16第十六章 当代舞系列

当代舞回家舞蹈解析介绍当代舞是一种非常自由、个性化的舞蹈形式，强调身体的表达和情感的传达。

回家舞蹈则是当代舞的一个分支，它将舞蹈与日常生活相结合，以家庭为主题，表达对家庭、亲情和归属感的思考和情感。

本文将对当代舞回家舞蹈进行全面、详细、完整且深入地探讨。

当代舞的特点当代舞是一种充满创造力和自由的舞蹈形式，它摒弃了传统舞蹈的规范和限制，注重个人表达和情感的传达。

以下是当代舞的几个特点：1. 自由表达当代舞强调舞者个人的表达和情感的传达，舞者可以根据自己的感受和理解自由地创造舞蹈动作和形式。

这种自由表达使得每个舞者都能在舞蹈中找到自己的独特性和风格。

2. 实验性当代舞具有很强的实验性，舞者可以尝试各种不同的舞蹈技巧、动作和形式，甚至可以将其他艺术形式融入舞蹈中。

这种实验性使得当代舞充满了创新和想象力。

3. 身体的表达当代舞注重身体的表达，舞者通过身体的动作、姿态和力量来传达情感和思想。

舞者的身体成为了舞蹈的主要表达媒介，他们可以通过肢体的运动来展现内心的世界。

回家舞蹈的意义回家舞蹈是当代舞的一个分支，它以家庭为主题，表达对家庭、亲情和归属感的思考和情感。

以下是回家舞蹈的几个意义：1. 家庭情感的表达回家舞蹈通过舞蹈动作和形式来表达对家庭的情感，舞者可以通过舞蹈来表达对家人的思念、对家庭的热爱和对家庭生活的回忆。

这种表达方式可以打破语言的限制，让观众更加直观地感受到舞者的情感。

2. 对亲情的思考回家舞蹈也可以引发对亲情的思考，舞者可以通过舞蹈来探索亲情的内涵和意义。

他们可以通过身体的表达来传达对亲人的关怀、理解和支持，以及对亲情的珍视和感激之情。

3. 归属感的探索回家舞蹈还可以帮助舞者探索归属感的主题，舞者可以通过舞蹈来思考和表达对家庭、社区和文化的归属感。

他们可以通过舞蹈来探索自己的身份认同和文化传承，并通过舞蹈的方式来传递这种归属感。

回家舞蹈的创作与演出回家舞蹈的创作与演出是一个团队合作的过程，需要舞者、编舞者、音乐家和舞台设计师等多个角色的共同努力。

现代舞梳理总体发展脉络：现代舞是19世纪末，20世纪初发生于美国和德国的一场舞蹈大革命，它彻底否定的对象是封闭僵化的古典芭蕾。

百年来的舞蹈史上，美国先后出现了自由舞、古典现代舞、后现代舞和后后现代舞共五大时期，德国则出现了新舞蹈、舞蹈剧场共两大时期。

两国现代舞的发生可谓不约而同，但都受到了"现代舞之母"--美国舞蹈家伊莎多拉邓肯的启迪，并在1936年之后开始相互交流和彼此影响，出现了两国现代舞互动互补、融为一体的新品种。

人物：德尔萨特（1811-1871）【法】他是法国歌唱家和音乐理论家，其率先为人的身体设计了一套完整的动作原理和表情体系，尽管他的初衷是为了提高戏剧和音乐表演者的表现力，但在19世纪末，古典芭蕾日益衰落之际，他的这个表情体系便成了现代舞先驱们别无选择的精神启迪与身体练习。

达尔克罗兹（1865-1950）【瑞士】瑞士音乐教育家和理论家，可能是受德尔萨特的影响，创造了一套"人体律动操"，初衷也是为强化音乐系学生的身体感受力和表现力，不过也成为了早期现代舞者不可多得的身体练习。

鲁道夫?冯?拉班（1879-1958）【匈牙利】欧洲现代舞蹈家、舞蹈理论家。

欧洲现代舞的先驱。

早年先后学习绘画、舞蹈、戏剧。

曾先后在瑞士和德国开办过两家舞蹈学校。

并借助于"二十面体"等几何原理，发现了"人体动律学"这套"人体小宇宙的运动规律"，并以此为基础，创造了拉班舞谱这种舞蹈的记谱体系，以及"动作合唱"这套舞蹈的训练体系。

"人体动律学"又称"空间和声学"，其重大意义被国际学术界认为可与爱因斯坦发现了"自然大宇宙的运动规律"的"相对论"相提并论并被广泛的应用到舞蹈以外的工业生产中。

定义："现代舞"是英文Modern Dance的意译，分别起源于美国和德国，素有"20世纪舞蹈最高成就"之誉，是迄今为止最具国际性的舞蹈品种之一；它以"现代舞之母"伊莎多拉?邓肯"古典芭蕾一点也不美"那声呐喊为号角，最初彻底否定古典芭蕾的唯美主义理想和程式化语言，主张踏着时代的脉搏而舞，弘扬别出新裁的个性特征，倡导独辟蹊径的原创精神，力求内容与形式的完美统一。

