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自从小时候被家中长辈启蒙，对水墨画产生了浓厚的兴趣，我便立志要深入学习这门传统艺术。
在经过一番努力后，我终于有机会参加了一次水墨画画培训。
这次培训不仅让我在技艺上有了显著的提升，更让我对水墨画有了更深的理解和感悟。
以下是我参加水墨画画培训的心得体会。
一、初识水墨画在培训开始之前，我对水墨画的了解仅限于表面的欣赏。
通过培训老师的讲解，我了解到水墨画是中国传统文化的瑰宝，它以水为媒，以墨为骨，通过浓淡、干湿、阴阳等变化，展现出丰富的意境和独特的艺术魅力。
水墨画讲究“意境”和“意境”，要求画家在绘画过程中注重情感的表达和画面的和谐统一。
二、基本功训练培训的第一阶段是基本功训练，包括执笔、运笔、用墨、用水等。
老师详细讲解了各种笔法、墨法和水法，并亲自示范。
我认真观摩，反复练习，逐渐掌握了基本的绘画技巧。
在老师的耐心指导下，我的笔法越来越熟练，对水墨画的认识也更为深刻。
三、临摹经典作品培训的第二阶段是临摹经典作品。
老师选取了若干幅具有代表性的水墨画作品，让我们进行临摹。
在临摹过程中，我学会了如何观察和分析作品的结构、构图、用笔、用墨等，同时也体会到了大师们精湛的技艺和深厚的文化底蕴。
临摹作品不仅让我在技艺上得到了提升，更让我对水墨画的审美有了更高的追求。
四、创作实践在掌握了基本技巧和欣赏了经典作品后，我们开始进行创作实践。
在创作过程中，老师鼓励我们发挥自己的想象力和创造力，大胆尝试。
我尝试着将所学技巧运用到自己的作品中，虽然初期作品仍有不足，但在不断的摸索和实践中，我的作品逐渐展现出自己的风格。
五、心得感悟通过这次水墨画画培训，我收获颇丰，以下是我在培训过程中的几点感悟：1. 水墨画是一门需要长期修炼的艺术，只有不断学习和实践，才能不断提高自己的技艺。
2. 水墨画讲究意境，画家在创作过程中要注重情感的表达和画面的和谐统一。
3. 水墨画注重线条和墨色的变化，要学会灵活运用各种笔法、墨法和水法，才能创作出富有层次和韵味的作品。
关于墨的诗句墨是一种具有浓重、深沉、神秘色彩的颜料，它被广泛运用于绘画和书法的创作中。
墨的诗句可以用来表达深情、抒发心境、描绘景物等等。
下面是一些关于墨的诗句参考内容：1. 万古长空墨气浓，黑白纸间墨香融。
感悟：墨的浓重氛围能够穿越千古，墨香与纸相溶，使得墨的韵味更加深沉。
2. 沉思墨色渲染心，书写文字宛如神。
感悟：墨的浓郁让人陷入深思，它能够使文字更加有神秘感和艺术性。
3. 寂寞笔墨染纸青，一番山水尽放情。
感悟：墨不仅是一种颜料，它能够赋予人的内心丰富的情感与意境，让人在山水间尽情抒发情怀。
4. 墨痕泼墨尽人间，深意写尽诗情缠。
感悟：墨的痕迹能够让人感受到世间的美与深意，使诗情更加缠绵悱恻。
5. 墨色夜空星斗映，万般情意皆在中。
感悟：墨色如夜空一般深沉，其中蕴藏着无尽的情感和意境。
6. 墨香弥漫诗卷间，书写流淌心中闲。
感悟：墨的香气充盈在诗卷间，使写作过程更加轻松自在，也能够表现出内心的宁静与闲适。
7. 墨色山水画意长，蘸取云霞一汪浓。
感悟：墨色能够让人们感受到山水画的长久意境，仿佛蘸取了一汪云霞之色。
8. 墨池湖欲泼月华，墨香扑鼻思无涯。
感悟：墨池的团团墨色如同湖水欲泼，墨香在空气中扑鼻而来，给人一种无尽思绪的感觉。
9. 濡墨染心情，墨香抚古韵。
感悟：墨能够染上心情，像古人那样抚摸着历史的韵味，使人们抛开尘世的纷扰。
10. 墨痕流转悠然意，封存岁月与时光。
感悟：墨痕在纸上流转，带来一种悠然自在的情绪，也记录下了岁月与时光的痕迹。
