玛丽琳·霍恩 把歌剧的黄金时代重新带回美国

1895年12月28日，法国卢米尔兄弟在巴黎卡普辛路14号咖啡馆放映成功之后，正式标志着“电影时代”的来临。

从诞生至今，电影的银幕上曾出现过无数美女的身影，但随着时光的流逝，真正能够长存于人们记忆中为数并不多。

在此，就让我们去追随那些曾照亮了几个时代的银幕的身影，去追忆那些逝去的绝代芳华！1 玛琳·黛德丽Marlene Dietrich （1901年12月27日-1992年5月6日）玛琳·黛德丽1901年生于柏林一个贵族军官家庭，原名玛丽亚·玛格达琳娜·冯·罗施。

她青少年时期即醉心于表演事业，但作为贵族军官家的女儿，这类“有辱门风”的事情，当然不为家庭所许可，于是她便毅然放弃了贵族的姓氏，改为玛琳·黛德丽，投身于表演艺术生涯。

她先在杂耍剧团担任芭蕾舞演员，后又进入莱哈特戏剧学校学习，并参加舞台戏剧演出。

1922年进入电影界，拍摄有《爱情悲剧》、《没有欢乐的街》、《电气咖啡馆》、《潘朵拉的盒子》等。

1930年，她与德国影坛表情圣手埃米尔·强宁斯合作主演的《蓝天使》获得极大成功，她也一举成名，为派拉蒙公司罗致前往美国。

在美国她拍摄了《摩洛哥》、《金发维纳斯》、《放荡的女皇》、《碧血烟花》等片，成为全世瞩目的影坛巨星。

希特勒接管德国政权之后，为了诱使玛琳回国，不惜以耸人听闻的名利地位来打动她，但她却坚决地拒绝了，并为了表示反法西斯的决心，于1939年毅然加入美国国籍。

第二次世界大战期间，她一心致力于服务性的劳军演出，不停地飞赴世界各地盟军驻地为战士表演，深受欢迎。

意想不到的是，她这种个人独角戏的表演形式，后来竟成为一种流行的演出形式，迄今不衰。

战后，她一直以从事她所创造的个人演出为主，偶尔也拍摄一些影片，重要的有《马丁·罗马格纳克》、《外交事件》、《声名狼籍的牧场》、《被告的女证人》等。

直到1978年，还偶尔能在银幕上看到她的形影。

《追梦女郎》怀念一个闪耀的音乐时代宜蒙超高难度的金曲翻唱，風格百变的黑人歌舞，精致耀眼的复古装扮，以及演艺圈里的明争暗斗、反抗与重生……无论是故事情节，还是视听感受，音乐剧《追梦女郎》都奉献了精彩的表演。

早在1981年，由导演迈克尔·班尼特执导的同名剧目在美国百老汇首演，创造了连演1522场的佳绩。

该剧在1982年获得了18项美国托尼奖提名，最终获得6个奖项。

2022年，由碧昂丝·诺尔斯主演的同名影片《追梦女郎》在美国上映，该片在第79届奥斯卡金像奖评选中获得两个奖项，在第64届金球奖评选中获得三个奖项，剧中金曲《Usten》《OneNightOnly》更是成为一代经典。

2022年，音乐剧《追梦女郎》重新登陆英国伦敦西区，安伯·莱利凭借此剧摘得2022年英国奥利弗奖最佳女演员奖。

年初在上海上演的音乐剧《追梦女郎》，出自国际一线制作团队，集结了多名百老汇知名主创。

剧中首次起用了全黑人演出阵容，为中国观众带来了地道的美国歌舞表演。

音乐剧《追梦女郎》从头到尾都由现场歌舞演出串联起来，全剧近30首音乐，融合了节奏蓝调、福音、流行等多种音乐风格。

这部作品记录的不只是一个演唱组合的成长，更是一个无比璀璨的音乐时代。

从纽约哈莱姆区到好莱坞，故事涉及20个不同的地点，场景转换没有刻意的说明，却衔接流畅，由台前至幕后的场景切换也极具巧妙构思。

三位黑人女孩首次登台，是在一个大型歌唱比赛上，演出刚开场，现场气氛就被几组演唱团体的劲歌热舞点燃。

当观众跟随一组充满活力的男孩律动摇摆的时候，歌声逐渐转为远距离的音效，台上的演员背过身继续表演，舞台背景的大型LED屏上映出了座无虚席的观众区。

刚下火车的女孩们提着行李箱匆忙赶来，向主持人询问出场顺序，舞台场景自然切换为剧院的后台。

两条叙事线交替推进，更加完整地展现了演艺圈不为人知的一面。

永远把商业利益放在第一位的经纪人柯蒂斯，为了力捧形象、气质更为出众的蒂娜，舍弃了实力最强但外形不被大众接受的主唱艾菲。

西方音乐剧的发展音乐剧亦称音乐喜剧、百老汇音乐剧，是由喜歌剧及轻歌剧发展而成的一种娱乐性音乐体裁。

概括地说，音乐剧是一种歌、舞、演并重的现代舞台综合艺术形式，常以叙事为主的戏剧，结合优美通俗的人声歌唱和多样化的舞蹈形态动作来进行表演。

其内容轻松，音乐通俗易懂，体裁内容广泛。

音乐剧在19世纪末已走红英国伦敦西区。

一部初显形态的音乐剧《快乐的少女》，吸收了18世纪民谣歌剧和19世纪喜歌剧、轻歌剧的表现成分，将剧情、舞蹈、音乐、喜剧表演等因素自然组合，在伦敦首演激起观众狂热反响，成为一部被载入史册的音乐剧。

