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交响乐基础知识与欣赏入门交响乐是一种由乐器演奏的音乐形式，以其庄严、雄壮和丰富的音色而著名。
它是西方音乐传统中最重要的形式之一，具有悠久的历史和丰富的演奏曲目。
本文将介绍交响乐的基础知识和欣赏入门。
一、交响乐的定义和特点交响乐是由管弦乐团演奏的音乐作品，通常由四个乐章组成。
乐团由弦乐器、木管乐器、铜管乐器和打击乐器组成，各种乐器互相配合，共同演绎出丰富多彩的音乐效果。
交响乐的特点在于其庞大的编制和多样的音色变化。
弦乐器是交响乐的基础，负责奏出旋律和和声。
木管乐器可以奏出柔和的音色，如长笛、单簧管和双簧管等。
铜管乐器则能够奏出豪放的音色，如小号、大号和长号等。
打击乐器则增加了音乐的节奏和动感。
二、交响乐的发展历程交响乐起源于18世纪的欧洲，最早的交响乐是由小型室内乐团演奏的。
随着时代的变迁，交响乐逐渐发展成大型的管弦乐团演奏形式。
著名的作曲家贝多芬和莫扎特等人对交响乐的发展做出了重要贡献，他们的作品成为了经典的交响乐作品。
三、交响乐的乐章结构交响乐通常由四个乐章组成：快板、慢板、舞曲和终曲。
快板通常是交响乐的开头，节奏明快，充满活力。
慢板则是交响乐的抒情部分，音乐缓慢而富有情感。
舞曲则是交响乐中的欢快部分，节奏轻快而活泼。
终曲是交响乐的结尾部分，通常是整个作品中最激动人心的部分。
四、交响乐的欣赏入门对于初次接触交响乐的人来说，可以选择一些著名的作曲家和作品进行欣赏。
贝多芬的第五交响曲和第九交响曲是经典之作，充满了激情和力量。
莫扎特的《安魂曲》则是一部优雅而感人的作品。
此外，柴可夫斯基的《第五交响曲》和德沃夏克的《新世界交响曲》也是非常受欢迎的作品。
在欣赏交响乐时，可以留意乐曲的节奏变化、旋律发展和乐器的合奏等方面。
尝试通过闭上眼睛，沉浸在音乐中，感受乐曲所传达的情感和意境。
五、总结交响乐作为一种古老而庄严的音乐形式，拥有丰富多样的曲目和独特的音乐魅力。
通过了解交响乐的基础知识和欣赏入门，我们可以更好地欣赏和理解这一音乐形式。
怎样欣赏音乐方法介绍怎样欣赏音乐方法介绍在欣赏音乐时，应着重于音乐本身给自己一种什么样的体会，激起什么样的情感，每个人有不同的欣赏能力和欣赏方法。
所以，开始必须是听音乐作品，而不是评论音乐作品。
下面是小编带来的怎样欣赏音乐方法介绍，希望对你有帮助。
现实生活中存在着这样一种共性，有些人很喜欢听音乐，却对音乐不知如何理解和欣赏，只是喜欢听。
怎样欣赏音乐，要从音乐的本质和作用来探讨。
音乐所描述的事情从本质上来讲是比较抽象的，要像读小说那样把它们在自己的想象中聚集在一起并不那么容易。
因此必须能够辨认一首曲调，因为在音乐中取代小说中的情节地位一般是旋律，旋律是聆听者的向导。
如果一开始就不能辨认音乐的旋律，又不能自始自终地追随它们的行踪，只不过是模糊地感觉到音乐的存在而已，这样就不能正确地理解和欣赏音乐。
如果能够辨认一首一首曲调，则意味着欣赏者知道自己正在听的音乐是哪个部分，并很有可能知道此后将听到什么，这比单纯的喜欢听音乐又深入了一层，这样在理解音乐和欣赏音乐就会得到一些收获，就会得到一些情感和乐趣。
欣赏音乐从通俗的意思来讲，首先是对音乐的感知，对音乐的辨别，对音乐节奏，对音乐节拍，对音乐的速度和力度，对音乐的音区和音色，对音乐的和声和声调，对音乐的结构和题材，对音乐中的乐器和歌声的辨别，并进行组合化的理解和欣赏。
其次是对音乐欣赏的感情体验。
它借助标题音乐和文字提示，结合欣赏者自身的生活经历进行体验。
再次就是音乐欣赏的联想与想象，在此基础上去理解音乐，认知音乐，升华音乐。
拓展阅读欣赏音乐的技能培养方法指导人们时常埋怨音乐是那样地模糊，听音乐时简直不知如何去想才好，许多听觉系统健康的人，却有听不懂音乐的。
