下载文档原格式
歌曲作曲技法研究报告歌曲作曲技法研究报告一、引言作曲是音乐创作的核心环节之一，歌曲作曲则是其中最普遍也最接近大众的形式之一。
歌曲作曲技法对于创作出优秀、富有张力和感染力的歌曲具有重要意义。
本报告将对歌曲作曲技法进行研究并总结出一些常用技法。
二、主旋律构建技法1. 钩子旋律：通过简洁、朗朗上口的旋律，吸引听众的注意力，并在脑海中留下深刻的印象。
2. 反复层叠：通过主旋律的反复演奏，使听众能够更容易地记住歌曲，提高歌曲的可听性。
3. 跳跃音程：运用跳跃的音程来打破单调的旋律，增添变化的张力，使歌曲更富有层次感和情感表达力。
三、和声编排技法1. 和弦进行：选取合适的和弦进行，使得旋律与和声结合紧密，使歌曲更加丰满。
2. 和声进阶：利用不同种类的和弦，如主和弦、副和弦、转位和弦等，增加和声的层次感和变化性。
3. 起承转合：通过和声的改变，实现歌曲节奏、张力和情感的变化，使听众产生旋律和谐的感觉。
四、节奏编排技法1. 节奏变化：在歌曲的不同部分运用不同的节奏形式，增加歌曲的变化性和乐趣。
2. 节奏强弱：通过强弱的变化，使歌曲充满张力和动感，增加节奏的魅力。
3. 伴奏节奏：通过伴奏的节奏形式，与主旋律相互呼应，使歌曲更加丰满和搭配合理。
五、编曲处理技法1. 音色选择：选取合适的乐器音色来编配歌曲，使得音乐更具个性和表现力。
2. 变奏处理：通过对主旋律的变奏、重复、增减等处理，使歌曲更具变化性和吸引力。
3. 和声编排：通过对和声的编排、转位等，使伴奏更加丰满，增强相应的节奏和情感。
六、情感表达技法1. 歌词表达：通过歌词的选择和表达，使歌曲能够更好地传达出作者的情感和主题。
2. 音乐情绪：通过旋律、和声等音乐元素的处理，使得歌曲产生不同的情绪，增加表达力和感染力。
3. 音效处理：通过合理运用混响、回声等音效技术，提升歌曲的氛围和表现力。
以上是对歌曲作曲技法进行的简要研究和总结。
当然，歌曲作曲技法是一个广泛且深度的领域，还有很多其他技法和细节值得深入探讨和研究。
考研作曲技法知识点串讲在音乐创作领域中，作曲技法是非常重要的一部分。
对于考研作曲专业的学生来说，熟练掌握各种作曲技法是非常关键的。
本文将为大家讲解一些常用的考研作曲技法知识点，供大家参考学习。
一、旋律创作技法旋律是音乐创作中最基本的元素之一。
在考研作曲中，旋律创作技法是必不可少的。
以下是一些常见的旋律创作技法。
1. 主题和变奏在旋律创作中，主题和变奏是一种常用的技法。
通过对主题进行变奏，可以在旋律中增加丰富性和变化性。
变奏的方法可以包括改变节奏、音域、音响效果等。
2. 借调和变调借调和变调是一种常用的旋律创作技法。
通过借用其他调式的音符或变换调式，可以给旋律增加新的音响效果和情感表达。
3. 平行和换序平行和换序是旋律创作中常见的变奏方式。
平行指的是以同一音程关系移动旋律的音符，而换序则是将旋律中的音符顺序进行调换。
二、和声创作技法和声是指由多个声部所构成的音乐体系。
在考研作曲中，和声创作技法是非常重要的。
以下是一些常见的和声创作技法。
1. 转位和弦转位和弦是和声创作中常用的技法之一。
通过对和弦中的音符进行转位，可以产生不同的音色和音韵效果。
2. 走向和声走向和声是一种常见的和声创作技法。
通过巧妙地安排声部的走向和运动，可以使和声更加连贯和谐。
3. 变调和弦变调和弦是和声创作中的一种常见技法。
通过改变和弦的品格和音程关系，可以使和声更富有变化和张力。