墨无疑是一种富有诗意和意境的颜料，它能够赋予文字和艺术作品更深层次的情感和内涵。
以上的诗句参考内容正是以墨为主题，表达了墨的特点和对于墨的情感的描绘。
第20卷第3期温州大学学报・社 会 科 学 版2007年5月V ol 20, No 3 Journal of Wenzhou University · Social Sciences May, 2007 中国古代水墨画“墨色”审美及其文化意蕴周斌(广西师范大学文学院，广西桂林 541004)摘要：中国水墨画的墨色审美起源，根植于原始农耕采集文化和阴阳五行思想，老庄和禅宗则为其奠定了主要基调。
中国水墨画对墨的艺术运用，完成了原始黑色向纯粹的审美境界升华的过程，最终形成了中国水墨画独特的墨色语言系统。
在万千变幻的“墨色”中，构成了一个个别具一格的“心象”和“墨象”同构的“墨境”世界，别有一番“墨韵”，具有高度的艺术审美意义和深厚的中国传统文化意蕴。
关键词：中国水墨画；墨色；审美；文化意蕴中图分类号：J01 文献标识码：A 文章编号：1008-309X(2007)03-0070-06一、中国古代水墨画“墨色”审美的起源黑色崇拜奠定了古代中国人对黑色的感知和运用基础，把水墨运用和发展为一种绘画材料，形成一种独特的“墨色”审美传统，也可以说是基于黑色崇拜的一种智慧性的发掘，而这个“墨色”审美传统的起源还要追溯到古代原始社会的采集、农耕文化和阴阳五行思想。
黑色崇拜是原始色彩崇拜中的重要内容，黑色在古代的中国，是众色之长，在《易经》中就被认为是“天”的颜色，为众母之色，在古代单色崇拜时期尚黑的时间最长。
新石器的黑陶，说明黑色是中国人最早选用的颜色之一。
半坡遗址出土的人面鱼纹彩陶盆染有黑色，这是当时氏族人对黑色崇拜的体现。
《韩非子・十过篇》中记载：“尧禅天下在，禹受之。
作为食器，斩山而材之，削锯修之迹，流漆墨其上：输之于宫，为食器……舜禅天下而传之禹，禹作祭器，墨染其外，朱画其内。
”这段文字也证明了中国远古时代的先民就已经崇尚黑色。
秦的统治制度确立了中国色彩观的发展，秦崇尚黑色，首次出现了以一种颜色为尚色，“以冬十月为年首，色上黑”，即位之后“易服色与旗色为黑”(《史记・封禅书》)。
水墨画教学反思8篇教育工作中，教学反思是不可忽略的重要部分，通过写教学反思，我们可以记录下教学过程中存在的问题，本店铺今天就为您带来了水墨画教学反思8篇，相信一定会对你有所帮助。
水墨画教学反思篇1透过一学期以来的听课，我受益匪浅，让我近距离地领略到其他教师的教学风格，老师们扎实的教学功底和浓厚的教学特色，给我留下深刻印象。
我觉得在教育教学方面收获很多，有很多值得我学习借鉴的东西，下面就以潘老师的课为例谈谈我本人的一点感受：首先，潘老师的教学思路清晰，精心设计教学过程。
潘老师上的是九年级的一节听说课。
这是一节复习课，按照一般的教学常规，主要是进行一些练习，从而复习整个单元的知识。
但这位老师精心设计了课堂情境，结合课文的资料进行教学，整个教学有着清晰的主线——以本单元的话题问路来串联起整个单元，从而教学不再显得孤立。
本课是一节复习课，该老师以问路为主线，对这个单元的资料进行了复习。
先是复习reading，之后复习vocabulary，而后是grammar，最后再复习maintask，这样一种新的复习方式，给我们英语老师一种很好的启示，在今后的教学中，也要更加注重情景教学的设计，使学生在真实的情景下能逐步得到锻炼，从而能更好的提高课堂教学效果。
另外潘老师也十分注重知识点间的扩展与联系，与之同步的练习也十分到位。
整整40分钟的课堂容量较大，练习充实紧凑，学生的潜力在操练的过程中得到了提高。