这些不是他们的耳朵或听觉神经不能接受和传送音响信息，而是缺乏理解音乐、辨别音乐的知识和方法。
音乐是一种声音表情艺术，是“心灵的直接语言”，通过有组织的音（主要是乐音）所形成的艺术形象，表现人们的思想、感情，反映社会现实生活的艺术。
在前⾯讨论"织体"要素时曾提到，⾳乐中有⼀个概念⽐较宽泛，即"结构"概念。
我们把它分成两个⽅⾯来解释，⼀个是指⾳乐在空间上的结构，我们称之为"织体"，另⼀个是在时间上的结构，专业名词是"曲式"（music form）。
为什么说曲式是"时间上的结构"呢？⼀部⾳乐作品，⽆论是长篇巨制，如交响曲、歌剧，还是短⼩的歌曲，都要在时间的延续中⼀点⼀点地铺展，⽽不可能像欣赏⼀幅画⼀样，在瞬间就能⼤致把握整体结构。
这种在时间上的延续，正是⾳乐艺术的⼀⼤特点，所以⾳乐被称为"时间的艺术"。
⽽⾳乐在时间上的延续，⽆论长短，两三分钟或两三⼩时，都必须有⼀个结构框架，有个章法，⽽不能是混沌⼀⽚。
这种结构框架或者章法，就称之为"曲式"。
它不是预设的理论，⽽是在⼤量实践中总结出来的思维范式。
曲式有很多种，正如⼤的宫殿有⼤的结构，⼩的屋舍有⼩的形式⼀样。
⽆论⼤⼩，⽆论是古典的还是现代的创新之作，都会包含以下三个原则：对⽐，变奏、重复。
对⽐是由作品中的多个⾳乐材料造成的，它们在旋律形态、节奏型、情绪特征上的不同给听者带来了新鲜的感觉。
⼀部作品多少总会有些对⽐的因素，⼤型作品的对⽐幅度会⽐较⼤，对⽐的材料会⽐较多，相对来说⼩型作品的对⽐幅度就⼩些，材料也没有那么多。
变奏⼿法是将⼀个⾳乐材料在保留某些特征的情况下进⾏变化，⼀⽅⾯仍可使⼈听出原型同时⼜有新鲜感。
⽐较简单的变奏是基本保持主题的旋律轮廓、节奏型甚⾄和声，只是添加⼀些⼩⼩的装饰。
稍复杂些的，则会将旋律、节奏、调式调性、织体、和声都做较⼤幅度的改变，甚⾄只是选取原材料的某个因素加以发展，以⾄于⼏乎听不出它们和原型的联系了。
⾳乐作品中的"展开"就属于这种类型的变奏。
重复是指⾳乐材料的再次出现。
⼀发⽽逝是⾳乐艺术的特性之⼀。
音乐入门知识欣赏不同音乐类型和乐器演奏技巧音乐入门知识：欣赏不同音乐类型和乐器演奏技巧音乐是一门普遍受欢迎的艺术形式，它能够渲染情感、传递思想以及表达个人创造力。
无论是演奏乐器还是欣赏音乐，我们都可以通过了解不同音乐类型和乐器演奏技巧来提升自己的音乐素养。
本文将从这两个方面进行阐述。
一、不同音乐类型的欣赏音乐有许多不同的类型，每种类型都有其独特的特点和风格。
以下是几种常见的音乐类型及其特点：1. 古典音乐：以器乐为主，注重和声、曲调和韵律的完美结合。
代表作家有贝多芬、莫扎特等。
2. 流行音乐：注重旋律和歌词的优美程度，更加接近大众审美。
代表歌手有泰勒·斯威夫特、艾德·希兰等。
3. 摇滚音乐：具有激昂的旋律和强烈的节奏感，常以电吉他为主导乐器。
代表乐队有滚石乐队、披头士乐队等。
4. 爵士音乐：融合了非洲音乐和欧洲古典音乐的元素，突出了即兴创作。
代表音乐家有路易·阿姆斯特朗、埃拉·菲茨杰拉德等。
5. 电子音乐：以计算机生成的音乐为主，具有强烈的电子特色和律动感。
代表音乐家有大卫·盖塔、阿凡达乐队等。
了解不同类型的音乐，可以让我们开拓音乐视野，培养对不同音乐类型的鉴赏能力。
我们可以通过音乐平台、音乐节等途径深入了解和欣赏各种类型的音乐作品，享受其独特的魅力。
二、乐器演奏技巧的学习乐器演奏是音乐的核心部分，掌握一定的演奏技巧能够提升我们的演奏水平和艺术表达能力。
下面介绍几种常见乐器的演奏技巧：1. 钢琴：钢琴是一种全音域乐器，弹奏时需要掌握手指的力度、速度和配合。
学习钢琴演奏，需要培养手指的灵敏度和柔软性，通过弹指法、连续奏法等技巧来表达音乐的情感。
2. 吉他：吉他是一种弹拨乐器，可以演奏和弦和旋律。
学习吉他演奏，需要掌握和弦的分解与组合，熟练运用指法、扫弦等技巧实现和弦的连贯过渡和吉他演奏的流畅性。