20世纪初，稍晚于伦敦西区的美国百老汇音乐剧迅猛发展。

音乐剧《演艺船》的诞生达到了百老汇音乐剧前所未有的水平，该剧突破了美国早期一味追求感官刺激的套路，注入了与剧情相关的民间舞蹈、爵士乐等清新的元素，并具有了思想性。

由此，曲作者克恩被美国人称之为百老汇音乐之父。

到了二三十年代，交响爵士音乐的先驱格什温，向百老汇推出近二十部音乐剧，最具影响的是《波基与贝丝》。

他将歌剧的创作理念与爵士风格的音乐语言相融合，使这部作品具备了歌剧与百老汇音乐剧的双重特性。

四五十年代，作曲家罗杰斯创作的《俄克拉荷马》，以美国乡土气息的农村为背景，运用歌词、音乐、对话、舞蹈等多种手段，成功实践了多种要素的完美综合。

此后，他又完成了《旋转木马》、《国王与我》、《音乐之声》等蜚声世界的杰作。

五六十年代，是百老汇音乐剧的全盛时期，在进一步强化歌唱、舞蹈、表演、剧情的有机综合基础上，又作了大胆革新。

精湛的专业化创作技巧和美国作风的音乐舞蹈语汇浑然天成，将音乐剧的艺术品位和演员的多能性表演艺术提升到新的境界。

《西区故事》在百老汇首演，标志着音乐剧最佳发展阶段的开始。

该剧运用创新的舞姿舞步，让舞蹈参与剧情，极大地提升了舞蹈在音乐剧中的地位。

自60年代起，伦敦西区的音乐剧创作表演奋起直追。

至80年代，先后出现了三位称雄世界音乐剧坛的人物：安德鲁劳埃德韦伯、克劳德米歇尔勋伯格和著名制作人卡麦隆麦金托什。

音乐剧知识：音乐剧的发展史和新趋势音乐剧是一种结合歌词、对白、音乐和舞蹈的剧目，在全球范围内都拥有着极高的人气和影响力。

而其历史也经历了多个发展阶段和新趋势的兴起。

一、历史背景音乐剧的起源可以追溯到19世纪末20世纪初的美国百老汇。

当时，商业剧场火爆全美，为了吸引观众，剧场大师如詹姆斯·A·奥斯特、弗雷德·埃斯特等开始尝试引入歌舞等元素。

最初的音乐剧名为“音乐喜剧”，以“轻松欢乐、生动活泼”为主题，取得了巨大成功。

二、发展史1.黄金时期20世纪20年代是音乐剧发展的黄金时期，艺术家们开始融合古典音乐、真实主义题材，此时的音乐剧主打“三无”概念：无黑人，无华人，无犹太人。

在音乐方面，披头士、皇后乐队等也参与其中，进一步丰富了音乐剧的风格。

2.极限化进入21世纪，音乐剧开始向极限化发展，充分利用技术和视觉效果，大量引入舞台特效、视频显影等元素加强观赏性。

例如2003年的《猫》使用VR技术，将观众带入一场流光溢彩的奇妙之旅。

3.多样化另外，音乐剧的多样化也是新趋势之一。

不少剧目还尝试结合上海滩、老北京等民俗文化和审美特色，进一步推广中华文化。

同时，也开始大胆涉足到历史与政治、同性恋、种族、移民等社会议题上，并引起更多年轻观众的关注与热议。

三、新趋势1.比较文化品味当前，欧美音乐剧蓬勃发展，复兴了经典古典音乐，而中国则正在探索自己的音乐剧艺术。

在这种比较文化品味的环境中，音乐剧的分类也更加细致化和本土化，艺术内涵更丰富多元。

2.艺术表现随着社会进步和人文环境的提高，观众越来越注重音乐剧的艺术表达性。

因此，音乐剧制作方不仅关注歌曲和舞蹈的精美程度，更注重情感表达和视觉效果突出性。

例如《烈火金刚》中音乐剧舞台的设计，带来了无限的视觉震撼。

3.创新与质量未来，音乐剧在创新和质量方面也将持续提升。

例如新兴音乐剧还极具可视化，可以在剧场以及电影院里运营，以满足观众的越来越高的需求和品位。

音乐剧的发展历程
音乐剧起源于19世纪末的美国。

最早的音乐剧是在百老汇剧
院上演的，由歌曲、对话和舞蹈组成，并结合了戏剧、音乐和舞蹈的元素。

最早的音乐剧主要以轻松愉快的故事和歌曲为主题，旨在取悦观众并带给他们欢乐和娱乐。

20世纪初，音乐剧开始在世界范围内流行起来。

在美国，百
老汇成为音乐剧的发源地。

各种类型的音乐剧开始涌现，从轻松的喜剧和浪漫爱情故事到更为严肃和主题明确的作品。

音乐剧不再局限于娱乐性，它开始关注社会问题，并试图传达深层次的思想。

