中西方绘画艺术作品比较赏析

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《最后的晚餐》作品赏析

美术鉴赏--《最后的晚餐》作品赏析目录题目：对达.芬奇作品《最后的晚餐》赏析-----------------------------------------------1一、达.芬奇的生平简介-----------------------------------------------------------------------3二、文艺复兴下的巨浪------------------------------------------------------------------------3三、作品鬼斧般的构思------------------------------------------------------------------------4四、惊世秘密的揭示---------------------------------------------------------------------------5五、结束语---------------------------------------------------------------------------------------6《最后的晚餐》作品赏析【摘要】：意大利画家达·芬奇的画作并不多，除了《蒙娜丽莎》,其中最具有代表意义的就是壁画《最后的晚餐》。

它的成功之处在于达芬奇持有彻底的人文主义思想，打破了传统的构图形式,运用现实主义创作方法来进行构思和布局,另外还强调写实和人物之间的内在联系。

几百年来人们对它的各种猜测也从未停止过,其夸张程度丝毫不逊于人们对《蒙娜丽莎》众所纷争、议论不休,《最后的晚餐》等标志着文艺复兴艺术创造的成熟与伟大。

【关键词】：最后的晚餐达芬奇文艺复兴布局惊世秘密引言： 1495年，达.芬奇应鲁道维可.史佛沙的要求，开始为米兰圣玛利亚感恩修道院的膳厅制作绘画《最后的晚餐》，《最后的晚餐》是一幅壁画，全画长9米，高5米。

外国美术赏析(新古典主义和浪漫主义时期绘画)

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法国大革命（1789年法国历史事件）
法国大革命（法文：La Ré volution franç aise，英文： The French Revolution）又称法国资产阶级革命，是 1789年7月14日在法国爆发的革命，统治法国多个世纪的波旁王朝及其统治下的君主制在三年内土崩瓦解。法国在这段时期经历了一个史诗式的转变：过往的贵族和宗教特权不断受到自由主义政治组织及上街抗议的民众的冲击，旧的观念逐渐被全新的天赋人权、三权分立等的民主思想所取代。关于法国大革命结束的时间，世界史学界看法众多，难成共识。在法国，普遍将热月政变作为大革命结束的标志，热月政变推翻了雅各宾派的激进集权统治。 1794年7月27日，法国大革命中的市民革命宣告结束。 1830年7月，巴黎人民发动七月革命，建立了以路易· 菲利浦为首的七月王朝，至此法国大革命才彻底结束。政变中建立了以热月党人为代表的政权。法国历史进入维护大革命成果时期。
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新古典主义和浪漫主义时期绘画大家注意一下新古典主义绘画特点： 1.造型严谨， 2.形式，人物形象来自于古希腊雕塑， 3.古典主义艺术对色彩的抑制，他的色彩用的比较少，仔看只有几种颜色穿插在里面，绘画中有红色、白色、蓝色基本色彩，颜色单调有限，但是它安排的节奏的安排，并不单调。 SZM
雅克——路易•大卫完成其《贺拉提乌斯兄弟的宣誓》（即《荷拉斯三兄弟之盟》）新古典主义艺术开始成为欧洲和美国占主导地位的运动。新古典主义开始对绘画纵深空间的表现加以限制。
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新古典主义和浪漫主义时期绘画
雅克——路易•大卫完成其《贺拉提乌斯兄弟的宣誓》（即《荷拉斯三兄弟之盟》）新古典主义艺术开始成为欧洲和美国占主导地位的运动。新古典主义开始对绘画纵深空间的表现加以限制。

《镜前的维纳斯》作品赏析

《镜前的维纳斯》作品赏析摘要：《镜前的维纳斯》这幅画作是美术历史上最迷人的女性人体作品之一，同时也是委拉斯开兹作为17世纪西班牙杰出画家所留下的作品中唯一一幅女性人体画作。

这幅画创作并完成于1646年前后,其创作目的是为了帮助西班牙君主的腓力四世消愁解忧。

国王先是宠后不幸早逝,紧接着王储病逝,再加上当时社会局面不稳定,为此委拉斯开兹长期郁郁寡欢,但有这种“美人”的陪伴,消除了作者心中的焦虑和不安,这就是创作此画的初衷。

关键词：委拉斯凯兹《镜前的威尼斯》 17世纪封建专制的西班牙威尼斯画派人本精神一、评析作品：这幅作品是委拉斯开兹唯一的一副裸体画，最出色的地方在于作品的画面结构。

这是画家在研究了许多作品之后所画出的作品:一种仿提香、委罗内塞的作品，一种面对面的布局，一面镜子与委拉斯开兹对立的结构。

女神“维纳斯”是西方艺术创作中经久不衰的主题之一，从文艺复兴时期开始,维纳斯就作为一个极具个性和充满魅力的美丽女神,是一直以来各种风格画派的艺术家喜欢的的题材,借助维纳斯这一人物来描绘女性人体从而寄托画家们情欲的更是数不胜数,因而出现了很多形态各异的“维纳斯”。

这幅画中的维纳斯背对着作者，躺在黑白颜色的床单上看着镜子。

她的脸反射在画面靠左边的镜子中，因为位于画面的第二平面上，脸部显现并不是很清晰，而且给大家呈现出一种钢铁质感的光面，这种画面是一种类似荷兰画家的手法，虽然看不清楚脸的模样，但是能依稀看出来女性的脸部轮廓。

画面中的女性经过多方面的验证，确定是画家的情妇——芙拉米娜•特里瓦。

画面左边是爱神丘比特，作为那一时期比较重要的角色，丘比特被安排在画面靠左的位置，他的手支撑着镜子，身体的姿态为一条腿蹲着一条腿跪着，手上有两条粉红色的带子。

这两条粉红色的带子并不是要挂镜子用的，而是代表着维纳斯与爱情之间千丝万缕的关系。

但是镜中维纳斯的意义似乎又在说一个缺乏主见和自信的女人心甘情愿来做美的俘虏，不过也有另一种说法，说这幅画中的维纳斯必须要用背对着作者的造型来维护，用来处理一种“腼腆”的处境，或者只是想确定人生中那些虚无缥缈的美丽。