3. 小提琴：小提琴是一种弓弦乐器，演奏技巧要求高。
学习小提琴演奏，需要通过正确的手指放置、弓法和琴弓的运用来实现音符的准确和音色的优美。
《音乐欣赏入门》故事梗概音乐欣赏入门-故事梗概在一个小城镇里，住着一个叫杰夫的年轻人。
他对音乐有着极大的热爱，每天都会在家里弹奏吉他，或者闲暇时去参加音乐会。
然而，尽管他对音乐充满热情，但他并不了解如何更好地欣赏音乐、理解音乐背后的故事和意义。
一天，他听说了一位著名音乐家马克斯将举办一场讲座，主题是音乐欣赏入门。
杰夫迫不及待地赶到了会场，他希望通过这个讲座能够开阔自己对音乐的视野。
马克斯用诙谐有趣的方式向大家介绍了音乐的基本要素，如旋律、节奏、和弦以及音符的读法。
他强调了音乐的多样性，并分享了一些不同类型的音乐作品，比如古典音乐、流行音乐和爵士音乐。
这让杰夫对音乐的世界充满了好奇。
随后，马克斯开始解读一首古典交响乐曲，名为《命运交响曲》。
他详细分析了乐曲的结构，引导听众一起聆听并体验音乐的魅力。
他为大家讲解了作曲家贝多芬的创作背景和情感表达，使大家能够更深入地理解作品中蕴含的故事。
在接下来的讲座中，马克斯介绍了不同的音乐形式，如交响乐、协奏曲和奏鸣曲。
他用生动的例子和实际演奏示范，向大家展示了不同形式的魅力，并鼓励大家去探索更多不同类型的音乐作品。
杰夫被马克斯的讲座深深吸引，他决定加入一个音乐欣赏俱乐部，与其他对音乐感兴趣的人一起学习和分享音乐的知识。
在俱乐部里，杰夫结识了许多志同道合的朋友，并且每周都会参加一次音乐会或者欣赏会。
随着时间的推移，杰夫的音乐欣赏能力得到了显著提升。
他开始能够更加准确地分析出音乐作品中的情感表达和音乐结构，能够更深入地理解音乐家的用心创作。
通过马克斯的讲座和音乐欣赏俱乐部的学习，杰夫找到了一种更加全面、深入地欣赏音乐的方法。
他在音乐中感受到了无限的与世界连接的力量，并通过音乐来表达自己的情感和思考。
故事的结局是，杰夫成为了一位杰出的音乐评论家，并且通过自己的文章和讲座，将自己对音乐欣赏的理解传播给更多的人。
他希望能够鼓励更多的人去发现音乐的美丽和无限可能性。
通过这个故事，我们可以看到音乐欣赏并不仅仅是一种娱乐活动，它是一种连接人与人之间情感的纽带，也是一种能够提升个人审美能力和情感表达能力的重要途径。
古典音乐欣赏入门名曲解析与鉴赏技巧当我们提及古典音乐，或许会觉得它有些高深莫测、难以亲近。
但实际上，只要掌握一些基本的方法和技巧，就能轻松踏入古典音乐的美妙世界，领略其中的无尽魅力。
首先，让我们来了解几首适合入门欣赏的古典名曲。
《蓝色多瑙河》是一首广为人知的作品，由奥地利作曲家小约翰·施特劳斯创作。
这首曲子旋律优美、节奏明快，仿佛让人看到多瑙河波光粼粼的水面和两岸的美丽风光。
乐曲开头轻柔舒缓，随后逐渐热烈欢快，各种乐器的配合天衣无缝，营造出一种欢乐、祥和的氛围。
贝多芬的《命运交响曲》则充满了力量与激情。
开头那著名的“命运敲门”的动机，强烈而震撼，仿佛在诉说着人生的挑战与不屈。
整首曲子跌宕起伏，展现了贝多芬与命运抗争的精神，听来让人热血沸腾。
莫扎特的《小夜曲》则是优雅与浪漫的代表。
旋律轻盈流畅，如同一阵微风轻轻拂过心间，让人感到无比惬意。
接下来，我们谈谈古典音乐的鉴赏技巧。
用心聆听是关键。
找一个安静的环境，放下手中的琐事，全身心地投入到音乐中。
闭上眼睛，让音乐直接触动心灵。
感受旋律的起伏、节奏的变化以及音符之间的微妙关系。
了解作曲家的背景和创作时代也能帮助我们更好地理解音乐。
比如，贝多芬生活在动荡的时代，他的音乐往往反映了对命运的思考和抗争；而莫扎特生活相对顺遂，其作品多展现出纯真和欢乐。
注意音乐中的各种元素，如旋律、和声、节奏、音色等。
旋律是音乐的灵魂，它可以是优美动人的，也可以是激昂奋进的。
和声为旋律增添了丰富的色彩和情感。
