第六课教案教学课件

第6课漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美一、教材分析（一）教学目标美术鉴赏究竟鉴赏什么？这对于一般人来说是一个实际而又不清楚的问题。

从本课开始，我们将进入美术鉴赏的专业知识学习阶段。

我们在本课遇到的首先是美术作品的艺术美和形式美问题，这对于鉴赏美术作品是至关重要的。

因此，本课的教学目标就是让学生了解：1.什么是美术作品的艺术美和形式美；2.美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。

（二）内容结构本课主要包括三大部分。

第一部分是通过法国雕塑家罗丹的作品《欧米艾尔》提出，美术作品的艺术美是艺术所特有的美，以改变一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。

因为一般人的这种观念是根深蒂固的，它不仅影响了人们对美的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。

由此强调美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。

紧接着在第二部分“什么是艺术美？它有哪些表现？”中对“艺术美”及其表现作出说明。

这里涉及到“美术形象”这个概念，可以参照第3课对“艺术形象”这个概念的解释。

不过本课所说的“美术形象”或“艺术形象”已经不是指某种具体美术类型中的特定形象，更不是指像具象艺术中的人物、环境、道具等可辨形象，而是包括了三种美术类型在内的美术作品所塑造出的“美术”的形象，是美术作品整体形象的体现，即存在于整个美术作品之中。

美术作品的艺术美就存在于这种整体的美术形象之中。

第三部分“什么是形式美？如何理解和把握形式美？是从潘天寿的作品《雄视》开始讲解什么是形式美的，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。

这里先简单解释了什么是“形式”，然后具体说明构成形式的三个主要方面：1.美术的语言元素（点、线、面、色）及其所形成的形态变化；2.语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；3.语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。

美术作品的形式美主要就来自于此。

（三）教学的重点与难点学习和掌握美术作品的艺术美和形式美是美术鉴赏进入专业层面的标志，也就是使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态，进入更高的审美阶段，作为“培养审美的眼睛”的开始。

因此，本课教学的重点在于说明，美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映，也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”，而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美，而这种美又是多样的，即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣。

为了说明这一点，在这里就必须紧紧围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。

本课教学难点，主要在于美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。

也就是说，美术作品的艺术美和形式美既可以通过知识的学习掌握，但在很大程度上又纯粹是一个个人的感觉问题。

同时，本课还将涉及到大量抽象的概念，这也将为本课的教学增加不少的难度。

在这部分应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。

这里的难点还包括对美术作品的艺术美与形式美之间异同的讲解，课文中并没有特别给予说明，只是在课文的第三部分简要地指出了这个问题，但教师需要对此有较清晰的认识。

美术作品的艺术美和形式美之间既有重合的地方也彼此独立。

一般来说，美术作品的艺术美是由艺术家通过美术的语言元素和语言规则创造出的艺术所特有的美，其中包括内容与形式两个方面。

也就是说，艺术美是由内容与形式的统一来实现的。

在这一点上，它与美术作品的形式美具有同一的来源。

但二者所指不同，所谓“艺术美”主要强调的是艺术独立于现实的自身所特有的自在的美，这种美在现实中也许可以直接看到，但也许根本看不到，它是由美术作品集中提示出来的。

而形式美尽管也是由艺术家借助美术的语言元素、语言手段和语言规则从现实中提炼而出，但它则更强调实现内容的手段，即手段本身的美，其中包括语言的构成关系和所使用的材料的特质。

但美术作品的艺术美和形式美之间的渗透和包容关系又使得这个问题变得非常复杂，教师应注意不要在这个问题上作过多的纠缠，只要简单地指明美术作品的艺术美和形式美的独立性和与现实的区别即可。

因为在这个问题上需要不断学习和大量的积累，才能有更准确的把握与理解。

这是一个长期的学习过程。

二、教学内容资料（一）作品分析欧米艾尔（雕塑，1885年）罗丹（法国）罗丹（Auguste Rodin,1840—1917）出生于巴黎拉丁贫民区一个贫穷的基督徒家里，父亲是一名小职员，母亲是受雇于人的女佣。

罗丹自小就参加了各种手工艺劳动，做过首饰匠、珠宝匠、泥水匠、木匠、模塑工，由此他逐步爱上了美术。

《欧米艾尔》实际上是罗丹对从前的一个模特儿、一个老年的意大利女人所作的敏锐研究中得到的灵感，通过畸形、丑陋的形体，表达了对生命的强烈悲哀和绝望。

罗丹以极写实的手法，记录了老年人身上一切不忍目睹的肉体形态。

但是罗丹绝不是仅仅为了再现老年人丑陋的肉体，而是用无与伦比的丑陋形态，象征人贪欲的结局，即对人因追求享乐而犯下的“罪恶”及其堕落的报应和惩罚。

这在资本主义金钱竞争、享乐造成灾难的年代，无疑是一种反思，是用丑陋的肉体形象对当代人类行为的反思，也是对人的悲剧命运的反思。

这种丑陋衰败的结局展示人类追求享乐的代价。

因此，《欧米艾尔》这个人体雕塑越是丑陋，越是表现出作者对人类深沉的同情，体现出人类追求享乐的巨大代价。

而越是丑得真实、丑得可信，越是具有较大的现实意义。

罗丹用其丑无比的肉体形象，表现了当代人的罪恶、堕落、痛苦、绝望，也表现了作者对当代人的批判、同情、歌颂。

艾普色姆的赛马（油画，92厘米×122.5厘米，1821年，巴黎卢浮宫藏）热里柯（法国）热里柯（Jean Louis Theodore Gericault，1791—1824）生于卢昂一个律师的家里，幼年即随家迁往巴黎。