三、节奏和韵律创作技法节奏和韵律是音乐创作中不可或缺的元素。
在考研作曲中，熟练掌握节奏和韵律创作技法是非常重要的。
以下是一些常见的节奏和韵律创作技法。
1. 对位与对位镜像对位和对位镜像是一种常用的节奏和韵律创作技法。
通过设置不同声部的对位关系，可以产生丰富的节奏和谐律。
2. 节奏变奏节奏变奏是一种常见的节奏创作技法。
通过改变节奏的长度、强度和分布，可以使音乐更富有动感和变化。
3. 节奏与动机的衔接节奏与动机的衔接是一种常见的韵律创作技法。
通过巧妙地衔接节奏和动机，可以使音乐更富有连贯性和统一性。
作曲技法简史及作曲技法学习说到作曲理论，很多人都把它看成很恐怖，很复杂，很学术很专业的东西。
说到写作品，可能很多人更是望而却步，就算写，很多人也顶多局限于是单旋律的小歌，或者其他什么东西。
其实作曲理论并没有那么复杂，只是很多情况下被人为复杂化了。
今天这个文章就谈最基础的理论和技法，以及发展的情况，至于艺术创作，就是另外一个级别的问题了。
也是无法进行讨论的问题。
这个跟个人的品味（而非品位）和情趣有关。
从欧洲音乐史来说，很糟糕，因为只能从欧洲音乐史来说，因为中国从来就没有成型的自主的音乐创作理论，倒是有不少理念。
目前常用的也仅仅是从欧洲形成的作曲理论。
所以说到技法的发展得从欧洲音乐史说起，欧洲音乐跟很多文化的音乐都一样，最早都是单声部音乐，被誉为欧洲音乐基石的格利高里升咏其实就是单声部音乐。
后来慢慢的开始使用二声部写作的方式，开始用的很简单，都是平行八度，或者是平行五度，因为当时是允许不协和音程的，慢慢的演变成了多声部音乐，而且，在中世纪和文艺复兴时期，形成了中古调式，或者称为教会调式，由于当时还没有小节线的存在，当时作品的节奏是比较自由的，但是这个自由不是那种绝对的自由，而是在重拍位置上，会有各种各样的变化，不像后来的音乐，多数作品都是有规律的重音位置。
那个时期也是对位法鼎盛发展的时期，那个时代的人考虑的更多是线条的东西，而和声并不是当时的课题，所以说，那个时代的音乐如果现在听起来会有种比较怪异的感觉，所以说，在巴洛克时期以后基本上就没有作曲家使用教会调式来创作音乐，但是也有特例，比如说贝多芬的晚期四重奏Op127（？这个具体记不清了）的第二乐章就是用教会调式写出来的。
好像浪漫派也有具体的例子，但是很少很少。
那个时期的作品，很多东西会让今天的人不可思议，看当时的乐谱，很多谱子都是分开写的，合唱作品只有分谱，而没有总谱，这在后来都是反过来的，很多东西只有总谱没有分谱。
多声部的声乐作品在那时是鼎盛一时，而器乐最多也就是给人打打边鼓帮帮忙而已。
作曲法的基本乐理知识指导介绍作曲是一门艺术，是通过创造和组织音乐元素来表达情感、传达思想和创作音乐作品的过程。
在进行作曲时，掌握基本的乐理知识是非常重要的。
本文将为您提供一些基本的乐理知识，以帮助您在作曲中更好地运用音乐理论。
音符和音高在音乐中，音符是表示声音时长的符号，可以表示不同的音高。
音高是指音乐中的高低音调。
常用的音符有黑色实心圆圈（全音符）、黑色空心圆圈（二分音符）、白色实心圆圈（四分音符）等。
音高则是通过音符的位置来表示，更高的音高位于乐谱上方，更低的音高位于乐谱下方。
音程音程是指两个音高之间的距离。
在作曲中，音程的选择和组合对于创作出具有和谐感的音乐非常重要。
常用的音程有下列几种：•纯一度：两个相同的音高。
•纯五度：五个音符之间的距离。
•纯四度：四个音符之间的距离。
•大三度：三个音符之间的距离，一般比纯三度稍微高音。
