浅析艺术家的个性与艺术风格

浅析墨西哥女画家-弗里达.卡洛的艺术摘要：弗里达•卡洛（1907-1954年)Frida Kahlo,是墨西哥著名的女画家，她不仅是墨西哥现代艺术的奠基人之一，而且也被尊为现代女性艺术之母。

弗里达的一生充满了传奇的色彩，她的经历无人可敌，她在痛苦中发芽、成长、成熟。

弗里达渴望重生的温暖光明却又痴迷于死亡的冰冷黑暗，永远用挑衅的神情与目光，掩饰着她自己孤寂又沉重的灵魂；充满她一生的是满目破碎的绚烂和混乱的挣扎。

集合了风靡许久的超现实主义元素与具有悠久文化传承性的墨西哥本土民间艺术和自画像的创作手法和独特艺术风格，虚拟的女性形象是弗里达主要的表现主题。

关键字：弗里达•卡洛；画家；独立女性一、弗里达•卡洛的成长经历（一）时代背景弗里达•卡洛作为一名女性画家在当代画坛是具有举足轻重的地位。

就像是每一位艺术家一样，她的成长也脱离不开大环境的影响。

弗里达成长在墨西哥文化的大背景下的，她在油画领域中所取得的成绩对墨西哥的油画发展产生了巨大的影响。

在二十世纪初期墨西哥处于动荡不平的年代，在这样的背景下，西方的各种现代艺术流派、运动也开始影响着墨西哥的艺术界，带来思想以及文化的解放。

形成相对宽松的艺术环境，各种思潮都在墨西哥风起云涌，而其中最为出名的事墨西哥土著主义运动主张回归本土的文化和艺术传统及发扬灿烂的古印第安文化，反对一味地模仿，认为拉丁美洲应该有属于自己的审美标准，应该从印第安内部独立的发展来寻找根源，找出区别与欧洲内部的文化特征。

这就是墨西哥历史所遭遇到的最真实的现实状况，弗里达•卡洛就是在这样的时代背景及民族历史下长大的，她在一些作品中极尽对隐私的一种表白，正是在社会风气相对自由的环境下才得以创作的。

（二）生平经历1907年弗里达•卡洛在墨西哥出生，父亲是一位摄影师，母亲有一半的西班牙血统和一半的印第安血统。

浅析苏轼的绘画特征及其艺术思想的形成【摘要】苏轼作为宋代著名文人，不仅在文学领域有着卓越的成就，同时也在绘画领域展现出独特的艺术才华。

本文从苏轼的绘画艺术意义和作为文人画家的身份入手，探讨了苏轼在绘画中的特征表现、影响因素、艺术思想的形成过程，以及他的绘画主题、表现手法和作品的价值。

通过对苏轼绘画艺术的分析，可以看出他作品的深厚文化底蕴和艺术内涵，同时也体现了他对自然、人生和历史的独特见解。

苏轼的绘画艺术不仅在当时备受推崇，对后世也产生了深远的影响，展现出他绘画风格的独特性和艺术思想的时代意义。

苏轼的绘画作品至今仍被广泛研究和收藏，是中国绘画史上的重要篇章。

【关键词】苏轼、绘画特征、艺术思想、文人画家、主题、表现手法、价值、影响因素、独特性、时代意义、影响、形成过程。

1. 引言1.1 苏轼的绘画艺术意义苏轼作为宋代文学大家，其绘画艺术也是备受瞩目的。

苏轼的绘画艺术在中国绘画史上占据着重要的地位，展现出独特的艺术风貌和独到的艺术见解。

苏轼的绘画作品在形式、内容和意境上都具有独特的魅力，反映了他对自然、生活和人文的深刻理解。

苏轼的绘画作品不仅在当时备受推崇，而且对后世艺术家产生了深远的影响，成为中国绘画史上的经典之一。

苏轼的绘画艺术意义在于展示了他卓越的艺术才华和对艺术的独特见解，为中国绘画史增添了一笔璀璨的色彩。

通过深入研究苏轼的绘画作品，我们可以更好地理解他作为文人画家的身份，并体会到他对艺术的热爱和执着追求。

苏轼的绘画艺术不仅是他个人的表现方式，更是中国传统文化的一部分，在当代依然具有重要的历史和艺术意义。

1.2 苏轼作为文人画家的身份苏轼作为文人画家，不仅是一位文学家，更是一位懂得绘画的文人。

他以诗文著称于世，同时也擅长书法和绘画，展现出了多才多艺的一面。

苏轼在绘画领域展现出了独特的艺术才华和审美观念，他的画作不仅仅是简单的艺术创作，更蕴含着他对生活、自然和人文的深刻理解和感悟。

作为文人画家，苏轼对绘画的追求并非只在于技巧的表现，更注重作品的内涵与意境的表达。

艺术史文艺复兴时期欧洲绘画艺术的风格演变与艺术家作品分析艺术史文艺复兴时期是欧洲艺术发展的重要时期，这个时期经历了艺术风格的演变和创新，对后世的艺术产生了深远的影响。