《韩熙载夜宴图》鉴赏

在巴黎毕加索艺术馆，毕加索站在门口，给每一个进入艺术馆的德国军人一张《格尔尼卡》复制品。德国军官说：“这是您的代表作吗？”“不，”毕加索说： “是你们的代表作”。
初次相遇，说说你对这幅作品的看法
在《格尔尼卡》创作的头几天里，毕加索共画了25幅草图，这是其中的两幅。
手法
象征——是用一种形象和事物代表另一种事物和意义的方法。通常是用一种具体的形象代表抽象的意义。例如，中国的龙就是一种象征，《格尔尼卡》中的很多事物都具有象征意义。
奔跑的人造成怎样的气氛？
《格尓尼卡》赏析
➢ 悲痛欲绝的母亲怀抱死去的婴儿仰天哭喊； ➢ 恐怖的牛头露出残忍的狞笑，它代表了法西斯的残暴； ➢ 被刺伤的马昂头张嘴发出哀鸣，据画家本人说，这匹马象征受难的西班牙人民
； ➢ 一名倒下的战士右手握着被折断的剑，剑旁的鲜花表示对死去战士的哀悼；由
于轰 ➢ 一个女人从楼上跌下，她举手抬头向上呼救，充满了悲剧气氛； ➢ 从窗子里探出身体的妇女，右手举着一盏灯，灯的左上方有一盏像眼睛似的电
灯，灯光像锯齿一样射向四周，画家以此向全世界揭露这一切罪恶和黑暗。 ➢ 这幅画运用立体主义的绘画形式，以变形、象征和寓意的手法描绘了在法西斯
兽行下，人民惊恐、痛苦和死亡的悲惨情景。
《格尓尼卡》赏析
整幅画用黑白灰三色绘成，错综复杂的黑白灰色块造成画面阴郁、恐怖的效果；不规则的线条形成的角和弧的交错，给人一种支离破碎和动乱的感觉。画面沉重又压抑，充满了聆听乐女弹奏琵琶；
❖ 第二场景：描绘了舞女在韩熙载的击鼓声中翩翩起舞；
❖ 第三场景：描绘了韩熙载在围床上休息；
第二段
第一段第三段
❖ 第四场景：描绘了韩熙载手执执扇欣赏乐女吹奏（两人吹横笛，三人吹筚篥）；

波普艺术作品赏析

理查德· 汉密尔顿(1922 – 2011) 出生于英国皮姆利科，作品风格曾受到“达达主义” 艺术家杜尚影响。理查德· 汉密尔顿是波普艺术的领军人物，他奠定了波普艺术的创作方法，即通过直接挪用社会生活中的一些形象来创作作品，采用印刷拼贴是他最常用的创作方式。汉密尔顿的艺术观，体现出上世纪50 年代伦敦和纽约年轻画家寻求独特时代气质的愿望。他的代表作有《是什么使今天得家庭如此的独特、如此具有魅力？》。
• 波普艺术代表着20世纪60年代工业设计追求形式上的异化及娱
乐化的表现主义倾向。“波普”是一场广泛的艺术运动，反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力图表现自我，追求标新立异的心理。
• 1957年，由汉密尔顿对波普艺术作了“通俗、短暂、消费得起、
风趣、性感、噱头、迷人、能大批量生产”的定语。
“波普教父”——安迪.沃霍尔
(Andy Warhol)
安迪· 沃霍尔(Andy Warhol)是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲· 梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句著名的格言：“我想成为一台机器”
←我梦见白色圣诞理查· 汉密尔顿绢印
我梦见黑色圣诞 → 理查· 汉密尔顿绢印
《怀特里湾》
在这幅图中汉密尔顿显示出新一代艺术家对这一类原形主题眼光的变化。他没有试图创造一个独特的人物，他的想象力来自实际的观察，逼真是他的目的。他以绘制明信片的方式表现了人们在怀特里湾的沙滩上嬉戏的场景，用类似于蜡笔的笔触表现平静的海面和沙滩，使人感觉像是一幅照片。但是艺术家缩小了人物的比例，将之画在画布上之后又在整个画面绘制了一些没有着色的人物，使观众感到眩目和纷乱的效果。在一系列的作品中，汉密尔顿试图寻找出大脑可以接受的变形，他研究把照片缩小到什么程度还能使观众可以辨认出来的符号化方法。

赏析

轻松一下哦
西方油画艺术鉴赏
组长：程琳员：李鑫郑凯迪高泳盖颖朱敏冯凡司梦琪
任务分配

李鑫：搜集资料郑凯迪：整理资料高泳：活动调查盖颖：记录冯凡:编辑排版司梦琪：编辑朱敏：活动总结程琳：PPT制作
油画的来源
15世纪佛兰德斯画家凡· 爱克在前人研究的基础上，发明了这种用易于干涸的油彩混合颜料绘画的方法。因此他被称为油画的创始人，但比较合理的说法则是凡· 爱克把油画这种艺术形式发展得更加完美了。
梵高作品欣赏
麦田
达芬奇简介
我们现在比较熟悉的达· 芬奇形象基本上来自于他那幅著名的自画像。其实，达· 芬奇年轻时代可是意大利佛罗伦萨闻名遐迩的美男子（不过因为他对女人没兴趣，所以当时关于他是同性恋的传闻满天飞）！他的老师韦罗基奥雕塑的那俊美非凡的青铜大卫像据说就是以年轻的达· 芬奇为模特。达· 芬奇艺术生涯发展得最顺利的时期是在 1482--1499年的米兰。达· 芬奇的七弦琴拉得不错，他首先是作为一个音乐家而不是画家或者发明家出现在米兰出名的。这期间他的绘画作品不多，但其无与伦比的才能却极受米兰大公卢多维科· 斯福尔扎的青睐。
油画鉴赏之《戴头饰的夫人》
众所周知，达· 芬奇画的女性肖像难免存在一种“微笑的公式”，但并非全然如此。这一幅女性侧面肖像尤其令人感到其描绘的精确性：那一丝不苟的脸部轮廓，美丽而整齐的秀发，古代贵妇的头饰上的珍珠，被他仔细地观察、研究和刻意描绘着。那一串从头绕到颈项的长长的珍珠，几乎每一颗的立面、高光及其圆润感都作了细腻的绘写；从而增强了贵妇人的华贵与庄重感。如果说，达· 芬奇在《蒙娜· 丽莎》上所注重的是她的神秘的笑容，那么，在这里，画家是以精确的素描结构赞美着这位妇女的绝世容貌。