•小三度：三个音符之间的距离，一般比纯三度稍微低音。
了解各种音程的音高关系，可以帮助您创作出更加和谐的音乐。
节拍和节奏节拍是音乐中音符发出的有规律的时间间隔。
通常用一个分数表示，比如4/4拍表示每小节有四个四分音符。
节拍是音乐中的基本脉动，对于创作出有力的音乐非常重要。
节奏是指音乐中不同音符的相对持续时间。
在作曲中，对于节奏的运用可以创造出独特的韵律和感觉。
可以使用不同的音符组合和延长或缩短音符的持续时间来创造出多样的节奏。
和弦和弦是由多个音符按照一定的音程规则排列而成的。
常见的和弦有三个音符的三和弦和四个音符的四和弦。
和弦的选择对于创作出和谐的音乐非常重要。
在使用和弦时，有一些常见的进行方式。
比如：- I-IV-V进行是指使用了主音、属音和镜音的和弦； - ii-V-I进行是指使用了小二度（属音）、纯五度、纯一度的和弦。
创作时，可以根据需要选择不同的和弦进行，以达到不同的音乐效果。
调式和调性调式是音乐中的一个框架，由音阶和和弦组成。
调性是以调式为基础，确定音乐“中心”的概念。
作曲法的基本乐理知识作曲法是指有关作曲的技术理论与写作方法，是一个乐理概念，它的乐理知识也相当丰富。
下面就跟随店铺的步伐一起来了解一下作曲法的相关乐理知识吧!作曲法的乐理知识介绍作曲法具有指导创作实践的意义，包括一切有关作曲的技术理论，如曲调作法、和声学、对位法、曲式学、管弦乐法，以及声乐曲、器乐曲的编写、创作方法等。
它也包括研究总结前人作曲的经验，或具有独创性的写作方法和理论在内。
在欧洲音乐史中，不同时期的作曲法有不同的含义。
例如在11世纪初,音乐以单旋律为主,圭多(阿雷佐的)在《小逻辑》中就有一章名为《论如何创作曲调》，指出写作曲调要注意类似、对比及平衡的原则。
在以复调音乐为主的中世纪，作曲方法主要限于对位法。
因此总结对位法则的著作如J.科普拉里奥的《作曲法则》与J.J.富克斯的《对位津梁》就成为主要的作曲教材。
在主调音乐逐步建立的时期，有关如何演奏数字低音的著作如M.洛克的《演奏通奏低音的一般规则》、J.马特松的《通奏低音教程》等也受到重视。
而主调音乐时期，和声学又成为作曲的必修科目，曲式学最早的专著应归于A.雷哈的《旋律学》与《高级作曲法》。
有关赋格的研究在19世纪前也属于作曲法之列，如J.C.洛贝的《作曲法》，4大卷中包括了和声、对位、赋格,甚至还有歌剧的写作，这已经属于综合性的作曲法著作了。
作曲法的乐理知识概述在19世纪以来的综合性作曲法著作中，大抵从曲调谈起，涉及和声的运用、织体的安排、动机的发展方法、曲式的结构以及管弦乐的构思等等。
如C.车尔尼的《实用作曲法教程》3卷集,从初级技法开始一直介绍到管弦乐法,但重点放在作品分析方面,强调了各种曲式与体裁的介绍。
A.B.马克斯的《作曲法教程》 4卷集也包括了作曲的各个方面，他认为学习作曲不能单依靠灵感与乐思,必须将前人的作品作为模式,然后才能进入真正的自由创作，他强调研究前人曲式的重要性。
H.里曼的《作曲法大全》3卷集则是从和声学出发,并将对位作为“和声的音型化”来引入，但对位最后又形成了复调音乐作品中的核心。