其次老师自身的教学素养，也给我留下了深刻印象，虽然是一节复习课，但该老师显示了其扎实的基本功，整节课都在英语教学的环境下进行，从而在课堂上构成了一个良好的语言氛围，学生在其良好的氛围中也得到了锻炼。
师生在互动的过程中，也体现了以学生为中心的课堂教学原则。
另外学生扎实的基础知识，配合着老师的教学，使本节课能顺利进行，这也是留给听课老师的深刻印象。
一学期以来的听课，让我开阔了眼界，明白了努力方向。
学到了武老师语言的精练和准确；张老师的幽默和理性；杨老师讲课的热忱令人难忘…等等。
水墨画评语1.对国画的评价中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。
按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。
工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。
而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。
它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。
兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。
从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。
而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。
中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。
中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。
但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。
同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。
透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。
因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。
西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。
中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。
这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。
如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。
《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。
它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。
中国画心得体会中国画是中华民族独有的绘画艺术形式，其源远流长，承载着丰富的文化内涵和审美观念。
在学习中国画的过程中，我深刻体会到了中国画独特的魅力和艺术韵味。
首先，中国画注重意境的表达。
中国画强调画家对自然和人物的感悟与理解，追求画作中的意境与情致。
通过细腻的线条和墨色的运用，中国画能够将画作中的主题和情感融入其中，让观者感受到画家的内心世界和审美追求。
在我学习中国画时，我发现只有真正理解了画家对于事物的感受，才能够准确地表达出画作所要传达的意境，这对于提升绘画技巧和创作水平具有重要意义。
其次，中国画注重笔墨的运用。
中国画技法独特，笔墨是其中的重要组成部分。
通过掌握不同的笔画技法和墨色运用，中国画能够呈现出迷人的艺术效果。
我在学习中国画时，特别关注绘画中的笔触和墨色。
在绘画过程中，我始终保持着舒展自如的笔法和自由流畅的笔墨运用，力求将画作中的主题和情感透过笔墨表达出来。
而笔力的大小、粗细、湿润程度都会影响到画作的表现效果，因此我不断地进行练习和探索，以期在笔墨运用上做到炉火纯青。
再次，中国画强调创作的独特个性。
中国画鼓励画家注重个人的情感和表达，强调创作中的独创性。
每个画家都有着不同的审美观点和创作风格，他们通过画作表达自己独特的艺术情感和人生观念。
在我学习中国画的过程中，我也逐渐通过大量的实践和观摩作品，形成了自己独特的艺术风格和创作特点。
这种独创性的发展对于提升个人的绘画水平和艺术表达能力非常重要。
最后，中国画注重审美的熏陶和修养。
中国画不仅仅是一种绘画技法，更是一种审美理念和修养方式。
通过学习中国画，我不仅培养了自己对于美的敏感度，还形成了独特的审美观念。
中国画作品所展示的自然美、人文美和生活美，都在不知不觉中熏陶着我的审美意识。
我懂得了如何欣赏一幅好作品，如何用心体验其中的情感和意境，这对于我个人的艺术修养和素养的提升是非常有益的。
总之，学习中国画让我深刻体会到了其独特的魅力和艺术韵味。
林散之草书风格的思想根源作者：梁治国来源：《中国民族博览》2022年第04期【摘要】林散之是当代著名的诗人、书法家、画家，尤以草书成就极高，被誉为“当代草圣”，是“20世纪十大杰出书家”之一。
其草书具有深厚的文化底蕴，对当代书法创作具有十分重要的理论和实践指导意义。
本文全面分析了林散之草书风格的思想根源，认为林散之草书能入化境，除了扎实的技法功底和诗文修养之外，道禅造诣实乃关键因素。
【关键词】林散之；道禅造诣；墨法观林散之（1898-1989），名霖，又名以霖，字散之，号三痴、江上老人、左耳、聋叟等，江苏江浦县乌江人。
诗、书、画三绝，为赵朴初、启功等称颂，被誉为“当代草圣”，是“20世纪十大杰出书家”之一。
林散之草书宗古又破古，在注重传统继承的基础上始终不忘变革创新，最终巧妙地以诗画技法融入自己的草书创作之中，又以独特的笔墨技巧探索出奇崛高古、刚柔相济的书法风格。
林散之一生主张“字为心画”，治艺之外，读万卷书，行万里路，壮胸怀，阔眼界，重心性人品的修养，在精神境界的追求上超凡脱俗，他能巧妙的将“天人合一”、“阴阳互变”、“虚实相生”等传统哲学思想一寓于书。
同时，从书法史的角度看，林散之的草书是独树一帜的，他的草书在笔法、墨法等方面对传统书法史中草书的创作和理解都有极大的创新。
一、林散之的道禅造诣林散之草书能有如此成就，一方面是因为他的深厚的书内功夫，即在书法技法方面的长期勤奋修习，另一方面是因为他广博的书外功夫，如诗书画兼善，读万卷书，行万里路。
前者是书法家成功的基础，后者是书法家奠定个人审美取向，形成脱俗的格调与境界的决定性因素。
林散之独特草书风格的形成，主要来自其独特的艺术审美思想，而其审美追求又深受道禅思想的浸润。
我们若是追寻林散之的行踪，便会发现林散之与道禅紧密相联；我们若是翻看林散之的《江上诗存》，其中谈禅论道的诗篇俯仰皆是。
林散之的母亲吴太夫人一生虔诚信佛，在母亲影响下，林散之很小就与佛结缘。