本文将对文艺复兴时期欧洲绘画艺术的风格演变和一些重要艺术家及其作品进行分析。

一、风格演变1. 前期文艺复兴风格文艺复兴时期的最初阶段，艺术家们受到了古希腊和古罗马艺术的启发。

他们追求自然主义和人体比例的准确性，注重构图和透视，追求油画的逼真效果。

而在绘画题材上多以宗教为主题，描绘了许多宗教场景和圣徒肖像等。

2. 高文艺复兴风格在高文艺复兴时期，艺术家们继续追求古典艺术的完美，并在此基础上进行了更大胆的尝试。

他们将更多的个人感情融入到作品中，使作品更加富有表现力。

此时期的代表艺术家达·芬奇，他以其完美的构图和透视技巧为世人所称道。

3. 曼尼尔斯蒂洛风格曼尼尔斯蒂洛风格是文艺复兴时期的一种独特风格，强调奢华和装饰性，注重通过细节的繁复和丰富来表现艺术家的技艺。

在这一时期，艺术家们将人物形象塑造成理想化的形象，强调优雅和高贵。

4. 后期文艺复兴风格文艺复兴时期的最后阶段，艺术家们开始追求新的表现形式，注重对光线、色彩和阴影的运用。

他们对人物形象进行了更加写实的刻画，同时也更加重视自然界的描绘，对风景和静物进行了更深入的研究。

二、艺术家作品分析1. 达·芬奇（Leonardo da Vinci）达·芬奇是文艺复兴时期最伟大的艺术家之一，他的作品展示了高度的技术和艺术天赋。

他的代表作《蒙娜丽莎》以其神秘的微笑和精湛的光影技巧而闻名于世。

2. 米开朗基罗（Michelangelo）米开朗基罗是文艺复兴时期最重要的雕塑家之一，同时也是一位杰出的画家。

他的代表作《创造亚当》和《最后的审判》展现了他对人体结构和肌肉表现的精湛掌握。

3. 拉斐尔（Raphael）拉斐尔是文艺复兴时期最具代表性的画家之一，他以细腻的线条和柔和的色彩而闻名。

艺术理论论文浅析李斯特钢琴音乐艺术特征及成因弗朗兹?李斯特〔1811―1886〕，19世纪西方伟大的音乐评论家、音乐教育家、作曲家、钢琴家，在19世纪浪漫主义艺术气氛影响下，李斯特用其高超的演奏技巧，敏感的音乐嗅觉，将音乐与政治、宗教、文化相互融合.同时，在其半个多世纪的音乐实践中，他还不断汲取音响领域之外的感情基调，一步一步的形成了风格独特的钢琴音乐，“李斯特是最卓越的钢琴家中的皎皎者，是几百年才能出现一次的奇才〞。

一、李斯特钢琴音乐的艺术特征〔一〕李斯特钢琴音乐中华美的演奏技巧作为一个表现欲望极强的钢琴音乐家，李斯特在钢琴音乐创作过程中，比较注重华美的演奏技巧。

这一点，是他钢琴音乐中最为普遍的、最不可或缺的局部。

作为表现欲望极强的钢琴音乐家，李斯特的钢琴演奏，更具有演员的气质.由于李斯特有着强烈的演奏欲望，因此，它比一般的钢琴演奏家更加注重高超的演奏技巧，尤其是演奏高难度的华美乐段，更能够表现出演奏者高超的技艺，华美技巧之下的演奏，总能够在听觉上和视觉上给观众以双重冲击。

在演奏结束后，观众会给演奏者以雷鸣般的掌声。

在钢琴音乐创作过程中，李斯特之所以有华美的演奏乐段，是因为李斯特登峰造极的钢琴演奏技术，无论乐曲演奏技艺的难度有多大，他都能够驾驭自如，并且能够登峰造极，弹奏出十度音程。

在李斯特最初的演奏生涯中，他就已经感受到对于观众而言，华美的演奏技巧非常具有吸引力。

在李斯特音乐创作道路上，创作了许多具有高超音乐技巧的钢琴音乐作品。

〔二〕李斯特钢琴音乐中交响化的音乐感受交响化的音乐感受，也是李斯特钢琴音乐中比较有代表性的特征。

如李斯特钢琴音乐?梅菲斯托圆舞曲?，就给人以最为强烈的视觉感受，使人感受到音乐充满着力量。

在弹奏钢琴音乐?梅菲斯托圆舞曲?时，我们会发现?梅菲斯托圆舞曲?曲谱中有着连续弹奏数十个琴键的情况，这首曲目整体结构犹如滔滔江水，交响化的音乐感受，给人一种声势浩大的感觉。

