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美术鉴赏主题作业论文

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中外美术史主题论文论唐代美术副标题:唐代山水画特点姓名年级班级国贸0901专业国际经济与贸易2012年05月附件2：摘要页示例摘要唐代山水画在中国山水画史上乃至世界都享有盛名，山水画同人物画不一样.人物画讲究用笔精确,细腻传神,他的束缚很大,而山水画特别是写意山水画追求的是笔墨自由,奔放,无拘无束和激情宣泄.讲究用笔用墨 ,讲究皴法.讲究急缓顿错,讲究一波三折,讲究韵味,就象音乐的旋律,舞蹈的节奏.其实艺术的高境界是相同的.（4号宋体）关键词：唐代山水画意境自然ABSTRACTThe tang dynasty in Chinese landscape painting on the history of fine arts and even the world all reputation, landscape painting with figure painting. Figure painting with exquisite precision, exquisite and goal, the constraints of his large and landscape painting especially write meaning after is free ink painting, bold and unrestrained, unrestrained and passionate intensity. Pay attention to with the pen with ink, pay attention to the chapped law. Pay attention to urgent delay was wrong, exquisite smooth, pay attention to lasting appeal, like music melody and rhythm of the dance. In fact the high art is the same as the state.Key Words:The tang dynasty natural landscape painting artistic conception附件3：目录页示例目录中文摘要 (I)英文摘要 (II)1. ××××1.1×××× (4)1.2×××× (4)2. ×××××2.1×××× (5)2.2×××× (5)3. ×××3.1×××× (7)3.2×××× (7)结语 (8)参考文献 (9)附录 (10)后记 (10)【正文】唐代早期山水画中的神仙思想仍然存在，但随着社会的富庶、贵族生活的奢华，人们对物质生活的兴趣远远超过了魏晋时期的求仙访道、卧游山水，因而这一时期与之相联系的反映琼楼玉宇辉煌壮丽的工细山水画随之而兴，并呈后来居上之势。

盛唐以后，虽社会经济仍然繁荣，但随着中国封建社会的渐呈下坡之势，社会矛盾日益深刻，一些士大夫向往投身自然山水之宁静生活，诗歌中也发展了田园山水诗派，表现在绘画上，是山水画中涌现了大批表现隐逸生活和清幽景像的田园山水及起比德作用的表现士人品格的松石图障，技法上也出现了笔意渲淡的水墨写意画风，山水画的审美内涵在不断地发展和扩大。

（一）李思训（651-716），成纪（今甘肃天水）人。

唐代书画家。

字建，作建景。

宗室，孝斌子。

官至右武卫大将军。

封彭国公。

1、李邕碑称“云麾将军”。

工书法，尤擅画山水树石，笔力遒劲，格调细密。

好写“湍濑潺涭、云霞缥缈”之景，金碧辉映为一家法，鸟兽草木皆穷其态，还常用神仙故事来点缀幽曲的岩岭。

这种以青绿为质，金碧为纹的山水画，富有装饰性。

源于隋代展子虔，继承发展了六朝以来以色彩为主要的表现形式。

朱景玄说他“国朝山水第一，列神品”。

明代董其昌推之为“北宗”之祖。

唐代张彦远说：“山水之变始于吴（道子），成于二李”（李思训、李昭道父子）。

李思训之画风为后代金碧青绿山水者所取；子李昭道亦擅山水，创画海图。

人称他们父子为“大、小李将军”。

画迹有《山居四皓图》、《江山渔乐图》、《群峰茂林图》等17件。

著录于《宣和画谱》。

李思训善画山水、楼阁、佛道、花木、鸟兽，尤以金碧山水著称。

其山水画主要师承隋代画家展子虔的青绿山水画风，并加以发展，形成意境隽永奇伟、用笔遒劲、风骨峻峭、色泽匀净而典雅，具有装饰味的工整富丽的金碧山水画风格。

在创作上，李思训除了取材实景，多描绘富丽堂皇的宫殿楼阁和奇异秀丽的自然山川外，还结合神仙题材，创造出一种理想的山水画境界。

《江帆楼阁图》2、李思训身为皇室，其作品反映了贵族阶层的审美趣味和生活理想，因当时社会的各种矛盾和佛道思想及文人隐居习尚的影响，也使他在作品中时常流露出一种出世情调。