节奏则决定了音乐的韵律和动感。
不同的乐器音色也会给人带来不同的感受。
对于初学者来说，可以多听不同版本的演奏。
同一首曲子，不同的演奏家可能会有不同的诠释和处理方式，通过对比欣赏，能够更全面地理解作品。
此外，阅读一些相关的音乐评论和书籍也是有益的。
它们可以为我们提供更多的视角和理解，加深对古典音乐的认识。
不要急于求成，古典音乐的欣赏是一个逐渐积累和感悟的过程。
每次聆听都可能会有新的发现和感受。
交响乐欣赏入门用学院术语说，“音乐”是通过有组织的乐音表述一定的艺术形象，表达创作着的思想感情，通过演奏（演唱），与欣赏者发生共鸣的一种艺术表现形式。
然而最早的音乐起源于劳动是的“哼吆”之声，是一种离现实生活最接近的音乐艺术。
学院派又说，创作、演奏（演唱）和欣赏，是音乐实践的三个方面。
音乐欣赏是音乐实践的一个环节，是一种审美活动。
然而对于最早的音乐来说，创作、演唱及欣赏，全是一人或一个劳动单位。
只是随着社会发展了，阶层（也是阶级）细化了，劳动岗位多了，创作、演唱变成了一种职业，音乐有了“阳春白雪”和“下里巴人”之分。
宫廷音乐已是帝王将相、豪门富贾们的地位、权利及金钱的象征，而民间音乐（或称其为“小调”）却没有商标、没有版权，流传百世，流传四方。
交响乐是音乐艺术的一种表现形式，由于它产生的背景，交响乐恰如宫廷音乐，离百姓太远，以至一听到“交响乐”三个字，我们的表情开始有些走型了，就如听说“满汉全席”一般。
艺术是通过一定的形式来表达相应的内容，形式美是艺术美的外在表现，在音乐形式上，音乐“门客”确实起了很重要的作用，要不是十八世纪德国南部Mannhem城的卡尔.泰德尔的宫廷，汇集了众多音乐英才，交响乐可能就象“幽灵”一般，在什么地方“摸索”着呢。
如今，社会发展啦，科技进步啦，只要有一些钱，“交响乐”就不神秘了。
所以，你要获得完整的、有关交响乐的艺术享受，我劝你还是从感官（耳朵）去感觉、用感情去感受、让理智去均衡“感官与感情”。
要全面欣赏一部交响乐作品，你不妨继续读下去。
一、交响乐常识A、掌握交响乐的结构我们所欣赏的交响乐(Symphony)，是指一种以奏鸣曲(Sonata)的结构写作，由管弦乐(Orchestra)演奏的多乐章的器乐曲。
通常包含独立的、以奏鸣曲的结构统一起来的四个乐章，但也有例外，如马勒的D小调第三交响乐，有六个乐章；柏辽兹的幻想交响曲共有五个乐章；西贝柳斯的C大调第七交响曲，仅由单乐章构成的。
小学音乐欣赏课教案设计第一章：音乐欣赏入门1.1 教学目标了解音乐欣赏的基本概念和方法。
培养学生的音乐审美能力和欣赏兴趣。
1.2 教学内容音乐欣赏的定义与意义。
音乐欣赏的基本方法：听、唱、动、思、创造。
1.3 教学活动引入音乐欣赏的概念，让学生初步了解音乐欣赏的重要性。
通过实例讲解音乐欣赏的基本方法，引导学生积极参与。
第二章：古典音乐欣赏2.1 教学目标了解古典音乐的基本知识。
学会欣赏古典音乐，培养高雅的音乐品味。
2.2 教学内容古典音乐的基本类型：交响乐、室内乐、独奏、合唱等。
古典音乐欣赏的方法：了解背景、分析结构、感受情感、评价风格。
2.3 教学活动介绍古典音乐的基本类型，让学生对古典音乐有初步的认识。
通过具体曲目，引导学生学会分析音乐的结构，感受音乐的情感。
第三章：民乐欣赏3.1 教学目标了解民族音乐的基本知识。
学会欣赏民族音乐，传承我国优秀的民族音乐文化。
3.2 教学内容民族音乐的基本类型：民间音乐、宫廷音乐、宗教音乐等。
民族音乐欣赏的方法：了解历史背景、分析音乐特点、感受韵味、传承文化。
3.3 教学活动介绍民族音乐的基本类型，让学生对民族音乐有初步的认识。
通过具体曲目，引导学生了解民族音乐的历史背景，分析音乐特点。
第四章：流行音乐欣赏4.1 教学目标了解流行音乐的基本知识。
学会欣赏流行音乐，拓宽音乐视野。