探究中国当代舞的发展一、中国当代舞产生的背景“当代舞”,主要是对“五四”新文化舞蹈运动至今发展的总体认定,它即是老一代舞蹈家近代舞蹈创作实践活动,更涵盖建国后巨大的新舞蹈创作运动实践,总体概括为中国“当代舞蹈”。

当代舞蹈是指20世纪50年代后的舞蹈创作和表演,它在作品选材上指向了中国人当代生活的感情状态,对于中国戏曲舞蹈、芭蕾舞、西方现代舞中的舞蹈元素则采取了兼收并蓄的方式,在时间和舞种上比现代舞容纳的东西更加广泛。

该舞种的作品追求鲜明的艺术形象和丰富的民族审美情趣,反映中国当代火热的社会生活和时代性的精神风貌。

比如双人舞《踏着硝烟的男儿女儿》和《无言的战友》、《天边的红云》充分展示了人们所熟悉的革命、保家卫国和历史传统题材,其中群舞《天边的红云》以女性的视角勾画出历经磨难的女红军在壮烈牺牲前的战斗与抗争,同时又刻画了面对死亡的青春女性在残酷的战争中对美的追求和美好明天的留恋,人们从这个舞蹈中不难看到现代舞的抽象和民族舞的具象的描述风格;被誉为“20世纪经典”的女子群舞《小溪江河大海》以一群少女或细碎流畅或奔腾跳跃的舞姿,象征着山涧小溪流聚成河最终汇入大海的景象,以此揭示出人类亘古不变的规律;独舞《太阳鸟》以其精致独特的艺术视角,写意的展现了人们对生命、阳光的诗般礼赞……二、中国当代舞发展面临的问题虽然以上阐述了当代舞产生的背景和特点,或是举出的例子,从表面上看,当代舞正在迅猛发展,但究其根源不难发现,对于当代舞,目前并没有形成一定的教学法,编法技巧等成形的规模,因为没有正规的体系,所以在实践中,舞者们无法捉摸透中国当代舞的理念。

(一)理论上难以区分中国当代舞与现代舞自中国当代舞这个名称及概念出现后,越来越多的人们是在很困惑到底什么是现代舞而什么又是当代舞,它们有什么联系,又有什么区别?一连串的问题说明了中国当代舞的概念实在很模糊,其实不仅是一般人这么问,对专业研究舞蹈的舞者来说又有谁能拍胸脯说自己分的清楚?究其原因,是因为当初提出‘当代舞’这个名称和概念的时候,没有严谨考虑过这个‘新’舞种背后的理念,更没有任何示范性的实践作品,以致名称提出来,才惹得议论纷纷。

110042010004 兰伶现代舞简史一、现代舞的历史分期1、自由舞（1891—1927）“自由舞”本是现代舞初始期的舞蹈形态，也是美国现代舞的第一个时期。

自由舞的根本宗旨就是要从陈旧僵化的古典芭蕾中挣脱出来，然后形成一种师法自然、无拘无束、随心而舞、自由自在的舞蹈。

自由舞时期的代表人物中，首屈一指者当然是美国人富勒，尽管在她的身后，又崛起了一位更具造反精神，被后人誉为“现代舞之母”的邓肯。

此外，加拿大人阿伦也是应当提及的。

2、早期现代舞（1915—1931）“早期现代舞”是美国现代舞的第二个时期，代表人物是圣丹妮丝和肖恩夫妇，而他们开办的“丹妮丝—肖恩”舞蹈学校开办于1915年的洛杉矶，解散于1931年。

该校集教学和演出于一体，融东西方多种文化艺术的精华于一炉，多元的课程中，不仅有圣丹妮丝自创的东方舞，而且有西班牙舞、美国民间舞，甚至欧洲古典芭蕾和德国现代舞，因而培养出弟子成为主导美国现代舞随后几十年发展历程的重要人物。

3、古典现代舞（1926—1960）从第二代人开始，美国现代舞舞蹈家们中开始出现了较为复杂的承继关系，有的成了老师的忠实门徒，一生忠贞不渝地保持着他们制定的创作观念、训练体系和经典作品，有的则“背叛”老师，另立山门，结果是以“逆向”的方式，继承并推进了前人开创的现代舞之路。

4、后现代舞（1960年代初—1980年代末）以极为自由而宽泛的身体实践，对“舞蹈是什么”这一关键的美学命题作出了新的诠释。

5、后后现代舞（1980年代末—2007）其最大的特点是舞者们对任何主义的美学概念不再感兴趣，而是对所有前人的艺术遗产采取“拿来主义”的态度，提倡融会贯通的美学理想，因此，在作品上呈现出前所未有的丰富多样，而在现代舞蹈史上则可谓集大成的阶段。

