十八世纪中西女性服饰差异
服饰是人类特有的劳动成果，它既是物质文明的结晶，又具有精神文明的含意。几乎是从服饰起源的那天起，人们就已将其生活习俗、审美情趣、色彩爱好、以及种种文化心态、宗教观念融入其中。中西服饰经过数千年的历史沉淀，形成了各具特色的风貌和体系。尤其在十八世纪，中西方服饰文化达到了前所未有的层面，极具欣赏和研究价值。通过对比这个时期的中西方女性服饰特征，来进一步了解本时期服饰文化对现代服饰的深远影响。
一、十八世纪中国女性服饰的特点。
十八世纪中国女性服饰主要表现在清装的特点变化上，清代女装，汉、满族发展情况不一。汉族妇女在康熙、雍正时期还保留明代款式，时兴小袖衣和长裙；乾隆以后，衣服渐肥渐短，袖口日宽，再加云肩，花样翻新无可底止；到晚清时都市妇女已去裙着裤，衣上镶花边、滚牙子，一衣之贵大都花在这上面。满族妇女着“旗装”，梳旗髻（俗称两把头），穿“花盆底”旗鞋。至于后世流传的所谓旗袍，长期主要用于宫廷和王室。清代后期，旗袍也为汉族中的贵妇所仿用。
旗袍或短装有琵琶襟、大襟和对襟等几种不同形式。与其相配的裙或裤，以满地印花、绣花和裥等工艺手段作装饰。襟边、领边和袖边均以镶、滚、绣等为饰，史书记载“镶滚之费更甚，有所谓白旗边，金白鬼子栏干、牡丹带、盘金满绣等各色，一衫一裙……镶滚之弗加倍，衣身居十之六，镶条居十之四，衣只有六分绫绸，新时离奇，变色以后很难拆改。又有将羊皮做袄反穿，皮上亦加镶滚，更有排须云肩，冬夏各衣，均可加工……”。清初满族妇女与男人的装扮相差不多，不同之处只是穿耳梳髻，未嫁女垂辫。满女不缠足不着裙，衣外坎肩与衫齐平，长衫之内有小衣，相当于汉女的肚兜，衣外之衣又称“乌龙”。
清末流行衣袖里面装假袖口，少时一、二幅，多时二、三幅。这种装束，一则为了显示身份和富有；二则为加强旗装封闭形式的风格特色。假袖口不但用料考究，装饰布局也追求与旗袍相同，由此整体服饰更增加了华丽的效果，也加强了装饰的层次感。假袖口一层层连接起来,显现出窄袖的修长感觉。
芭蕾舞在各时期的不同特点 传媒与艺术
芭蕾舞在各时期的不同特点
董佳煜 （江南大学人文学院 江苏无锡２１４１２２）
【摘要】本文通过对比分析芭蕾舞在各个时期（早期芭蕾时期、浪漫主义时期、古典主义时期、现代芭蕾主义时期）的不同特点，展 示了它无穷的魅力和顽强的生命力，经久不衰的活跃在世界舞坛上的精湛技艺。芭蕾在经过几百年历史的发展和考验之后，它已成为一门 科学的、系统的艺术瑰宝。 【关键词】芭蕾舞；形成；表演；技艺；特点 芭蕾是一门表演细腻、技艺精湛、魅力无穷、使人心旷神怡的艺 术。它那优雅的舞姿、轻盈的跳跃，以及富有韵味的脚尖旋转，常常 把人带入梦幻的艺术境界，它的高雅与美妙堪称人类文明进步的精 华，被奉为“舞蹈皇冠上的明珠”。本文主要通过对比，分析芭蕾舞 在各个时期的不同特点。 一、早期宫廷芭蕾 芭蕾舞，英语称ｂａｌｌｅｔ，这个词来源于法语，它的根则基于意大 利语ｂａｌｌｅｔｔｏ，指一种小型的舞蹈，其源于十四世纪后期的意大利，但 在法国发展成为了今天的芭蕾舞。 法国国王路易十四对芭蕾舞早期的发展方向有很大的影响。 路易十四在孩童时就喜欢舞蹈，从１６４３年开始，他在统治法国的７２ 年内，将芭蕾舞改变成了一种反映他权力和影响的形式，芭蕾舞成 为了宫廷的需要。他还创办了皇家舞蹈学院，上流社会的人们可以 在那儿学习舞蹈。