谈谈欧洲作曲技法的演变何怀兵【摘要】事物的发展是由简到繁,生命的起源也是从低级到高级,作曲技法同样经历了从简单到复杂,从单一性到多样性的演变过程.本文主要从织体技法入手,结合和声、调式等技法讲解作曲技法的演变过程:单声部音乐—复调音乐—主调音乐—无调性音乐.【期刊名称】《黄河之声》【年(卷),期】2015(000)015【总页数】2页(P26-27)【关键词】作曲技法;织体;单声部;复调;主调;十二音技法【作者】何怀兵【作者单位】重庆幼儿师范高等专科学校,重庆 404047【正文语种】中文作曲技法涉及内容较为广泛，如旋律、和声、调式调性、节奏节拍、织体、配器、复调等各类技法，音乐中的所有的要素都是作曲家在作曲时可能用到的技法。
本文主要从织体入手，结合时代的发展变迁，以及各个时代的作曲家的部分作品来简单介绍一下作曲技法的演变。
事物的发展是由简到繁，生命的起源也是从低级到高级。
同样，作曲技法的发展也经历了从简单到复杂，从单一性到多样性的演变过程，如对音的使用：单音—半音—四分音—微分音—自然音—杂音；在调性变化上，从有到无：单一调性—离调—转调—多调性—泛调性—无调性等。
作曲技法与音乐风格一样，它的发展受到社会风貌和时代精神的影响与制约，同一时代的作曲家在作曲技法的运用上虽然各不相同，但是从宏观上去看，它们都会表现出大体上一致的整体风貌。
所以当我们掌握了各个时代作品的风格特点，对于一首从未见过作品，通过对其作曲技法特点的分析，也能大概知道是哪个时期的作品，本文将按照时间的推进，以织体为主线来讲解作曲技法的演变：单声部音乐主要分为两个时期，分别为：古希腊音乐和中世纪初期教会音乐。
1.古希腊音乐：古希腊音乐多是单声部音乐，此时的音乐即使有伴奏伴唱，也是同度或八度的同音伴随与加强。
音乐的音域范围较小，节奏较简单，在音符的使用上大多只用到八分音符，十六分音符就很少运用。
2.中世纪初期教会音乐：到了中世纪初期，教会音乐占了主体地位，格里高里圣咏被誉为欧洲音乐的基石，在教会音乐的影响是最大的。
传统作曲技法作曲是一门非常古老又无比精妙的艺术，在历史上一直有着深远的影响。
传统的作曲技法是指那些在经历了许多历史长河后保存下来的作曲方法。
这些方法往往彰显着艺术家们的智慧，其中的内容可以从不同文化中看出。
在这篇文章中，我们将介绍一些古典时期传统的作曲技法，以便更好的理解作曲的复杂性。
首先，古典时期的作曲技法包括了各种复杂的处理音乐的方法，以达到令人满意的音乐效果。
例如，古典音乐一般以使用一定比例的乐器重复几个主要的旋律来发展。
古典作曲家也会利用乐器进行色彩上的调整，使用各种乐器来演奏紧凑的短段乐句，以及利用变奏的形式来树立主题。
通过这种方法，古典作曲家可以很容易地把一个音乐情节扩展到大量的乐句，使人们沉浸在一个丰富的音乐世界中。
其次，古典作曲家们还使用技巧来创作不同类型的音乐作品。
其中最常用的是复调。
复调是指将不同类型的和声相结合，形成结构完整、有张力的主旋律，然后再创作出更多旋律来表达情感。
此外，古典作曲家们也会使用不同形式的曲式，如序曲、赋格、复调等，来表达曲子的完整性和结构感。
第三，古典作曲家们也会利用节奏来强调音乐的效果。
古典作曲家乐常使用一系列的节拍，来表现一段旋律的节奏感，他们还会使用变化的节奏来增强音乐的旋律。
例如，古典作曲家们经常使用短促的音符来表现激情，而使用慢板的音符来表现宁静的情绪。
此外，他们也使用和声处理来增强音乐的节奏效果，例如使用和弦变奏或者节拍变奏等方法。
最后，古典作曲家们也会使用其他技巧，如音乐表现和模仿技术，以及利用人声来表达不同的乐句。
例如，古典作曲家们常会使用人声模仿乐器的声音，或者使用不同的音效和乐器的声音，来反映不同的情感。
此外，他们也会利用音色和音量的变化，以及加强作品的表现力，从而创造出一种美妙而优美的声音。