即所谓“时靓神仙之事，然岩岭之幽”。

(二)吴道子是古代画家中最享盛名的一个，一千年来他被奉为“画圣”，被奉为民间画工的“祖师”，而为广大群众所周知。

1、产生吴道子的时代正是封建社会的盛期，唐太宗、武则天以来唐代社会日益向上发展，是一个充满信心、希望与热情的时代，也是一个深深地蕴藏着矛盾和冲突的时代。

佛教及佛教艺术在这时候已完全中国化，得到广泛发展并与人民群众有密切的联系。

同时，绘画及雕塑艺术本身也已发展到成熟的阶段，无论写实技法及吸取生活形象等方面都已达到相当高的水平。

由此可见，盛唐时代是具备了出现伟大的艺术家的条件，吴道子便是这时期涌现的众多的杰出艺术家之一，而成为这一历史时代在艺术方面的伟大的代表者。

吴道子的作品数量很大，据说一生曾画制了佛教及道教的题材的壁画三百多幅，他的作品在北宋初年已经比较罕见，北宋末年，《宣和画谱》一书著录皇家的收藏品中有他画的佛、菩萨、天王像以及道教的神像九十二幅。

但是现在可知他生前所作宗教绘画不只是仙佛像，而且有很多大幅构图，其中有发挥了高度的想象力的各种变相，他的笔下出现的各种仙佛形象，据说也是千变万化，进行了多种多样的创造的。

目前流传的被认为是吴道子的作品，例如：《送子天王图卷》、曲阳北岳庙的鬼伯、孔子像、观音菩萨像等，都很值得研究。

《送子天王图卷》（宋代的临本）是否传自吴道子尚缺乏证明，然而是一幅优秀的古代作品。

图卷最后一段取材《瑞应本起经》中净饭王抱了初生的释迦牟尼到神庙中，诸神为之慌忙匍伏下拜的故事。

净饭王捧着婴儿，以一种小心翼翼的动作，充分透露出这一抱持者的崇敬心情；同时，那一跪拜在地的孔武有力的天神，更不是单纯的跪拜，而是张皇失措、惶恐万状的神态，是精神上完全降服了的表情。