到了上世纪50年代和60年代，音乐剧进入了黄金时代。

这个时期出现了许多经典作品，比如《音乐之声》、《摇滚芝加哥》和《猫》等。

这些音乐剧在故事情节、音乐和舞蹈上都有着很高的艺术水准，深受观众喜爱。

然而，到了上世纪80年代和90年代，音乐剧的发展受到了一些阻碍。

观众口味的变化以及竞争激烈的电影和电视行业对音乐剧的冲击，使得音乐剧产业面临一些困境。

然而，随着新世纪的到来，音乐剧再度焕发了生机。

创新的剧本、精湛的制作和先进的舞台技术让音乐剧变得更加出色和引人入胜。

同时，音乐剧也开始利用流行音乐和当代流行文化的元素，以吸引更广泛的观众群体。

如今，音乐剧已经成为全球范围内受欢迎的艺术形式。

从百老
汇到伦敦西区，再到其他国家的剧院，音乐剧正在不断创新和发展。

它不仅仅是一种娱乐方式，同时也是一种表达艺术、传递思想和激发情感的有力工具。

福建师范大学硕士学位论文从娱乐性到严肃性的转变——美国音乐剧《西区故事》述评姓名：***申请学位级别：硕士专业：音乐学指导教师：***2003.4.15Ａｂｓｔｒａｃｔ《ＷｅｓｔＳｉｄｅＳｔｏｒｙ））ｉｓａｍａｓｔｅｒｐｉｅｃｅｉｎｔｈｅｈｉｓｔｏｒｙｏｆＡｎｌｅｒｉｃａｎｍｕｓｉｃａｌ．Ｉｔｓｔａｒｔｅｄｔｈｅｍｕｓｉｃａｌｔｒａｇｅｄｙｓｔｙｌｅ，ｍｕｃｈｍｏｒｅｐｒｏｖｅｄｔｈａｔｔｈｅｃｏｎｖｅｎｔｉｏｎｓｏｆｍｕｓｉｃａｌｗｅｒｅｆｌｅｘｉｂｌｅａｎｄｅｘｐｒｅｓｓｉｖｅｔｈａｎｍｏｓｔｐｒｏｄｕｃｅｒａｎｄｃｒｉｔｉｃｈａｄｍｏｄｅｌｏｆｍｕｓｉｃａｌｔｒａｇｅｄｙ，ｔｈｏｕｇｈｔ．ＩｔｓｅｔｕｐｔｈｅｐｅｒｆｅｃｔＡｍｅｒｉｃａｎｍｕｓｉｃａｌ·Ｉｔｓｉｍｐｒｏｖｅｄｔｈｅｔｏｔａｌａｒｔｉｓｔｉｃｑｕａｌｉｔｙｏｆａｅｌｌｉｅｖｅｍｅｎｔｏｆｄｒａｍａ，ｍｕｓｉｃ，ｄａｎｃｅｉｓｓｔｉｌｌｔｈｅｓｔｕｄｙＳＵｂｊｅｃｔｏｆｔｏｄａｙ’ｍｕｓｉｃａｌｄｉｒｅｃｔｏｒｓ，ｐｌａｙｗｒｉｇｈｔｓａｎｄｍｕｓｉｃｉａｎｓ．Ａｆｔｅｒｔｉｌｅｇｒｅａｔｓｕｃｃｅｓｓｏｆ｛ＷｅｓｔＳｉｄｅＳｔｏｒｙ），ｔｈｅＡｍｅｒｉｃａｎｍｕｓｉｃａｌｇｒａｄｕａｌｌｙｂｅｇａｎｔｏｄｉｖｅｒｓｉｔｙｉｎｉｔｓｔｈｅｍｅａｎｄｓｔｙｌｅ·Ｃｅｎｔｒａｌｉｚｅｄｂｙｄｉｓｃｕｓｓｉｎｇｔｈｅｓｏｃｉａｌｖａｌｕｅ，ｉｔｓａｒｔｉｓｔｉｃｑｕａｌｉｔｙａｎｄｉｔｓｅｆｆｅｃｔｏｎＡｍｅｒｉｃａｎｍｕｓｉｃａｌ，ｔｈｅａｒｔｉｃｌｅａｎａｌｙｓｅｓｔｈｅｐｒｏｆｏｕｎｄｃｏｎｎｏｔａｔｉｏｎ，ｄｒａｍａｔｉｃｍｕｓｉｃａｎｄｏｆ｛ＷｅｓｔＳｉｄｅＳｔｏｒｙ）；Ｍｏｒｅｏｖｅｒ，ｔｈｅａｒｔｉｃｌｅｐｅｒｆｅｃｔｄａｎｃｅｍａｋｅｓａｃｏｍｐａｒｉｓｏｎｂｅｔｗｅｅｎｔｈｅｔｈｅｍｅ，ｃｏｎｔｅｎｔ，ｓｔｙｌｅｏｆ｛ＷｅｓｔＳｉｄｅＳｔｏｒｙ））ａｎｄｔｈｅｏｔｈｅｒｍｕｓｉｃａｌｓｂｅｆｏｒｅｉｔ．Ｂｙｏｆ｛ＷｅｓｔＳｉｄｅＳｔｏｒｙ）），ｔｈｉｓａｒｔｉｃｌｅｓｔｕｄｙｉｎｇｔｈｅｓｅａｓｐｅｃｔｓｈｏｐｅｔｏｐｒｏｖｉｄｅｓｏｍｅｉｎｆｏｒｍａｔｉｏｎｆｏｒｔｈｅｃｒｅａｔｉｏｎｏｆＣｈｉｎａｍｕｓｉｃａｌ．Ｋｅｙｗｏｒｄｓ：《ＷｅｓｔＳｉｄｅＳｔｏｒｙ）ｔｒａｇｅｄｙｓｏｃｉａｌｖａｌｕｅａｒｔｉｓｔｉｃｑｕａｌｉｔｙ序言笔者第一次接触美国音乐剧是在七年前。

一.世界10大女高音玛丽亚·卡拉斯(Maria Callas)1923年12月3日出生于美国的纽约市，原籍是希腊，她的音乐和戏剧方面的多才多艺，是她成为她那一代人中的绝对第一女高音。

14岁时她回到希腊，在雅典音乐学院跟埃尔维拉·德·伊达尔戈学习音乐，到她16岁时就加入雅典国家歌剧院，第一次登台是演出轻歌剧《蒲伽丘》。

1942年演出《托斯卡》使她一举成名，1947年，在意大利维罗纳第一次演出《歌女》，为著名指挥赛拉夫因重视，之后的两年她在威尼斯演过图兰多特、伊所尔德和勃仑希尔德。