悟入与悟出——读路洪明的水墨山水画张望对中国画的继承与发展，李可染有一句名言：“用最大的功力打进去，以最大的勇气打出来。
”所谓“用最大的功力打进去”，就是深入中国画传统的堂奥，锤炼中国画的艺术功力；所谓“以最大的勇气打出来”，就是不能师古泥古，而要师古出新，化古为新，最终锻造打破传统旧习、创造具有新的时代面貌和艺术家个性气质的勇气与能力。
前者，可以概括为“悟入”，后者可以概括为“悟出”。
读路洪明的山水画，我就想到了“悟入”与“悟出”的问题。
执着的“悟入”清布颜图在画史上名气不大，但他的《画学心法问答》却不断地有佳句。
他认为，山水画有“专学”“渊源有本”，因此，“六艺非练不能得其精，百工非练不能成其巧”，一个人若想笃志画学，“练必要精纯，苟不精纯……纤发之疵，千里之谬”。
这就是说，要在山水画上有所作为，必须追宗溯源，笔精墨妙，做到“精纯”二字。
布颜图是满州镶白旗人，官至绥远城副都统。
有意思的是，这位从二品武官比较推崇以绵柔细腻画风著称的南宗。
他这样写道：“心甚慕之，遂以灯下朽示宋、元诸家面目，并嘱董、巨二法，为画海之津梁，诸家之关钮，必先取之以开道路。
”虽然布颜图的画，“简而能厚”“层层皴染”，并不完全符合南宗“清淡简远”的格调，但布颜图却坚持，欲究山水画学，必先悟董、巨二法，“虽冷雪飘窗，寒风号户，操毫面壁，不舍昼夜”。
众所周知，董、巨二人正是南宗山水所崇尚的地地道道的宗师。
读路洪明的山水画，其主导画风用他的一幅作品标题来概括就是“溪山深处观青云”。
他首先师从的便是南宗山水。
这种师从，明显体现在三个方面。
其一，经营位置上的师从。
南宗山水为了表现简远的画格，往往平远取景，并且大抵是“近树、中水、远山”的三层图式。
那树，是竹竿式的细细长长的一簇；那水，宽广、曲折、左右两端向画外延伸，有一种清寂而又烟波浩渺之感，使树、山都浮在水中；那远远的山，淡淡的，似乎云遮雾绕。
路洪明的山水，一些也是着意这样经营的。
第1篇自幼便对国画情有独钟，那浓墨重彩、线条流畅的画面，仿佛在诉说着千年的文化底蕴。
如今，在国画的世界里徜徉了数载，我对国画有了更深的感悟。
以下是我对国画的一些心得体会。
一、国画的魅力1. 色彩的运用国画色彩丰富，却不失和谐。
画家们运用墨、色、水等元素，巧妙地调配出千变万化的色彩。
在我看来，国画的色彩是一种情感的抒发，它既能表现出自然之美，又能传达出画家的心境。
如王维的山水画，以淡墨为主，清幽宁静，给人一种超脱尘世的感觉。
2. 笔墨的韵味国画的笔墨韵味是其灵魂所在。
一支笔、一张纸、一滴墨，便构成了国画的独特韵味。
在国画创作中，画家们讲究“笔法”、“墨法”、“水法”，通过笔触的变化、墨色的浓淡、水分的干湿，表现出不同的意境。
在我看来，国画的笔墨韵味是一种内在的修养，它体现了画家对生活的感悟和对艺术的追求。
3. 构图的意境国画的构图独具匠心，讲究“疏可走马，密不透风”。
画家们通过留白、虚实、远近等手法，营造出丰富的意境。
在我看来，国画的构图是一种情感的表达，它既展示了自然之美，又蕴含着画家的思想。
如徐悲鸿的《八骏图》，构图严谨，线条流畅，既表现了马的奔腾之势，又抒发了画家对自由的向往。
二、国画的学习1. 重视基本功学习国画，首先要打好基本功。
从临摹名作开始，了解不同画派的风格特点，掌握笔墨技法。
在临摹过程中，要注重对线条、墨色、构图等方面的揣摩，不断提高自己的绘画水平。
2. 注重观察生活国画源于生活，高于生活。
画家们要善于观察生活，从大自然中汲取灵感。
在绘画过程中，要关注光影、色彩、形态等细节，使作品更具生命力。
3. 不断实践与创新学习国画，不能只停留在理论层面，更要付诸实践。
在绘画过程中，要勇于尝试新的技法，不断突破自我。