对于李斯特来说，钢琴是最完善的乐器，钢琴丰富的表现力以及千变万化的声音，就好似是个庞大的管弦乐队。

知名艺术家的成功秘诀艺术是一门需要天赋和努力相结合的领域，而成为一位知名艺术家更是需要付出更多的努力和时间。

在这篇文章中，我将讨论知名艺术家的成功秘诀，希望能给那些渴望在艺术领域获得成功的人一些启示。

1. 独特的创作风格和个性知名艺术家往往都有自己独特的创作风格和个性。

他们通过对自己内心世界的深入思考和表达，创造出与众不同的艺术作品。

这种独特性使他们的作品在众多艺术作品中脱颖而出，并且成为人们津津乐道的对象。

因此，作为一个艺术家，要不断发掘自己的独特之处，并将其融入到自己的创作中。

2. 勤奋和毅力成功的艺术家往往都是勤奋和毅力的代表。

他们不仅在艺术创作上付出了大量的时间和精力，还不断学习和提升自己的艺术技能。

他们明白艺术是一门需要不断磨砺的技艺，只有通过不断地实践和努力，才能取得进步和突破。

因此，作为一个艺术家，要保持对艺术的热爱，并且持之以恒地进行创作和学习。

3. 建立良好的人际关系艺术是一门需要与他人交流和合作的领域。

知名艺术家往往能够与其他艺术家、策展人、收藏家等建立良好的人际关系，这有助于他们的作品被更多人看到和认可。

通过参加艺术展览、艺术家工作坊以及与其他艺术家的交流，艺术家可以拓展自己的人脉，并且获得更多的机会与平台展示自己的作品。

因此，作为一个艺术家，要学会与他人合作和交流，建立良好的人际关系。

4. 不断追求创新和突破知名艺术家往往能够在艺术创作中不断追求创新和突破。

他们不满足于现有的成就，而是勇于尝试新的艺术形式和表现方式。

通过对艺术的不断探索和实验，他们能够创造出独具一格的作品，并且引领艺术的发展方向。

因此，作为一个艺术家，要保持对新事物的敏感性和好奇心，勇于尝试和创新。

总结起来，知名艺术家的成功秘诀包括独特的创作风格和个性、勤奋和毅力、良好的人际关系以及不断追求创新和突破。

作为一个艺术家，要不断挖掘自己的潜力，保持对艺术的热爱，并且持之以恒地进行创作和学习。

只有通过不断的努力和探索，才能在艺术领域获得成功。

浅析长者广军画作的艺术风格及特征发布时间：2022-12-13T02:54:55.877Z 来源：《教育学》2022年9月总第297期作者：罗海英[导读] 长者广军的画作注重文化内涵，匠心独运，作品流露出的气质让人清风拂面、耳目一新。

其画法多以夸张变形之术，虚中有实、实中有虚，神情兼备。

画中人物天真自然，熟而不甜、生而不涩、淡而不薄、灵而不空、拙而不笨。

画作着墨虽然不多，却能别开生面，比如一壶残酒、几枝秋菊、半轮残月，笔墨所到之处都充满着神韵和张力。

罗海英广州美术学院广东广州510006摘要：长者广军的画作注重文化内涵，匠心独运，作品流露出的气质让人清风拂面、耳目一新。

其画法多以夸张变形之术，虚中有实、实中有虚，神情兼备。

画中人物天真自然，熟而不甜、生而不涩、淡而不薄、灵而不空、拙而不笨。

画作着墨虽然不多，却能别开生面，比如一壶残酒、几枝秋菊、半轮残月，笔墨所到之处都充满着神韵和张力。

关键词：广军版画神情在新中国版画史上，广军是一位德高望重的长者。

说其是长者，不仅因为先生年纪大、资格老、创作时间长，更因为其丰硕的艺术成果、与时俱进的艺术观念、不将艺术作为任何功利手段的高尚人格，因而得到版画乃至艺术界的一致尊重。

广军出生于20世纪30年代，辽宁沈阳人，可以说他是新中国美术发展史的见证者和实践者。

1959年北京中央美术学院附中毕业，1964年中央美术学院版画系毕业，1980年在中央美术学院任教。

现为中央美术学院教授、院学术委员、博士生导师；中国美术家协会版画艺术委员会主任，中国版画家协会常务理事、副秘书长。

艺术于其，已经不是刻意而为的东西，早已经成为生活中、生命中一种自然而然的书写状态，是其生活中的一部分。

用广军先生自己的话说，“画画是在做着自己会做的一件事，在画画的时期能够体会到自主的感觉，所以就比较高兴做。

”广军宣称：“我坚守，会做的，把他做好，做得自己高兴，不会做的，不硬做，不欺世蒙人。

”“我看一件作品好不好，是看作者有没有想法，不看值不值钱。

吴昌硕绘画作品艺术风格浅析夏万杰（江苏省盐城高等师范学校江苏盐城224001）吴昌硕(1844～1927)，名俊卿，字昌硕，号缶庐、苦铁、大聋等，为浙江安吉人士，出身于一个贫穷的书香门第。