她于1948年代替卡罗西奥而在短短的6天之内就准备号以后，她开始了新的艺术生涯，在同年歌剧季节中扮演了勃仑西尔德。

她是继莉莉·雷曼之后第一个能够自如地扮演无论是戏剧性或是抒情角色的女高音。

她在斯卡拉（1951）、科汶特花园皇家歌剧院（1952）、芝加哥抒情歌剧院（1954）和纽约大都会（1956）的演出都是及其成功的，尤其是她演的《诺尔玛》、《茶花女》和《托斯卡》更是与众不同。

虽然她的声音技巧并非万全无可非议，然而她的艺术才能却是出类拔萃的。

她演了不少长久以来被人遗忘的歌剧，使他们恢复了生命。

1952－1954年，她先后灌制了22部歌剧唱片，其中有4部是她从来没有在舞台上演出过的如：《艺术家的生涯》、《卡们》、《玛侬·雷斯科》和《小丑》，另有3部是经过改编的，如《歌女》、《诺尔玛》和《拉美莫尔的露茜亚》。

她在舞台上演出500多场，包括43个不同的角色。

60年代后期她推出歌剧舞台，最后一部歌剧是1965年7月5日在科汶特演的，《托斯卡》。

1970年她在帕索利尼导演下拍摄了《美狄亚》，后来就在纽约教授歌剧。

1972－1973年她在欧美各地巡回演出，和斯苔法诺一起演唱歌剧片断，她的格言是：“当我的敌人不再嘘我的时候，也就是我失败的时候。

”1977年9月16日她在法国巴黎住宅因心脏病突发而逝世。

652019/730多年前，1987年到1988年，北京、上海演出过三部全中文版的美国音乐剧《乐器推销员》《异想天开》和《窈窕淑女》。

第一部全中文版的《乐器推销员》1987年5月7日，由中国戏剧家协会和美国奥尼尔戏剧中心联合主办，美国导演乔治·怀特执导，中央歌剧院在北京上演了中文版的美国音乐剧《乐器推销员》（The Music Man ）。

这是在中国上演的第一部全中文版的美国音乐剧。

乔治·怀特曾表示，“在中国上演美国音乐剧的想法是这样逐步形成的，1980年我和中国戏剧家协会开始了联系，1984年我在中国导演了尤金·奥尼尔的话剧《安娜·克里斯蒂》。

然后我和刘厚生先生讨论下一步该做什么，双方都同意在中国上演美国音乐剧。

”这使我想起，1984年在北京召开的第二次中国歌剧座谈会期间，刘厚生先生曾多次约我交谈关于我在美国考察音乐剧的情况，应该就是和他与乔治·怀特“讨论下一步该做什么”有关。

1986年夏秋之交，我接到中央歌剧院邹德华先生的来信，约请我翻译美国音乐剧《乐器推销员》。

中国音乐剧“描红”第一笔——1980年代上演的中文版美国音乐剧American musicals translated into Chinese in the 1980s文：沈承宙中央歌剧院上演的中文版音乐剧《乐器推销员》及《异想天开》节目册OUTLINE / Thirty years ago, three Chinese-language versions of classic American musicals—The Music Man , The Fantasticks and My Fair Lady —graced the stages in Beijing and Shanghai. This historical phase in the early development of Chinese musical theater should be remembered.662019/7邹德华先生是我国第一位获得茱莉亚音乐学院声乐硕士学位后归国的女高音歌唱家。

把西方音乐剧引进中国的前前后后沈承宙一．我在中国民族歌剧的学习和实践中成长。

1939年9月，我出生于上海。

青少年时期，我迷恋歌剧艺术。

从收音机里，听许多中外歌剧选曲；在上海交响乐团、上海歌剧院以及到上海来演出的音乐会上，听许多歌剧序曲和选曲演唱；在中苏友谊馆每星期日上午的苏联和俄罗斯音乐欣赏会上，看许多歌剧电影；看过许多新歌剧……那时立志，长大后一定要当一名歌剧演员。

1954年，在我的二哥的推荐下，我开始跟随上海合唱团指挥、声乐指导梁智用先生学习声乐，并参加上海青年宫学生艺术团的合唱队。

那时我们演唱过格林卡的歌剧《伊凡〃苏萨宁》的终幕合唱“光荣颂”，十二个声部，每次演唱都热血沸腾，尽情享受着歌剧艺术的美丽。

1959年9月，我考取了武汉歌舞剧院、武汉艺术学校合办的歌剧演员班。

这个歌剧演员班设在武汉歌舞剧院，老师都是剧院的演职员。

我们除了正规的教学课程外，也在歌剧剧目的排练演出中实践。

1961年毕业，见习一年，1962年成为正式的歌剧演员。

那个时期，正是中国民族歌剧的繁荣时期。

我参加了武汉歌舞剧院许多歌剧剧目的排练演出，从拉大幕、拉吊杆、打灯光、管道具、做效果、搬布景做起，到跑龙套、唱合唱，再到演群众角色、演次要角色、演主要角色。

我参加过的歌剧剧目有原创歌剧《向秀丽》（程云、莎莱编剧作曲，李井然配器，苏先劬导演）、《太阳升起》（程云、莎莱编剧作曲，李井然配器，汪洗导演）的排练演出；有学演剧目《红珊瑚》、《夺印》，《社长的女儿》、《三月三》、《节振国》（我扮演小季）、《白毛女》（我扮演大锁的B角）、《洪湖赤卫队》（我扮演小刘，和春生的B角）、《刘三姐》（我扮演亚木，和小牛的B角）、《小二黑结婚》（我扮演小二黑的C角）、《两代人》（我扮演艾依江的B角）的排练演出；还有秧歌剧《兄妹开荒》（我扮演哥哥的B角），眉户戏《大家喜欢》（我扮演石万民）；我们还学演过许多戏曲剧种的折子戏，包括京剧、汉剧、楚剧、豫剧、湖南花鼓戏等等……那些年，我在中国民族歌剧的艺术实践中学习、熏陶、锻炼和成长。