4.2 教学内容流行音乐的基本类型：摇滚、流行、电子、R&B等。
流行音乐欣赏的方法：了解音乐风格、分析旋律与节奏、感受情感、关注歌词。
4.3 教学活动介绍流行音乐的基本类型，让学生对流行音乐有初步的认识。
通过具体曲目，引导学生学会分析流行音乐的旋律与节奏，感受音乐的情感。
第五章：音乐欣赏与应用5.1 教学目标培养学生音乐欣赏的能力。
引导学生将音乐欣赏应用于日常生活中。
5.2 教学内容音乐欣赏在生活中的应用：陶冶情操、放松心情、增进人际关系等。
音乐欣赏的方法：主动寻找与分享、参与音乐活动、学习音乐知识。
古典音乐欣赏入门一、古典音乐的定义与发展历程（一）定义古典音乐是指从西方中世纪开始至今，在欧洲主流文化背景下创作的音乐，其具有复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵。
（二）发展历程巴洛克时期（1600 - 1750 年）这一时期的音乐特点是节奏强烈、旋律精致，复调音乐达到了很高的水平。
代表作曲家有巴赫、亨德尔等。
古典主义时期（1750 - 1820 年）音乐风格强调理性、对称与平衡，旋律优美，结构严谨。
莫扎特、海顿和贝多芬是这一时期的杰出代表。
浪漫主义时期（1820 - 1900 年）音乐注重情感表达，旋律更加自由奔放，和声色彩更加丰富。
肖邦、李斯特、柴可夫斯基等作曲家在这一时期大放异彩。
二、古典音乐的基本元素（一）旋律旋律是音乐的灵魂，它是由一系列音符按照一定的节奏和音高组成的线条。
古典音乐中的旋律丰富多样，有的优美抒情，有的激昂澎湃。
（二）节奏节奏是音乐的骨架，它决定了音乐的速度和韵律。
不同的节奏型可以营造出不同的音乐氛围。
（三）和声和声是指两个或两个以上不同的音按一定的法则同时发声而构成的音响组合。
它可以丰富音乐的色彩，增强音乐的表现力。
（四）音色音色是指不同乐器或人声所发出的独特声音。
古典音乐中常用的乐器有钢琴、小提琴、大提琴、长笛、小号等，每种乐器都有其独特的音色。
三、古典音乐欣赏的方法（一）了解作品的背景在欣赏一部古典音乐作品之前，了解作品的创作背景、作曲家的生平经历等信息，可以更好地理解作品的内涵。
（二）专注聆听找一个安静的环境，集中注意力聆听音乐。
可以闭上眼睛，让自己沉浸在音乐的世界中。
（三）分析音乐元素在聆听的过程中，分析作品的旋律、节奏、和声、音色等元素，感受作曲家是如何运用这些元素来表达情感和营造氛围的。
四、古典音乐作品推荐（一）巴洛克时期巴赫《哥德堡变奏曲》这部作品是巴赫的键盘音乐代表作之一，由一个主题和30 个变奏组成，展示了巴赫高超的作曲技巧和丰富的音乐想象力。
亨德尔《弥赛亚》这是一部宗教音乐作品，其中的《哈利路亚》合唱曲非常著名，其宏伟壮丽的气势令人震撼。
在前⼀节中我们谈到了"再现"--当⼀个⾳乐材料呈⽰之后，有新的因素出现，在新因素后⾯前述材料的重新出现，称作再现。
⽐如图⽰为 A、B、A的曲式，后⾯的A就是再现部（recapitulation）。
⾸先来谈带再现的单⼆部曲式和单三部曲式。
所谓"单"是与"复合"概念相对，它是指曲式中的任何⼀部分都是单⼀的曲式单位，不能再划分出更⼩的独⽴部分了。
单⼆部和单三部曲式都可⽤于⼀⾸独⽴的乐曲，也可作为⼤型曲式中的⼀个部分。
与并列曲式相⽐，带再现的曲式在实际创作中更为多见，这是因为它的"再现"能给全曲带来呼应、对称、稳定的感觉，并具有总结、概括的功能。
再现可以是原封不动的，也可以是带有变化的。
可以是全部再现，也可以是部分再现。
带再现单⼆部曲式从上图可看出，再现⼆部曲式包括两个部分，每个部分都各包含两个⼩的部分(⼩写字母)，我们称之为素材或者乐句。
第⼀个图式中的A部包括a、b两个乐句，表明它们是不同的素材。
B部的c是第三个素材，之后的a'表⽰再现了A部的第⼀个素材（a'意味着它是带有变化的，a"是再次变化的形式）。