他一生经历了诸多磨难，尤其是在其早年，十七岁时遭遇战乱，一家人流离失所，在外飘泊五年之后才得以重返家乡，到那时全家九口人只剩下了吴昌硕父子二人，父亲迁居安城，开垦荒园，过了近十年的耕种生活。

后来吴昌硕出门游历，以篆刻为生，直至50岁，经友人推荐才做了一个安东知县，但一月便辞官而去。

辞官后久居上海，潜心于书画、篆刻的艺术创作，终成清末海上画派的代表人物之一。

在中国传统文人画的审美观中，把传神写照、笔精墨妙、不似之似、超以象外、迁想妙得等传统审美观点视为评判中国画的重要标准。

中国画讲究“神韵”，要求表现对象在似与不似之间，继而有创造性地表现出自己的思想境界。

在吴昌硕的画中既有传统画风的精髓，同时浓厚的个人情感，用墨用色大胆、运笔流畅、笔力苍劲、独具一格，具有高超的艺术境界。

他用自己独特的方式来选择和表现对象，融合晚清各家之长，然后遗貌取神，加以创造革新，以极度简练概括的笔墨来表现深邃的意境，抒发丰富的思想感情。

他所作的画笔恣墨纵、不拘成法，外貌粗疏而内蕴浑厚、虚实相生、能纵能收、疏可走马、密不容针，这正是“大处着眼，小心收拾”的结果。

他以泼墨写叶，浓墨勾叶筋，淡墨画花卉蔬果，而盘旋往复，贯通全画的则是以书入画，画因书的流动而生意盎然。

设色古朴，用笔豪放，充分表现了吴昌硕古拙、浑重、豪迈的画风。

吴昌硕有着独特的艺术发展道路：先习篆刻、石鼓文，而后学画，致使他的笔法与他人也有着很大的不同。

他总是以篆籀之法入画，用石鼓文的笔法作画，精心苦练，创造了惊人的艺术效果，并自成一家，开拓了宽博厚朴的画风。

他的画作一扫清末画坛的萎靡柔弱之风，将钟鼎金石之力、气、姿、韵融于绘画中，使笔下的蔬果、花卉，绝不飘浮轻滑，而是古茂厚重，色彩斑斓，有一股雄劲苍古的金石之气，百看不厌，耐人寻味，流露出苍茫厚重、雄浑遒劲的古韵。

街头艺术设计学中的街头艺术风格分析街头艺术作为一种独特的艺术形式，既是城市文化的一部分，也是艺术家们表达个人观点和情感的途径。

在街头艺术设计学中，不同的街头艺术风格展现了不同的艺术家个性和创作理念。

本文将对街头艺术设计学中的几种主要街头艺术风格进行分析，探讨它们的特点和表现形式。

一、涂鸦（Graffiti）涂鸦是街头艺术中最为常见和传统的形式之一。

涂鸦艺术家通过在墙壁、建筑物或其他公共场所上喷涂、绘画或书写，来表达自己的思想和情感。

涂鸦作品通常具有强烈的视觉冲击力，色彩鲜明，线条简洁而富有节奏感。

涂鸦作品的内容多样化，既有抽象的几何图案，也有具象的人物形象或文字。

涂鸦作品常常具有强烈的个人风格，艺术家通过作品展示自己的独特视角和创作技巧。

二、壁画（Mural）壁画是街头艺术中另一种重要形式，通常是在建筑物的墙面上进行绘画创作。

壁画作品常常具有较大的尺寸和视觉冲击力，能够吸引观众的注意力。

壁画作品的题材广泛，可以是抽象的艺术表现，也可以是具象的人物形象或故事场景。

壁画艺术家通常需要考虑到墙面的特点和环境因素，将作品与周围的建筑、景观融为一体，创造出独特的视觉效果。

三、贴纸艺术（Sticker Art）贴纸艺术是一种相对较新的街头艺术形式，艺术家们将自己设计的贴纸贴在城市的各个角落，从而传达自己的创作理念和情感。

贴纸艺术作品通常具有小巧精致的特点，可以是图案、文字或是抽象的符号。

贴纸艺术的传播方式灵活多样，艺术家可以选择不同的地点和方式进行展示，从而吸引更多观众的关注。

贴纸艺术作为一种“微型”艺术形式，能够在城市中营造出独特的视觉氛围。

四、立体装置艺术（Street Installation）立体装置艺术是街头艺术中的一种特殊形式，艺术家们通过在公共空间中搭建、安装艺术作品，来创造出立体的视觉效果。