欧美流行音乐发展史1️⃣ 古典根基与现代萌芽欧美流行音乐的发展，其根源可追溯至古典音乐时期。

18世纪末至19世纪初，古典音乐大师如贝多芬、莫扎特等人的作品，为后来的流行音乐奠定了和声与旋律的基础。

然而，真正意义上现代流行音乐的萌芽，则出现在19世纪末至20世纪初，随着工业化、城市化的加速，大众娱乐需求激增，流行音乐开始以其独特的魅力走进人们的生活。

这一时期，以拉格泰姆（Ragtime）和爵士乐（Jazz）为代表的音乐形式横空出世。

拉格泰姆以其独特的节奏模式，为流行音乐带来了前所未有的动感；而爵士乐则以其即兴演奏、和声复杂多变的特点，成为了欧美流行音乐的重要基石。

这些音乐形式不仅在当时风靡一时，更为后续流行音乐的发展提供了丰富的素材和灵感。

2️⃣ 黄金时代的辉煌进入20世纪中期，欧美流行音乐迎来了它的黄金时代。

摇滚乐（Rock and Roll）的诞生，标志着流行音乐进入了一个新的纪元。

以艾尔维斯·普雷斯利（Elvis Presley）为代表的摇滚歌手，以其独特的嗓音、狂野的舞台风格，以及反映青少年反叛精神的歌曲内容，迅速赢得了全球年轻人的喜爱。

随后，披头士乐队（The Beatles）和滚石乐队（The Rolling Stones）等摇滚巨头的崛起，更是将摇滚乐推向了巅峰，成为了欧美流行文化的象征。

与此同时，灵魂乐（Soul）、节奏布鲁斯（R\u0026B）等音乐流派也在这一时期蓬勃发展，它们不仅丰富了流行音乐的多样性，更为后来的嘻哈（HipHop）、迪斯科（Disco）等音乐形式提供了重要的灵感来源。

3️⃣ 多元融合与数字革命进入21世纪，随着全球化的加速和科技的飞速发展，欧美流行音乐进入了多元融合与数字革命的新阶段。

电子音乐（Electronic Music）、嘻哈音乐、流行音乐（Pop Music）等流派相互交织，形成了丰富多彩的音乐景观。

以Lady Gaga、Taylor Swift、Ed Sheeran等为代表的现代流行歌手，凭借其独特的音乐风格、创新的制作技术，以及强大的社交媒体影响力，成为了新时代的音乐偶像。

《你不要再做情郎》的创作及背景分析博马舍是18世纪后半叶法国最重要的剧作家。

博马舍喜剧的出现意味着古典主义喜剧向资产阶级喜剧的过渡完成。

1789年，资产阶级革命爆发。

资产阶级意识到戏剧作为宣传手段在革命中的作用，提出“戏剧应该教育民众”的口号，革命派还有意建立人民剧院。

这时期创作了大批配合或直接宣传革命和革命战争的悲剧和时事剧[1]。

博马舍的《你不要再做情郎》是他在十八世纪三十年代创作了总称为"费加罗三部曲"中的第二部《费加罗的婚礼》中的选段，于1784年4月27日在巴黎法兰西剧院首演，其时法国正处于大革命的前夕，这部喜剧对揭露和讽刺封建贵族起了很大的作用。

虽然这部喜剧在整个欧洲都获得好评，但奥地利皇帝约瑟夫二世却禁止在维也纳上演这一剧目。

《你不要再做情郎》是莫扎特歌剧作品《费加罗的婚礼》中最为著名的一段，是莫扎特歌剧中的巅峰之作，也是中国乐迷最为熟悉的一部，创作于1786年的这部歌剧，也是欣赏莫扎特歌剧的入门之作。

[2]《费加罗的婚礼》至今仍是各大歌剧院上演次数最为频繁的歌剧之一，有如天籁的歌声和错综复杂的男女人物关系，宛如角力般、层出不穷的小计谋和角色错乱的对白，至今仍是许多观众念念不忘的经典。

让人眼花缭乱的进行速度，带出男女之间你来我往的情境、种种约定承诺造成的混乱情形、还有谁对谁唱情歌、谁看谁却不是谁的有趣故事。

1.曲作者莫扎特1756 年，出生于神圣罗马帝国时期萨尔兹堡的沃尔夫冈·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart)从一出生就开始表现出异于常人的音乐天赋，三岁弹琴，六岁作曲，八岁便写下了人生的第一部交响曲，年仅十一岁又作出了人生的第一部歌曲，并在十四岁指挥了一支乐队完成了这部歌剧的表演[3]。