根据现代舞发展的历程，基本可以分为20世纪前期创立奠基时期、发展时期、新先锋时期以及后现代舞蹈剧场时期等几个基本的的阶段。

二、现代舞的风格流派根据现代舞发展的历程，基本可以分为20世纪前期创立奠基时期、发展时期、新先锋时期以及后现代舞蹈剧场时期等几个基本的的阶段。

中国当代舞的精神风貌作者：窦荳来源：《青年与社会》2014年第16期【摘要】当代舞是原产生于20世纪50年代后期的一系列舞蹈创造作品。

当代舞所表现的新旧事物全部来源于中国最本土的人情世故，有鲜明的中国特色与文化气息。

从舞蹈形式和动作语汇这方面来看，民族民间舞、古典舞等舞种相互影响相互融合共同作用形成了当代舞蹈。

当代舞与其它舞种相比较并没有特定固定的动作语汇，它是通过集合其它舞种不同动作的语汇，来展现其自身特有的风格魅力。

当代舞是中国人自己的舞蹈，它的发展与中国舞蹈艺术的发展息息相关。

当代舞作为一种刚刚起步的新生事物是顺应时代的发展要求。

当代舞应该有自己的训练体系、编导课程，为其长远的发展奠定基础，用理论的教学课程来武装自己。

【关键词】当代舞；中国特色；动作语汇当代舞蹈取材于现实的生活，以表现客观的现实为基础，它用自己独有的风格与艺术再现真实的生活。

现实主义的创造手法和当代舞具有密切相关的联系，现实主义创作手法在当代舞创编中的应用是很普遍。

因为当代舞是贴近生活的，也是贴近老百姓的情感。

一、当代舞的审美当代舞是最令我难忘的一个舞种，其中原因很简单。

第一，我不是特别懂得如何去欣赏它，但又很想去理解、了解当中的深刻含义。

第二，我能感受到它与我们的现实生活是息息相关的，渊源深远的。

在观看当代舞作品时，我常常会有一种从心底涌上来的亲切感与熟悉感。

它能引起我们的共鸣，每每看到感人处时我的眼角总会情不自禁地湿了起来。

第三，当代舞会让我有一种我是生活中舞者的感觉。

台上那些舞者的形象就像我们在生活中的形象是一样的，当代舞取材于现实生活，因此，它生命活力都是很强的，经久不衰的。

它以表现客观现实为基础，强调了真实生活的再现性。

人们渐渐地懂得从现实出发，寻找创作的源泉。

当代舞不以舞种风格化为标志，而是以形式上兼容并蓄，题材上广泛多样，内容上注重写实为艺术特征。

它在音乐、服装、灯光方面富有特色，舞台效果和人物动作也是非常有讲究的。

第一章基本形态基本舞姿第一节基础的站立要求舞蹈是通过人体的动作来塑造艺术形象的。

常言道，工欲善其事，必先利其器。

我们在做任何事情之前，先要找到一个必要的手段。

作为舞蹈基本功训练，首先就要解决将身体从自然状态转变为一种符合舞蹈表现需要的非自然状态。

要解决舞者的基本形态，站立是形态中的基础。

俗话讲：一戳，一站，一伸手，便知有没有。

站立的形态是显现是否经过专业训练的一个标志。

作为基础的站立要求，主要是针对头部、颈部、肩部和躯干而进行规范。

头要保持端正，颈部要保持垂直，肩部下垂，肋腹内收，提臀拔背，直膝沉跟。

身体是在对抗和矛盾中保持均衡和谐的挺拔。

第二节手、脚的基本形态在舞蹈的整体动作中，手和脚是最有特征的部分。

特别在东方舞蹈中更强调手与脚动作的细腻，动态的丰富以表现出它独特的风格。

中国古典舞手的形态分为指、掌、拳。

兰花手：食指至小指逐一伸直错开，中指突出，小指微翘，拇指与中指相贴呈兰花状。

（图1-5）女形拳：五指在蜷曲的状态下，拇指与食指相贴，无名指与小指逐一错开贴于中指。

（图1-6）女形指：拇指与中指相贴呈圆形，食指伸直上翘，无名指与小拇指相错弯曲贴于中指。

（图1-7）勾脚分为半勾和全勾，是通过指关节和踝关节做曲的动作而完成。

（图1-8）绷脚是通过指和踝关节做伸的动作而完成。

（图1-9）撇脚在绷脚的状态下，踝关节向内横摆。

（图1-10）在勾脚的状态下，踝关节向外横摆。

（图1-11）第三节头、手、脚的基本位置一、头的基本位置头的动作在舞蹈中有两个作用。

一是传达感情。

在不同的位置上，表现出不同的情趣。

如：低头似思索、歪头显活泼、抬头呈盼望。

它具有独立的表现作用；另一方面，头在旋转与翻身中产生动力与速度，使技术动作达到完美。

头位置的规范性在与人体整体动作的配合中使动作完整而和谐。

所以，头的训练好与坏直接影响技术动作的质量和情感的表现。

头的位置共有11个。

分为正中位、中上位、中下位、左侧中位左侧上位、左侧下位、右侧中位、右侧上位、右侧下位、侧倒位、旋转位。

舞蹈概论（完整版）1.舞蹈是艺术的一种，必须经过提练，组织，美化的人体动作，这是舞蹈的主要表现形式手段。

起源于15世纪意大利，兴盛于法兰西，顶盛于俄国ballet.（1）早期芭蕾（宫廷芭蕾）1581年芭蕾作品：《皇后喜剧芭蕾》全长5个小时，它从戏剧结构与演出形式上借鉴了：希腊的悲剧与喜剧罗马的拟剧中世纪的职业喜剧。