立体装置艺术作品常常具有较强的空间感和互动性，观众可以通过走近、触摸或参与其中，与作品产生更为直接的联系。

吴为山雕塑艺术中的个性风格艺术发展到今天，对它的未来有人持悲观态度，其理由无非有二：几千年来历代大师己有种种探索成果，各种形式风格己经穷尽，今人很难有新的作为，这是其一；其二，用综合质材和多种手段创造出的装置艺术，在环境中形成的效果和震撼力，以及所具有的公众性，大大高于雕塑，在这种情况下，雕塑让位于运用综合材料的“装置”，似乎是理所当然的了。

其实，这是站不住脚的两条理由。

因为雕塑艺术之所以产生，是人类为了传递信息和表达思想感情的需要，这种特定的手段在人类文明几千年的历程中，不断随着时代的变迁丰富着自己的内容和形式。

变化着的客观世界，日新月异的科技发明，人们新的认识、思考和智慧，都会给雕塑艺术以新的资源、新的刺激力和推动力。

近几十年来，西方装置艺术盛行，但雕塑艺术在全世界仍然显示出勃勃生机，便生动地说明雕塑艺术消亡论是很难令人信服的。

虽然雕塑艺术消亡论对一些青年艺术家产生一些影响，对一些不愿从事艰苦手工劳动而希望走捷径的人，有一定的吸引力，但是，它对决心献身艺术的人却是一种锻炼和考验。

我们这里要讨论的艺术家吴为山君正是顶着这股逆风在雕塑领域辛勤耕耘并取得杰出成就的。

近十多年来，吴为山的雕塑越来越受到人们的关注，他的作品频繁地亮相各种国内和国际展览，受到好评和获得不少奖励。

南京博物院为他创作的二百多尊中外名人及文化人的雕像开辟了专门的“雕塑馆”。

他在南京大学成功地开办了集教学、创作与研究于一体的雕塑艺术研究院。

人们开始议论和研究“吴为山现象”。

“吴为山现象”中的核心内容是他的雕塑创作。

他的雕塑作品不仅有刚柔相济的鲜明个性，有含蓄而强烈的艺术感染力，而且具有深厚的人文精神。

中国文论中分析文艺之美有阳刚和阴柔之分，阳刚之美是一种壮美，它雄浑刚劲；阴柔之美则是一种优美，它温婉幽和。

两种风格的美均发自“天地精英”（姚鼐：《复鲁絜非书》）。

艺术家得其一者，即有特点，而能兼有二者，则为大家风范。

吴为山的雕塑艺术能达到这种境界，是很值得赞赏的。

艺术风格解读艺术作为一种表达形式，承载着人类的情感、思想、审美和文化。

不同的艺术家有着独特的艺术风格，这些风格反映了他们的个性、经历和对世界的观察。

本文将通过解读三种不同的艺术风格，探讨其特点、表达方式以及背后的深层含义。

第一节：抽象主义抽象主义是20世纪出现的一种艺术流派，其主要特点是对传统艺术的颠覆和否定。

抽象主义追求形式、色彩和线条的自由表达，将艺术从具象到抽象的转变视为一种解放。

抽象主义作品通常不再依赖于客观对象的再现，而是通过形式的自由组织和独特的符号语言来表达艺术家的内心世界。

在抽象主义作品中，色彩是一种非常重要的表达元素。

艺术家使用鲜明的色彩和对比，来传达情感和能量。

线条的运用也非常灵活，它们可以曲折流动、交错纠缠，或者呈现出简洁而有力的形态。

这种抽象的表现形式使得观者在作品前可以自由地解读，每个人可以从中找到自己的感受和理解。

抽象主义的背后蕴含着对传统观念的颠覆和革新的意义。

艺术家试图打破传统的视觉经验，寻求新的表达方式。

通过抽象化的形式、色彩和线条，他们希望能够引起观众的联想和反思，激发人们对于艺术的思考和探索。

第二节：写实主义写实主义是一种以艺术作品尽可能真实地再现客观世界为目标的艺术风格。

写实主义起源于19世纪的欧洲，它对于细节的关注和对现实的描绘常常给人以真实感和立体感。

写实主义作品通常使用准确的线条和明暗的处理，以表达出物体的形状、质感和空间感。

写实主义的表现方式要求艺术家对客观世界进行严谨的观察和研究。

他们通过捕捉细节、描绘光影来再现物体的真实外貌。

写实主义作品常常给人以一种仿佛可以触摸的感觉，观众可以从中感受到艺术家对于细节的关注和对于现实的再现。

写实主义背后的含义是对于现实的反映和批判。

通过真实的描绘和细节的处理，艺术家试图唤起观众对于现实世界的关切和思考。

他们通过艺术作品来呈现社会中的不平等、不公正或者其他问题，以引起观众的共鸣和思考。

第三节：后现代主义后现代主义是20世纪后期至今出现的一种艺术风格，它对于现代主义的否定和对传统边界的模糊化。

艺术作品的风格取决于艺术家的人格1、什么是艺术家, 什么是艺术作品的风格什么是艺术家呢?中国著名美学家易中天先生如是说: “艺术家是为艺术冲动所驱使的人, 而且是只为艺术冲动所驱使的人”。