毕加索作品赏析-格尔尼卡

立体主义
立体主义是20世纪最重要的前卫运动。它对后来的各种现代派艺术都产生过不同程度的影响，立体主义者所关心的核心问题是怎样把对象分割成许多面，在一个画面上同时呈现出具有三度或是四度空间的立体的自然形态。
格尔尼卡
画面里没有飞机，没有炸弹，却聚集了残暴、恐怖、痛苦、绝望、死亡和呐喊。
局部欣赏
倒在地上的战士手握着一把断剑的剑柄，肢体残缺，死不瞑目，剑旁有一朵鲜花，是对死去战士的哀悼。代表受苦的人民。
局部欣赏
举灯的女人，画家 3 岁时历经地震灾害所留下的印象。代表着受苦的人民。
局部欣赏
从楼上跳下的人神情中流露出的是惊恐和绝望。代表着受苦的人民。
局部欣赏
在一片混乱、嘈杂声中，这只像眼睛一样的灯发出耀眼的锯齿状的光芒，强化了扭曲的痛苦和悲剧的气氛，就像一个 “冷酷的梦境”，代表着受苦的人民。
雕塑作品
毕加索作品欣赏
陶艺作品
毕加索一生的美术创作极其丰富，早期以写实为主，以后逐渐转向对各种艺术形式的探索，在现代西方美术界具有较大影响力。研究者把他的创作画法和风格大致分为：
蓝色时期
玫瑰红时期
黑人时期
立体主义时期
古典主义时期
超现实主义时期
抽象主义时期
毕加索
（1881年—1973年）
汶川地震惨状及救援
为死去的同胞哀悼。。。。
作业布置
请以汶川“5·12”事件为题材创作一幅画，形式材料不限。
局部欣赏
马在死亡之前嘶鸣，显示了最后痛苦之中的抽搐。代表受苦的人民。
局部欣赏
牛在冷漠中蕴含着一种威胁，其残忍的狞笑，代表着法西斯的残暴。
形象表情动抱孩子的母亲作仰天痛哭

希腊美术作品赏析

三、希腊、罗马美术在雕刻和建筑方面的突出成就
• 古希腊：一爱琴海文化时期二荷马时期和古风时期三鼎盛时期四希腊化时期罗马比较之前的希腊基本没什么其它，主要有雕刻，建筑，和绘画几个方面从人类文化的历史上看，希腊文明是欧洲文化的发祥地。雪莱曾在诗中吟道：“我们都是希腊人。”希腊是欧洲文明的发源地和摇篮，没有希腊，无法想象欧洲文明会是什么样子，今日西方世界无处不遗存着希腊文明的传统。可是除了居住在希腊半岛上的公民自认为希腊人外，很少有人像雪莱那样以哲理的想象认为自己是希腊人。那么究竟谁是希腊人呢？历史表明，克里特的征服者、特洛伊城的毁灭者——迈锡尼人，是希腊最早的居民之一。后来沦为北方蛮族的奴隶，并逐渐分流为多利安人和伊奥尼亚人，他们都有共同的信仰和语言，所以称他们为希腊人。在缔造希腊古典文明的主要民族多利安人和伊奥尼亚人到达希腊本土之前，在地中海东北部的爱琴海地区就曾经存在过相当发达的爱琴文化。希腊文化主要来自以爱琴海为中心的爱琴文明，因此，我们要了解希腊美术，首先得从爱琴美术开始。爱琴美术是希腊美术的孕育时期，是以爱琴海上的克里特岛为中心，包括把尔干半岛南部的迈锡尼文化，所以爱琴文化又叫“克里特——迈锡尼文化”。爱琴文明大约是在埃及中王国时代形成，有别于埃及文明或美索不达米亚文明所属的河谷文化，这个文明是属于岛国文化。前两个文明都掌控并维持着广大的疆域，相较之下爱琴海文明的范围则很小，克里特岛只有240 公里长，最宽处也只有 56 公里。然而这个岛屿的气候温和，农业发达，尤其是四面环海，保障了当地长达五百年的安全。因此，早在公元前二十五世纪时，克里特岛的居民就已经创造了青铜石材并用的文化，靠着对外贸易在公元前 2000 年进入了繁荣时期，并以克诺索斯（Knossos）为首都建立起强大的商业王国。传说中，克里特岛上曾经出现一位很卓越名为“迈诺斯” （Minos）的国王，因此考古学家便称他统治的王国存在时所展现的文明为（迈诺安文明）。尽管克里特岛的地理位置与埃及相近，但是迈诺安文明与埃及文明却有很大的差异。前者以宫殿为中心，后者以陵寝为特色。考古学家于十九世纪末在克诺索斯发掘出一个大规模的皇宫遗址，并称之为克诺索斯皇宫（Palace of Knossos）。这个皇宫加上周围的城镇以及它的公共设施，却是后来希腊城邦（Polis）的前身。克诺索斯皇宫遗址留下来很多装饰壁画，这些壁画的主要主题来自大自然，譬如海浪、海草、章鱼、海豚等。充分显现迈诺安艺术中充满律动和欢愉的气质。在雕塑方面，最重要的一件是《女蛇神像》〔Snake Goddess〕。这件以彩绘装饰的陶塑人像，造型上没有埃及人像那么拘谨，她双手自由伸展，身着华丽的长裙，袒露出前胸的乳房。迈诺安文明没有连贯的发展，他们的出现与消失都非常突然，或许是因为曾经遭遇到地震与火山，使迈诺斯王国受创倒地不起，虽然最后被强大与好战的迈锡尼人（Mycenae）征服，但却因为迈锡尼艺术的继承与普及，而使得迈诺安文明得以传播到其它地区。迈锡尼人（Mycenaean）在公元前 1600 年至 1100 年群居在希腊伯罗奔尼撒（Peloponnesus）半岛的东南岸，与迈诺安文化极为相近。但自从 1870 年德国一位考古学家舒莱曼（Heinrich Shliemann）在迈锡尼进行挖掘，发现了巨大的宫殿堡垒，并有金器与用具等，证实了荷马史诗伊利亚特〔Iliad〕中所记载的故事，因此才确定迈锡尼人是最早的希腊部落的后代。经过这次发掘，呈现于世人面前的是宏伟的迈锡尼文明遗迹，包括迈锡尼卫城（Mycenae Acropolis）和泰利安城堡（Tiryns Castle），它们估计约建于公元前 1400 年左右。由于迈诺安建筑太过自由开放且缺乏秩序，使得城墙设施的防御能力降低，因此迈锡尼文明在建筑部分便主要以坚固城壁的堡垒，以及可兼做王宫为第一功能。雕刻方面则有在迈锡尼出土，黄金制作的《葬仪用面具》（Funeral Mask），相传为阿加门农（Agamemnon）王所用。这个面具除了可看出表情生动的容貌，也可看出其制作的精致手艺。爱琴海文化在绘画部分原本是自由奔放的，但后来渐渐转成抽象图案，以致以简化的人类或动物为主的图式。这个文化后来被北方多利安人〔Dorians〕入侵，便告结束了。克里特文化是爱琴文化的发源地，克里特岛地处欧、亚、非之间的交通要道，有良好的港湾，岛上土地肥沃，物产丰富，人民生活富足安康，比欧洲大陆更早进入文明发展期。克里特时期的美术很明显受到更早进入文明时代的北非埃及和西亚两河流域美术的影响。迈锡尼文化是克里特文化的继承者，与克里特文化比较起来，迈锡尼的美术雄伟粗犷，而克里特美术却风格纤丽、细致，直到公元前1200年左右，多利安人统一了希腊半岛，迈锡尼文化告终。希腊欧洲文化的发源地，古代希腊人在科学、哲学、文学、艺术上都创造性辉煌的成就，对欧洲文化的发展产生深远的影响。它形成了西方美术的第一个高峰期。虽然古埃及与两河流域的美术产生得更早一些，但是对整个欧洲及世界艺术的影响最大的莫过于古希腊美术。它在三千年前当世界其�

