挪威艺术家拉斯·艾琳

中图分类号 TU-86 文献标识码 A 文章编号 1003-739X （2022）04-0016-06 收稿日期 2021-02-23摘 要 该文从小、中、大三个尺度选取马歇尔·拉尤斯·布劳耶在家具、住宅、公共建筑等不同尺度空间的设计作品，以其标志性的“极简”形式与复杂性内核为主线，围绕看似矛盾的两要素探讨其作为“空间雕塑家”独特的设计哲学，进一步探索这位包豪斯最早的毕业生如何发扬而又革新包豪斯思潮，从而为当下建筑学发展提供思考。

关键词 布劳耶 空间 “极简” 复杂性 包豪斯Abstract From three aspects of small-scale, mesoscale and large-scale, we select Marcel Lajos Breuer's design works of different scale spaces in furniture, housing and public buildings. With his signature "minimalist" form and complex core as the main line, we discuss his unique design philosophy as a "space sculptor" around these seemingly contradictory two elements, and further explore how he developed and innovated Bauhaus thought as one of the earliest graduates, so as to provide some thinking for the present architecture development.Keywords Breuer, Space, "Minimalist", Complexity, Bauhaus成玲萱 | Cheng Lingxuan 王洪羿 | Wang Hongyi“极简”的复杂性——游走在多尺度间的“空间雕塑家”马歇尔·拉尤斯·布劳耶"Minimalist" Complexity : "Space Sculptor" Marcel Lajos Breuer , Wandering Between Multiscale Spaces1 传统中成长的“空间雕塑家”1.1 包豪斯思潮的传承者“一切创造活动终极目标就是建筑！” ——《包豪斯宣言》[1]1919年4月，格罗皮乌斯创立包豪斯时提出经典宣言（图1a）——其中“必须回归手工艺”、“艺术家和工匠无根本不同”等内容在马歇尔·拉尤斯·布劳耶（以下简称“布劳耶”）求学经历中充分体现，也影响着他后来的设计理念。

慢慢地来——奥拉维尔埃利亚松个人回顾展
MOMA
【期刊名称】《建筑技艺》
【年(卷),期】2008(164)005
【摘要】冰岛艺术家奥拉维尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）在美国的首个个人回顾展于4月20日-6月30日在纽约的MOMA和P．S．1当代艺术中心举行。

此次展览将包括一些大型的环境艺术作品、装置、雕塑和照片，这些作品反映了他的出生地冰岛的气候与景观特征。

同时，这些作品也体现了作品本身的感性体验。

【总页数】4页(P22-25)
【作者】MOMA
【作者单位】
【正文语种】中文
【中图分类】S763.712.4
【相关文献】
1.参与:以沉浸之名——以奥拉维尔·埃利亚松的装置艺术为例 [J], 李天
2.建筑与公共艺术的跨界互动——以奥拉维尔·埃利亚松的创作为例 [J], 周杰;林琳;许笑阳
3.参与:以沉浸之名——以奥拉维尔·埃利亚松的装置艺术为例 [J], 李天
4.万千气象,五感之中:难以定义的艺术家奥拉维尔·埃利亚松 [J], 王川
5.异质同构视角下的光元素研究——以奥拉维尔·埃利亚松装置艺术为例 [J], 秦悦琪;郑淼
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蒙克《呐喊》之我见《呐喊》是挪威艺术家爱德华·蒙克的代表作之一，同时也是世界艺术史上的经典之作。

