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《基础素描》 PPT辅导学习资料第一章 素描概述第一节 2、素描发展简史古希腊艺术是欧洲艺术的摇篮和发源地。
希腊人崇尚自然美，以摹仿自然为最高准则。
这一特征，使西方艺术自古以来就具有了现实主义的生命力。
希腊 瓶画作品古罗马继承了古希腊文化的优秀传统，绘画艺术主要体现在镶嵌画和壁画中，画面形象注重写实意味，描绘极为精致。
中世纪的艺术被称为基督教艺术，绘画以宗教为题材，远离现实生活。
采用象征的手法，追求平面效果和装饰性，具有宗教的神秘感。
古罗马庞贝古城壁画作品15世纪文艺复兴运动给欧洲绘画注入新的生机，画家们运用新兴的科学方法，发展了艺术“模仿自然”的造型观念，文艺复兴早期代表画家马萨乔把透视学、解剖学融入绘画当中，并通过光影，表现运动中的人物造型。
波提切利的作品重视用动感的线条塑造体积，线条具有典雅的韵味。
意大利波提切利 作品达·芬奇把绘画造型观念和表现方法，推向了一个新的阶段。
他将结构比例与空间透视和明暗表现，有机地结合在一起，在素描中展现出具有空间深度的体积感。
意大利达芬奇 作品米开朗基罗的素描充满力量和气势，他曾经说过：“素描是绘画、雕刻、建筑的最高点，素描是所有艺术门类的源泉和灵魂，是一切造型艺术的根本。
”意大利米开朗基罗 作品拉斐尔的素描优雅沉静，线条富于韵味，表现力极为丰富，成为后世古典风格推崇的典范。
意大利拉斐尔 作品德国画家丢勒、荷尔拜因的素描，具有北欧民族特有的严谨、简洁的风格，注重理性思考，素描于规矩中透露着严谨精致，笔法准确有力，重视人物内心世界的表达与披露,，表现出高超的素描技艺。
德国丢勒 作品德国荷尔拜因 作品17世纪，以 意大利画家卡拉奇兄弟为代表的学院派美术，非常重视素描教学，他们追随古希腊艺术中的经典审美样式，重视素描的内在气质表达，追求典雅与崇高，为古典主义的发展奠定了基础。
意大利卡拉奇 作品具有现实主义倾向的意大利画家卡拉瓦乔，主张描绘现实生活，素描作品重视模仿自然，运用明暗对比画法，追求画面的真实性。
第一章素描的概念和发展历史基本解释1.单纯用线条描写、不加彩色的画2.文学上指简洁朴素、不加渲染的描写详细解释1. 单用线条描写、不加彩色的绘画。
是造型艺术的基础。
2. 文学上运用简洁朴素不加渲染的写法亦称素描。
美术理解是绘画中的术语。
在汉语中解释：“素”从字面上指单纯、直接和质朴、真实。
“描”是指写、画、挥舞、临摹、写生的意思。
素描的定义是指用单色来描绘物体的形象。
素描是一门关于认识和表现形的学问，是指导表达造型艺术的一种最基本的、辩证的、逻辑严密的思维方式，是一门独立的造型艺术。
我们常说素描是一切绘画的基础，是绘画创作的训练手段。
最早作为素描的雏形形式产生的就是那些古代岩洞的岩画，当以及那些莫名其妙的符号，这些简洁朴素的描绘正是人类祖先对自然界的真实感受。
16世纪在意大利，美术学院产生以后，素描才以正式身份出现在美术学府的画室。
1912年在我国上海美术学院正式开设这一课程，1958年受到冲击，1962年恢复，到“文革”时期又受到冲击，直到1976年在全国各大美院开始恢复。
从素描的发展历史上看，从古埃及、两河流域到古希腊、古罗马，从中世纪到文艺复兴，从欧洲17世纪古典画派到20世纪现代派，已经形成了一个完美的体系。
在素描教学中，主要是训练学生如何观察和刻画客观物象的造型能力，对于初学者来说，我们常常以把形体画得像不像、准不准、整体不整体作为检验素描水平的高低。
作为设计人员同样要具备素描的基本功。
是表现事物的一种手段。
美术的基础是造型，艺术造型是人按照自然方式进行的复杂劳动，是一项需要长期训练才能形成的特殊技能。
艺术造型不只是塑造孤立静止的物体形态，更重要的是表现物体中各种形式的有机关系。
掌握艺术造型的方法，需要恢复人的思维方式和操作方式，需要研究自然物体的形式特点和认识它的变化规律及条件。
素描是解决这些造型问题的最佳途径，这在艺术造型的实践中得到了完全，因此，素描被称为“的基础”。