芭蕾舞剧《关不住的女儿》多贝瓦尔1789.07.01波尔多市。

（2）浪漫主义芭蕾以爱情故事为主《仙女》《吉赛尔》《葛蓓利娅》.（3）古典芭蕾全部以爱情故事为主1877年《天鹅湖》1890年《睡美人》1892年《胡桃夹子》（4）现代芭蕾以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段，来表现故事内容或情结《火鸟》（5）当代芭蕾：1、当代芭蕾主要表现提倡对当代社会新兴的观念作出自己的思考，力求从美学观念上，传统与现在的融合和统一，兼收并蓄。

2、舞蹈的动作上即有古典芭蕾与现在芭蕾的因素，又更加解放肢体的各部分并向舞鞋、服装、道具、布景等方面求动作的可能性。

3、当代芭蕾不像其他时期的芭蕾那样有着各种思想，观念，审美动机，诸方面的尖锐争论而随其发展，因此当代芭蕾在创作观念上五花八门各具特色.2.审美活动：人对生活美和艺术美的欣赏活动辨别。

广泛的审美活动，包括审美的创造活动、审美活动是人类从精神上把握现实的一种特殊方式。

同其他人类认识实践活动一种，它在社会生产实践中产生，随着人对客观世界的认识，改造的不断深入而不断发展。

3.审美理想：人们所向往的至高、美好的境界表现了人类对精神完善、完美的追求、审美理想是社会理想的一个组成部分。

4.审美情趣：即人们的审美情感和审美趣味的通称。

审美情感是人们对客观事物的善、恶、美、丑属性所引起的主观的不同情感状态的反应。

审美趣味是人在审美活动中，对某些审美理想又制约和引导着人们的审美情趣。

5.视觉艺术：又称“空间艺术”是以塑造可视形象为主的艺术，它的特征是创造者能直接被人的视觉感知的艺术形象来反映生活，使观赏者能在瞬间对艺术形象进行完整的视把握，视觉艺术以造型艺术为主。

中西当代舞之异同刍议发布时间：2022-07-24T04:33:40.242Z 来源：《教学与研究》2022年第5期3月作者：孙周晖[导读] “当代舞”的概念在国际舞坛众说纷纭。

在西方，它是对现代舞的反叛和延续；在中国，它是对吴晓邦“新舞蹈”的发展。

孙周晖西北民族大学舞蹈学院730000摘要：“当代舞”的概念在国际舞坛众说纷纭。

在西方，它是对现代舞的反叛和延续；在中国，它是对吴晓邦“新舞蹈”的发展。

由于中国当代舞与西方当代舞所处的历史语境不同，导致其在技术、语汇、内容及创作方法方面各不相同。

同时，当今全球化时代到来，国际交流日益紧密，中、西当代舞在艺术特色、舞蹈思想和审美等方面也不乏相似之处。

关键词：当代舞；现代舞；中国当代舞“当代舞”（contemporary dance）从语义上讲即当下人创作的、符合当今时代的一个舞蹈种类。

将当代舞放在中国和西方两个不同的文化语境中，其内涵也是大异其趣。

西方的当代舞更突出一种时间上的概念，而中国的当代舞虽也有时间上的概念，但更多的却是在当代被命名的一个新的舞蹈种类。

因此，当我们的舞蹈创作放在国际环境的时候就出现了问题，很多人明明做的是现代舞，却说自己是当代舞，这是因为他们用的是西方的概念。

在此，我们想要厘清中国当代舞和西方当代舞的异同，必须要从“当代舞”本身的概念出发。

一、“当代舞”的内涵概述“当代”即当下人类共同生活和生存的这个时代，大多理解为在一个具有划时代意义的时间转折点之后的时代。

纵观历史，在世界范围内谈及“当代”，多是以“二战”的结束作为标志，人类历史发展进入了一个新的时代。

二战结束的时间，恰恰也是第三次科技革命迅速发展的时期，因此，从全球角度来看，“当代”是第三次世界科技革命后至今的时期，其大体可界定在20世纪40-50年代以后。

当代舞的内涵和当代的概念息息相关。

在西方，当代舞是现代舞的演变和发展。

二战后，随着世界格局的变化，新一代的舞蹈者认为“modern dance”（现代舞）一词已经不适用于自己新的舞蹈方式，于是就有了“contemporary dance”，翻译成中文便是“当代舞”。

舞蹈艺术概论第二章舞蹈的艺术特性第一节舞蹈形象是直观的动态性的形象舞蹈的艺术特性就是舞蹈形象是一种直观的、动态性的形象。

它具有：1、直觉性：舞蹈形象是一种直观的艺术形象，它主要是通过人们的视觉器官（眼睛）来进行审美感知的。

2、动作性：舞蹈形象是一种不停流动状态的直觉形象。

舞蹈动作分为：表情性（表现性）动作、说明性（再现性）动作、装饰性联结性动作。

3、节奏性：舞蹈的动态形象是一种具有节奏性的动态形象。

分为：内在节奏和外在节奏4、造型性：舞蹈是一种动态的造型艺术。

包括：人体动作的姿态和舞蹈的构图第二节舞蹈艺术的内在本质是抒情性抒情性——舞蹈最重要的内部艺术特征，是舞蹈的内在本质属性、是舞蹈艺术的一个主要审美特征，这是舞蹈以人体动作为主要表现手段所决定的。