这幅画作于1893年创作，现存于挪威奥斯陆的国立画廊。

作为蒙克的代表作之一，《呐喊》以其独特的艺术风格和深刻的主题深受世人喜爱，并成为了艺术史上的经典之作。

对于这幅著名的画作，我也有着自己的一些看法和感悟。

我对《呐喊》这幅作品的第一印象是它那令人难忘的线条和色彩。

蒙克在画中运用了大量的挥洒和流动线条，通过极简化的表达方式展现出了人物的轮廓和情感。

整幅画布都充斥着一种紧张和痛苦的氛围，线条的拉伸和扭曲让人感到一种无法言喻的压抑和恐惧。

蒙克运用了鲜艳的颜色，如鲜红的天空和土黄的地面，以及画面中人物的衣服和脸庞的颜色，这些颜色的对比和搭配使整个画面充满了张力和冲突。

这种色彩的运用不仅增强了画面的表现力，还让人感受到了作者内心深处的情感冲突和挣扎。

我认为《呐喊》所展现的那种深刻的内心世界也是它吸引人的地方。

蒙克在画中刻画了一个表情痛苦而扭曲的人物，这种痛苦和绝望的表情深深触动了观者的心灵。

这幅画作给人的感觉并不仅仅是作者自身的抒发，更是对于当时整个社会精神状态的真实写照。

在现代社会中，每个人都或多或少地面临着各种各样的压力和挑战，而这幅画作所表达的那种内心的孤独和无助感是如此具有共鸣力。

蒙克通过这种超现实的表现手法，深刻地诠释了人类内心深处的痛苦和挣扎，以及对于现实的不满和恐惧。

这种抽象的表达方式，虽然不够清晰和直观，却更能触动人们内心深处的共鸣和情感，使得这幅画作成为了艺术史上的不朽之作。

蒙克的《呐喊》以其独特的艺术风格和深刻的主题内容成为了世界艺术史上的经典之作。

通过对于线条和色彩的运用，以及对于主题的深刻探讨，这幅画作深刻地揭示了作者对于个体在社会中的处境和命运的关切与思考，同时也引发了人们对于当代社会精神状态和人性的深刻思考。

这幅画作所表达的深刻的内心世界和情感冲突，不仅吸引了观者的目光，更触动了人们内心深处的共鸣与情感。

摘要：与传统的“以藏品为中心”的策展方式不同，艾尔米塔什博物馆举办的“弗朗西斯·培根与往昔艺术”这个展览并没有试图证明培根作品的灵感来源，而是旨在与该博物馆中同培根作品在图式方面、造型方面、色彩光影等方面存在有趣相似性的 49 件藏品构建对话，通过问题域的营造,彻底把发现、阐释和思辨的喜悦交给观众，践行了新博物馆学所倡导的“以观众为中心”的理念，这种策展方式无疑具有较高的借鉴价值。

关键词：弗朗西斯·培根，策展方式，问题域，以观众为中心Abstract: Different from the traditional way—the collection-centered, the exhibition of Francis Bacon and the Art of the Past held by Hermitage Museum is not designed to prove sources of Bacon's inspiration but to create dialogues with the other 49 collections that share interesting similarities in schema, form, color and shadow. The joy of discovery, interpretation and speculation is completely handed over to the audience through the creation of the problem domain, which is in line with the audience-centered concept advocated by the new museology. This curatorial approach undoubtedly has an important reference value.Keywords:Francis Bacon, curatorial approach, problem domain, audience-centered为阐释而设计：“弗朗西斯 ·培根与往昔艺术”策展方式的当代价值Illustration-oriented Design: The Contemporary Value of the Curation of Francis Bacon and the Art of the Past 胡玲玲　司世同 Hu Lingling Si Shitong展品、策展人、空间、观众这彼此相连的四个顶点构成了策展实践的“棱体架构” (Maria Lind)，它们时时处于活动变化的状态中。

爱德华·蒙克的《呐喊》解读几乎所有知道西方现代表现主义画派的人都会提到一个挪威画家的名字——爱德华·蒙克，而知道爱德华·蒙克的人都会提到他的杰作《呐喊》。

一、《呐喊》的创作背景与表现手法《呐喊》描绘了一个张口瞠目的奇异人形，他双手捂住耳朵，站在一条看不见首尾的古道上，由于惊吓而张大了嘴巴，在扭曲的景物中如虫般的蜷曲着。

在解读这幅画时，首先需要明白这“呐喊”来自何处，是画面中人物的口中还是压抑的环境。

有人曾考据说《呐喊》中描绘的地方是在挪威的奥斯陆，那里有专门收留女性精神病患的奥斯陆医院，站在画中人物所处的位置，就能听到精神病人的尖叫，此外附近也有几处屠宰场，蒙克听到的也许是待宰动物的哀嚎声。