同时，要关注时代发展，将传统国画与现代审美相结合，创作出具有时代特色的作品。
三、国画的传承与发展1. 弘扬传统文化国画作为中国传统文化的瑰宝，承载着中华民族的精神追求。
我们要继承和发扬国画艺术，使之成为中华民族的文化符号。
对水墨的觉与悟朱雨泽传统水墨与现代水墨在本质上是相通的，但在不同的时代背景下所阐述的精神和语言形式有相异之处。
前者是有固定的程式和古老的表现手法，它以线条为绘画的主旨，以求在书法式线条中表述作者的个性和心态。
而后者或多或少地受到西画之影响，以块面来表现对时代的感受求得视觉效果。
就水墨自身而言，被古人所开发的笔法墨法已经较为完善，今人若在艺术上表现个性，均需苦苦地探索。
现代水墨如何发展？今人谷文达、刘国松等等都在以不同的方式探索，都在试图做不同形式的突破。
从水墨的发展进程来看，唐代以前水墨的表现也许还未有太多束缚，但后来就逐渐地重笔轻墨了。
今天有创新意识的艺术家在以不同的方式在探索。
我的水墨就是抛弃传统水墨程式的束缚，以水墨自主的沁润来造型进而使之成为绘画语言，来表达内心的情感和思想，这是一种水墨艺术的升华。
它通过抽象的形式来表述一种哲理的、意识形态的反思。
它通过画面的动来取静，以传达出更深层次的精神内涵。
所有绘画都是造型的，而造型不只是为了再现生活，也是为了表现。
造型包括着对客体对象的模拟，但艺术的造型首先应是一种创造，独特的创造，它依靠视觉、想象、情感、潜意识和理性的综合作用。
水墨的最高表现是它成为一种传递心灵信息的语言。
现代水墨逐渐走向非物质化，它的画面之景之态完全是非特指的、“臆造的”，完全是心灵的、意识形态的再现。
水墨画要创新，首先要有禅学之精神，尊佛而不迷信佛，既要尊重传统，但绝不迷信传统。
水墨画要创新，就必须回避已有的程式用笔。
水墨画中笔法已被古人表现得淋漓尽致，但墨法和水法仍有发展空间。
水墨画要表现的新墨象，通过用水的形式来变化，所产生的不同墨象和色阶，丰富了水墨画的语汇。
现代水墨若求得发展就不能背离水墨的精神，不能背弃中国式的形而上之精神，不能放弃生宣和水墨，不能过多地混入西画的技法和形式。
水墨画要创新，必将是随着其艺术形式的否定行为和反作用直线地、有逻辑地进行。
水墨的创新必然要打破传统的水墨定义，所以吴冠中先生的“笔墨等于零”是正确的。
笔墨不等于艺术，就像数字不等于数学一样，笔墨只是达到艺术的手段之一，所以认为传统水墨程式不能动、不能破，是大错而特错的。
一旦艺术家觉得笔墨技艺太好，那他的作品就流于平庸，因为笔墨不是艺术的追求，匠人们的笔墨技术往往也很高超，但他们不可能创造艺术。
水墨画要创新就必然要从水墨艺术的源头和内在的根性中寻找答案。
墨的透明度细腻层次、生宣的绵绸和渗透性；在水的作用下，产生的墨象和色阶变化，对中华民族特有的道家哲学有不可言喻的阐释。
水墨画所借助的媒介材料本身，即已深嵌着中华民族特有的文化印痕。
细腻的墨通过不同量的水分稀释，在生宣上自然渗化，所产生的水墨氤氲的流动感和气韵节律，是水墨画区别于其它画种的独特之处。
水墨渗化所产生的虚静淡雅的意境和虚无飘渺、空灵、恍惚、神秘悠远的效果与道家所追求的天人合一的思想是相通的。
墨色是彩色的抽象，它体现着道家由灿烂多彩归于朴素平淡的哲学观念。
艺术创造的主旨从日常世界转至心灵秘境，并最终转向本真，也是符合道家思想的。
通过控制水和墨的交融、冲撞，使画面的水墨淋漓氤氲，看似是笔墨游戏，其实它涵泳着水墨之精神，其纯洁性有其高度的存在价值，其自律、自主的意味是别的艺术表现手法所无法取代的独特感觉、独特语素、独特表现方式。