通过以上介绍，可以看出，古典时期的作曲技法十分复杂，是一门很有深度的艺术。
古典作曲家们常常使用许多技巧来实现他们理想中的作品，而他们所能创造出来的音乐也深深的影响着不同文化中的人们。
作曲专业学作曲专业是音乐学院中的一个重要专业，它是指通过训练和教育使学生掌握作曲技能并创作出具有一定创新性和艺术价值的音乐作品的一门学科。
接下来，本文将分几个步骤阐述作曲专业的学习内容和学习方法。
第一步：学习乐理基础知识作曲专业的学生首先需要通过学习乐理基础知识来掌握乐曲的结构和音域的构建，这是作曲过程中的基础。
学习乐理知识包括音程、调式、和弦、节奏和音乐形式等方面。
乐理是作曲的语法，掌握好乐理知识对学生日后的作曲有很大帮助。
第二步：学习作曲技法学习作曲技法是作曲专业中非常重要的一部分，不同的技法可以构成不同的风格和音乐特点。
作曲技法包括旋律的构建、和声、节奏、速度、音色、音乐形式等方面。
通过学习这些技法，学生将能够创作出更为丰富和有趣的音乐作品。
第三步：实践和实验除了理论知识的学习，作曲专业还需要通过实践和实验来提高学生的作曲能力。
学生需要在实践中发现和创造新的音乐乐素材和音乐元素，尝试使用不同的技法来组合成自己的音乐作品。
此外，作曲专业还需要进行大量的实验研究，例如作曲的代表作品，不同流派、不同作曲家的作品研究等。
第四步：实习和合作在作曲专业的学习中，实习和合作也是很重要的部分。
学生在校内课程学习的同时，可以通过与音乐学院的其他专业合作，学生可以更深入地了解不同种类的乐器和乐曲，同时可以促进不同专业之间的交流和合作，以提高自己的音乐作品。
以上就是作曲专业学习中的一些内容和学习方法，后续还需要学习类似于音乐版权、授权、音乐的商业应用等内容，以适应未来音乐行业的发展需求，同时也需要将自己的音乐艺术水平提升到更高的境界，不断创新和探索更为精深的音乐创作技巧。
音乐：作曲技巧分享--11种学习作曲法
在学习一些东西的时候，总还是有一些经验可供大家来学习参考，而使大家更容易掌握这些新知识，在这里小编为大家整理了11中作曲的方法，同学们可以借鉴参考。
以下是11种作曲的方法，希望对大家有用。
1、全部靠灵感做曲就是说那些从小就有做曲天赋的人他们可以随口唱即兴创作的东西
2、特定环境做曲法就是在特定的环境下回有灵感贝多芬捕捉灵感的方法比较“正统”，他在作曲前，喜欢郊野散步;莫扎特在玩桌球时，最易生“音乐感”这就是特定环境做曲法作曲法
3、和弦走逝做曲法不用多说了这个网站上高手多的很比我要讲的清楚
4、混合音乐作曲法把很多音乐或者很多歌混合起来听听出另外一种音乐一种属于自己的音乐
5、混合理论做曲法比如说、一首歌C 1 3 5 我们下一个和弦动机应该去用理论的东西来安排 G 啊因为他的和弦构成音是 5 7 2 根据5度音的关系很合理
6、想象做曲法就是说给你一段音乐要你写出下一段用自己的感觉这个是可以培养出来的然后看看这段音乐和你弹出来的有多差距经过反复的训练就可以自己写自己的音乐了 7.逐级提升做曲法就是写的时候把音乐逐步提升音高比如说以C 1 3 5 我们起调1 那么我们写的高潮可以是 5就是这里写法
8、按各种不同的乐器音阶来做曲就和用吉他做曲是一样的主要是注意它的音域
9、变奏做曲法就是把一段音乐经过变奏填上词就是一首歌了
10、剪接做曲法把自己觉得有用的音乐剪接起来就可以了但是要注意风格调子 ==一些问题
11、积累做曲法把平时无意弹出来的东西记下来然后拼起来就可以了依然要注意风格和调式。