然而，这种方法显然还不能完全解释作品表现出的巨大的悲哀和恐惧。

在这幅画上，没有任何具体物象暗示出引发这一尖叫的恐怖。

这幅画让人惊骇的原因有一部分是来自场景中难以言喻的痛苦和无法表达强烈内在感受的无力感。

蒙克曾经在自己的日记中描述过这幅画的创作背景，他说“我和两名友人在落日余晖中散步，心中感到一股淡淡的哀愁，突然天空变得一片血红，我停下脚步，疲惫地靠在栏杆上，凝视着像剑尖鲜血般悬挂在阴暗峡湾和城市上空的云彩，我的朋友已经走了，我全身颤抖的站在原处，仿佛听到一声尖锐的呐喊，划破寂静。

”虽然画中可以看到船只和行人，但却让人有种末世般的苍凉，我们看到的只是一个失去再生能力的世界。

具体来看《呐喊》的表现手法：首先，抽象化的人物直接而且震撼地传达内心深切的绝望。

画面中央的形象使人毛骨悚然，脑袋上毛发全无，脸形像个骷髅，双眼和张着的嘴都大如空洞，身材瘦削嶙峋，衣着不清。

他捂着耳朵，似乎听不见那两个远去的行人的脚步声，也看不见远方的两只小船和教堂的尖塔。

这一完全与现实隔离了的孤独者，已被自己内心深处极度的恐惧彻底征服。

变形和扭曲的尖叫的面孔，圆睁的双眼和凹陷的脸颊，使人想到了与死亡相联系的骷髅。

路易斯·布尔乔亚：“我自己的声音唤醒了我”作者：王冠珠来源：《世界文化》2019年第10期艺术是保证清醒的良药。

艺术家并非一种职业，成为一名艺术家是一种特权，生来如此，无能为力，别无选择！——路易斯·布尔乔亚豪瑟和沃斯（Hauser & Wirth）画廊承办的法国著名艺术家路易斯·布尔乔亚（1911—2010）个人作品展于2019年3月26日在中国香港开幕。

这次展览的重点是艺术家生命最后20年的独特作品，包括织物雕塑、手摆、纸上作品、灌木雕塑以及很少展出的全息图。

艺术家在2010年5月的最后一天溘然辞世，享年98岁。

这位在晚年忽然红起来的艺术家，据说去世前两天依然在工作，她说：“怎么我都这么老了？时间都去哪儿了？”路易丝·布尔乔亚1911年生于法国，1938年随丈夫——美国艺术史家罗伯特·哥德瓦特移居纽约，从事艺术工作直至去世。

她被公认为20世纪最重要和最具影响力的艺术家之一，更被誉为“美国女性身份艺术之母”，一度成为美国女权主义者心中的偶像。

而布尔乔亚却不客气地说：“女权主义者试图将我视为偶像、母亲，这很困扰我，我不想成为母亲，我仍然是一个试图认识自己的小女孩儿。

”在超过70年的时间里，布尔乔亚的创作过程都是由一个内省的现实所推动，这个现实植根于她对童年创伤的宣泄和對女性性行为的坦率审视。

其作品风格多变，充满情感张力，通过反复出现的主题（包括身体部位、房屋、蜘蛛等），表达对记忆、身体、性别等的独特解读。

布尔乔亚还是最早一批使用橡胶和人工树脂这类不定性材料的艺术家，在她看来，“任何特定媒介或者技法都没有特权，不同材料会提供不同的可能性”。

最初几年，布尔乔亚将绘画当作其艺术创作的主要表现方式，但后来她越发感觉到平面绘画不能真正把自己内心积压的情绪完整地表达出来，因而转向雕塑创作：“我必须选择一个形式发泄心中的焦虑，并且可以不断地改变、毁灭、重生。