这期间是莫扎特音乐发展最为开阔的时间，莫扎特先随父亲到慕尼黑、维也纳、普雷斯堡等地区作了一次试验性的巡回演出，得到了很大的反响，被当时一致誉为“音乐神童”。

音乐剧的发展历程音乐剧是一种将音乐、舞蹈和戏剧元素融合在一起的艺术形式，经历了一个漫长而精彩的发展历程。

它起源于19世纪的欧洲，随后传播到美国，成为了一种广受欢迎的表演形式。

音乐剧的历史可以追溯到19世纪的法国，那时它被称为“歌曲剧”或“歌剧座谈会”。

这是一种通过歌曲来讲述故事的戏剧形式。

其中最著名的例子就是维多利亚时代的《巴黎圣母院》，它是一部以维多利亚时代巴黎圣母院为背景的歌剧。

这部作品不仅带有音乐和戏剧元素，还包括了舞蹈和壮观的布景。

随着时间的推移，音乐剧逐渐发展成为一种结合了音乐、舞蹈和戏剧的综合艺术形式。

20世纪初，美国成为音乐剧的中心，许多经典作品在这个时期诞生。

1917年，《舞台之情》是第一部被认为是现代音乐剧的作品。

它由美国作曲家乔治·厄文·扬格和作词家I·佛莱勒·韦瑟利共同创作。

《舞台之情》以音乐和舞蹈来表现故事情节，标志着音乐剧时代的开始。

在1920年代和1930年代，音乐剧继续发展，不断涌现出许多经典作品。

其中最著名的是《西区故事》和《卡洛森夫人》，它们改变了音乐剧的形式，加入了更多的舞蹈和戏剧元素，并在舞台上使用了更复杂的布景和舞台效果。

到了1940年代和1950年代，音乐剧进一步发展，融入了更多的音乐风格。

《嘈杂汽车》和《卖花女》等作品成为这个时期最受欢迎的音乐剧。

这些作品结合了爵士乐、摇滚乐和布鲁斯等不同的音乐风格，使音乐剧更加多样化。

20世纪的后半期，音乐剧进一步发展成为以流行音乐为基础的艺术形式。

例如，安德鲁·劳埃德·韦伯和提姆·赖斯共同创作的《猫》，将波普音乐与舞台剧的形式相结合，成为音乐剧史上最具影响力的作品之一。

近年来，音乐剧继续吸引着观众的关注，并不断创造出新的经典作品。

例如，《悲惨世界》和《狮子王》等作品在世界各地取得了巨大的成功，成为了当代音乐剧的代表作品。

总的来说，音乐剧的发展历程是一个不断创新和变革的过程。

欧洲歌剧发展史音乐0802 黄佳莉 082601205歌剧一种以歌唱为主，并综合以器乐、诗歌、舞蹈等艺术为一体的戏剧形式，称歌剧。

歌剧是西洋音乐舞台上最重要的综合艺术形式。

音乐形式包括咏叹调、宣叙调、重唱、合唱等。

歌剧的诞生歌剧起源于巴洛克时期（1066-1750），最初时期，意大利佛洛伦萨的一群人文主义者为了复兴古希腊时期的戏剧艺术，并试图模仿古代希腊的艺术形式，他们把自己的艺术圈子称之为“卡美塔拉”。

1599年由努契尼、佩里创作的《达芙尼》是目前所知的第一部歌剧，1600年他创作的《尤丽狄茜》是现如今最早的有据可查的歌剧。

这两部歌剧已经有了咏叹调与宣叙调分工，但仍带有文艺复兴后期牧歌剧的人文主义气息，总体看来并不成熟。

歌剧的诞生似乎是在一夜之间，但它不可能事孤立而突如其来的，必须具备各种催生它的因素和合适的环境。

从目前的研究成果来看，相对来说联系比较密切的有三大部分：古希腊戏剧、宗教音乐和民族民间音乐，它们为歌剧的诞生做好了充分的准备。

巴洛克时期文艺复兴时期的艺术是以古代希腊、古代罗马的艺术形式美为第一性的，文艺复兴时期的艺术家们认为当时身边的一切背离了古典传统的美，然而，相对于文艺复兴时期的古典美而言，“巴洛克”风格是一种新的、热烈的、华丽的甚至是十分夸张的表现风格。

歌剧在弗洛伦萨诞生后，迅速在意大利各地兴起，收到宫廷贵族、艺术家和社会的广泛欢迎。

在17世纪末，仅威尼斯就建立了十五座歌剧院，歌剧得到了极大的繁荣，成为一种社会性的活动，发展最快、贡献最大的分别是弗洛伦萨、罗马、威尼斯和那不勒斯。

然而弗洛伦萨的辉煌持续并不是很长，当歌剧传到罗马之后，立刻得到了长足的进展。

1620年左右歌剧扎根罗马，在1633年左右罗马建起了可以容纳三千观众的大歌剧院，并由后来称为教皇的作家尤里奥·罗斯皮里奥斯创作了剧本《圣·阿莱西奥》在大歌剧院落成庆典上首演大获成功。

弗洛伦萨歌剧的代表人物中比较著名的是卡契尼，卡契尼开创的美声学派强调音质美和典雅的品位。

高清歌剧让一切纤毫毕现作者：暂无来源：《上海信息化》 2012年第6期歌剧是西方古典音乐和戏剧艺术皇冠上的明珠。

然而，由于其规模宏大，成本极其高昂，观众群狭窄，市场前景不佳，因此堪称最“曲高和寡”的艺术。

不过，在不断的突破与创新中，传统经典艺术通过数字革命为自己赢得了新的艺术生命，而且新生命的魅力相当令人惊叹。

高清录像这一近年来备受瞩目的科技进步，使得原味再现某一个特定舞台、某一刻精彩瞬间成为可能。

文／颜格“在美国，在电影院里欣赏歌剧已经成为一种社会现象。

”英国连锁独立电影院Picture house的主管林恩·盖勒比说。

作为美国纽约大都会歌剧院“电影歌剧演出季”的第5季，其将歌剧送入了全球1500个电影院，其中620个位于美国，72个位于英国。

热卖的演出包括罗伯特·拉佩吉制作的瓦格纳大型史诗级歌剧《尼伯龙根的指环》和《女武神》。

在影院观看歌剧《唐·卡洛》的现场直播要花费25英镑，这个价格比同样长度的普通电影票价高出1倍左右，但演出票早在9个月前就卖完了，“上一季的电影歌剧演出为我们带来了1500万美元的纯利润”。

