中西方绘画艺术作品比较赏析—父亲和蒙娜丽莎的微笑国贸1002 XXX 指导老师李雅娟【内容摘要】美术即是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的,占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术。
表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。
油画在当时历史条件下体现着一种新型审美价值——意境审美，而这，其实是古老的传统审美。
这听起来就是一个悖论，是油画在中国的传播和发展上存在着的众多的悖论之一。
但悖论往往孕含着生机，随着对西方绘画的深入研究，越来越多的人们更加清晰和准确地发现了自身传统文化的优势。
重新认识古典的意境审美，并将之在当今油画创作中进行解读和转换，是油画创新的资源之一，也是油画由走向自主发展的必由道路之一。
在《中外美术鉴赏》这门课中见到了许许多多的世界名画，其中很多都给人留下了深刻印象，我最喜欢的是罗中立的《父亲》和达芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》随着对达芬奇了解的深入，对大师创作的背景、时间和境况也有了更多了解。
花费了很长时间才完成，它为达芬奇大师的绘画生涯画上了一个圆满句号。
至今大家还都会被这幅画深深震撼，也被达芬奇大师对绘画的热情和执著追求而感动。
【关键词】中西；绘画；父亲；蒙娜丽莎【正文】1 《父亲》在油画中追求意境，开拓油画审美的本土化的路途中，罗中立的《父亲》堪称是一幅意境深远的经典之作。
这幅作品描绘的是一个普普通通的老农形象，却像一首扣人心弦的沉重又悲怆的奏鸣曲令人震撼令人感动。
《父亲》这幅中国油画史上的“名作”，主要从意境审美角度进行分析。
绘画的意境由象内之境和象外之境构成。
首先，《父亲》的象内之境：人物形象。
这是一个农民形象的父亲，画里的“父亲”脸上布满皱纹、额头流淌着汗水，手里端着一个粗瓷大碗，望着前方。
对于油画《父亲》，相信观众不会把它当作画家罗中立本人的父亲的肖象来看待。
即便知道这个“父亲”的真实身份，观者的欣赏还是不会就这个形象而止，还仍然会产生很多联想和感触。
这其实触及到了意境的本质了。
如果说“生活是艺术的源泉”有其真理性，那么就由此推定作为艺术的高级形态的意境的本质：“意境就是生活的形象反映”，这样的结论无疑显得单薄。
也就是说，从意境的本质看，意境不仅仅是对某一生活原型、一个有限的形象的反映，而是以此种来自生活的形象作为符号来宣泄作者的独特的人生体验和审美体验并进而唤起观者的某些体验，这样的“一种特殊的生命运动形态”《父亲》的意境的创造过程正好说明了这一点“文革”中形成的审美标准是：红光亮，而罗中立在这幅画里是：脏暗涩。
罗中立的立足点在于真实，对真实的追求使之突破了对政治的附庸、对红光亮风格的限制，这得益于画家审美的超功利性：画家创作的目的只有两个，一是通过作品说出想说的话，表现对“父亲”的“同情、怜悯、感慨”，二是想用超级写实手法来完成创作，这两点也正是这幅画在造境上的成功和妙处，即：以真为美、抒发了情感和吸收国外画派的手法开创了新形式。
需要进一步指出的是，此处审美的超功利是指画家抒发的不仅仅是一己的感想，而是“文革”结束后人文精神回归大潮下人们普遍的一种愿望：正视中国农民、中国人的真正生存状态。
画家的高境界在于其绘画不在于一己之私利，而在于谋求全民族共通之感情的表达。
而这种超功利的真情实感的抒发全仗于超级写实的技巧才得以实现。
作者细致地描绘了那一道道像蚀石般深刻又像蜘蛛网般细密的皱纹，观众看到的是生活的苦难和艰辛；作者把握住了“父亲”那有些昏花又很安详的眼神，观众看到的是千百年来农民的慈善和逆来顺受；作者把“父亲”的手刻画得干枯和粗糙，观众看到的是每日起早摸黑的辛勤劳作，作者在“父亲”前额画上一粒粒的汗水，观众在心里默默流泪水……。
第三层次的分析：观者的参与和意境的最后实现。
意境是“情与理的辩证相生”，其中，理是意境形成的基础，情则是最活跃的因素，欣赏者之“情”参与到作者已描绘完毕的“有限之境”中，将之升华至常变常新的“无限之境”。
在这幅画里，作者的尽其所能描绘的父亲形象是“理”，是制约因素，它引导观者心中的意境的形成，使之与画家已创造的物化形态基本上同构，也就是说观者的想象或联想基本上受制于“父亲”、“农民”、“皱纹”、“汗水”；而每个欣赏者因为自己的人生体验各不相同，又会在创造意境时根据自己的经历和学识，联想到和象内之境相关的“繁衍”、“土地” 、“艰辛”、“尊严”等等象外之境。
2《蒙娜丽莎的微笑》《蒙娜丽莎的微笑》是用油画的方式来细细描绘其脸部表情和幽雅的体态。
它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
艺术语言方面：构图上正面胸像构图，透视点略微上升，是构图成金字塔，体现出人物端庄稳重的性格，在技法上，晕染法细致入微的刻画了女子细腻娇嫩的皮肤，柔和的光线让面部表情有了些暧昧迷离的意味，也溶解了抽象生硬的线条，早期文艺复兴绘画形象外观上的那种生涩感没有了。
达芬奇的这幅画色彩朴素，明暗透视结构让步恰到好处。
艺术形象方面，《蒙娜丽莎的微笑》一直以来被披上了神秘的色彩，画面里蒙娜丽莎上半身的肖像含而不露的微笑温和宁静，眼神，蒙娜丽莎双手交叉平放胸前，使得端庄的姿态增添了宁静与安详，身体姿态与面部表情显的和谐，画面深处的背景飘渺朦胧的山岩和流水如同梦境一般，使画面感觉更加神秘，成功的刻画了一个资本主义上升时期的城市有产阶级的妇女的形象。