Abbe, Ernst恩斯特·阿贝。

德国物理学家，1840年元月23日出生于埃森纳赫，1905年元月14日卒于耶拿。

1882年和卡尔·蔡斯共同在耶拿创建玻璃厂。

阿贝曾设计过很多光学仪器。

Abendroth, Wolfgang沃尔夫岗·阿本德罗特。

德国国家法学家和社会学家，1906年5月2日出生于乌珀塔尔，1985年9月15日卒于美因河畔法兰克福。

自1951年起任马尔堡大学教授，1964年出版《德国社会民主的发展和危机》。

Achternbusch, Herbert赫伯特·阿赫特布施。

德国作家和制片人。

1938年11月23日出生于慕尼黑。

Ackermann, Konrad Ernst康拉德·恩斯特·阿克尔曼。

德国演员，1712年2月1日出生于什未林，1771年11月13日卒于汉堡。

他是德国戏剧艺术的奠基人之一，曾和莱辛合作工作。

1765年，阿克尔曼在汉堡开办了一剧院。

其妻子索菲·莎洛特·阿克尔曼（Sophie Charlotte Ackermann，1714年5月12日生于柏林，1792年10月13日卒于汉堡）和女儿多罗特娅·阿克尔曼（Dorothea Ackermann，1752年2月12日生于格但斯克，1821年10月21日卒于汉堡）均为对德国戏剧艺术的发展起过影响作用的演员。

Adenauer, Konrad康拉德·阿登纳。

政治家、法学家。

1876年1月5日生于科隆，1967年4月19日卒于莱茵－勒恩多夫（Rhein-Rh?ndorf）。

自1917年起任科隆市长。

1933年由于反对纳粹被开除一切职务，1944年被短期关押。

1945年再次担任科隆市长，但为时短暂。

自1946年起任英国占领区基民党主席。

1950－1966年任基民党联邦主席。

1949年阿登纳被推选为基民党／基社党、自民党组成的联合政府的联邦总理。

奥拉维尔·埃利亚松泰特现代美术馆个展等奥拉维尔·埃利亚松泰特（Olavur Eliasson）是一位享誉国际的现代艺术家，以其大型环境艺术装置和雕塑作品而闻名。

其作品涉及视觉感知、光影、自然元素和环境交互，给观众带来前所未有的审美体验。

最近，奥拉维尔·埃利亚松泰特的个展在现代美术馆盛大开幕，吸引了无数艺术爱好者和观众前来观赏，成为了当下艺术界的热点。

奥拉维尔·埃利亚松泰特出生于丹麦，成长于冰岛，他的个人经历和成长环境直接影响着他的艺术创作，使其作品充满了北欧特有的宁静和纯粹。

此次个展以“自然与人类的互动”为主题，展示了奥拉维尔·埃利亚松泰特近年来的代表作品，其中包括了许多大型装置艺术和雕塑作品，以及一些新作品和实验性的创作。

让我们来看看奥拉维尔·埃利亚松泰特在这次个展中展出的一些著名作品。

他最广为人知的作品之一就是《风暴》（The Weather Project），这是他于2003年在伦敦泰特现代美术馆展出的一件大型装置艺术作品，通过利用人造的太阳光和水雾，在展览空间内营造出了仿佛天空中的太阳和云朵般的壮观景象，给人一种置身自然之中的错觉。

奥拉维尔·埃利亚松泰特的《瀑布》（Waterfall）也是备受瞩目的作品，他将一个真实的瀑布搬进了美术馆内，利用光影和声音效果，为观众带来了一次超现实的视听体验。

奥拉维尔·埃利亚松泰特还在此次个展中展出了一系列关于风、光和自然现象的作品。

他利用镜面表面和透明材质，创造了一些光影反射作品，让观众在其中感受到光与影的美妙交融；他还通过对空气流动和声音振动的探索，设计了一些与自然元素互动的装置作品，引导观众对自然现象进行深度思考和体验。

奥拉维尔·埃利亚松泰特的个展给观众带来了一次极致的艺术体验。

他的作品不仅在视觉和感知上给人以震撼，而且更重要的是，在观赏作品的过程中，观众会对自然和人类的关系产生思考。

Olafur Eliasson石+气象石咸夕由.难以定义艺$家奥拉维尔•埃利亚松A Unique Artist and His Artworks文+王川图+Adam M a ria n n e西瓜从上个世纪九十年代至今，埃利亚松创作了大量的雕塑和大型装置作品，并于多座城市举办个人展览。