这一幅《艾普色姆的赛马》反映了他这一时期的倾向，是热里柯去英国访问（1820—1822）期间完成的。

他把从意大利获得的题材，经过出国游览考察所得，酝酿成了这一幅赛马题材作品。

从历史的角度看，热里柯的英国之行具有重要意义，因为以马为主题的一系列后期创作，是他从英国返回后确立的。

热里柯于1824年不幸在一次偶然的坠马中受伤去世，年仅33岁。

雄视（中国画）潘天寿潘天寿（1897—1971），原名天授，字大颐，号寿者，晚年常署颐者、雷婆头峰寿者，浙江宁海县冠庄人，是中国现代最杰出的中国画家和美术教育家之一。

这幅《雄视》是他的代表作之一，表现了潘天寿在构图和主题处理上追求奇崛、险峻和险中求稳的艺术特征。

正是由于潘天寿的杰出艺术成就，因而和吴昌硕、齐白石、黄宾虹一起被誉为“现代四大家”。

春雪（中国画，69.5厘米×138厘米，1984年）吴冠中《春雪》体现了吴冠中的一贯艺术追求，但在他的同类作品中此画又是较为抒情的一幅。

尽管此画尺寸较大，但仍给人一气呵成的感觉。

画面上似乎只有几块大片的墨色，间以墨点和墨线，少数地方用了一些色彩，但奇怪的是，一个巍峨秀丽的雪山就出现在我们面前。

点、线、面等语言要素被作者运用得机巧而灵动，充分发挥了中国画的语言特征，体现出中国画的形式美和艺术美，给人以艺术的享受。

老国王（油画，76.8厘米×54厘米，1916—1917，匹兹堡卡内基学院藏）卢奥（法国）乔治•卢奥（1871—1958）出生于细木工家庭，原是法国象征派画家莫罗的学生。

莫罗死后，他曾被任命为陈列莫罗作品的美术馆馆长，与野兽派画家志同道合。

卢奥的作品充满宗教情感，他憎恶法国社会道德的腐败，经常在出入巴黎地方法院时，看到一些“失去上帝恩宠的人们”，因而在他的画上增加了色衰的妓女、落网的歹徒和冷酷的法官等形象。

这一幅《老国王》，体现出彩色玻璃窗画的特色。

颜色很厚重，黑色勾轮廓，体现出油画特有的艺术美和形式美特征。

老国王的侧面形象显得很忧伤，不像国王，倒像个苦难者的化身，与基督受难像差不多。

这幅画约创作于1916—1917年，在两次世界大战期间，卢奥反复修改了这幅画，借以寄托画家对苦难人民的同情。

向正方形致敬（油画，120.7厘米×120.7厘米，1959年，纽约古根海姆博物馆藏）阿尔伯斯（美国）约瑟夫•阿尔伯斯（1988—1976）生于德国波特罗普，32岁时进入包豪斯学院做学生，以后留校任教。

阿尔伯斯在理论和实践上对色彩知觉结构进行的详尽研究由其教学和作品传播开来，并对美国的抽象艺术产生了重要的影响。

1950—1960年他离开黑山学院来到耶鲁大学成为建筑和设计系主任。

这一时期开始了他著名的油画和正方形系列画，并都起名《向正方形致敬》。

这组作品使他在抽象减少和视错觉的探索上达到一系列的高峰。

他于1959年开始的《向正方形致敬》系列，使他近乎绘制性地重复着他早先就已经开始的尽管不是很明确的主题，这就是用不同色调和比例以及不同变体的相叠的正方形色块，它使得埋藏在复杂视觉体验中的个人心理和丰富的情感内容受到前所未有的重视。

夜巡（油画，365厘米×438厘米，1642年，阿姆斯特丹美术馆藏）伦勃朗（荷兰）伦勃朗（1606—1669）是荷兰大画家，不仅是杰出的油画家，而且是著名的铜版画家。

他在肖像画、风俗画、风景画等方面都有很深的造诣，从而使他在美术史上享有崇高的地位。

在伦勃朗的大量作品中，肖像画占了很大的比重，仅他的自画像，目前保存的估计总数在60～100幅之间。

他的绘画风格，突出地表现在主要利用光线来塑造形体、表现空间和突出重点，画面明暗对比强烈，虚实结合，层次丰富，气韵生动，后人称之为伦勃朗式的明暗画法。

不管怎么说，从这一作品本身来讲，这一群像肖像画是富有创造性的。

画家采用了接近戏剧舞台效果的表现手法，安排了一群民兵正接到命令准备集合出发去执行任务的情节，并有节奏地处理这些民兵们。

民兵的负责人宁•科克正在集合队伍，所以在画面上处于突出的地位，并好像正与他的部下边谈着话边向观众走来。

其他民兵，有的在击鼓，有的挑着旗，有的擦枪筒，有的举长枪，呈现出各种各样的举止神态，但都统一到准备集合出发这一情节上来。

整个画面明暗对比强烈，但又极富层次感，构成一幅富有战斗性的构图，充分体现了伦勃朗独特的艺术风格。

应当说明的是，此画原来画的时间是白天，由于此画被后人涂上了过厚的光油层，加上长时间的岁月侵蚀和空气污染，以致画面变暗，好像是画的夜景。

大约从1800年开始，此画的名称一直被误传为《夜巡》。

空间中连续性的形式（雕塑，高110.5厘米，1913年，纽约现代艺术博物馆藏）波丘尼（意大利）翁贝托•波丘尼（1882—1916）是一位博览群书、才华横溢的艺术家，也是未来派的重要理论家和灵魂，未来主义的两次宣言——“未来主义绘画技巧宣言”和“雕塑宣言”均出自他之手。