在生活中，我们把表现人的各种情感和情绪的动作称为表情性动作。

分为面部表情和身段表情舞蹈是一种抒情性的艺术，舞蹈擅长于抒情，但并不等于说不能用舞蹈的艺术手段表现比较复杂的故事情节和人物之间性格的矛盾冲突。

我们认为“在抒情中叙事”和“在叙述中抒情”是情节性舞蹈和舞剧结构比较理想的艺术表现方法。

舞蹈中的情感是体现着一定思想内涵的情感，而舞蹈中所蕴含的思想则是充满了感情的思想。

第三节舞蹈是一种综合性的艺术综合性：舞蹈是与音乐、美术、诗歌等艺术手段和艺术类型有着密切的关系，所以它是一门综合性的表演艺术，集时间性、空间性为一体。

小结从舞蹈的外化形态方面来看，舞蹈的艺术特性是舞蹈形象的直观动态性；从舞蹈的内在本质属性方面来看，舞蹈的艺术特性是它的抒情性；而从舞蹈艺术展现方式来看，舞蹈的艺术特性则是它的艺术综合性。

舞蹈的艺术特性就是：以人的身体动作为主要表现手段，并综合了音乐、美术、诗歌（文学）、戏剧等艺术形式，以具有节奏性和造型性的直观的动态的舞蹈形象，表现人的情感和思想，反映人类社会生活的一种艺术。

第三章舞蹈的社会功能第一节舞蹈的功能作为艺术之一的舞蹈，在社会生活中所应起到的作用和影响，是舞蹈的功能。

当代舞——中国当代舞蹈的新课题当代舞的产生 一、当代舞的形成背景 当代舞，是２０世纪５０年代后期产生的一些舞蹈作品。

从背景来看，它是中国人民从革命时期走过来后，抱着对新中国的无限憧憬，以及对建设新中国的坚定信念而产生。

当时的民族民间舞蹈已无法充分表达中国人民的那种自豪和欢喜，于是当代舞产生了。

特别是在以总政歌舞团为首创作的一批优秀军队题材的舞蹈的带领下，当代舞以不可阻挡之势在新中国发展开来，这也是它的风格魅力，就是鲜明的时代性。

二、当代舞的确立 随着我国经济的发展、社会的进步以及人们文化素质的提高，舞蹈艺术作为一门独立的艺术学科，引起了更多人的关注。

更多的人开始欣赏舞蹈、喜爱舞蹈、重视舞蹈。

因此，大量新的当代舞作品犹如雨后春笋般涌现在舞台上，体现着中国当代舞艺术发展的勃勃生机。

在这些大量的新当代舞作品中，从舞蹈种类上已无法清晰准确的归属为原有的古典舞、民族民间舞、芭蕾舞、现代舞等，如作品《小溪、江河、大海》、《最疼爱我的人去了》、《咱爸咱妈》、《太阳鸟》就是这样。

于是，在中国“荷花奖”舞蹈比赛中第一次提出并确立了“当代舞”（原来曾建议叫“新舞蹈”）。

这在中国舞蹈分类和发展史上意义重大，并涉及到了中国舞蹈发展的全局性问题。

当代舞的产生使许多观众在中国舞蹈分类的具体标准上产生了疑惑，究竟什么样的作品才算是当代舞？当代舞又有哪些具体特征？评委对当代舞的打分标准又是怎样的？我们首先来给当代舞下一个准确的定义，我认为当代舞，就是运用各种不同舞蹈种类的综合表现手法和动作语汇，无其他舞种鲜明的风格特征和固定的形式要求，以其独有的风格魅力、最贴近生活的表达当代中国人对新旧事物的当代思想和情感抒发的舞蹈，它属于现在时的舞蹈。

当代舞与其他舞种的区别 要认识当代舞，在弄清其是什么的前提下，还要弄清它同其它舞蹈种类的区别和联系。

一、当代舞与现代舞的区别联系 当代舞在内容和形式上更为丰富，在思想表达上更具有时代性。

但在当代舞的概念尚未完全成熟时，作为同样具有时代性的舞蹈种类——现代舞，就更容易从概念上与其相混淆。

第一章舞蹈的本质和审美特征舞蹈是以人体本身为物质材料，以经过提炼、组织、美化了的人体动作作为主要艺术表现手段，着重表现语言文字或其他艺术表现手段所难以表现得人们内在的深层的精神世界，以生动具体可被感知的舞蹈形象来表达舞蹈创作者审美情感、审美理想和反映社会生活的审美属性的艺术形式。