蒙克《呐喊》赏析

画面中央的形象使人毛骨悚然，脑袋上毛发全无，脸形像个骷髅，双眼和张着的嘴都大如空洞，身材瘦削嶙峋，衣着不清。他捂着耳朵，似乎听不见那两个远去的行人的脚步声，也看不见远方的两只小船和教堂的尖塔。这一完全与现实隔离了的孤独者，已被自己内心深处极度的恐惧彻底征服。变形和扭曲的尖叫的面孔，圆睁的双眼和凹陷的脸颊，使人想到了与死亡相联系的骷髅。他就像一个尖叫的鬼魂，让观赏者恐惧，不自觉得也想要尖叫呐喊。他不是一个具体的人物，只是一个被抽象了的代表恐惧的形象。
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最新行情：
苏富比拍卖的这件《呐喊》
2012年5月2日早上7点(北京时间)，纽约苏富比拍卖上，蒙克的《呐喊》作为第20件拍品在众人瞩目中登场。现场共有8位竞标
者，从4000万美元开始起
价后便引起激烈竞争，很快竞价便飙升至8000万美元。最终一电话竞标者以
1.199亿美元拍走该幅作
品(1.07亿美元落槌，加上佣金为1.199亿美元)。
“一天晚上我沿着小路漫步，路的一边是城市另一边，在我的下方是峡湾。我又累又病停步朝峡湾那一边眺望，太阳正落山，云被染得红红的象血一样。我感到一声刺耳的尖叫穿过天地间，我仿佛可以听到这一尖叫的声音。我画下了这幅画，画了那些象真的血一样的云。那些色彩在尖叫。这就是生命组画中的这幅《呐喊》。”
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灵感来源
蒙克曾经这样描述：“我和朋友一起去散步，太阳快要落山时，突然间，天空变得血一样的红，一阵忧伤涌上心头，深蓝色的海湾和城市，是血与火的空间。朋友相继前行，我独自站在那里，突然感到不可名状的恐怖和战栗，大自然中仿佛传来一声震撼宇宙的呐喊。”
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画面内容
画面描绘了一个面容近似骷髅的人，双手捂住耳朵，站在一条看不见首尾的公路桥上，似乎由于惊吓而大声呐喊。

新视野下的“点线面”绘画作品赏析-2019年文档资料

新视野下的“点线面”绘画作品赏析-2019年文档资料-CAL-FENGHAI.-(YICAI)-Company One1新视野下的“点线面”绘画作品赏析目前,市场上关于绘画作品欣赏的书籍种类繁杂,产量频丰,这些书籍资料所写的欣赏角度无外乎从绘画作品的艺术语言表现、制作技法、绘画风格、作画材质、作品意境、画家情感表达等几方面来引导欣赏者赏析,在某种程度上为人们欣赏水平的提高起到了一定积极向上的引导作用。