有时候B部是将A部中的b加以再现。
第⼆个图式A部的两个乐句是同⼀材料的带变化的重复，B部出现了不同的材料c，之后再现了A部的第⼆个乐句。
我们来看实例。
刘铁⼭、茅沅《瑶族舞曲》是⼀⾸⾮常优美的器乐曲，它的主题旋律曲折婉转，其本⾝是带再现⼆部曲式（其结构见上⾯左边图式）。
谱例⼀：《瑶族舞曲》主题曲例⼀：《瑶族舞曲》主题第⼀⾏是图式A部的a，第⼆⾏是b，它们是不同的素材。
第三⾏是B部的c，第四⾏是b'，即带有变化的再现b。
再举个例⼦，舒伯特的艺术歌曲《摇篮曲》。
它的格式是右边的图例。
谱例⼆：舒伯特歌曲《摇篮曲》曲例⼆：舒伯特歌曲《摇篮曲》第⼀⾏（A部）前两⼩节是第⼀乐句a，后两⼩节是a的变化重复，标记为a'。
音乐欣赏入门一、了解音乐艺术的基本特点（一）音乐是什么音乐是凭借声波振动而存在，在时间中展现，并通过人的听觉器官而引起各种情绪反应和情感体验的艺术。
它必须通过演唱或演奏的中间环节，才能使听众感受到音乐的情感与意境，从而产生艺术效果，达到审美的目的。
所以，人们常常称音乐为表演的艺术。
（二）音乐的基本特点1．音乐是声音的艺术这主要是从音乐本体来说的，因为音乐是由各种音响构成的，各种各样的声波振动，是音乐赖以存在的物质材料。
声音分乐音和噪音两大类。
物体有规律的振动，听起来音高十分明显的音，叫做乐音。
如定音鼓、小提琴、二胡、笛子、钢琴等乐器发出的音，都是乐音。
物体没有规律的振动，听起来音高不明显的音，称为噪音。
如锣、钹、碰铃、手鼓、军鼓等乐器发出的音，都是噪音。
在音乐艺术中使用的音，主要是乐音。
但噪音也是不可缺少的，特别在现代音乐中，噪音的表现作用越来越引起人们关注，并被广泛地运用。
2．音乐是听觉的艺术、时间的艺术这是从音乐的外部存在方式来说的。
人们聆听音乐，首先必须通过听觉来感知。
那如歌的旋律和丰富多彩的音色变化，只有直接作用于人的听觉，才能使欣赏者对作品达到完整的听觉把握，从而引起各种情绪反应和情感体验。
因此，我们说音乐是听觉的艺术。
音乐作品表现自身的情感与内容还需要经历一定的时间，它必须在时间的流动中展衍、结束。
音乐作品在时间流动中塑造艺术形象、表现人的情感这一特殊功能，是音乐的主要特征之一。
此外，在音乐欣赏中，欣赏者也只有随着时间的推移，才能完整地体验音乐作品包含的情感与内容。
所以我们称音乐是时间的艺术。
3．音乐是情感的艺术与文学、绘画、雕塑等艺术相比较，音乐与感情的联系最直接，最善于表现人的情感。
早在两千多年以前，我国《乐记》就已经提出“凡音之起，由人心生也”的看法，并描述了音乐是以怎样不同的声音表达人的哀心、乐心、喜心、怒心、敬心、爱心等六种不同心情。
在西方，古希腊哲学家亚里斯多德也早就把音乐与人的感情生活联系起来，认为乐调能反映出愤怒和温和、勇敢和节制以及一切互相对立的品质和其他的性情。
西方艺术史上感情论音乐美学最重要的代表人物、德国哲学家黑格尔在他的《美学》一书中反复强调音乐的内容是情感的表现，认为只有情感才是音乐所要据为己有的领域，并且说：“在这个领域里音乐扩充到能表现一切各不相同的特殊情感，灵魂中一切深浅程度不同的欢乐、喜悦、谐趣、轻浮、创造性和兴高采烈；一切深浅程度不同的焦躁、烦恼、忧愁、哀伤、痛苦和怅惘等，乃至敬畏、崇拜和爱之类情绪都属于音乐所表现的特殊领域。
”在现代音乐美学研究中，波兰音乐学家丽莎认为：“在音乐中，由于缺乏具体的，实在的，单个的客体，感情反应的因素便能比较强烈地发挥作用，占据了首要地位——这便是音乐在反映现实的方式上的特殊性。
”在我国当代音乐美学研究中，赵宋光在撰文说：“音乐则是重表情的，主要是通过表达情感来使人联想那曾引起类似情感反映的许多对象和情景，而以摹拟因素为辅助。
”此外，如果我们再从音乐本身的表现性能来考察，由于音乐所使用的主要是音响的运动这种特殊的表现手段，它所擅长的主要是表现人的内心世界中的动态方面，而这方面最明显的表现就是人的感情活动。