是一种时间性与空间性紧密结合的综合性的动态造型艺术。

舞蹈表现性是舞蹈艺术的本质属性。

舞蹈是以人体动作语言表现主题情思的一种艺术形式,表现人的情感是其艺术特长。

舞蹈在表现人多方面的复杂情感及其所达到的细腻、强烈程度是其他艺术所不及的。

舞蹈艺术形象离不开人体动作造型的具象性，所以不论什么形象都具有一定的再现性特点，但是这种再现是饱含表现性的再现，其目的是为了更好的表现。

第二章舞蹈的艺术特性舞蹈动态性是舞蹈的艺术特性之一。

因为舞蹈是人体动作的艺术，动作是舞蹈的创作者与观众交流的媒介，舞蹈作品所蕴含的情感以及人们对舞蹈进行的审美感知活动都需要通过舞蹈动作得以体现。

由于舞蹈必须在一定的空间和时间内进行，所以舞蹈的动态性可以表现在两个方面：在空间范围内表现为舞蹈的造型性，在时间范围内表现为舞蹈的节奏性。

舞蹈节奏性是舞蹈艺术特色之一，舞蹈艺术本体构成的基本要素，是舞蹈与音乐紧密结合的纽带。

节奏是构成舞蹈的基本要素，只有符合一定运动规律的、节奏化的动作才可能成为舞蹈动作，而且只有合乎节奏的舞蹈动作才能使人们从中体验和感受舞蹈艺术特有的韵律美。

舞蹈的节奏一般可分为内在节奏与外在节奏，二者在舞蹈作品中相辅相成。

舞蹈造型性是舞蹈的艺术特性之一。

舞蹈艺术所具有的美感形象必须通过提炼和美化了的生动、形象、富有表现力、符合造型艺术审美规范要求的人体动作和姿态表现出来，所以说舞蹈是一种动态的造型艺术。

舞蹈的造型性包括两方面的内容：一是指人体动作姿态的造型；二是指舞蹈队形、画面的造型。

舞蹈虚拟性是舞蹈的艺术特性之一。

由于舞蹈在创作中，以比拟和写意的手法对一定的社会生活内容进行概括提炼而产生舞蹈动态形象，它调动和引发出观众的联想从而使其得到审美感知。

现代舞蹈艺术表演技术研究第一章：现代舞蹈艺术概述现代舞蹈艺术是一种以现代文化为基础，自由、多样、求新、求变、强调情感、探索身体面向等借助音乐、诗歌、声音、灯光、影像等非舞蹈元素，运用人体、重心、呼吸等舞蹈语言表现现代文化与个体在叙事、情感、观念以及性别等方面的关系的舞蹈形式。

它源于现代主义运动，于20世纪初期由欧美各国的创新者提出，目前已成为舞蹈界的主流。

现代舞蹈艺术充分展示了人类身体表现力的应用及超越，也是现代城市文化生活的重要组成部分。

第二章：现代舞蹈艺术的表演技术现代舞蹈艺术表演技术是指一系列为表达现代舞蹈艺术主题或内容所创造的以人体动作为主要表现方式的技术手段，包括身体基本功、肢体控制、身体对称、空间感知、舞蹈语言及舞蹈特征等。