然而,真正能从绘画作品中去洞察作者蕴藏构思的用意的资料却寥寥无几,也便不能使欣赏者更全面地对绘画作品进行赏析。

在这里,笔者试图从一个专业角度探讨如何欣赏绘画作品,也即学会用“点线面”去赏析绘画作品,从而享受到一种别具意味的欣赏效果,并以此起到举一反三的功效。

一对“点线面”的意识“点线面”是大家经常听到也经常提到甚至用到的,但真要讲清楚,却又不那么容易表达出来。

实际上“点线面”是不存在的,它只是一个抽象的概念。

在数学中,“点”是有位置而无面积无体积,是用“线”与“线”的交叉来确定“点”的位置,“点”是起点也是终点;“线”则是“点”的延伸,由无数个“点”组成,是靠“面”与“面”的相交来确定位置,“线”向两个方向无限延长没有端头;“面”是由无数个“点”或“线”组成,由三个“点”或两条平行线来确定位置和面积,“面”向四面八方无限扩张没有边界。

点是组成线、面的最小元素。

三者相互转化、相辅相成。

诚然,生活中提到的“点线面”与数学中讲的“点线面”截然不同,是以具象而存在的。

我们生活在立体的三维空间里,所看到的物象有自然所造物和人工所造物,它们以颜色、体积、形态、结构、质量而存在,是具体的、可视的。

如何用实物来理解“点线面”的存在,我们亦可借助于数学中“点线面”的概念来理解。

如一个苹果是“点”,一排苹果是“线”,平铺开的苹果是“面”;又如苹果放在桌子上,苹果是“点”,桌子是“面”,桌子与房子比,桌子又成为“点”,房子又成为了“面”;再如黄河在大地的衬托下,大地是“面”,黄河是“线”,船在黄河中行驶,黄河是“面”,船是“点”。

世界名画赏析

整理ppt
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《蒙娜丽莎》
达芬奇
500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。
毕加索油画《格尔尼卡》，是立体主义的领导人毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作，是表现战争题材且具有纪念意义的作品。画中表现的是1937年纳粹德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的谴责和抗议。毕加索他那潜在的变现主义再次迸发出来，线条扭曲着，膨胀着，激情在奔腾驰骋，这便是《格尔尼卡》。
大学艺术系、北平大学艺术学院和北平艺专。
1949年后任中央美术学院院长。擅长人物、走兽、
花鸟，主张现实主义，于传统尤推崇任伯年，强
调国画改革融入西画技法，作画主张光线、造型，
讲求对象的解剖结构、骨骼的准确把握，并强调
作品的思想内涵，对当时中国画坛影响甚大，与
张书旗、柳子谷三人被称为画坛的“金陵三杰”。
知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。
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• 美术名画鉴赏的作用

1水粉画作品赏析

中外著名画家水粉画作品赏析绘画欣赏是提高审美能力，研究并吸取他人绘画经验与技能的重要而不可缺少的途径，是不能忽视的专业活动。

平时参观美展，阅览各种画册、美术图片、美术报刊杂志等等，都是属于这种活动的内容。

在美术基础学习的同时，如能重视美术欣赏，必将促进基础学习成绩的更快提高。

此章重点介绍部分中外美术家的水粉画作品，并作一些介绍和分析，提供给读者研究和参考。

所介绍的作品，大多是属于创作性质的，这是由于考虑到创作所包含的艺术内容更为全面广泛，创作更能显示画家的风格与艺术水平。

同时，在美术表现技法方面，可以提供广泛的借鉴和学习的机会。

1.崖下（水彩）[英]理查德·帕克斯·波宁顿这是一幅透明的水彩画，是19世纪英国水彩画繁荣时期代表画家的典型作品之一。

通过欣赏，可以具体认识透明水彩画与不透明水彩画(即水粉画)在表现方法与艺术特色方面的不同。

作品的主题是表现英格兰一个海湾中因潮汐而产生的船难场面。

明亮山崖周围的山、海岸的沉暗色调和画面中的许多倾斜线，加强了险恶的恐怖气氛。

画幅下面的人物动态和道具的处理也密切联系主题，表示出不幸和悲哀。

此画构图完整，造型严谨，浓淡色调对比强烈，水色充分、流畅而透明，笔法也非常随意而自然，具有传统水彩画的艺术特色。

作者在完成此作品不久，即因肺病而去世，时年26岁。

亨特是英国19世纪自然主义画家。

他擅长表现水果、花木、飞禽、鸟巢等题材。

作品形象逼真，为同辈人所望尘莫及。

《迎春花与雀巢》是他画风发展到后期的典型作品，在此幅画中可以看到，他使用的细密画法，运用不透明颜色(水彩颜料和锌白混合)，用各种不同的点彩方法，细微、紧密而真实地表现出对象，线条紧凑，色彩生动。

他很少使用长笔触。

当时，曾有许多画家争相模仿这种精致的作画技巧。

2.迎春花与雀巢[英]威廉·亨利·亨特路易斯早年从事版画艺术，后来创作水彩画，至中年他旅游东方，在阿拉伯度过了十年时间，以画异国情调的中东风光而驰名。

西方画坛流派：巴洛克艺术画派之《席尔瓦·委拉斯贵支》

西⽅画坛流派：巴洛克艺术画派之《席尔⽡·委拉斯贵⽀》愚雅轩祝朋友们全家幸福安康西⽅画坛流派巴洛克艺术画派之《席尔⽡·委拉斯贵⽀》席尔⽡·委拉斯贵⽀ - diego rodriguez de silva velazquez委拉斯贵⽀ 1619 布⾯油画贤⼠朝圣委拉斯贵⽀ 1629 布⾯油画酒神巴克科斯的胜利作者：迭⼽·罗德⾥格斯·德·席尔⽡·委拉斯贵⽀ - diego rodriguez de silva velazquez作品名称：酒神巴库斯- bacchus作品尺⼨：165 cm × 225 cm 作品年代：1628-1629 作品材质：布⾯油画 Oil on canvas现收藏于：普拉多博物馆,马德⾥委拉斯贵⽀ 1632 布⾯油画耶稣受难委拉斯贵⽀ 1645 布⾯油画圣母加冕委拉斯贵⽀ 1617 布⾯油画早餐委拉斯贵⽀ 1635 布⾯油画骑马的巴尔塔萨·卡洛斯王⼦委拉斯贵⽀纺织⼥作者：迭⼽·罗德⾥格斯·德·席尔⽡·委拉斯贵⽀ - diego rodriguez de silva velazquez作品名称：纺织⼥- the fable of arachne作品尺⼨：220 x 289 cm 作品年代：1644-1648作品材质：布⾯油画 Oil on canvas 现收藏于：普拉多博物馆,马德⾥这幅《纺织⼥》是委拉斯贵⽀继《宫娥》之后的⼜⼀杰作。