作曲技法简史及作曲技法学习说到作曲理论，很多人都把它看成很恐怖，很复杂，很学术很专业的东西。
说到写作品，可能很多人更是望而却步，就算写，很多人也顶多局限于是单旋律的小歌，或者其他什么东西。
其实作曲理论并没有那么复杂，只是很多情况下被人为复杂化了。
今天这个文章就谈最基础的理论和技法，以及发展的情况，至于艺术创作，就是另外一个级别的问题了。
也是无法进行讨论的问题。
这个跟个人的品味（而非品位）和情趣有关。
从欧洲音乐史来说，很糟糕，因为只能从欧洲音乐史来说，因为中国从来就没有成型的自主的音乐创作理论，倒是有不少理念。
目前常用的也仅仅是从欧洲形成的作曲理论。
所以说到技法的发展得从欧洲音乐史说起，欧洲音乐跟很多文化的音乐都一样，最早都是单声部音乐，被誉为欧洲音乐基石的格利高里升咏其实就是单声部音乐。
后来慢慢的开始使用二声部写作的方式，开始用的很简单，都是平行八度，或者是平行五度，因为当时是允许不协和音程的，慢慢的演变成了多声部音乐，而且，在中世纪和文艺复兴时期，形成了中古调式，或者称为教会调式，由于当时还没有小节线的存在，当时作品的节奏是比较自由的，但是这个自由不是那种绝对的自由，而是在重拍位置上，会有各种各样的变化，不像后来的音乐，多数作品都是有规律的重音位置。
那个时期也是对位法鼎盛发展的时期，那个时代的人考虑的更多是线条的东西，而和声并不是当时的课题，所以说，那个时代的音乐如果现在听起来会有种比较怪异的感觉，所以说，在巴洛克时期以后基本上就没有作曲家使用教会调式来创作音乐，但是也有特例，比如说贝多芬的晚期四重奏Op127（？这个具体记不清了）的第二乐章就是用教会调式写出来的。
好像浪漫派也有具体的例子，但是很少很少。
那个时期的作品，很多东西会让今天的人不可思议，看当时的乐谱，很多谱子都是分开写的，合唱作品只有分谱，而没有总谱，这在后来都是反过来的，很多东西只有总谱没有分谱。
多声部的声乐作品在那时是鼎盛一时，而器乐最多也就是给人打打边鼓帮帮忙而已。
而且那个时代很多乐器也发展得并不成熟，慢慢的到了十五世纪，从1600年，音乐史的纪元进入了巴洛克时期。
也是从这个时期的音乐开始，技法对今天的影响越来越大。
巴洛克时期第一件大事就是出现了歌剧，尽管人们已经根本不知道最早的歌剧是什么样子了，但是，歌剧确实在巴洛克时期发展了起来。
不管是格鲁克，蒙泰威尔第，斯卡拉蒂，还是亨德尔都写了大量的歌剧，可是音乐史上最顶峰的大师，巴赫却一部歌剧都没写过，不过倒是写了不少清唱剧，也算是弥补了一下子。
巴洛克时期是音乐史上最重要的一个时期，因为，是个音乐技法，以及音乐创作材料的发展时期。
因为在15世纪开始，大小调的形式出现，慢慢的取代了中古调式（教会调式）的地位，人们也慢慢的习惯了大小调的那种导音的倾向性，那么就形成了今天的和声的雏形。
这也是音乐历史的巨大进步，当然，大小调也不是一天就完成转化的，也是花了不少时间的。
巴洛克时代的另一大贡献就是就是在律制上面的，十二平均律的发现，对于世界音乐历史都是有着里程碑一般的意义，虽说，这个很多书上都是这么说的，恐怕真正明白这个道理的人，并不多，可以说没有这个基础，就没有今天的音乐。
稍微说点律制的问题，在平均律以前，用的大多数都是五度相生律（在欧洲就是毕达哥拉斯原理而确定的音律），还有的就是纯律，当然，这两种音律到现在也还是有应用的地方，很多地方这两种音律相对与平均律来说，有很高的音乐优势。