净饭王和天神的这两个有充分的心理根据的动作便烘托出还在襁褓中的，在画面上看不出任何直接的迹象来的小小婴儿的不平凡和无上威严。

这样的表现是通过人物的表情和内心的联系以阐明主题，所以在绘画艺术技巧的发展上有创新的意义。

《送子天王图卷》2、《送子天王图》构思独到，气势磅礴，功力深厚，物象纷繁，给日后的宗教题材绘画尤其是佛道壁画带来深刻的影响。

吴道子壁画原作已不可见，现存纸本是后人的摹本，形神俱佳，亦颇可观。

（三）王维，字摩诘，我们更为熟悉的王维是盛唐时期的著名诗人，其实他也是唐代山水田园派的代表。

苏轼评价说“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。

”1、王维是开元进士，任过大乐丞、右拾遗等官，安禄山叛乱时，曾被迫出任伪职。

其诗、画成就都很高，苏东坡赞他“诗中有画，画中有诗”，尤以山水诗成就为最，与孟浩然合称“王孟”，晚年无心仕途，专诚奉佛，故后世人称其为“诗佛”。

王维的水墨画风，几乎影响着中唐以后的中国山水画发展的全部历史。

至少可以说，占据中国古代山水画主流的文人画，都接受了王维的影响。

苏轼的“诗中有画，画中有诗”的赞语，奠定了王维在中国绘画史上的地位。

明朝董其昌的文人画理论，把文人画的内涵，全部具体化于王维，称王维是南宗画之祖。

《雪溪图》2、此《雪溪图》构图平远，可分为近景、中景、远景三段。

近景左下方一座披着素纱的木拱桥把人们引入一个冰雪天地；中景是一条结冰的大河，横卧在画卷中部，水平如镜，波澜不兴；远景，河对岸雪坡、树木、房舍等平卧于黑水之上，掩映于茫茫白雪之中，使画面更加深远。

纵观全图，可使观者沉浸在一片宁寂的山村境界之中，仿佛有雪花飘落和行人脚步声悄悄传入耳畔。

【结语】唐代山水画的意境源于生活，是作者对生活的有机提炼，是作者生活后的主观意象通过笔墨的形式加以再现，故笔墨是一种人品，一种修养，亦是一种境界。

黄宾虹讲：“笔墨历古今而不变。

”就因为这是一种境界，一种精神，即中国山水画称之为“得意”的笔墨境界。

我们在观赏古今名家名作时可以看到，意境是情与景的交融，也是意和境的有机结合。

在我们看似非常普通的生活之事，在名家的笔墨之下却是另一番景象，其意新然，耐人寻味。

中国山水画讲究写意,讲究气韵生动,讲究意境,讲究气势,讲究天人合一.和谐共处.大山圣水赋予人灵气,智慧和博大的胸怀,作为人,要真心的虔诚的爱护她们,保护她们.欣赏山水画,只注意她的笔法,墨法, 章法及色彩,还远远不够.当然这是基础,必须从这里入手.山水画描绘的是大自然的山山水水. 云树石木,他的形式美,色彩美,甚至充满着节奏美,旋律美.其结构是开放的,自由的,无拘无束的, 这正是她博大,充满生机活力的原因.【参考文件】1、《中国美术史教程》薄松年主编，陕西人民美术出版社2、南京艺术学院学报《美术与设计》版百期，优秀论文集，南京艺术学院学报编辑部编印。

3、《美术大观》 2009.11 月总第 263 期4、《美术大观》 2009.2 月总第 254 期【附录】《中国美术史教程》薄松年主编，陕西人民美术出版社南京艺术学院学报《美术与设计》版百期，优秀论文集，南京艺术学院学报编辑部编印。

《美术大观》 2009.11 月总第 263 期《美术大观》 2009.2 月总第 254 期【后记】对这篇论文的撰写过程中，我通过跑图书馆、上网等途径大量搜集关于唐代美术的资料，并整理出论唐代山水画的文章。

我更深一层了解到在唐代的山水画里,东方文化的体现优为深刻。

有中华武术的阳刚之美，也有高山流水的韵律之美,更充实着华夏人的朴实无华,勤劳勇敢，热爱和平,追求和谐的大度之美。

说我们的国画远源流长,博大精深，承载着丰富的文化和思想,绝不是空穴来风。

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美术鉴赏论文2000字[最终版]

美术鉴赏论文2000字[最终版]

美术鉴赏论文2000字[最终版]第一篇：美术鉴赏论文2000字[最终版]画家毕加索毕加索是西班牙画家、雕塑家、剧作家、诗人，法国共产党党员，是现代艺术(抽象派)的创始人，西方现代派绘画的主要代表。

他自幼有非凡的艺术才能，他的父亲是个美术教师，又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力。

毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。

他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期：“蓝色时期”，“玫瑰红时期”，“黑人时期”，“立体主义时期”（分成分解和综合两种形式），“古典主义时期”，“超现实主义时期”，最后是“抽象主义时期”。