现代水墨试图通过画面的穿透力和水墨的张力，向观众表达形而上的意识并揭示宇宙本源的精神。
水墨艺术创新就是进入一个未知世界的冒险，只有敢于冒险的艺术家才能够探索艺术的真谛，那种被艺术家符号化了的抽象语汇是有生命力的。
它是抽象的深奥的思想载体，它凝固着艺术家对未来水墨发展的理性思考，它是一种对水墨精神本质的揭示。
由于多年经营国画的经历和便利，以及代理了几位当代画家，也接触了许多名家，以及一些著名美术评论家，同他们均探讨过关于中国画的发展问题，由于各自探索的立足点不同，所以观点也不尽相同。
在同西方的美术评论家和画家的接触中，发现他们对绘画艺术发展有许多相同的观点，他们大多认为，绘画艺术的发展必然要走向抽象。
抽象绘画无论东方还是西方均早有表现。
到底什么才是真正意义的抽象？抽象的定义和概念是如何的？许多西方美术评论家们的说法不完全相同，中国的美术评论家们也各有各的理解和定义。
现代水墨的艺术探索有不成熟性，甚至有些作品有违于传统绘画之约法，但这些过激的作品也丰富和拓宽了水墨画的式样，丰富了水墨语汇。
近年来，年轻一代的国画家们纷纷尝试探索抽象水墨，其中有许多精彩之作令人叫绝，但有些抽象水墨仍是以旧的理念和传统的笔墨程式为主，其实只是一种抽象形式而已，其叫“抽象水墨”似乎离传统笔墨程式更远一些。
近二十年中国的社会变革是有目共睹的，经济基础的飞快提高，人们的价值观念在变、思想意识在变、视觉需求随着高科技的发展也在变。
笔墨当随时代，水墨画创新，首先观念要创新。
传统观念和古典情怀的闲云野鹤、风花雪月、小桥流水人家的诗情画意已不为现代人，特别是青年一代所接受。
摄影的发展、数码时代的来临、电视的普及、电脑的突飞猛进，使得国画做为视觉艺术以逐渐显露出其不能满足今人在精神上和视觉上的需求。
艺术的性质和本源的问题是一个哲学范畴的问题。
所有伟大的艺术变革都是建立在反思的基础上的。
艺术的本质固然在于创造，生命的内核、人生的价值，其本质也在于创造。
艺术家不视创造为艺术最高追求，不以创作为人生之终极价值，那么他的艺术人生就失去其意义。
在艺术创作中打破常规的形式和程式是时代的无奈，在抽象水墨作品中没有什么具象的和特指的描绘形象，但有它的可感知的自然世界之基础。
现代水墨总是想远离真实的形象，从而发展成一种神话般的朦胧，总是想用一种特有的图腾，来表述中华古老而深奥的文明与哲学。
水墨发展必将面临一场真正意义的变革，所有传统的水墨定义、程式、技法、语汇等等都将被打破。
水墨艺术必将以全新的形式来得以发展，特别是写实艺术受摄影之影响的今天，水墨艺术必然发展到有极强的思想表现形式和有深度的哲学范畴上来，而非对物象之描绘和简单地对现实的写照。
随着当今社会知识化和信息化的高度发展，传统水墨艺术的表现形式和意境，也应跟上时代的节奏，满足人们的视觉需要和精神上的需求。
水墨艺术应向人们展示的是人类精神、情感、哲思、艺术家个人的心悟和想象，让人们感受它的生命形式和艺术的真谛。
只有那样水墨艺术家才真正称得上是人类灵魂的工程师。
抽象艺术是20世纪世界视觉文化的一个主流，自其产生至今已逐渐成为世界各国绘画的主攻方向。
十九世纪末以前，西方造型艺术一直高举着“艺术摹仿自然”这面旗帜。
柏拉图称艺术家是“摹仿者”是“摹仿”现实世界的。
达·芬奇说：“绘画是自然界一切可见事物的唯一摹仿者，而最可夸奖的绘画是最能形似的绘画”。
十九世纪西方艺术造型写实达到了顶峰，创造了极完美的真实的自然。
然而照相技术的出现与完善，对当时的一部分艺术家有极大触动。
塞尚踏入了现代艺术，他视艺术对象为一个“母题”，他要画的是他对“母题”的视觉领悟。
他从理论和实践两个方面，都和“摹仿自然”决裂，开创出非摹仿的绘画之路，终至于彻底抛开一切物质的摹仿，而其追随者逐渐成为“抽象派”。