他的作品体现了极强的跨越性，汇聚雕塑、建筑、工业设计领域，涵盖大地艺术、超现实主义等艺术特点，涉及个人存在、环境保护等多个主题。

他融合艺术、科学、自然元素于一体，创造出多重的感官体验，以致他的作品有绝佳的观感，也蕴含着哲思。

CnY GEOGRAPHY城市地理/102-103/奧拉维尔•埃利亚松，出生于1967年，有一半的丹麦血统和一半的冰岛血统，从小和热爱艺术的父亲 生活在冰岛，冰岛独特的自然景观和 难以复制的生存体验塑造了他敏锐的 感知能力，对他今后的艺术方向和创 作影响颇深。

近年来，埃利亚松带着作品多次来到中国，并与中国的艺术家展开合作。

2016年，他在上海龙美术馆举办以“无相万象”（Nothingness is Not Nothing at A ll)为名的展览；2018年，北京红砖美术馆策划名为"道隐无名”（The Unspeakable Openness of Things)的埃利亚松个展。

这位自从事艺术创作以来便关注 人的感受，关注生态环境，关注哲学 的艺术家，越来越为大众熟知……埃利亚松的艺术之路埃利亚松少年成名，他夺得了斯堪的纳维亚地区霹雳舞比赛的冠军。

没人想到这位看起来在舞蹈领域颇有天赋的少年，日后会成为一位艺术鬼才。

埃利亚松22岁时，进入了丹麦皇家艺术学院学习。

这一学，就是六年。

在艺术学院学习期间，埃利亚松开始了创作，其中有一件和彩虹有关的作品，取名为《美丽》——通过结合水雾与光线，利用光的折射使观众在特定角度能够看到彩虹的光晕。

虽然与今天埃利亚松作品的技术难度相比，《美丽》实在算不上一件成熟的作品，但它预示了这位艺术家未来的创作方向。

托尔·阿恩·摩恩与他绘画中的迹象作者：***来源：《美与时代·下》2022年第06期摘要：绘画创作就其表象来看，就是用笔携带颜料不断叠加在承载物上的过程，在不断覆盖下自然会留下绘画的痕迹，痕迹有其意义和可能性。

以挪威画家托尔·阿恩·摩恩及其画作为切入点，在他的创作材料与题材和最终完成的作品中找到迹象因素，解读其绘画中的痕迹和意义。

关键词：托尔·阿恩·摩恩;挪威;痕迹一、痕迹在美学中的概述原始人先在墙壁上留下一横、一撇、一圆圈的痕迹，才有后来如法国拉斯科洞穴壁画里形象生动的勾勒。

乔托笔下的人物在其边缘位置有重复勾勒的痕迹，丢勒的铜版画对于线痕具有极其精准的排列，我们可以从这些痕迹中看出文艺复兴时期对科学理性、准确的追求。

历史上几乎所有绘画都有痕迹的显现，也各有其特殊意义。

“痕迹”作为一个确切的绘画概念的提出，始于法国解构主义哲学家德里达对于语音中心主义的反驳。

语音中心主义认为语音先于文字，也就是“说”比“书写”更接近真理。

但他指出语音本就有同音字词，往往也会词不达意，并不会比书写的文字更靠近思想。

书写反而可以产生差别，如中国书法中同一个字的不同写法，其中也包含相当丰富的信息或情感以供解读。

当然，这也不代表书写就高于语音，他只是强调书写也同样重要，不该被贬低。

总之，在德里达许多著作中，引入了“trait”这一词进行美学探讨，翻译成中文即“线痕”“印记”等。

国内学者钟儒乾提出绘画迹象论，落笔成迹，因迹生象，他指出绘画中留下的痕迹与创造形象的不可分割。

让-吕克·南希在《素描的愉悦》中说，素描的本质在于姿态、在于运动与线痕的轻重。

实际上，绘画就是画家之于画布的一场行为痕迹，观者可以从画面表露的痕迹中发现作者的姿态，这个姿态不仅是画家留下痕迹的具体行为动作，更重要的是展现画家的立场态度。

许多艺术家在描述其艺术思考时提到“痕迹”的概念。