毕加索一生是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。

他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。

他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。

在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。

他说过：“当我们以忘我的精神去工作时，有时我们所作的事会自动地倾向我们。

不必过分烦恼各种事情，因为它会很然或偶然地来到你身边，我想死也会相同吧！”《亚维农的少女》这幅画，可谓毕加索第一件立体主义的作品。

画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。

野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。

然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。

在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。

因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。

在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。

我们怎样鉴赏美术作品议论文

我们怎样鉴赏美术作品议论文

我们怎样鉴赏美术作品议论文《我们怎样鉴赏美术作品》篇一嘿，咱今天就来唠唠怎么鉴赏美术作品。

这事儿啊，可不像看起来那么简单，就像走迷宫，得有点门道才行。

我记得我第一次去美术馆看画的时候，那简直就是一头雾水。

看着那些花花绿绿的画，我就想：“这画的啥呀？不就是几个歪歪扭扭的线条和一些颜色嘛，为啥就能挂在这高档的美术馆里呢？”那时候我觉得鉴赏美术作品，可能就是看画得像不像。

比如说画个人，要是画得跟照片似的，那肯定就是好画呗。

但是，后来我发现我错得离谱。

就拿梵高的《向日葵》来说吧。

那画里的向日葵，从“像不像”这个角度来说，好像也没有特别逼真。

但是，当你站在那画前，就感觉那些向日葵像是在燃烧一样。

那明亮的黄色，就像是太阳的化身，每一片花瓣都充满了生命的力量。

这时候我才明白，鉴赏美术作品，得看它传达出来的情感。

梵高在画这些向日葵的时候，也许是把自己对生命的热爱和渴望都倾注进去了。

那些歪歪扭扭的线条，就像是他内心深处激情的舞动。

再说说毕加索的画。

哎呀，他的画可真是让人摸不着头脑。

那些奇奇怪怪的形状，感觉像是把人拆了又重新组合一样。

刚开始我就想：“这是啥啊？毕加索是不是在恶搞呢？”可是后来听人讲，毕加索是在探索一种新的表现形式，他想要打破传统的绘画观念。

他画里的那些变形的人物和物体，其实是在反映他对世界的独特理解。

从这个角度看，鉴赏美术作品还得了解画家的创作意图。

就像我们和画家在隔着时空对话一样，他通过画告诉我们他的想法，我们得去努力理解。

不过有时候我也很纠结，到底是应该先了解画家的背景再去看画呢，还是先凭自己的感觉看画，然后再去了解画家呢？我觉得这就像先有鸡还是先有蛋的问题一样。

要是先了解画家，可能看画的时候就会有先入为主的观念；要是先看画，又可能因为不了解背景而错过很多深层次的东西。

还有啊，我觉得大众的评价也很影响我们鉴赏美术作品。

有时候一幅画被吹得神乎其神，大家都在夸，我们可能就会不自觉地跟着觉得好。

但这真的对吗？也许我们应该更相信自己的眼睛和内心的感受。

美术鉴赏论文2000字(通用3篇)

美术鉴赏论文2000字(通用3篇)

美术鉴赏论文2000字(通用3篇)论文一：对达芬奇《蒙娜丽莎》的艺术鉴赏达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家之一，而他的作品《蒙娜丽莎》则是他最具代表性的作品之一。