人的思想、意志等精神活动，仅凭音响运动本身还不能直接加以表现；而人的知觉、直觉、梦境、幻境等，则要运用音乐中相应的描绘造型手法，并通过欣赏者的联想才能达到，它们都具有某种间接性。
因此，根据上述专家们所研究得出的这一结论，“音乐是表现感情的艺术”或“音乐主要是表现感情的艺术”，应该说抓住了音乐在表现的内容上最主要、最核心的东西。
那么，音乐又是怎样表现情感的呢？众所周知，感情是指人的喜怒哀乐等心理活动，是人对客观事物的一种反映。
现代心理学研究表明，音乐以声波振动的非语义性组织结构与人类的情感、意志活动具有直接同构对应的关系。
何谓同构关系？用黑格尔的话来说就是：“在声音和情感的内在本质上，存在着远近不同的相对应的关系。
”例如，它们在运动形态上都存在着高低的起伏、节奏的张弛、力度的强弱、色彩的浓淡等，正是这种“同构关系”，为音乐以类比或比拟的方式，多方面地、细致入微地模拟和刻画人的情感活动提供了各种可能性。
综上所述，音乐之所以能够表现情感，是由于在情感的运动形态与音乐运动形态之间存在着同构的关系。
这也正是音乐善于表现情感的基本原因。
4．音乐是表演的艺术音乐人微言轻表演的艺术在表现的方式上与非表演艺术是不相同的。
比如绘画，画家作完一幅画，就完成了一件独立的艺术作品，不需要任何媒介，就可以供人观赏。
文学也是一样，一部小说或一首诗，一经完成就可以直接和读者见面，也无需任何中间环节。
而音乐这类表演艺术则不同，它们必须通过表演这个中间环节，才能把艺术作品传达给欣赏者，实现艺术作品的审美价值。
如果进一步研究音乐和其他表演艺术还有什么不同的话，那么除了它们在艺术种类和特性上的根本不同之外，那就是音乐是一种更加离不开表演的艺术。
在这一点上音乐与舞蹈比较接近，而与戏剧不同。
戏剧，即使在未上演的情况下，也还有戏剧文学脚本存在，读者可以通过剧本来展开想像，在某种程度上获得戏剧的审美体验。
而音乐却做不到这一点，因为音乐家创作的作品是记录音乐的乐谱，不同于语言文字，它是一种特殊的声音符号，除了极少数音乐专家可以通过阅读乐谱产生内心听觉之外，广大的音乐听众是不可能从中获得任何审美体验的。
即使是音乐专家也不能仅仅靠阅读乐谱来欣赏音乐，因为实际演奏出来的音乐与内心想像的音乐毕竟是很不相同的。
所以我们可以说，音乐不仅是表演的艺术，而且是一时一刻也离不开表演的艺术。
当然，音乐表演自从与音乐创作相分离，从而获得它的独立品格以来，一直被人们称做第二度创造或再创造。
也就是说，音乐表演不仅仅是对第一度创造的传达和再现，它还体现出表演者本人的创造。
如何欣赏交响乐欣赏交响乐是一种主动的积极的思维活动，它和欣赏轻音乐不一样，听的时候需要全神贯注，凝神静听，并要积极去思考，去想象，这样才能真正领会到音乐所体现的思想内涵。
欣赏交响乐不能被动的听，而是要积极主动地去发挥想象力，听完之后还要思考它。
因为交响乐除了表达感情以外，还有潜在的思想，就是言有尽而意无穷，感情可以通过耳朵感染给你，而思想却要仔细揣摩，才能够领会。
欣赏音乐作品，特别是交响乐，有这么几个过程。
开始我们只能听到一些音响，听到一些高低不同的音，感受到一些音色。
但是进一步我们会逐渐感受到这部交响乐隐藏的感情。
到这儿并不是就欣赏完了，而是在听完交响曲后还要回过头来进行思考，从音乐中领会作者的思想。
这才进入比较高的认识阶段。
当整个音乐听完以后，把各个主题的关系特别是最后的处理联系起来想想，就可以得到思想上的启迪。
1.音乐的表现要素音乐是用有组织的乐音来创造艺术形象，表达人们的思想感情，反映社会现实生活的一种艺术。
音乐作品的内容非常广泛。
可以叙述有重大社会意义的事件，也可以反映风俗生活；可以描绘自然风光，也可以抒发人们的生活感受和各种思想感情。
无论声乐还是器乐，都需要通过音乐形象来表达作品的内容。