在现代舞蹈艺术的表演中，身体是舞蹈表现的核心，它不仅是思想、情感和创造的载体，也是舞者与观众之间情感传递的桥梁。

下面将对现代舞蹈艺术的表演技术进行详细阐述。

2.1 身体基本功身体基本功是现代舞蹈艺术表演技术中的基础，它包括呼吸、平衡、力量、柔韧、速度、节奏等各方面的训练。

呼吸是现代舞蹈艺术表演中的重要点之一，通过呼吸的掌握和运用，可以更好地控制身体，增强肢体的舞蹈表现力。

平衡是现代舞蹈艺术表演中必不可少的技术手段，除了可以展示身体的协调性，还可以增强身体的节奏感，丰富舞蹈的表现形式。

力量是指通过肌肉的收缩和舞者的体重转移来产生的舞蹈动作力量，能够让观众更加清晰地感受到现代舞蹈艺术表演的冲击感。

柔韧是指舞者在舞蹈表演中展现的身体柔软和灵活性，柔韧的身体可以让舞者更加自由地掌控舞蹈动作，表现出更加丰富的主题情感内涵。

速度是指舞者通过快速或缓慢的肢体动作来表现不同的情感和内涵，可以让舞蹈表演更富有张力和艺术性。

节奏是现代舞蹈艺术表演中不可或缺的技术要素，可以通过音乐等节奏元素的运用来增强舞蹈表现力，创造出更加有韵律性和美感的表演效果。

2.2 肢体控制肢体控制是现代舞蹈艺术表演中的重要技术手段之一，它可以使舞者在舞蹈表演中保持肢体的自然和谐，增强肢体的表现力。

It’s safe to say the blueprint for dance in the United States and Europe has largely been upended over the past century. Watching dance performances was once a predictable affair—characterized by narrative plots, ornate costumery, theatrical set design, a classical score, and movement that either was (or followed the traditions of) ballet. But these days, seeing dance can, at times, feel as though you need a personal translator to make sense of what’s going on. But it doesn’t need to be an alienating experience. Below, we share a brief guide to understanding contemporary dance, including insights from choreographers, dance historians, and other experts to help demystify the art form’s practices today.What is contemporary dance?A Guide to Interpreting Contemporary Dance By Natalie Cenci — February 13, 2018Page 1 of 6Merce Cunningham Dance Company in Beach Birds. Photo by Niklaus Strauss (1991). Courtesy of the Merce CunninghamTrust. All Rights Reserved.So what are we talking about when we say “contemporary dance”?While the term is mainly used in major dance hubs in the U.S. and Europe, it can be used to refer to anything from hip-hop to non-western folk or tribal dance rituals. More broadly, it refers to modes of dance that began to emerge in the mid-20th century.Encompassing myriad cultural, economic, social, and temporal nuances, it may be better to understand the term as “a functional catchall,” says Moriah Evans , a choreographer and editor in chief of Movement Research Performance Journal. It implies “you are working on the form of dance in the current moment,” she offers.Susan Foster, choreographer and dance scholar at UCLA, warns against trying to cobble together a hard and fast definition. “You come up with these overarching umbrella terms,” she explains, “and a lot of people who have very different ideas about what dance is become invisible.”Attempts to classify what, exactly, contemporary dance is have been almost unanimously abandoned, due in part to the inability to account for the distinct historical contexts that individual dance practices emerge from. “Not every dancer has the luxury of being ‘of its time’ in the current world,” stresses dance scholar Noémie Solomon.In today’s study of movement, Solomon continues, dance makers are seeking solutions to questions including: “What does it mean to move, or to be moved? Who is afforded movement, and who isn’t? What bodies are forced to move and others kept still? How does movement intersect with issues of labor and visibility?” Dance is also, by nature, an ephemeral art.“Dance has often been hailed as an art that disappears, as if dance didn’t leave any tangible trace,” Solomon says. “Many contemporary dancers have really engaged with this question of what it is that dance produces in time.” We can see that dance evades categorical definition in the same way that it won’t be pinned down by the word “contemporary.”The history of contemporary dance in the U.S. and EuropeBarbara MorganMartha Graham, Letter to the World, 1940Heritage AuctionsAmerican and European traditions have largely shaped how dance is understood in the West today, including the parameters that define what dance can be. These guidelines have been in question since the early 20th century, when modern dance began to develop.In the U.S. today, contemporary dance is widely considered to be the outgrowth of explorations by the Judson Dance Theater in New York, where the vision of dance went beyond “defining what dance is”to “expanding what dance can be.”Discussions of the origins of contemporary dance in North America almost always trace back to per-formances coming out of cultural hubs like New York, San Francisco, and Los Angeles from the end of the 19th century into the present. These traditions stem from a strong matriarchal lineage of modern dance, with Isadora Duncan at the helm.At the turn of the 19th century, Duncan catalyzed a redefining of the discipline with her vision of dance as a vehicle for expressing the soul, and contended with the popularity of vaudeville performance. Her emphasis on making the inner life visible disrupted prevailing ideas around dance—that it should be strictly narrative based and entertainment driven. Martha Graham articulated this idea further, priori-tizing expressive movement over narrative elements. Driven by an interest in gravity, she relinquished dancers from wearing ballet slippers, which were ubiquitous up to that point, and instead had them perform barefoot.The innovations of Duncan and Graham created space for other radical practices to take shape. Sidestepping the teachings of Graham, her student Merce Cunningham was in direct dialogue with the visual arts community of the 1950s. He and John Cage were lifelong collaborators, and in the same way that the composer redefined music as sound, Cunningham redefined dance as movement. He integrated seemingly ordinary movements into his works and played with elements of chance, while stripping away the necessity of a musical backdrop. These explorations suggested that dance could be anything.In tandem with this largely white experimental dance community in the U.S., choreographer and dancer Alvin Ailey forged a voice for African Americans, beginning in the late 1950s. His innovative choreography drew together influences from modern dance, ballet, and black cultural currents in the United States, such as jazz, blues, and gospel music.Later, the artist-driven dance collective Judson Dance Theater formed in Greenwich Village in 1962, characterized by its militant blending of the boundaries between dance and life. Artists who performed for the collective during its two-year lifespan included prominent figures such as Yvonne Rainer, Trisha Brown, Robert Morris, Lucinda Childs, and Carolee Schneemann.The reimagining of the body by the Judson Dance Theater freed dance to “be seen as a means to in-corporate non-dancers within choreographic practices, to relate dance’s forms to everyday movements and broad cultural issues,” Solomon explains. Their influential work paved the way for the multifarious forms that dances takes into the present.Moriah Evans: Figuring, performance view, SculptureCenter, New York, 2018. Photo © Paula Court.At the Bauhaus in the 1920s, experiments with dance became an interdisciplinary affair and dance was a medium for bringing the gesamtkunstwerk (“total work of art”) to life, through an emphasis on bridging the various performative elements of costume, lighting, music, and stage, again emphasizing theatricality.The European trajectory of dance saw a simplification of movement in tandem with a heightening of emotion. This is evident in the work of German titan Pina Bausch who, as the director of the Tanz-theater from the early 1970s until her death, started intensifying the mood on the stage, with highly dramatized performances where emotion transcended narrative.Around the same time, as choreographer for the Stuttgart Ballet, William Forsythe was reworking ballet, changing its contours to reflect new visions of the practice that could integrate traditional and innova-tive ideas about choreography, costume, music, and set design to formulate something original. For-sythe’s career has extended into the visual arts, where he explores concepts of choreography.Since the ’80s, dance maker Anne Teresa de Keersmaeker has continued these non-narrative tenden-cy imposing rigorous everyday movements into her works, employing pattern, repetition, and speed. With a demand for discipline, her dances make fierce emotions visually palpable.How does contemporary dance differ from performance art?Keersmaeker: Fase by Anne Teresa De Keersmaeker/Rosas. Photo © Herman Sorgeloos.“Generally people think of dance as a kinetic art,” says Foster. “It’s about bodies being articulate through movement.” But how does it differ from certain types of performance art?As some dance has become more interdisciplinary, the overlap with performance art has made distin-guishing between the two a recurring conundrum. The confusion speaks to the fact that these experi-mental practices share common concerns, including “a reflexive approach to the body as art material,” and “the ways in which it endures and generates experiences of time and effect,” Solomon explains. “Performance art’s focus on duration can be seen in close relation to dance’s questioning of move-ment, which often leads to a stretching (or deceleration) of time.”Circling back to the Judson Dance Theater (which is the subject of an exhibition at the Museum of Modern Art in fall 2018), where speech, film, and experimental music were interlaced with dance as a way to upset expectation, we can arguably identify an origin of the murkiness. However, Foster would challenge that we cannot draw lines between the two, without looking at individual practices. In the same vein, Evans would encourage an interdisciplinary outlook, and doing away with the “identity-driven divisions” that confine practitioners to either dance or performance art.How to approach watching contemporary danceA.Ailey, J.Truitte, D. Martin, M. White, E.Thompson, M.Marshall in Revelations. Photo by Jack Mitchell.Given this brief primer on some of contemporary dance’s larger questions, we can begin to find an approach to viewing dance that may initially seem illegible to untrained eyes. It is important to first remember, as Foster says, that dance reflects who we are. “We are moving bodies, and dance makes that more evident than ever,” she says.Recognizing ourselves in dance that is visually challenging can help to bring down the barrier between what we expect to see and what we actually see. To build on this, we as audience members, can work with the theory of kinesthetic empathy, which proposes that dance is a two-way conversation that en-gages all of our senses and “heightens how we feel our body in space, in relation to others,” Solomon explains.Moving beyond the visceral components of comprehension, viewing more dance will, in time, allow us to draw formal connections and conclusions about what we’ve witnessed. It’s important to remember that dance is ostensibly a visually jarring experience.If all else fails, take comfort in the fact that well-respected scholars, like Foster, are equally interested in the dance that happens on a stage, as that which happens in a bar. “It can tell you something completely illuminating about what the body is or can be, and about people’s social relations to each other,” she says.。