此画原名《巴拉斯与阿莱⾟》，题材来⾃技艺⼥神巴拉斯与擅长纺织的少⼥阿莱⾟⽐赛织布，巴拉斯因赛不过阿莱⾟，因⽽恼羞成怒把阿莱⾟变成了蜘蛛的故事，但这幅描绘神话题材的作品，⼀扫⼗七世纪神画题材画的旧习，⽽以世俗⽣活来表现神界，同时⼜把平凡的世俗⽣活表现得引⼈⼊胜，是⼀幅风格清新、富有创造性的作品。

这主要是表现在，神话⼈物安置在画⾯中描绘的挂毯上，戴头盔的是技艺⼥神巴拉斯，站在她对⾯的少⼥便是阿莱⾟，⽽画⾯的近景则是描绘了神话和现实两个世界，但画家更重视现实世界，尤其是近景右侧那个穿⽩⾐的纺织⼥的形象⼗分优美。

马奈莫奈《草地上的午餐》比较赏析

马奈\莫奈《草地上的午餐》比较赏析作者：刘晓文来源：《文艺生活·文艺理论》2011年第08期摘要：爱德华·马奈和克劳德·莫奈同是法国印象主义的主要奠基人，他们在画面中都大胆的运用光和色彩来表现，1863年马奈在落选者沙龙中展出的《草地上的午餐》一画引起了世所罕见的轰动，不论是题材还是表现方法都与当时占统治地位的学院派原则相悖。

时隔两年，克劳德·莫奈也以相同的题目命名创作了《草地上的午餐》，从这幅画的题材和构图来看肯定是受马奈的《草地上的午餐》一画启发而作，也可能是想和马奈一比高下。

关键词：印象主义；光；色彩中图分类号：J205 文献标识码：Ａ文章编号：1005-5312（2011）23-0089-01印象主义产生于19世纪60至70年代，当时西方对光学与色彩学的研究已取得了突出的成果，出版了一些有关的著作，从而启发了一批勇于创新的青年画家，而这当中以马奈、莫奈作为印象主义的主要代表人物。

爱德华·马奈，1832年生于法国巴黎，出身在一个大资产阶级的家庭里，这种家庭的传统发迹之途就是出任公职。

爱德华·马奈是19世纪印象主义的奠基人之一，却又不是真正意义上的印象主义，他从未参加过印象派的展览，但他深具革新精神的艺术创作态度，却深深影响了莫奈、塞尚、凡高等新兴画家，进而将绘画带入现代主义的道路上。

可以说印象派的创始人是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，25岁的莫奈在舍依曾画过一幅长20尺的巨作《草地上的午餐》。

那时库尔贝也在舍依作画，他很喜欢莫奈，常来看他并给《草地上的午餐》提修改意见。

此画完成后，莫奈十分后悔听了库尔贝的意见，对作品很不满，决定不送沙龙展出。

在离开舍依时因缴不起房租而将此画作抵押，可惜因房屋潮湿，这幅巨作被损毁了。

现在这幅是小的草图。

他们的画作在当时的社会引起了多方的猜测、思索，画风独树一帜，他们在画面中都大胆的运用光和色彩来表现，以下对两幅油画作简要分析：一、画面构成从马奈《草地上的午餐》来看，画中几个人物构成一个互相交错的三角形，画面上一个裸体女子坐在林中溪边的草地上，与两个穿衣绅士作伴；左侧前景有一只翻倒的篮子，食物滚出篮外，又在后景的湖池边，添画了一个穿衣的女人，俯身站在水里捞捡什么，从这种三角式的构成来讲，好像是有稳定画面的作用，但两个女人的出现给观者的感受却是一种幻境般且各自独立存在于自我的空间。

美术学案二—西方绘画

印象主义（19世纪后半期）
新印象主义（19世纪末）后印象主义（19世纪末20世纪初）
13
20世纪西方现代派(1)新古典主义
特点：重视素描和轮廓,注重雕塑般的人物形象,而对色彩不够重视
《泉》是安格尔众多人体艺术中最杰出的一幅，少女的造型在整体上是遵循古希腊雕刻的原则，但更为细腻微妙。安格尔把他心中长期积淀的古典美与写实的现实美完美地结合了起来。这幅画的奥秘在于画家表现了人体姿态从不平衡向平衡的变化，抓住了人体内部力的微妙关系，即左倾斜的双肩和向右倾斜的胯部、向上的用力和向下倾倒的水罐，前趋的右膝和后绷的左腿都体现了力而打破了平衡。
表现了一个错乱的梦幻世界。清晰的物体无序地散落在画面上。湿面饼般软塌塌的钟表尤其令人过目难忘。无限深远的背景，给人以虚幻冷寂，怅然若失之感。达利的绘画往往是支璃破碎的，充分展示了无意识的梦幻场景。但实际上，这些看似偶得的幻觉形象，必定经过了画家相当的努力；而看似无意识的画面，必定是有意识计划的结果，甚至是惨淡经营的结果。
23
用手绘的方式表现出了剪贴画的艺术语言，仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。
画面里没有飞机，没有炸弹，却聚集了残暴、恐怖、痛苦、绝望、死亡和呐喊。被践踏的鲜花、断裂的肢体，号啕大哭的母亲、仰天狂叫的求救，断臂倒地的男子、濒死长嘶的马匹……这是对法西斯暴行的无声控诉，撕裂长空。画家以半抽象的立体主义手法，以超时空的形象组合，打破了空间界限，蕴含了愤懑的抗议，成就了史诗的悲壮；在支离破碎的黑白灰色块中，散发着无尽的阴郁、恐惧，折射出画家对人类苦难的 24 强大悲悯。
修拉《大碗岛的星期日下午》修拉：新印象画派（点彩派）的创始人。