素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，，，铅笔，，乌墨褐，，及，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，，，或布的表面所造成的磨损。
绘画素描发展史绘画素描的发展历史“素描”——朴素的描绘，亦称单色绘画。
它是一切艺术创造行为的造型基础。
被称为“造型之母”。
世界素描的产生、演变和发展，就总体而论是随着美术史的系统脉络演变而成的。
各个时期都呈现出众多的画家和画派。
他们均以承先启后，不断探索的精神为世界素描发展做出了卓越的贡献。
1.1原始文明世界上最早的绘画是以最简单的表现形式——线条、图案、符号，用来表达人们对然与生活的记录。
原始人在动物的骨片石板陶器等物体上留下各种形象就成为今天素描的原始形式。
如中国半坡出土的蛙文彩陶双耳罐。
他们用简单的线条勾勒出生动的造型形象，透出强烈的原始美感。
中国古代的白描也是以单色线条来描绘形象，表达动式和结构，堪称式东方式素描。
如吴道子的《八十七神仙卷》是东方素描典范。
古代的埃及文化悠久，艺术表现形式具有独特风格。
大部分人物造型用平面形式表现，而经常是侧面带有正面的眼睛，或正面的身体带有侧面的脚，并且头部发式造型简单概括，画面充满东方风格的装饰纹样。
而古希腊古罗马时期的壁画陶器上，素描通常是用细微的线条勾勒出人物形象，再加以色彩平涂。
1.2文艺复兴时期在艺术历史进程中西方的素描艺术逐渐发展兴盛起来。
成为世界艺术史中最亮丽篇章。
十六至十七世纪的意大利文艺复兴打造出很多艺术大师，其中最杰出的三位——达.芬奇，拉斐尔和米开朗基罗被称为当时的文艺复兴“三杰”。
列奥多纳·达·芬奇，1452年4月15日诞生在佛罗伦萨郊区的塔奇小镇。
他在绘画史上的贡献是把光线和投影溶入到绘画当中去，在这之前没有人这么做过。
他还善于用科学的角度研究空间与透视，并将他们系统的结合起来。
绘画代表作《蒙娜丽沙》《最后的晚餐》《安加利之战》等。
拉斐尔.桑蒂（1483—1520）作品内容多以圣经故事为主，但塑造的形象确很平民化，朴实而生动，优雅中体现柔美。
代表作《西斯庭圣母》《雅典学院》等。
米开朗基罗，1475年3月6日出生在佛罗伦萨附近的小镇。
西方绘画的发展史一、西方绘画的起源哎呀，西方绘画的起源那可老早了呢。
最开始呀，西方绘画主要是在洞窟里的那些壁画，就像拉斯科洞窟壁画之类的。
那时候的人们呀，画画可能就是为了记录生活，或者是跟他们的宗教信仰有点关系。
那些壁画里画的大多是动物呀，狩猎的场景之类的。
那线条虽然简单，但是很生动呢，能让我们感受到当时人们的生活状态。
这就像是绘画的小萌芽，慢慢开始发展起来啦。
二、中世纪的西方绘画到了中世纪呢，西方绘画就变得很宗教化啦。
那时候教会的影响力可大了，绘画基本上都是为了服务宗教。
画面里都是圣经里的故事，人物的形象也比较刻板，没有太多的个性。
颜色呢，也比较单一，主要就是那些象征宗教意义的颜色，像金色呀，代表神圣之类的。
画家们在创作的时候更多的是遵循教会的要求，可没太多自己发挥的空间。
不过呢，这也是西方绘画发展的一个阶段啦，虽然有点单调，但是也为后来的发展打下了基础呢。
三、文艺复兴时期的西方绘画哇哦，文艺复兴时期可是西方绘画的一个大变革时期呢。
这时候人们开始重视人的价值了，不再像中世纪那样只看重宗教。
绘画里的人物开始变得生动起来，有血有肉的。
像达芬奇画的蒙娜丽莎，那神秘的微笑，到现在都让人们着迷呢。
还有米开朗基罗的那些雕塑和绘画，人体的比例呀，肌肉的线条呀，都特别逼真。
这个时期的画家们开始研究透视、解剖等科学知识，让绘画变得更真实，色彩也更加丰富多样了。
画家们也开始有了自己的风格，不再被教会死死地限制住啦。
四、巴洛克与洛可可时期的西方绘画巴洛克时期的绘画那是相当的华丽呀，充满了动感。
画家们喜欢用强烈的光影对比，来营造出戏剧性的效果。
画面里的人物动作幅度很大，就像是在舞台上表演一样。
而洛可可呢，就更加的精致和优雅啦，主要是描绘宫廷生活呀，贵族们的玩乐场景。
颜色很柔和，画面充满了一种甜美的感觉。
不过呢，也有人觉得洛可可有点太过于华丽和轻浮啦。
五、印象派时期的西方绘画印象派可就太有趣啦。