但是五度律和纯律都有自己的缺点，那就是如果以一个音为基准把上方所有的五度都调纯了，再把所有的八度调纯了，按照基本理论来说，到了第12个五度的时候就跟这个音后八个八度的两个音是重合的，也就是音名不同，而实际上是两个同样的音符，可是实际操作起来这个音却有两种音高，从过5度调出来的要通过八度调出来的高那么一点点，而且这个小小的差别，是耳朵能够轻而易举听出来的。
这个虽说看起来不算什么大问题，可是，对于当时却很成问题，按照五度律或者纯律的方式调配出来的乐器，在调性的选择上有很大的局限，通常不能超过三升三降，超过这个范围，就很难听了，所以说，很多巴洛克早期的作品，都不会写成比如说升c小调这种调性，或者降D大调这样的调性，就拿巴赫本身来说，除了平均律钢琴曲集以外，很少有超过三升三降这个调性范围的。
原因就是当年的乐器多数都是按照五度律来确定音高的，平均律，其实就是一种这种的方式，在平均律里面，没有任何一个纯音程是准确的，每个半音的宽度是完全一样的，这样，理论上的12个大小调都可以在作曲实践中进行应用了，而且不需要换一个调就调一次琴，而且，很多和弦在听觉上变得完全一样了，比如说升C大三和弦，和降D大三和弦，从理论上说，应该听起来是一样的，而在实际定音的过程中，会变得很不一样，但是，通过平均律的使用，这两个和弦，就没有太大的不同了，那么这对于后来作曲技法的发展有着不可估量的意义，比如说，同音异名的和弦转调，在没有平均律的这个前提下，是不可想像的，所以平均律的发现和使用对于欧洲音乐来说，是具有划时代意义的事情。
说到这个，倒是要说一下，最早发现平均律的人是中国音乐家朱载堉，只是，这个理论对于中国音乐的发展没有起到任何的作用。
由于大小调的使用，尽管也有不同的大小调式，但是，导音的不协和与倾向性，在使用过程中十分的明显，慢慢的就形成了大小调功能和声体系，音阶上的音符以三度叠置而形成和弦，而且把和弦的功能性质分为了三类，主，属，下属，但是，这个理论，并不是在那个时代就有人提出来的，最早的功能理论是德国理论家，作曲家胡果里曼在19世纪才提出来的，但是，可以想像，当时的人应该也已经掌握到这方面的分类，只是没有人整理出来而已。
但是，在巴赫，亨德尔或者是斯卡拉蒂的作品中，已经能很明显的感觉到和声的存在，甚至在巴赫很多作品的升咏中已经有那种现代和声教材教给学生做练习的四部和声的写法。
但是，如果我们看巴洛克很多当时的原谱，就会发现，很多作品只有低音，下面只有数字，巴洛克时代也是一个数字低音（也称通奏低音）的时代，不知道是当时的作曲家太懒了，还是太忙了的缘故，很多作品在把重要的地方写完以后，从来就不自己填充和声，而是在和弦的低音下面标明一些数字，把和弦的音程数以及升降号提示给演奏者，这个东西弄起来还很有难度，一般人不熟悉一段时间，很难做得到的。
但是，这几乎每个学习古乐的人的必修课，没有这个想在巴赫的大型弥撒或者其他作品演奏填充低音和声的Contino是不可能的。
数字低音这种写法，甚至持续到古典主义时期，比如说莫扎特很多钢琴协奏曲，在钢琴声部中有时候在乐队演奏的部分也会标明一些数字，由于当时离巴洛克时期很近，那种大协奏曲的形式在器乐协奏曲中还有体现，会要求独奏乐器也在乐队中演奏，所以，也就会有这些数字的出现了。
巴洛克时期是整个音乐创作技法的成熟时期，这个时期，即继承和发展了之前的复调写作形式，又在其中融入了和声的理念，这个结合，对于后来音乐创作也有及其深远的意义。
在某种意义上说，巴洛克时代的音乐在复杂性上是无与伦比的，如果打开巴赫的一些圣咏来看，很多在浪漫派和近现代包括流行音乐的和声使用形式差不多都能找到。