蒙娜丽莎赏析300字

蒙娜丽莎赏析300字罗浮宫称得上是世界最著名的美术馆，《蒙娜·丽莎》则称得上是其中最著名的收藏品。

法国人能拥有这件意大利绘画的瑰宝，全靠当年热爱意大利文化的法国弗朗索瓦一世盛情邀请老达?芬奇赴法。

达芬奇在离开令他失望的故土时，带走了一批珍视的作品和文稿，其中就包括没交给订画人的这幅油画。

蒙娜·丽莎达·芬奇约1503-1505年油画77x54 巴黎罗浮宫博物馆《蒙娜·丽莎》，据流行的说法，是达?芬奇为佛罗伦萨商人乔孔多的妻子蒙娜.丽莎画的肖像，所以在西方，它还有个标题，即《乔孔多夫人》。

达?芬奇为她作画的时候，她年仅二十四岁。

这位妇女刚刚失去自己心爱的女儿，常常悲哀抑郁。

为了让她面带微笑，画家想出种种办法，如请乐师为她奏乐、唱歌、说笑话。

画面上，蒙娜.丽莎优雅地侧坐在阳台的椅子上，背景是起伏的远山、蜿蜒的小路和潺潺的流水。

她有明亮的眼睛、纤细的睫毛、垂落在肩上的柔软而微微鬈曲的头发。

达?芬奇没有给她画上眉毛，因为按照当时的审美观念，女性的眉毛有损眼睛的明净。

她的衣着大方朴素，富有音乐感的衣褶取代了一般妇女肖像上常见的珠光宝气，在额头上轻轻撩起的一丝薄纱更增添了她的妩媚。

“薄雾法“的运用在这一幅肖像画中发挥了充分的效果，人的笑容主要表现在眼角和嘴角，达芬奇把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，令人捉摸不定。

不同的观者和在不同时间的相同观者，感受似乎都不一样。

有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又有点严肃，有时像隐含忧伤，有时又似乎在揶揄和讥讽。

在构图上，达芬奇改变了以往肖像画多采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图。

透视点图微上升，使构图呈金字塔形。

这样，蒙娜丽莎就显得更加端庄和稳重。

在背景的山崖、小径、石桥、树丛和潺潺的流水都推向遥远的深处，仿佛这一切都被笼罩在薄雾里，以此来加强突出人物形象。

而且人物两边的远景并不在同一视平线上，右边视平线显得较高，左边的视平线则比较低。

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中西方绘画艺术作品比较赏析中西方绘画各自的特色比较内容摘要通过中西方绘画作品内容、形式的西方美术鉴赏论文对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。论文中主要采用对比的手法，通过对相同主题的两幅不同画的意义的分析和描述，分析西方绘画创作型思维注重的精髓，通过不同画主题和涵义却相近的两幅画的分析，分析中国绘画写意的主要手法。再通过中西方不同作品运用的不同手法，找出之间的共同点，从而深刻的认识中西方绘画的区别在哪，作品的意义在哪，当时的社会背景等。同时也可以通过对人物的分析，更加深刻的了解其作品的现实意义和理论意义，更好地了解这门课程的意义和知识。关键词：内容，创作手法

中西方的传统观念有所不同，西方认为人是宇宙或世界的中心，是自然的主宰；东方尤其是中国则认为人是自然界的一部分，人与自然应该和谐共生共存。在艺术世界，西方绘画很早就开始固守焦点透视和视点固定的准则，时空概念非常强烈；中国绘画则采用散点透视或动点透视，画面常常是时空变换，景随人移，物随心动。在对自然的态度上，中西方有着明显的差异。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。一件艺术作品，内容方面的因素有主题、题材等，不同的内容决定了作者采用不同的形式，同样的内容可以有不同的表现形式，而不同的内容也会有相类似的表达方式。美术史上的大量事实，展示了东西方艺术作品中形式与内容的复杂关系，以及在不同的观念世界中表达方式的变化。达·芬奇《最后的晚餐》与丁托列托的《最后的晚餐》是两幅同样标题、同样题材、同样内容的作品，但是在表现形式上却是大不一样。下面我们来欣赏一下这两幅画，并对其做一个简单的分析。

丁托列托《最后的晚餐》我们先来看看达.芬奇的《最后的晚餐》，达·芬奇为了突出基督，采用平面构图，基督处于正中间的位置。画面铺展，人物并列左右，按顺序排开，产生对称平衡的感觉，基督表情平静的看着他的12位门徒，作者将达.芬奇说出有人是叛徒之后，每个人的心理思想通过面部表情和肢体动作淋漓尽致的描绘了出来。除却此不谈，其构画的巧思也不得不令人赞叹，构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作。.既然达.芬奇的作品已经如此巧妙，为什么还要再拿一幅同题材的作品来与之比较呢？不得不强调一下，文艺复兴前期画家及达·芬奇的作品都有一个共同的特点——画中的餐桌必定要布置得与画面的边缘平行。虽然人物的组合与画面空间的关系在莱奥纳多的笔下第一次获得了墙壁般的坚实性,然而他们对桌面的布置与左右基本对称的处理方法都体现了文艺复兴艺术平衡稳定与庄严和谐的特点。与之形成鲜明对比的是彻底颠覆这一特点的另一幅《最后的晚餐》,在这幅画面中餐桌被摆放呈纵向透视角度,富有运动感的斜角线构图、强烈的明暗对比法,给人以强烈的视觉和心理感受。这幅画的作者就是——丁托列托。在他所描绘的画里，人物随意的分散，头顶的灯光被过分的渲染，似在宣泄什么，又好像要照亮世间所有的污垢。从现实性来说，丁多列托的画虚构了非现实的房屋，神祕的光若明若暗，四处充斥著幻影和阴霾，但是，人物和物体的刻画却十分坚实、丰满、生动活泼。丁多列托著力于运动的進展和時間的流逝，观看丁多列托的画，在视觉上会产生动荡感，不能減速，可以说丁多列托用戏剧展开有意义的「事件」，、起终点同等重要，同为整体的一部份。两幅画传达出何种「人的本质」呢﹖就达.芬奇而言，他把人看作截然分离的个体，当事件撞击時，个体以独特的方式作出反应，表面上看，的确笃信了新教看重个体的原则，但同時也强调，个体仅凭相加即可构成整体，和丁多列托「超个体」式的共同感不同，丁多列托基本上將人视作宏大整体的一部份。如果从「教会生活」考虑两者的歧义，顺着达.芬奇对人性的理解推衍，现实中是沒有真正的教会的，或许俱乐部是比较可以接受的形式，因为可以容许个体随意出入。按照丁多列托的信念，教会不是虚无，而是一切，人只有作为教会的一部份才有现实性。通过比较这两幅画。我们可以看出从构图，空间运用，人物描绘，现实意义以及戏剧性上各有千秋，从而也突出此篇论文的一个目的，通过对相同主题的两幅不同画的意义的分析和描述，分析西方绘画写实注重的精髓，西方绘画之所以会出现那么多闻名世

