加其力量和稳定性。

例如，可以用乐器保护器夹住一根粗绳或橡皮筋，然后拉伸绳子或橡皮筋以增加手腕的力量。

此外，还可以通过使用手腕器械进行特定的训练，如手腕卷轴或手腕灵活度球。

另外，要注重手腕的协调训练。

可以通过进行特定的手腕协调训练来提高两只手的配合和默契。

例如，可以进行左右手分别演奏的练习，强调两只手的协调性。

此外，还可以通过进行大提琴技巧训练的练习来增加手腕的协调性，如进行琴弓揉捏训练或琴弓平衡训练等。

青少年大提琴基本教学的思维与训练方法一、引言大提琴是一种拨弦乐器，琴弓横扫琴弦，产生柔和而深沉的声音。

大提琴的声音优美，情感丰富，很受青少年的喜爱。

对于初学者来说，学习大提琴并不容易，需要正确的方法和坚持的训练。

本文将介绍青少年大提琴基础教学的思维与训练方法。

二、认识乐器初学者在开始学习大提琴之前，首先应该对乐器有一定的了解。

了解乐器的构造、演奏技巧和音乐效果，有助于学生更好地理解和掌握演奏技巧。

老师可以通过展示乐器的不同部分，让学生触摸并感受，了解琴弓、琴身和琴弦的作用和特点。

可以播放一些大提琴的音乐作品，让学生感受大提琴的音色和表现力，培养对乐器的兴趣和热爱。

三、正确的姿势与手势在大提琴的演奏过程中，正确的姿势和手势非常重要。

学生应该保持身体的平衡，并保持坐姿或站姿的稳定。

身体的平衡有助于演奏时手臂的自由运动，保证演奏的准确性和流畅性。

学生应该正确地握拨弓和定音器。

握拨弓时，手指应该自然地弯曲，用中指和无名指在拇指处握住拨弓，手掌和手臂应该放松，以便演奏中的力度和速度的控制。

定音器是帮助学生准确调音的工具。

学生应该将定音器正确放置在琴弦上，同时调整琴弦的紧张程度，使琴弦的音高与定音器的指示一致。

四、弓技与指法的训练大提琴的演奏主要依靠弓技和指法。

弓技主要包括拨弓和抽弓。

学生应该通过练习不同的弓技，了解不同的音色效果。

拨弓时，学生应该保持弓的压力均匀，速度稳定，并注意控制整个弓程的长度。

抽弓时，学生应该注意手腕的柔韧性和弧形的正确形状，以便产生清晰而有力的音色。

指法是指学生通过手指按压琴弦来产生不同的音高。

学生应该通过按压琴弦并用琴弓进行演奏，以熟悉不同的音高和音程。

学生可以通过演奏简单的音阶和琶音来训练手指的灵活性和准确性。

学生应该注意正确的指尖位置和按压力度，以保证音高的准确性和和谐度。

五、乐曲的学习和演奏在掌握基础技巧后，学生可以开始学习和演奏一些简单的乐曲。

学生可以选择一些适合初学者的乐曲，根据自己的水平和兴趣进行学习。

大提琴右手的演奏训练方法大提琴右手的演奏训练方法拉大提琴时右手是我们除去左手之外最需要练习的，那么大家知道大提琴右手的演奏方法吗?下面我就来为大家介绍一下大提琴右手的演奏方法，一起来看看吧。