高新科技，正在为艺术创作与传播带来无限可能性。

传统意义上的表演，往往封闭在剧院等固定场所，而随着数字技术、网络技术、虚拟现实技术等高新技术的发展，艺术家的表演以及观众的感官都将被大大延伸，表演场所的内涵将大大拓展。

从现场演出到高清呈现，信息技术与演出业进行着独具创意的深度融合，传统的舞台演出正日益进入数字化时代。

“高清歌剧”的设想，最初源于美国大都会歌剧院总经理彼得·盖尔博(Peter Gelb)。

作为一家拥有100多年历史的老牌歌剧院，大都会歌剧院在步入新世纪后，同样面临着观众老化的考验，从2002年开始，票房成绩不断下滑。

相关调查显示，之所以出现这样的状况，主要原因是观众数量有限。

尽管大都会歌剧院是世界上规模最大的歌剧运作机构，每年要上演20多部歌剧，日间彩排、晚场演出、周六周日以及深夜装台，大都会的舞台几乎24小时夜以继日地工作，然而，能进入剧院现场观看歌剧的观众人数依然有限。

音乐剧发展简史□音乐剧的起源历史上第一部“音乐剧”奖约翰·凯的《乞丐的歌剧》，首演于1728年的伦敦，当时被称为“民间歌剧”，它采用了当时流传甚广的歌曲作为穿插故事情节的主体，在一定程度上讽刺了统治者和华丽的意大利式歌剧。

1750年，一个巡回演出团在美国北部首次上演了《乞丐的歌剧》，这是美国人亲身体验音乐剧的开端。

之后英国喜剧歌剧、法国歌剧和维也纳轻歌剧也进行了一些类型尝试，可谓早期音乐剧的雏形。

但是直到1866年，由于音乐剧《黑魔鬼》的冲击才使纽约的观众真正为音乐剧的魅力所征服。

《黑魔鬼》也因此被公认为第一部美国的音乐剧。

那壮丽的场面及一群赤膊的美丽少女给观众留下了极为深刻的印象。

从那时候起欣赏用歌曲进行润肺的剧目成为最具吸引力的娱乐方式。

事实上，第一次使用“音乐剧”这一名称要追溯到19世纪后期，制作人乔治·爱德华在伦敦盖伊特剧院上演的作品。

1893年英国人S·琼斯创作了一部融戏剧、音乐、歌舞于一体的作品《快乐的姑娘》，该剧富有幽默情趣和戏剧色彩，加之其通俗易懂的音乐，引起了极大的反响。

特别是当乔治·爱德华把《快乐的姑娘》带到纽约时，不但很快被纽约人接受了，还促进了音乐剧在美国的发展。

□音乐剧的创新经过十九世纪中叶之后半个多世纪的多方位的探索期，音乐剧逐步求得了音乐、舞蹈、戏剧的结合，到20世纪中期它已成为一种独具唯力的戏剧演出形式。

20世纪20年代以后，以典型剧目的创新和突破为代表，美国百老汇和伦敦西区的音乐剧都有不同程度的长足发展：◎《演出船》：成功地把美国乡土的剧本故事与歌曲、舞蹈组织在一起，并首次在脚本和表演上都突破了种族歧视。