舞蹈知识现代舞：“现代舞”突破古典芭蕾艺术的固定模式，允许舞蹈家以个性化的眼光观察事物并做抽象的自由表现。

现代舞相对于其他舞蹈形式来说，它更注重于艺术家内心的感觉，并通过形体充分展现出来。

二十世纪二、三十年代，有“现代舞之母”之称的依莎多拉邓肯创立。

1936年舞蹈家吴晓邦先生把现代舞从日本带到中国。

现代舞不必塑造人物形象，不必表现故事情节，不必表现生活场景，总之，舞蹈要排除“再现性”，而强化“表现性”，表现抽象的观念，表现“自我”，表现内心的冲动，表现本能，表现潜意识，表现直觉、幻觉和梦境。

舞蹈也可以不表现“自我”，而只是一种“纯动作性”的表演。

民族舞：民族舞泛指具有民族风格的舞蹈，不同地区、国家、民族的民间舞蹈，由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响，在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。

当代舞：“当代舞”指中国２０世纪５０年代后的舞蹈创作和表演，主要指广泛吸收而又不拘一格地运用中国传统舞蹈素材和外来艺术素材进行的创作和表演。

该舞种的作品追求鲜明的艺术形象和丰富的民族审美情趣，反映中国当代火热的社会生活和时代性的精神风貌。

在时间和舞种上容纳的东西更加广泛。

国际标准舞：国际标准交谊舞,又称“体育舞蹈”，（简称“国标舞”）原名称做“社交舞”，英文为“Ballroom Dancing”，“社交舞”从“社交”发展为“竞技”，将单一的舞种发展为摩登舞、拉丁舞两大系列的十个舞种。

芭蕾舞：芭蕾（Ballet）一词，来源于法语。

路易十四１６６１年创办了芭蕾史的第一所舞蹈学府—皇家舞蹈学院，芭蕾舞的脚位及其手位确定下来并一直沿用至今。

古典芭蕾以脚尖立为主要舞姿，“开、绷、直、立”，“轻、高、快、稳”为主要的动作要领。

街舞的种类Ｈｉｐｈｏｐ是人们最常接触的一种舞蹈，它有着幅度大而简单的舞步，能够表现出复杂的舞感。

因为容易学习，跳起来也相当好看，所以很受大众喜爱Ｐｏｐｉｎｇ机械舞，运用身体各部位的肌肉和关节，随着音乐的节拍，加上自己丰富的想像力，创造出令人惊讶的舞步。