连弓连弓是用一弓连续演奏两个以上的音，要求奏出匀称，连贯的效果。

在演奏连弓时，应留意弓子的安排和弓压、弓速协作的关系。

要使音符连接的紧密，留意演奏连弓时右手手臂、肘、腕都要保持松弛，弓段安排匀称，不要抽弓。

碎弓碎弓是大提琴右手奏震音的一种方法。

(可以说是最短促的分弓，但奏法和分弓却不同)。

碎弓是靠手腕敏捷而有节奏地抖动，很轻的碎弓还可以仅用手指局部做动作。

要留意演奏碎弓时，其他的关节肯定要保持放松状态，尤其肘关节。

碎弓基本上是在中弓或弓尖四周，原则上不用弓跟部位，有时在奏音头时加重音，是靠食指同时加一点儿弓压，就可以奏出重音来。

顿弓顿弓又称断弓，是演奏顿音的一种弓法。

顿弓分为分奏顿弓、连顿弓、重顿弓几种。

分奏顿弓是用弓毛即加弓压，使之消失重音，然后把手放松，用腕、手臂放松时的甩力，把弓子送到一个部位后马上停住，这就成了顿音。

分奏顿音的弓位比较自由，但是在弓尖却比较难做到。

顿弓每个音之间虽然有停顿，但弓子不离弦，弓段要短，牢固有力。

连顿弓是一弓连奏几个顿音。

运弓原理大致上和分奏顿弓一样。

手腕动作和掌握跳弓基本相像，但手腕动作要小一些、平一些。

连奏顿弓用上弓演奏比较简单把握。

重音顿弓是用较长弓段的分奏顿弓，弓位从中弓开头，弓速要快，运行到中上弓靠近弓尖的部位停住。

留意不要压弓子，要靠加速弓速。

跳弓跳弓是大提琴右手技巧中最重要的一项。

跳弓基本上有两种：一种是“有掌握的”或“慢”跳弓。

在这种跳弓中，每一次跳动的起落须用三、四指贴着马尾槽进行掌握。

跳弓在演奏中应用得相当广泛。

演奏这种跳弓，弓子像是悬在弦上上臂来回运行的过程中，由手腕和手将弓抛向琴弦。

在弓其次次跳起后，用三、四指贴住马尾槽进行掌握，使弓悬在琴弦上方，直至运功方向转变，然后又将弓抛向琴弦上。

大提琴学习技巧导读：我根据大家的需要整理了一份关于《大提琴学习技巧》的内容，具体内容：练大提琴方法应该讲究实用性、科学性，它不光练手，最重要的是练脑，两者相结合才能够完成的更好。

有哪些?下面我整理了，供你阅读参考。

：怎么练大提琴一、端正练琴态度...练大提琴方法应该讲究实用性、科学性，它不光练手，最重要的是练脑，两者相结合才能够完成的更好。

有哪些?下面我整理了，供你阅读参考。

：怎么练大提琴一、端正练琴态度态度决定成败。

一个称职的专业演奏者，会自觉的将练琴作为事业的一部分，由此精益求精，严肃认真就构成了他(她)的练琴态度。

二、制定练琴计划练琴计划要围绕练琴目的、老师的教学计划、学生的具体情况来设计，必须明确练琴的目的，完成情况，这样才能保证完成好每学期的学习任务。

养成良好的习惯，可提高练琴效果，例如:练琴之前对琴弦音高的检查，非常必要。

琴弦的音高，不仅直接影响固定音高的培养形成，还会对音色发生直接作用。

三、练琴时间的掌控练琴是一项艰苦的工作，是脑力劳动与体力劳动结合的体现。

练琴很费精力，容易疲劳。

练习可根据曲子的大小、难度、练习者的身体状况而决定。

：学习要具备的条件首先是对音准、节奏的感觉怎样，有的人天生五音不全，找不到音准的准确概念，还有人对节奏记忆很差，不会模仿最简单的符点和切分，这样的孩子就不要勉为其难了。

其次如果要学大提琴，相对来说手应该大一些，个子要高一点，自然条件好，将来学习也会顺利些。

在确定了这两点后，最后也是最重要的是要找一位好的教师。

启蒙老师，第一位教你学琴的师长，对你未来学琴一生，如何走好这一漫长的路程，是十分关键的，现在社会上鱼目混珠，请你慎重选择。

二、初学大提琴注意事项到底几岁开始学大提琴好，各人说法不一，我想六岁开始是合适的。

最好在四岁先学点钢琴，打下一个学习器乐的基础，会对今后的学琴很有益的。

大提琴有1/8、1/4、2/4、4/4之分，根据自己的身高、手形由老师来确定你应该有一把什么型号的琴，这是学琴前第二件要做的重要事情。

初学者学习大提琴怎样学好大提琴是由古代欧洲的膝琴演变而来的，很多初学者都不知道怎么学好大提琴。

下面是店铺给大家整理了初学者学好大提琴的方法，希望对大家有所帮助。

拉好大提琴的方法要拉好琴，首先是演奏方法要好，也就是说要放松自如地拉琴，要做到这一点很不容易，但是却必须做到。

你可以注意观察和倾听，凡是琴拉得好的人，不论他是大师还是学生，他的演奏方法必须是放松自如，掌握了好的方法之后，高超的技术就是接着来的课题。

大提琴的技术包括左、右手两个方面，我喜欢问学生左手难还是右手难。

不能回答说两只手都难，要强调的是右手比左手更难。

右手指的是握弓和运弓，弓子触弦才能发出声音，想发出一种什么样的声音，这是凭自己的感觉，可以说每个人的发音都是不一样的。

老师只能告诉你应该怎样握弓，每个手指的作用，放在什么位置，弓子，靠近琴马，手臂和手腕要怎样协调配合，拉长弓时要发出宽广、歌唱、自如的感觉，拉短分弓时，要控制手腕，是一种连绵不断、似断非断的感觉。