本文所要提及的艺术家是指真正的艺术家, 而非“伪艺术家”, 在我们的周围, 只要有人会舞弄几笔素描或色彩, 亦或不知在哪里弄来的很带有政治色彩的“美术家协会”头衔, 就会被称为艺术家。

艺术不应该是一种职业, 艺术应是一种文化修养。

画家在追求自己的审美理想的同时, 也展现了自己的画品与人格。

艺术作品的风格是艺术家成熟以后, 以自己独有的方式在创作中形成的相对稳定的绘画基本面貌。

它的形成与发展不仅与画家的个性有关. 还与作品反映的题材内容、绘画技法及对传统的承传相关。

绘画的格调是艺术的综合结果。

是画面所传达出的画家的品格、气质与修养, 它是构成和影响风格的因素之一。

我们所说的“风格” , 一般意义上是指文艺创作中表现出来的一种带有综合性的总体特征。

就具体的作家、艺术家而言, 艺术风格就是其创作走向成熟或自成一家的独特标志。

大体说来, 艺术风格是作家、艺术家相对稳定地表现在题材处理、主题提炼、形象塑造、艺术手法和语言运用等方面的特殊审美品格; 是创作主体在思想性与艺术性的统一中整体上显现出来, 并贯穿在一系列作品之中的鲜明个性。

歌德说: “风格是艺术所能企及的最高境界。

”2、艺术作品的风格取决于艺术家的人格中国有古语, “言如其人” , “字如其人” , “画如其人”,我们偶尔也会听到“一看这件事, 我就能猜出是谁做的” ,指的就是心理学经验, 我们无法想像: 一个优柔寡断的人能做出大刀阔斧的事件来; 我们无法想像以宋代皇帝赵估的人格能象元朝皇帝成吉思汗那样南征北战, 驰骋沙场; 大书法家欧阳询不可能写出象怀素和尚那般带有几分醉意的, 酣畅淋漓, 直抒胸臆的狂草来, 尽管我们不能怀疑欧阳询会狂草, 就算是能写出来, 也绝不会和怀素的狂草是一种风格; 王巅之的《兰亭集序》被誉为天下第一行书, 后人竞相摹拜, 但都不可能书写的惟妙惟肖。

印象派艺术特色变革浅析印象派是19世纪后半叶的一种艺术风格，它着眼于对光影和色彩的表现，以及对自然现象的捕捉和描绘。

印象派艺术家从传统绘画的约束中解放出来，大胆尝试了新的绘画手法和表现形式。

本文将简要分析印象派艺术的几个特色变革。

第一，对传统绘画形式的颠覆。

印象派艺术家在绘画上改变了约定俗成的形式，例如角度、光线、透视等。

他们强调绘画需要表现出意象，而不是真实的场景。

为此，他们选择了青草地、河流、海滩、咖啡馆、公园等现实场景，试图捕捉并展示出瞬息万变和多姿多彩的色彩。

第二，对色彩应用的变革。

印象派艺术家强调色彩应该以自然为准则，而不是基于传统的多重颜色混合。

因此，他们大胆使用了明亮、鲜艳和对比强烈的颜色，创造出活的、动态的画面。

同时，他们使用点彩技法，即将多种纯色随机揭露在画布上，并通过视觉诱导产生混合效应，创造出光与色的感觉。

同时，这种技法也为诸如立体主义和未来主义等后来的艺术流派的发展奠定了基础。

第三，对自然现象的描绘。

印象派艺术家注重捕捉和展示周围的自然现象。

他们热衷于捕捉日常生活中的瞬间，例如女孩们漫步在花园中、阳光透过树叶的缝隙、冬季雪景等。

他们将这些瞬间定格下来，创造出真实的、有生命的画面，使观众感受到一种没有被雕塑或创作的自然之美。

第四，对绘画中主体与环境的关系的思考。

印象派艺术家强调主体和环境的相互关系，试图捕捉自然景观背后的精神和情感。

他们使用分割构图来表现周围景象，以反映主体和环境之间的互动关系。

例如，一张河边的画，艺术家可以在水中描绘出树和天，通过这种方式来表达主体和周围环境的共生共存。

通过这种新的绘画方式，观众可以感受到自然和谐的美感。

综上所述，印象派艺术家在绘画上打破了传统，解放了色彩和形式，强调绘画需要表现出自然现象。

他们背离了传统绘画的刻板形式和规则，创造出了一种崭新而生动的画风，影响了后来的现代艺术。

阿维格多·阿利卡绘画艺术浅析作者：***来源：《美与时代·下》2022年第01期摘要：阿利卡富有特点的具象绘画艺术风格给现当代绘画带来了启迪。

写实的绘画风格是阿利卡在中途转变的，但也确实是他一生中重要的转折点，直到阿利卡去世，也都是一直坚持具象创作的绘画风格。

阿利卡的创作阶段和绘画风格表现为：早期是在集中营的素描和速写记录，小的、快速的，类似于现在的插图，逐渐向抽象绘画过渡，再到纯抽象绘画时期，最后是写实素描和直至一生的具象油画。