达.芬

奇《最后的晚餐》界的作品，和他们所处的环境以及创作思维是息息相关的，西方绘画一般注重现实的境况的描绘，可以很好地突出当时的社会镜像，而且擅长通过刻画人物的一个表情而突出人物心理，这与中方绘画写意的手法有很大的区别，线面我们就来欣赏几幅中国的写意画。

开卷描绘坡岸水色，远山隐约，接着是连绵起伏，群峰争奇的山峦，再下是茫茫江水，天水一色，最后则高峰突起，远岫渺茫。山间丛林茂密，点缀村舍、茅亭，水中则有渔舟垂钓。山和水的布置疏密得当，层次分明，大片的空白，乃是长卷画的构成特色。笔墨上已显然取法董源、巨然，但更为简约利落。山石的勾、皴，用笔顿挫转折，随意而似天成。将近20厘米的长披麻皴，枯湿浑成，功力深厚，洒脱而极富灵气，洋溢着平淡天真的神韵。全图用墨淡雅，仅在山石上普染一层极淡墨色，并用稍深墨色染出远山及江边沙渍、波影，只有点苔、点叶时用上浓墨，但已足以醒目。画卷大多采用勾勒的手法，将山水描绘的如在眼前。

展子虔的《游春图》是一幅描绘自然景色为主的青绿。图中山青水秀，水天弥漫，在波光潋滟的湖面上，一艘华丽的高篷游艇随波荡漾。船中三位女子纵目四望，陶醉于明丽的湖光山色，流连忘返。湖边数人或骑马或漫步于山间小道，或袖手仁立岸边，兴致盎然。画家通过对各种自然景色和人物活动的生动描绘，成功地体现了《游春》这一主题。整幅画卷以群山为背景，只在其中寥寥勾勒数笔便将游春这一主题面写得生动活泼，不见丝毫的累赘，与西方绘画着重人物的雕刻形成鲜明的对比。通过这两幅绘画，我们可以看出不同的两个主题，却通过相同的手法来刻画其中的涵义，都是通过对上水的描画来突出主题，着重写意而非写实。从而我们可以领略到，中国画意象所体现的是人与自然的同一，强调的是主观与客观的统一，主张眼到心到、意到，意中有象，象中有意，主观情志外象化，客观之象情趣化，可谓物我交融，天人合一。当然，中国画也要面对客观物象，但这些物象经与审美主体交融后，也就蜕变成一种精神状态的物化方式，绝不再拘泥于客观真实的度量标准。对于自然物象，它不是不知，而是不必去知，更无意刻意去知，于是，中国画不讲焦点透视，而善散点构成；不讲三度空间，而求二度变化；不讲块面刻画，而取轮廓勾勒；不讲物理重心，而重主观感受。它挣脱物理形象而获得提炼，变成一种具有主观意象的精神轨迹，发挥着远远超出客体形体本身的精神效应。中国画的意象特性有着强烈的表现力和艺术魅力，它的艺术追求也是另辟蹊径，既表现客观，还强调主观。作画时，要意在笔先，胸有成竹，笔简而意工，象约而境奇，不仅求之于象内、境内，更着眼于象外、境外。中国画重神轻形、重意轻象，要求神形兼备、意广象圆、情景交融。追求笔有尽而意无穷，象有限而意无边。总之，所有这些都是中国画意象特性的丰富内涵。几千年来，中国画瑰丽多彩、绵延相继，即使是在世界文化大碰撞、大融合的今天，也仍显夺目光彩，这是与中国画意象特性的审美观分不开的。

通过以上四幅画的分析，我们还可以看出中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。

中国画和西洋画不一样，可能这是一个很大的特点。西洋画是表象的，非常写实的，更多。中国画是写意的，这个写意可不是大概写的意象，写的是理想，写的是画境、意境。所以诗中有画，画中有诗。所以中国画不光要画得好，光是技术好不行，你还得有文化。涉及到诗、书、画、印各方面的修养。就像北宋张择端的《清明上河图》。若没有身后的底蕴，是不可能做出如此伟大的画卷的西方的绘画，却一定要有丰富的想象力，比如由康定斯基画出来的抽象主义绘画。取个简单的例子，我们来看看毕加索的《格尔尼卡》。这幅作品的意义我相信如果不是老师上课分析的话，大家应该都看不太懂，甚至连描述的是什么都很难知道。那毋庸置疑的，画出这幅画的人需要多么丰富的想象力更是不言而喻。我们再从形式上分析一下中西方的绘画，《格尔尼卡》形式上求奇异，成了立体派的代表人物。所谓立体派，是把物体分割成各种几何形