作曲家创造音乐形象运用音乐语言来做为表情达意的表现手法。
熟悉音乐语言，有助于理解音乐作品。
音乐语言包含着各种要素，其中最重要的一种就是旋律。
旋律是由高低不同、长短不同、强弱不同的音组成的音的线条，它是音乐的灵魂，是塑造音乐形象的最主要的手段。
旋律虽然是音乐语言中的重要因素，但它总是和节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、调式、调性等要素结合在一起的。
此外，还有和声与复调。
和声是两个以上的音按一定规律同时结合，复调是几个旋律同时结合。
这些要素都具有特定的表现作用。
然而，音乐语言中的每一种要素的表现作用不是绝对的，当它们彼此之间作各种不同情况的结合时，所产生的音乐形象也就千差万别。
有时，同样的旋律由于速度、力度和节奏的不同，也可以改变原来的性质，表现不同的形象和情绪，如贺绿汀作曲的管弦乐曲《森吉德马》。
在描写自然景色的乐曲中，作曲家常常采用连续转调的手法，造成更多的色彩变化。
如挪威作曲家格里格的管弦乐组曲《培尔·金特》中第一组曲的《朝景》，就是一幅色彩鲜明的风景画。
在这首作品里，作曲家采用色彩性的转调手法，展现了旭日初升，灿烂光芒普照大地的瑰丽景色。
音乐的民族性和时代性，也是在欣赏音乐的时候必须注意的问题。
欣赏音乐除了要了解音乐语言中各种要素的表现作用以外，还要了解作曲家的创作思想和创作风格以及作品的时代背景等等，这样才能比较全面地去鉴赏一个音乐作品。
2.音乐形象的理解音乐是通过作曲家主观的感受写出来的，因此主观性较强，作曲家和听众的感情交流也就只能意会不能言传。
严格的说，音乐形象一说不太科学。
因为音乐的特长是抒发感情，在感情方面，它可以表达得很细致，但是感情以外的事物，要音乐来表达就比较难一些。
也就是说，音乐的描绘性、叙事性是非常有限的，它只限于客观事物中那些有音响的、有节奏的、有动态的也就是在运动中的事物。
因为音乐是一种音响的艺术，一种听觉的艺术，一种时间的艺术，它存在于音响的运动中。
如果跟音响和运动这两种特性没有联系的事物，音乐要想描绘它们就比较困难。
所以说，音乐的特长不在于描绘，也不在于叙事，而在于抒情。
因此，与其说“音乐形象”不如说“音乐的性格、情绪”更准确些。
音乐擅长表达出人们的情绪和心理状态的运动过程。
比如我们心情激动了，心就跳得快，情绪就紧张，音乐表达时就可以采用紧张的比较快的节奏；如果心情平静时，自然就松弛缓慢下来，于是音乐的节奏、速度也慢了。
音乐还有一个特长，如在表现忧愁、忧虑、痛苦、发怒、盛怒这种种情绪时，可以把它们的层次很细微地表现出来。
甚至有时用文字和语言难以描绘的复杂情绪，音乐可以很好地将它刻划出来。
另外，交响乐创作上的一个特点就是可以用同一个音乐素材，通过节奏、配器、和声的变化来改变音乐形象。
因此，即使是描绘性的音乐也都不是纯粹客观的描写外部世界。
它被音乐化了，性格化了、感情化了，所表现的是事物在作者心里引起的一种感情，而不是事物本身。
音乐形象从联想产生，这个联想是通过音乐对事物运动的形态以及运动所发出的音响所作的一种摹拟而来。
比如海有起伏，音乐也就有起伏；海浪大了，音乐的音量也大了，浪小了，音量也就小了。
当然，作品描绘什么有时主要还要靠文字标题来提示，没有标题有时就不能准确地判断它写的是什么。
因为音乐的描绘只能是近似，而不可能逼真。
3.无标题音乐的理解许多交响乐都没有标题，也有许多交响乐的标题是后人加上的。
对于无标题音乐怎么去理解呢？这就更加需要从人的心理状态、感情上去理解它。
交响乐给人的启示是很多的，它可以给你很多的想象余地，尤其是无标题的交响乐更具有这个特点，因为它没有标题的约束，概括性很强，内涵非常丰富。
有些标题音乐虽然较容易理解，但有时好像一池清水，容易一眼见到底，每次听都是这样，没有什么新的东西。