这幅画作是一幅肖像画，绘制于16世纪初期，目前收藏在法国卢浮宫。

通过对《蒙娜丽莎》的深入观赏，我们可以欣赏到达芬奇在绘画技巧和表现手法上的独特魅力。

首先，在绘画技巧方面，达芬奇运用了光与色彩的巧妙组合，使得画面显得十分生动。

画中女子的面部充满了光影效果，而眼神中的微笑更是达芬奇的创作精髓所在。

他通过运用细腻的笔触和渐变的色彩，使得画中的蒙娜丽莎仿佛具有生命力，能够和观者进行交流。

此外，达芬奇还巧妙地运用了透视法，使得画面具有深度感，使蒙娜丽莎的形象更加立体。

其次，在表现手法方面，达芬奇以其深厚的艺术造诣展示了他对人物心理的独特洞察力。

在画中，蒙娜丽莎的面容表情并非丰腴的微笑，而是一种微妙的、难以捉摸的神秘微笑。

这种表情使得观者难以揣摩她内心的情感，给了观者更多的想象空间。

这种不确定性与神秘感正是达芬奇追求的目标之一。

他通过巧妙挑战传统肖像画表现方式，创造出了一种独特的艺术语言，使得观者能够在作品中感受到蒙娜丽莎内心深处情感的种种可能性。

最后，我们还可以从《蒙娜丽莎》中感受到达芬奇对于自然界的赞美和对于人类美的追求。

画中的蒙娜丽莎身着一袭华丽的礼服，头戴一顶菊花装饰的帽子，这些细节展示了达芬奇对于细节的精心雕琢。

同时，画中的背景正是美丽的自然风景，这个细致描绘的背景象征着达芬奇对于自然世界的热爱与崇敬。

达芬奇通过这幅画作将人类的美与自然美相结合，传递出对于真实与理想的追求。

总之，达芬奇的《蒙娜丽莎》是一幅艺术品，它展示了达芬奇卓越的绘画技巧和对于艺术的深刻把握。

通过细腻的绘画技巧、神秘的表现手法以及对于自然与人类美的追求，达芬奇创造出了一幅极具魅力和内涵的杰作，给观者带来了无尽的欣赏乐趣。

论文二：对梵高《星夜》的艺术鉴赏梵高是19世纪后期最重要的艺术家之一，而他的作品《星夜》则是他在画作风格和表现手法方面的代表作。

中国画鉴赏论文（推荐五篇）

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中国画鉴赏论文（推荐五篇）第一篇：中国画鉴赏论文中国画赏析中国画具有十分悠久的历史渊源，同时也具有与时俱进的时代风格，它不仅是中华文化的国宝，也是传承中华民族精神的主要载体。

中国画第一特点是意境创作的追求，推陈出新是中国画进步的宗旨，中国画主张“缘物寄情”，“以景寓意”，“以神取形”，“笔不周而意周”，“笔不工而心恭”。

在概括客观物象的同时，必须融进画家的主观感受，透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受，使主观情感和客观的物象精神性格交融和转化使画家在作画前的主观感受得以充分的表达，而产生动人心魄的意境创作。

在中国画章法布局中状物立象，就是首先必须剪裁取舍分别主宾然后根据物象往来逆顺的运动之势部署画面。

使之造成动人心魄的气象。

而中国画在“置陈布势”中，如果要使画面章法获得灵动舒畅，富有变化，必须巧妙地处理空白，疏密，虚实之间的关系。

所谓空白是无画处，是虚处，是疏处是与密实相对而言的是与疏密虚实有密切联系的，虚实对构图，笔墨有极大的概括性，所谓“虚实相生无画处皆成妙境”既是疏密有致，可以打破构图中的平均布置，“虚中有实，实中有虚”空景难图，实景清而空景现，虚与实在意境中不仅相辅相成，而且相互转化，中国画用墨有干湿，浓淡之分，构图遵循计白当黑，知白守黑的艺术原则，有藏有露，有隐有显造成一种虚虚实实，真真假假的美妙，而又带有几分迷蒙感的意境创作。

中国画在发展的早期就重视表情的描述，南朝的王微在《叙画》中提出山水并不是地图，应求“容势”，要表现大自然的生动变化，“望秋水，神飞扬，临春风，恩浩荡••••••此画之情也”。

文人画家也旨在写意而不写实。

欧阳修指出“古户画画意不画形”从“意”出发把追求形式看成是画工的事，真正的画家应是得意忘形。

中国画凝聚着中华民族的性格，心理，气质，以其鲜明的特色和风格在世界画苑中，独具体系，中国画被风起云涌的时代气息所驱动，推陈出新，魅力长存一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。