艺术意蕴方面：肖像的意义表现了摆脱中世纪宗教和封建双重束缚新女性形象，也通过一个女性的形象表达了人对自身肯定级对美好事物的向往也是文艺复兴时代《蒙娜丽莎》是欧洲文艺复兴时期重要的代表作品。
欧洲文艺复兴的主要思潮和文艺理论就是“人文主义”，人文主义反对一切以神为本的旧观念，以“人权”对抗“神权”，从而使文艺作品从以神为描述对象转变为以人为描述、表达的对象。
达芬奇的《蒙娜丽莎》创造了人物肖像的典型形象，这种以歌颂人为主题的肖像画，一反过去宗教内容绘画的传统，是对欧洲中世纪压抑人性的神学和禁欲主义的一种反叛，是一场精神革命的开始。
正是这种新思潮、新观念使得该画成为文艺复兴时期人文主义的旗帜，有人说，“一个女子的微笑，唤起欧洲人性的醒觉。
”3，中西方绘画差异中西方绘画艺术犹如两座形貌各异的山峰，虽然同样具有令人回味无穷的艺术感染力，但却各成一体。
在全球一体化的这一特定历史时期，中国绘画艺术与西方绘画艺术之间的交流也日渐密切。
交流之中，我们也看到了这两座山峰的不同特点中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。
中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。
中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。
中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。
中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。
中国画和西洋画不一样，可能这是一个很大的特点。
西洋画是表象的，非常的写实，讲究的是对自然的真实表现。
西方画家认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。
中国画重在写意，这个写意可不是大概其意，写的是意象、理想，写的是画境、意境。
所以有那么一句”诗中有画，画中有诗”的说法。
所以中国画光是技术好不行，你画得好还得有文化。
涉及到诗、书、画、印各方面的修养。
这也是中国画总是有着深刻的内涵! 中国传统的美学观念一直延续到今天就是以天人合一，自然、朴实、返璞归真为美，这个中国画里表现得非常突出。
另外中国人的禅学思想比较发达，形和意之间的关系不是弄得很实在的。
一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这思维方式。
所以在中国画中的色彩、构图、黑白、线条各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。
而且中国人历来有一种运动的画面感，所以中国画里散点透视。
你一看它是运动着的，看着是活的。
西方的画中，写实派要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。
所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。
抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作方法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和几何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。
某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现还是让人担扰。
.中国画意象所体现的是人与自然的统一，强调的是主观与客观的统一，主张眼到心到、意到，意中有象，象中有意，主观情志外象化，客观之象情趣化，可谓物我交融，天人合一。
当然，中国画也要面对客观物象，但这些物象经与审美主体交融后，也就蜕变成一种精神状态的物化方式，绝不再拘泥于客观真实的度量标准。
对于自然物象，它不是不知，而是不必去知，更无意刻意去知，于是，中国画不讲焦点透视，而善散点构成；不讲三度空间，而求二度变化；不讲块面刻画，而取轮廓勾勒；不讲物理重心，而重主观感受。
它挣脱物理形象而获得提炼，变成一种具有主观意象的精神轨迹，发着远远超出客观形体本身的精神效应。
中国画的意象特性有着强烈的表现力和艺术魅力，它的艺术追求也是另辟蹊径，既表现客观，还强调主观。
作画时，要意在笔先，胸有成竹，笔简而意工，象约而境奇，不仅求之于象内、境内，更着眼于象外、境外。
中国画重神轻形、重意轻象，要求神形兼备、意广象圆、情景交融。
追求笔有尽而意无穷，象有限而意无边。
几千年来，中国画瑰丽多彩、绵延相继，即使是在世界文化大碰撞、大融合的今天，也仍显夺目光彩，这是与中国画意象特性的审美观分不开的，西方的画通过素描、解剖、透视和从方到圆那把对象的方法，明暗的调子、统一光源的明暗关系来进行制作。
它讲究焦点透视，三维空间作画，讲究面刻画，它是一整套像数字公式一样的模式来进行绘画。
在西画的色彩上也有一套基本公式。
科技不能代替人的思想感情，不能“含道映物”，与浪漫无缘，因此不能从深层进入艺术境界。
它与中国画有鲜明的对比. 中西方不同的思维方式决定了中西艺术内在本质的差异。
也许正是中西方对待自然态度的不同使中西绘画放生了如此大的差异。
尽管它们有着很大的不同,但当今社会都是各取所需,不同的人有着不同的审美观,有着不同的爱好,因而他们选择的画风也不同.我在此的分析,也只是把两个不同区域的不同画风说出来.总之是,中国画有着其丰富的内涵;西方画有着其的客观真实写照与逃避现实的狂想曲2013年6月20。