当然，巴赫对于后来的一百多年里面的音乐家的影响并不很大，因为他在活着的时候并不很有名，而且巴赫那种高强度的复调写作技法，也被后人慢慢束之高阁，人们也许厌倦了巴洛克时期那种复杂的形式，转而像古典主义的风格挺进。
说到古典主义风格，通常很多人就把海顿莫扎特和贝多芬弄出来了，其实古典主义作曲家有不少，只是这个三个人更加杰出而已。
从某种意义上说，巴赫的儿子们都算古典主义的先驱，特别是CPE巴赫，对于后人的影响很大。
在技法选用上，一个更倾向主调音乐。
海顿的前期作品，在很多方面还有亨德尔或者其他的巴洛克作曲家的影子。
中晚期作品就已经基本脱离了巴洛克作品的特点了，而且，海顿的创造力也是极高的，可惜很多时候没有人给予足够多的重视。
至于莫扎特，莫扎特也不是从石头里面蹦出来的，也不是天生就会作曲的，曼海姆乐派的作曲家给他了很多影响，我想他之所以会写下那首单簧管协奏曲，可能跟斯塔米兹的影响是分不开的。
贝多芬则更加多样化，更富有个性，再加上他处在那个个性解放的历史年代，他的作品带有了很强的个人色彩。
从技法角度上讲，古典主义作曲家基本上抛弃了大型的复调形式，他们的作品虽然也有复调性，也有多声部技术的应用，但是并不是创作形式的主体，他们把目光放在动机，乐句，乐段的处理方式上，调性之间的对比上，作品的篇幅也慢慢的变大，在调性对比上也更加强烈，相对于巴洛克时期的转调，古典时期的作品转调更复杂，也更丰富，也更有目的性。
比如在巴赫的组曲里面，由于乐章本身篇幅限制，也不可能融合很多转调，通常使用的两次大的转调，乐章也就结束了，而且，就算中间有小的转调，也不过就是一个小小的经过，不会把那种经过性质的转调砸实，而在古典主义时期，由于很多形式的确定，就规定了很多转调的目的，那么在创作中，避免墨守陈规，避免没有新意，更加锻炼作曲家的创新能力。
也锻炼了作曲家的长性思维，这种思维，在后来越发展越恐怖。
这个在后文在详细阐述。
古典主义作曲家都倾向于使用动机形式进行发展写作，当然这种形式在巴洛克就已经有了，很多时候，巴赫的作品里面的模进都是用动机进行的。
但是那个巴洛克时期的作品由于复调性的原因，不可能大规模的发展动机和利用动机。
而古典主义则不同，由于没有那么强的复调性，依靠和声的有力依托，动机写作更加富有生气，可以将不同的节奏动机，不同的音型动机进行变化和发展，这对于作曲家选择材料有很高的要求，也对与作曲家发展这些动机处理这些动机的能力提出了很高的要求。
另外，古典主义时期，是德奥音乐一支独秀，除了德奥派，几乎没有其他国家的作曲家在这个时期对作曲技法有很大的贡献。
由于德国这个民族是个强调逻辑性的民族，所以，在形式的创立上，就灌输了很强的逻辑性，所以，在作曲技法的各个方面都反映出了德国作曲家们强大的逻辑思维，当然，如果太过于教条，作品就写成了理性的放屁（记得电影复制贝多芬里面，贝多芬说过这样的话，虽然不确定这是贝多芬说的，按照他的性格和他的作曲能力，是相当有可能。
）所以仅仅有那么三个德奥作曲家进入了一流大师的行列，同时期的胡美尔，马丁克劳斯，或者斯塔米兹，款次都只能算是二流作曲家，也很少有人会谈论他们的作品了。
这里单说一下舒伯特，舒伯特往往被人成为歌曲之王，总拿那600多首歌曲说事，其实这就是一种表象而已，在国内没有多少人真正的看过舒伯特的歌曲，以及他的其他作品，演奏的也就更少了。
在技法的拓展性上，舒伯特也许还要胜过贝多芬一筹，转调的突然性，以及三度调性间的运用，包括远关系转调，舒伯特都是最大的先驱，在形式上，舒伯特不仅继承了贝多芬的形式，也创立了单乐章作品形式。