这些画家们不再追求那种特别写实的画法，而是注重瞬间的感觉。
素描的起源素描的起源由于素描使用工具的单纯性和表现的直接性，使它成为人类最古老的绘画方式即早期素描的启始。
随着人类认识的提高，绘画的观念也在不断改变，素描的表现形式和方法随之发生巨大的变化。
不同时代的人们追求着自己理想的造型语言。
达芬奇：【安加利之战】手稿素描起源于十四世纪的欧洲，完善于十五世纪文艺复兴时期。
随着中西文化的交流，在20世纪初期由以徐悲鸿为代表的一代艺术教育家正式将西方素描正式引进中国。
素描在我国传统绘画中称为“白描”，是用毛笔和墨所作的纯线条的绘画。
其中俄国、法国的素描学派对我中的素描教学体系产生了深远的影响。
丢勒创作手稿素描的发展概况素描的发展主要从其功能与教学两方面进行考究。
人类开始懂得绘画是从素描开始的。
现在所知世界上最早的绘画是法国岩洞壁画和西班牙北部阿尔塔米拉山的洞窟壁画。
随着人类的进步，绘画才逐渐由简单到复杂，素描画从原始阶段逐步得到发展。
从古代世界史前时期之后的绘画素描作品看来，这时各国的绘画素描作品已具有不同的民族风格，但都保留了以线造型为主的史前时期绘画的特点。
然而延续到中世纪的绘画水平是很低的，素描作品中的人物比例不对，也不注意远近大小的规律。
这个时期，在中国造纸术还未传到之前，这个时期的素描也很单调呆板，它的真正发展是在十五世纪文艺复兴运动到来之后。
法国岩洞壁画文艺复兴破除了中世纪以来基督教神权统治的思想束缚，要求文艺面向实际生活，面向人生，研究自然，促进了文化艺术的空前繁荣。
素描画这时也有突飞猛进的进步并趋向成熟。
这种发展和成熟的标志有三个：第一，工具形式较之以前多样化了，素描已经成为一种独立的绘画更受到人们的重视。
第二，由于科学的发展，科学与艺术结合，画家们在广泛实践的基础上创立了科学的绘画基础理论、艺术理论和素描理论，推动了素描的发展。
第三，素描基础训练作为对美术青年进行科学的系统的培养训练手段，随着美术学院的产生而诞生。
刚刚诞生的素描基础训练虽还是强调临摹，但毕竟将写生作为最高阶段的学习内容，在对古代雕刻石膏像和人体模特儿写生时传授了许多解剖学、透视学、构图学等科学知识，对当时美术的发展起了促进作用。
19世纪西方素描与色彩之争的意义作者：杨芮来源：《美与时代·美术学刊》2017年第06期摘要：西方美术史中早已存在素描和色彩之争，主要发生于16世纪的佛罗伦萨画派和威尼斯画派在绘画理念方面不同的争论，对后来西方的艺术发展和理论实践都产生了深远的影响，导致了西方美术史上关于素描与色彩的争论一直延续到19世纪。
本文主要研究19世纪以安格尔为代表的新古典主义艺术家与以德拉克洛瓦为代表的浪漫主义艺术家所进行的素描与色彩之争，探讨他们不同的艺术观念，分析其争论的影响及意义。
关键词：19世纪；西方；素描；色彩；意义艺术一直在发展，但很多人基于古代所认为的美来自比例和谐的观点，坚持认为艺术家的造型能力获得的效果要高于色彩带来的效果，他们重视造型甚于重视色彩。
公元1世纪，古罗马批评家狄昂尼西奥客观地谈过该问题，他认为原因是古代绘画中采用的色彩种类单一，表现对象大多是通过精湛优美的线条。
随着绘画的发展，色彩开始丰富起来，同时运用精纯的线条进行描绘的技巧逐渐失传，逐渐就出现了绘画中素描、色彩举头并重的情况。
但是很多艺术家与学者仍然乐于对素描和色彩做出优劣高下之分。
一、素描与色彩之争的历史发展素描与色彩的争论，西方美术史上主要发生了三次，从16世纪一直延续到了19世纪。
16世纪的瓦萨里和多尔切因对“素描与色彩谁为第一位”看法不同而展开了争论。
17世纪对这个问题的讨论继续延续下来，形成了普桑派与鲁本斯派的两大画派的对立。
后来到了19世纪的素描与色彩之争就出现了安格尔与德拉克洛瓦的对立，他们代表了新古典主义与浪漫主义的对立。
在意大利16世纪中期的时候，被誉为“艺术史之父”的瓦萨里与威尼斯作家洛多维科·多尔切对disegno（素描）与colorire（敷色法）的地位问题（即中部意大利传统和威尼斯传统孰优孰劣的问题）展开了一场激烈的辩论。
瓦萨里倡导把素描放在第一位，认为佛罗伦萨和意大利中部绘画传统的素描比色彩更为出色，强调素描的地位至高无上。