路易十四的舞蹈老师皮埃尔・比彻姆书写了芭 蕾舞的一些舞步和规则，例如舞蹈中身体移动的５个位置，这些至 今还是芭蕾舞的基础。而芭蕾舞的许多动作，如单脚尖着地旋转、 下蹲屈膝、大跳（单脚起跳向前单脚落地）分别用法语ｐｉｒｏｕｅｔｔｅｓ、 ｐｌｉｅｓ、ｇｒａｎｄ ｊｅｔｅｓｌ来表达。１７１５年路易十四去世后，芭蕾舞才开始 慢慢地从宫廷舞演变为专业舞蹈，并传播至法国以外的其他欧洲国 家。 早期芭蕾的特点是：舞者形象完全不是我们今天心目中的形 象，穿硬头脚尖鞋翩翩起舞尚未成为女舞者们的“法定”技艺，男 女舞者们的肢体不像今天这样修长并训Ｉ练有素，“轻盈飘逸”的审 美理想、“开、绷、直、立”的身体规范，以及大量的程式化动作，均 在形成过程之中，舞者们的动作远不像今天这样灵巧而有力度，技 术难度也无法与今日媲美。就演出而言，当时的芭蕾绝不像今天这 样精美和严谨，而是意大利宫廷贵族们在宴会上自得其乐的业余性 的表演活动。就如早期芭蕾的代表作《皇后喜剧芭蕾》，这部舞剧 就是为了庆祝亨利三世的皇后露易丝的妹妹结婚庆典所编导的。 早期芭蕾的代表作主要有： 其一，《皇后喜剧芭蕾》，这部作品是世界上第一个芭蕾舞剧的 演出式样，与我们现在见到的芭蕾舞剧大不一样。这部舞剧是音乐、 歌唱、诵诗、舞蹈和杂技综合性的戏剧。它在很大程度上更注重于 其场面的蔚为大观和特技的恢弘效果。 其二，《夜芭蕾》，这是１７世纪法国的皇帝路易十四主演的一 部芭蕾舞剧，他曾一口气建了五座学院，第一所就是舞蹈学院，因为 他酷爱舞蹈，从小就特别喜爱，其实１６５３年的这个《夜芭蕾》就是 专门为他编导的。 其三，《关不住的女儿》，这部舞剧是迄今为止还在上演的最古 老的芭蕾剧目之一。 二、浪漫主义芭蕾 浪漫芭蕾是芭蕾史上的第二个阶段，起源于１８世纪末和１９世 纪初的巴黎，现实生活中的巴黎是充满战乱和苦难的，不过这并没 有泯灭人们对幸福生活的追求，反而使受浪漫主义影响的艺术家们 创作出了大量的不朽之作，主要代表作有：《仙女》、《吉赛尔》、《海 盗》、《葛蓓莉亚》等。 浪漫芭蕾的特点： 一是内容和题材的变化。超凡脱俗的仙女、幽灵代替了神话传 说和古代英雄故事中的人物。反映一种对现实不满和失望的情绪， 种追求超越尘世的，对另一世界的情趣，或以死亡摆脱对现实的 失望，或以一种不切实际的追求代替对生活的愿望。如芭蕾舞剧《吉 赛尔》将浪漫芭蕾那种不现实的“仙凡之恋”的题材和轻盈飘逸 的动感发挥到了极致。 二是舞蹈技巧和表演都有了重大发展，脚尖舞技巧成为女舞蹈 家表现手段的一个重要因素出现，如芭蕾舞剧《仙女》是芭蕾史上 开脚尖舞之先河的里程碑之作，而此舞剧的主跳玛丽塔利奥尼更被 视为第一位穿脚尖鞋翩翩起舞者。男子舞蹈技巧也有了进一步的 进步。 三是在扮演形式上，采用了瓦斯灯的照明和大幕，改革了芭蕾 服装和舞鞋，产生一种诗意和轻巧的风格。 四是表现神秘莫测的自然境界，传达人们在世俗空间中难以如 愿的理想，有浓重的抒情色彩和想象成分。 早期芭蕾与浪漫主义芭蕾的比较而言，早期芭蕾，表现舞者形 象完全不是我们心目中的形象，时间跨度最大，整个世界的节奏在 飞也似的不断加强。浪漫主义芭蕾，表现神秘的自然境界，传达人 们在世俗间难以如愿的理想，有浓重的抒情色彩和想象成分。其黄 金时代极其短暂，仅仅１Ｏ年就出现停滞的局面。 三、古典主义芭蕾 继彼得大帝之后的历代沙皇，崇尚法兰西“白色”的高雅文化， 芭蕾作为先进文明的象征，受到俄国自上而下的尊崇，并逐步植根 于俄罗斯大地。