◎《俄克拉荷马》：使音乐、舞蹈紧密地与故事过程结合起来，特别是舞蹈的表达作用得到升华。

◎《平步青云》：在音乐、舞蹈、表演三者的协同与整台上达到了新的高峰，创作过程也发生了根本变化。

◎《奥利弗》：体现了“古典故事+优秀歌曲+布景技术”的音乐剧创新品质。

音乐剧发展历程
音乐剧发展历程可追溯到19世纪中叶的欧洲和美国。

最早的音乐剧形式可以追溯到英国的音乐喜剧，其中将音乐、舞蹈和剧情结合在一起，成为当时流行的娱乐方式。

到了20世纪初，音乐剧逐渐发展成为一种大规模的舞台艺术形式。

在美国，百老汇成为了音乐剧的中心地带，吸引了许多作曲家和词曲作者。

同时，在欧洲的维也纳和柏林也兴起了音乐剧创作热潮。

在20世纪30年代和40年代，音乐剧进一步发展，以《咖啡馆》和《蓝色天使》为代表的剧目成为了经典之作。

然而，由于第二次世界大战的爆发，音乐剧的发展受到了一定程度的限制。

到了20世纪50年代，音乐剧再度迎来了黄金时代。

作曲家们开始创作更加大胆和复杂的音乐剧，包括《音乐之声》和《风中奇缘》等经典作品。

同时，舞台技术和设计也得到了空前的发展，使得音乐剧演出变得更加精彩。

随着时间的推移，音乐剧的创作风格逐渐多样化。

20世纪60年代和70年代，摇滚乐开始渗透到音乐剧中，带来了一股新的潮流。

《披头士》和《神探夏洛克·福尔摩斯》等作品成为了这个时期的代表。

进入21世纪，音乐剧继续创新发展。

传统音乐剧与现代流行音乐的结合，例如《狮子王》和《歌剧魅影》，成为了当今音
乐剧的重要特点。

此外，电影和电视剧也开始被改编成音乐剧，并取得了巨大的成功，如《悲惨世界》和《哈利波特与被诅咒的孩子》。

总的来说，音乐剧在过去的几个世纪中取得了巨大的发展和进步。

它的多样化和创新使得音乐剧成为了一种强大且吸引人的舞台艺术形式，继续吸引着全球各地的观众。

音乐剧知识：经典音乐剧的拍摄与重制音乐剧是一种集歌曲、舞蹈、配乐和对白于一体的戏剧形式，源于19世纪末的欧洲，经过不断发展和演变，成为了一种多彩多姿的表演艺术。

随着电影技术的不断发展，越来越多的经典音乐剧被拍摄成电影，或是被重新改编、重制，让更多的观众能够欣赏这些经典作品。

经典音乐剧的拍摄对于许多经典音乐剧来说，拍摄成电影是一种将作品传播到更广泛观众的方式。

这种方式不仅能为观众带来更丰富的视觉体验，也能够透过电影的传播渠道，让更多的人了解和喜欢音乐剧这种表演艺术形式。

西区故事（West Side Story）是一部由伯纳德·贝伊和阿瑟·劳伦茨创作的经典音乐剧。

该剧的改编版电影于1961年上映，由罗伯特·维斯特演导，奥黛丽·赫本（Audrey Hepburn）和罗素·克劳（Russell Crowe）领衔主演。

这部电影以动人的音乐，精彩的舞蹈和动人的情节，吸引了全球观众的喜爱。

它不仅赢得了10项奥斯卡金像奖，也让众多观众了解了西区故事这个经典音乐剧的故事情节和文化背景。

《音乐之声》（The Sound of Music）是另一部广为人知的经典音乐剧。

该剧于1959年首演，讲述了慈善女领袖玛丽亚去到卡普里斯山庄，照顾维多利亚修道院院长的7个孩子，并和孩子们一起用音乐和欢笑克服生活的苦难的故事。

电影版于1965年上映，由朱莉·安德鲁斯和克里斯托弗·普卢默主演，该电影成为了美国电影史上最具影响力的电影之一，也在全球范围内获得了成功。

经典音乐剧的重制除了将音乐剧拍摄成电影外，重制也是为经典音乐剧注入新生命的方式之一。

重制可以是对原版作品进行的微小改动，也可以是将音乐剧置于新的背景或时代中的彻底重新改编。

通过重制，观众可以在保留剧本和音乐的前提下，欣赏到全新的音乐剧表演艺术。

《猫》（Cats）是一部由安德鲁·劳埃德·韦伯创作的经典音乐剧，该剧于1981年在伦敦首演。

作者： 葛文延
出版物刊名： 人民音乐
页码： 32-33页
主题词： 曼哈顿;罗西尼;纽约;歌剧院;电视机;唱片;美声唱法;将军;演出;萨瑟兰
摘要： <正> 1990年12月的一个夜晚,纽约大都会歌剧院出现了激动人心的场面:在观众热烈的鼓掌和欢呼声中,玛里琳·霍恩出现在金黄色的剧院帷幕前,高举双手向大家频频致意,脸上露出胜利的微笑。

今晚,她在罗西尼的歌剧《赛密拉米德》中成功地扮演了阿尔萨斯这一角色,而观看演出的,除了歌剧院中几千名她的崇拜者,还包括全美一百多万电视机前的观众。

“我成功了,因为我一直想说‘是,我们成功了!’”不到一年以后霍恩在自己俯瞰曼哈顿上西区的那所。

环球专柜——《回忆歌剧的黄金年代》
穆言
【期刊名称】《音乐爱好者》
【年(卷),期】2008(000)005
【摘要】次女高音歌唱家芭托莉不久前推出的新专辑《玛丽亚》再一次勾起了人们对十九世纪上半叶传奇的歌唱家玛丽亚·马里布兰（Maria Malibran）的追忆。

无独有偶，Decca最近又在他们的资料库中翻出了由女中音歌唱家玛丽琳·霍恩（Marilyn Horne）在上世纪六十年代留下的《回忆歌剧的黄金年代》的母带，将原版的模拟录音转制成96kHz、24-bit的CD，而这张唱片所回忆的黄金年代，恰也是以马里布兰和她的胞妹、拥有惊人音域的次女高音宝琳·薇雅朵（Pauline Viardot）为代表的时代。

【总页数】4页(P56-59)
【作者】穆言
【作者单位】无
【正文语种】中文
【中图分类】J822
【相关文献】
1.回顾歌剧制作的黄金年代——EMI“中价歌剧系列”四款 [J], 伍贾
2.环球专柜——无词的歌剧咏叹调 [J], 梁晓奋（编译）
3.环球专柜——DECCA歌剧经典独唱集 [J],
4.环球专柜——环球入门系列 [J], 于爽
5.唱片专柜：环球专柜 [J], 李严欢;熊永明;曾怡
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我愿称她玛丽——观歌剧《居里夫人》
周小静;段超
【期刊名称】《歌剧》
【年(卷),期】2014(000)010
【摘要】天津2014年的歌剧舞剧节,由波兰波罗的海歌剧院的《居里夫人》开启。

没有一次次升起落下的帷幕,没有壮观的舞台布景,没有华丽的服饰和妆容,没有令人陶醉的声乐炫技,却有着强烈的直入人心的精神力量。

居里夫人一生中最重要的经
历和成就被浓缩在一气呵成的100分钟歌剧中。

与过去头脑里单薄的偶像概念不同,歌剧带给我们一个温润可感的真实形象——在寻常生活中做妻子、母亲、情人
的普通人,在科学世界里为世界做出巨大贡献并成就了自己的超凡之人。

【总页数】3页(P23-25)
【作者】周小静;段超
【作者单位】
【正文语种】中文
【中图分类】G316
【相关文献】
1.玛丽·居里夫人的高贵品格和人格魅力 [J], 吕增建;陈小敏
2.玛丽亚・卡拉斯经典歌剧唱段演唱艺术特点探析 [J], 穆杉
3.玛丽琳·霍恩把歌剧的黄金时代重新带回美国 [J], 夏宏;
4.纽约市立歌剧院歌剧名伶玛丽莲·尼斯卡辞世，享年89岁 [J], ;
5.玛丽·居里夫人 [J], 张晶晶
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