阿利卡一直以来都有着对艺术的崇敬之心，绘画创作对于他来说在任何时候都是无穷无尽的探索过程。

关键词：阿维格多·阿利卡;绘画历程;绘画风格一、阿维格多·阿利卡绘画风格的形成1929年，阿维格多·阿利卡出生于一个犹太家庭。

十几岁时，考入欧洲学校学习绘画，在那里形成了抽象绘画风格[1]。

之后，他在中国、日本以及欧洲等国家参观了大量的艺术展览，心灵受到触动，影响了他的抽象绘画风格，而当阿维格多·阿利卡在卢浮宫看卡拉瓦乔画展时，他已经非常明确地知道，之前他所画的画就只是为了绘画而绘画，并没有真正的真情实感，他意识到他的抽象绘画生涯结束了。

他决然地放弃了成功的抽象绘画事业就是从那次观看展览之后。

从此以后，他的画风从抽象走向了写实，开始直接用他亲眼所见的去刻画他眼中所谓的世界，也由此奠定了阿利卡本人在绘画艺术语言层面独有的艺术风格。

（一）集中营时期阿利卡全家开始了逃亡的生活是因为欧洲战争全面爆发。

他的父亲在逃亡过程中因为恐惧和饥饿而去世，年少的阿利卡经历了那个年龄难以承受的惨痛磨炼。

1942年他们逃荒到了一个集中营，阿利卡在集中营里面的铸造厂干活，他在此期间作画的全部素材都来自集中营，用速写的形式记录下来[2]。

虽然阿利卡深处困境之中，但仍然能坚持作画，他后期的成就与前期的黑暗时期是分不开的，这也导致了他的绘画风格与其他绘画艺术家不同。

浅析文艺复兴三杰的艺术风格大一学习西方文化概论时，书中所说的那时文艺复兴的共同特点：人性的觉醒、个性的解放和感性之美。

他们的大多作品歌颂了人体的美，主张人体比例是世界上最和谐的比例。

从上了外国美术史纲要，便对文艺复兴时代艺术有了更加清晰的了解，特别对于文艺三杰达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的作品通过老师的讲解和自己查阅《西方文化概论》等书籍，大致了解到了文艺复兴时期三杰的艺术风格，所共有的特点：不仅重视形似，更加重视神似；在肖像画，壁画，纪念画，雕塑三杰皆取得了很高的成就；绘画中布局均称协调，色彩，光线运用适当，也是他们作品特色之一；三杰在对于绘画取势十分的传神，达到炉火纯青的地步，画中自然流露出一股浩然正气，使人观之肃然起敬，画中的意境更是把人物的心态和周围的环境有机的结合表达出来，主观和客观达到高度和谐。

三杰各有独特的艺术风格，给人以不同的艺术体验。

达芬奇的绘画是深沉和智慧并存。

他的人物肖像画画的和真人最为接近,具有鲜明的个人风格：他主张绘画不仅要求形似，而且更要求神似；他在绘画构图、明暗，透视、色彩等方面都有所建树。

要求画像在比例、透视等方面都正确。

他拥有人文主义思想并运用现实主义表现手法，把艺术推进到一个前所未有的高度，有人说他的艺术像镜子一样反映事物，却给人留下无限遐想的余地。

如他代表作《最后的晚餐》这幅表现基督被捕前和门徒最后会餐诀别场面的壁画，他用了巧妙的构图和独具匠心的布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结在一起，使观者感觉画中的情景似乎就发生在眼前。

在人物布局上，将基督独立于画面中央，其他门徒又单独构成三个三角区，每个三角形又通过门徒们相互关联的手势，指向中心，使得整个画面紧凑又不繁杂，这就是他智慧的最好表现。

门徒们分别表现出惊恐、愤怒、怀疑和慌张的表情，这些细致的描绘，突出了绘画的主题。

综上无不坚定了这幅画的经典与艺术史上的完美。

他的作品表现的是自然界的美，人体的自然之美，所以感觉他的绘画是艺术地再现自然。

介绍一位你喜欢的艺术家介绍他的艺术风格对你专业
学习的影响和启
他早期画作爱用荷兰传画的褐色调，但他天性中火一般的热情使他抛弃荷兰画派的暗淡和沉寂，并迅速远离印象派———印象派对外部世界瞬间真实性的追求和他充满主体意识的精神状态相去甚远。