你若再进一步追问是一种什么感觉，这就不好回答了，因为它不是酸、甜、苦、辣是能形容的，所以我一直认为右手是比较难教的，而右手是拉好琴的关键。

谈到左手,它包括音准、揉弦、双音、换把和大跳的音程，也是很难的技术，但只要刻苦，勤奋，是可以练出来的。

在掌握了正确的方法和高超的技术后，最后就是音乐表现和风格的问题。

演奏巴赫组曲和贝多芬的奏鸣曲，表现手法是不同的;柴可夫斯基的罗可可变奏曲和德彪西奏鸣曲又是两种不同的风格。

当然，这些问题会通过年龄的增长，接触面越来越广，理解力的增加而逐步提高的。

学好大提琴的要点1：牢记乐谱的调号标记,几个升号,几个降号?中间有没有改变?有没有临时变化音?总之,不要出错音。

2：节拍,要准确.看好是什么拍号.每小节几拍要明明白白,不能那个拉了半天,一问几拍却说不出来。

3：注意指法.该拉下一个音时.一定要检查一下用的是不是改用的指法.至少在每个乐句的开始处,大跳处,旋律的转折处,要看看.千万不要不加思索的使用袭击觉得"最听话"的手指。

⼤提琴演奏技巧相关推荐⼤提琴演奏技巧 ⼤提琴在中国有着⼴泛的应⽤范围，⽆论中西乐团、戏曲等乐队都需要它，何况它⼜是如此接近⼈声，表现⼒⼗分丰富的乐器，对陶冶⾝⼼提⾼修养都⼗分有益。

下⾯⼩编要给⼤家讲述⼀下如何拉好⼤提琴以及⼤提琴的演奏技巧⽅法。

Ⅰ、拉⼀条好的⾳阶⼀条好听的⾳阶起码要作到三点： (1)⾳准：怎么算准呢?不能只靠⽼师提醒，准或不准应当有⼀个⾃⼰⽿朵的标准，⼀般⼤家都上⾳乐基础课，它以钢琴为准，即以⼗⼆平均律为标准，虽然弦乐器还兼以五度相⽣律和纯律，但基本标准还是⼗⼆平均律，即12个半⾳相距1200份，半⾳相距100份，全⾳相距200份。

每位同学听觉要有⾳的距离的尺⼦，特别在⾳阶中只有半⾳、全⾳之分，所以应当是容易测量⾳的⾼低的。

准的⾳有⼀个共鸣点，很好听。

另外要考虑到调性。

(2)均匀的节奏：⼀⼸四⾳或⼀⼸⼋⾳，⼸⼦要均匀分配，节奏型要明确，常见到连⼸只拉半⼸。

没有分配，节奏也不可能均匀。

(3)⼲净的发⾳：要注意⾳质，避免杂⾳。

Ⅱ、演奏⽅法：尽量做到简单、⾃然、效果好 会⾛路就会拉琴，这话听起来太简单了。

实际是指⼈的运动规律都是在垂直和弧形中运⾏的，⼤提琴上的动作也不例外，如⾛路两脚垂直在地上，然后腿关节和⾜趾关节迈开。

我⽤中国成语“天圆地⽅”来形容，是指调整好垂直和弧形并在运动中形成⼀个点，什么困难都可以克服。

1、运⼸：⼸⽑垂直在弦上(尽管⼤提琴弦呈斜⾯，⼸⽑也同样可垂直在弦上)然后⼸⽑和⼸⽑上的⼩刺呈弧形运动，简单提⽰为⼀个垂直两个圆(⼀个是⼸⽑⼩刺为⼩圆，⼤圆可划到肩部，两者相通)并在运⾏中⾏成⼀个点，这⾥有⼀个⼸⽑弧形的⽅向问题，应顺应⼿的⾃然动作规律，⼸根时⽤⼀点外侧，然后顺其⾃然⾛弧形，我称为全⽑弧形运⼸，是最⾃然⽅便的。

2、左⼿：⼿指同样要垂直在弦上，⼿指关节呈弧形，仍是⼀个垂直两个圆(⼀个圆在指尖，⼀个圆直通肘与肩)，在运⾏中同样形成⼀个“点”。

⼀般常见问题是⼿型歪歪扭扭，左拇指过深，⼤所抓住琴颈，换把发涩(⼿指与肘不⼀致，不协调)，⼿指尖很⽊，触觉不敏锐，这样既不灵活也很难有准确的⾳准。