有人认为中国现代抽象绘画是受西方现代绘画影响，于30年代出现，至上世纪末逐渐风行，其实不尽全然。
中国古代文化中始终包含着抽象艺术因素，特别是水墨画，水墨在宣纸上的氤氲、渗化而产生的特殊效果，极近天然大理石的纹理，中国古代的象形文字与书法也是一种抽象艺术。
中国抽象艺术文化，自春秋时代开始就始终伴随文化发展的历程，只是它没有被充分地发展，没有被中庸之文化推向主流，然而受西方画风的影响，这一特有的艺术形态将以水墨为突破口，定会成为21世纪中国画的主攻目标，也必将以它特有的优势超越西方抽象艺术的内涵。
因为水墨的精神就是“禅”与“道”的精神实质。
水墨交融与渗化所蕴涵的就是“禅”、“道”之精髓。
西方当今抽象艺术有一个趋势是色彩上的极端化。
从弗朗西斯·克兰开始创作黑白绘画到戴维·史密斯完全用蛋黄和墨汁创作，这些西方艺术家认为，纯黑色非常神秘，特别是罗斯科和纽曼，他们是为了阐述艺术而作为艺术，使作品更独立、更净化、更空灵、更绝对、更孤傲，而且非具象、非象征、非意象、非表现、非主题。
抽象艺术达到了前所未有的不拘前规、不受束缚、毫无纠缠，也无程式的境界，没有一种艺术形式能像它那样充分地空灵非物质化。
近百年来，部分有开创意识的艺术家逐渐意识到，中国画在写意写实上已走到了尽头，中国画要发展就必然走向抽象艺术。
近现代画家张大千、黄宾虹在理论和画风上都已渐入抽象（实为半抽象）的世界。
同时中国的抽象艺术如何有别于西画的抽象，只有水墨最有语汇的独特性。
自幼习国画，对传统十八描，十八皴已逐渐地没有了感觉，看到中国画千人一面，已逐渐沦为匠人们的手工艺品，千百万的画家在重复着前人，互相抄摹。
与许多人一样感到中国画要大举措地反程式、反写实，不与传统拉开距离就永远不可能有艺术的创新。
我始终认为水墨艺术并没有完全被前人推向极至。
前人绝大多数是写实的艺术和写意的艺术，然而当今世界科技高速发展，影像技术、电脑、数码时代的来临，艺术家们仍去写实就没有了艺术的创新。
抽象艺术家也许是无奈地走向抽象，还是主观地追求抽象已无关紧要。
任何形式的艺术，任何时代的艺术家创作的艺术作品都受到当时的哲学思想影响。
本人早年喜好道学理论，后又钟爱禅学，受日本禅学大师玲木大拙一席话影响至深，“念佛而不信佛”。
我们尊重传统水墨、传统笔墨程式，但不能迷信它，总认为古人无法超越，就无法追求艺术的真谛。
通过习禅、悟道,决意放弃一切固有的、奴化的、程式化的笔墨。
几年的水墨实践，找到了水墨新的视象、新的视觉世界，水墨的自然渗化与交融所表现出的禅的精神，使我每创作一幅画都会有新的欣喜，借用这种水墨造型来阐述习禅的体悟和禅的精神。
我独创的这种水墨艺术，我命名为“玄墨”，“玄”即是道亦是禅，它做为一种水墨语汇，具有超越物质必然的直接性，他直接对应人的心灵和自然奥秘，以及对宇宙精神的感受和表达。
黑色的变化，黑白的交融既“一阴一阳谓之道”。
永恒的运动，永恒的生命活力都源于伟大的万物之母——道家老子所崇尚的水。
水墨是水的艺术、是墨的艺术，深刻领悟其中三昧，便可进入一种大自由，原创性的境界。
中国画讲气韵，实际上气就是水、是生命，韵就是墨、是运动。
中国画讲画品，若画家不学禅、道，不去认知事物的本质规律，就无法体现水墨精神之品位和艺术内涵。
匠人所追求的是“工”，追求的是细致的笔触和现实的再现，他们只能重复前人的绘画。
中国画讲逸品，是上等的艺术，逸就是超脱，就是用无拘无束的形式来表现无拘无束的心灵，就是自由，逸品之画就是要“神气活现”，要有精、气、神，要气韵生动。
就艺术的形式而言，抽象与具象是对立统一的。