他不是以线条而是以环境来抓住对象；他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。

但他仍属印象派。

梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。

梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。

”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。

而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。

对于我个人而言，梵高是一个天才，同时也是个疯子，他为了证实自己的观点采取一种暴力的自残行为。

这是我对这个艺术家的不解之处，可能也正是这种不解让我更加崇拜他。

他的执着是我们应该学习的,他的癫狂是我们应该追寻的，梵高把自己的思想表达在他的画作中,这是一种融入，他已经与他的艺术融为一体，他把自己与自然已经容为一体，这是一种多么敬业的精神呀!我欣赏梵高的作品，我更欣赏他的人格，他教会我如何去执着，如何去追求。

艺术风格的基本特点及意义
1、艺术风格就是艺术家的创造个性与艺术作品的语言、情境交互作用所呈现出的相对稳定的整体性艺术特色，风格是艺术家创造个性成熟的标志，也是作品达到较高艺术水准的标志。

风格既包括艺术家个人的风格，也包括流派风格、时代风格和民族风格等。

2、艺术风格可分为艺术家风格和艺术作品风格两种。

由于艺术家生活经历、性格气质、文化教养、艺术才能、审美情趣的不同，因而有着各不相同的艺术特色和创作个性，形成各不相同的艺术风格。

3、艺术作品风格是作品内容与形式的和谐统一中所展现出的总的思想倾向和艺术特色，集中体现在主题的提炼、题材的选择、形象的塑造、体裁的驾驭、艺术语言和艺术手法的运用等方面。

艺术风格学有时指某一艺术作品的风格，有时指一系列艺术作品所表现出来的总的格调家居，家电。

4、艺术家风格和艺术作品风格有着不可分割的密切关系。

艺术家风格并非抽象、空洞的存在，而要具体落实到艺术作品上；艺术作品的风格也不是无源之水，无本之木，它直接根源于艺术家的风格。

艺术风格的主要特征是：个体性与社会性相统一；稳定性与变异性相统一；一致性与多样性相统一。

艺术风格具有时代性、民族性，在阶级社会里，还不可避免地打上阶级的烙印。

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5、社会主义的艺术，提倡政治方向的一致性和艺术风格的多样性，鼓励艺术家在“二为”方向、“双百”方针的指引下，发展不同的艺术风格。

当然一个时代也有一个时代的艺术风格，这是由于人们在一段时期内受到共同的影响有着比较接近的审美趋向。

比如汉代大多崇尚简洁浑厚的艺术风格，18世纪的法国流行装饰味极强的洛可可风格等。

2。

在绘画中艺术家性格与风格之间的关系作者：石润来源：《艺术评鉴》2018年第04期摘要：绘画艺术需要艺术家进行真实情感的创作，优秀的艺术绘画作品，能够使观赏者与作品之间产生共鸣。

由此可以看出，艺术作品是艺术创作者的真情流露，主要是依靠艺术者的性格与绘画风格形成的。

本文通过对影响艺术家性格形成的因素进行分析，进而分析艺术绘画作品的风格，进一步深化理解艺术家性格与绘画风格之间的联系。

关键词：绘画作品艺术风格画家性格联系中图分类号：J202 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2018）04-0041-02艺术作品与艺术创作者的风格有一定的联系，在绘画中艺术家能够根据自身丰富的社会阅历将生活表现在作品中，部分艺术家在经历生活的磨难之后，依然对生活充满信心，并将对生活的感悟表现在作品中。

由此艺术家在不断的创作中形成坚韧的品质，优秀的创作者，会用自己的作品去感染欣赏者，并为欣赏者传递积极向上的精神与良好的生活态度。

一、艺术家性格的成因在绘画中，艺术家的性格直接影响其作品的形成。

艺术画家性格不能形成一个准确的标准进行分析，不同时代的艺术家会形成不同的性格，主要原因是社会背景不同。

不同国家的文化发展会直接影响艺术家的性格，进而影响绘画的风格。

（一）历史文化发展对艺术家性格形成的作用我国的历史文化发展中，可以看出不同时代背景，艺术家的性格会跟随朝代的变化，进而将这种性格表现在作品中。

史前时期的绘画作品大多数体现的是原始人的野性，这个时期人类还尚未形成技能，只依靠自身的野性进行创作，是人类历史文化的开端。

自汉朝以来山水画的逐步发展，到唐朝大小李将军父子的山水作品，尤其是李思训的《江帆楼阁图》，将宫苑为背景进行作画，由于绘画者出身显赫，再加上唐朝文化的盛行，作者的性格能够表现在作品中。

在唐朝历史文化感染中，从军征战的经历，李思训的性格较为豪放。

宋代艺术家由于时代背景的影响，文人的地位得到提升，艺术画家的文学受到重视，性格上更加洒脱，例如北宋的画家范宽，生于北宋前期，性情温和。