古典芭蕾的历史约有五百年，她沿袭宫廷芭蕾的各 种技法与表现方式，虽经过了不断地改变和革新，在１９世纪形成了 新流派芭蕾舞。古典芭蕾仍然是浪漫芭蕾在进入到十九世纪末所 衍伸出的一种特殊形式，它是以俄罗斯学派的崛起为背景的。古典 芭蕾的特点： 一是舞剧中出现了“双人舞”和“性格舞”这两大模式。如 芭蕾舞剧《唐吉坷德》和《天鹅湖》。 二是一般都采用童话传说或神话等故事题材为情节。 三是音乐多是舞曲甚至名曲，尤其是柴科夫斯基的芭蕾舞剧组 曲。如《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》等。 四是男舞者很多时侯是辅助女舞者做出漂亮的技巧动作。如 芭蕾舞剧《天鹅湖》中公主与王子的双人舞，王子基本上只是支扶 公主做出漂亮的技巧动作的陪衬而已。 五是古典芭蕾依动作分为快舞与慢舞。快舞孕育于意大利，最 大特色是跳跃与旋转。慢舞孕育于法国，最大特色是舞者以缓慢的 动作，或以单脚支立平衡身体，构成优雅曲线之舞步与舞姿，充满了 纤细的美感。在古典芭蕾舞剧中通常以慢舞来表现男女的情爱场 面，如《天鹅湖》中的第二幕公主与王子的双人慢舞。如今快舞与 慢舞虽以交互使用，但仍可视其强调的程度，来分辨意大利派的华 丽与法国的浪漫气质。 浪漫主义芭蕾与古典芭蕾的比较： 第一，风格特色：浪漫主义芭蕾代表作之一的《吉赛尔》，与古 典芭蕾舞剧代表作之一的《天鹅湖》。两者较明显的差别在于舞者 所穿的舞衣之不同，浪漫芭蕾的舞裙长及膝与踝之间，舞鞋为硬式， 《新西部》２０１４．２９期 —－－——１０３－－——
西方服装史-文艺复兴早期欧洲各地服装对比
文艺复兴是指对古希腊、古罗马艺术的复兴，借以像中世纪的神学挑战。文艺复兴，无论其性质是不是对古典文化的复兴，它都是继承希腊、罗马之后欧洲文化艺术的又一高峰。在文艺复兴早期的服装，就是在公元14世纪的服装风格上发展起来的，甚至可以说，15世纪初的发展，基本上沿用着14世纪的服装款式。但随着时间的流逝，西方不同地区服装也在原有的款式上发生了改变，有着不一样的表现方式。
一． 首服的比较
意大利人对首服的要求不太严格，除了官员那种绣满精细图案，漂亮典雅的头冠和年轻时髦人歪戴着小型高筒帽，再插上几根羽毛以外，一般人对首服持有保守态度。而这一时期，意大利众多贵族妇女戴着大而圆的头罩，也正是因为这一头罩使其和宽松的长衣一起取得了和谐的效果。和意大利妇女的头冠相比，法国贵妇头冠样式奇特且多种多样，并成为了法国女服中最引人注目的特点。她们的头冠给人以新奇独特的印象，甚至可以说是达到了古怪的程度。她们最普通的头饰是发网，并且通过发网质料和装饰的不同可以区分出着装者的身份和富有程度。勃艮第公国的男性一般在塔糖帽上插上两根羽毛，而勃艮第和佛兰德的两地的女性沿用传统的长方形头巾或大面纱。她们习惯将头巾或面巾经水洗后做成褶皱，装饰在头部。英国妇女将着装热情较大的倾向于头饰，心形的，洞穴式的，各种头饰
应有尽有，其中最有特色的是鬓发球。可见在文艺复兴早期不同地区的首服既有相同点也有不同点，妇女们的首服相比男性更加复杂，更加注重装饰。
二． 主服的比较
意大利是文艺复兴的发祥地，意大利的服装和意大利的美术一样出众，成为文艺复兴时期的艺术代表。意大利在服装面料上取得了巨大的成就。可以保证大批量色泽鲜丽的上等服装面料——天鹅绒和锦缎的供应。在文艺复兴早起，意大利人主要穿着宽松系带外衣，是一种长及小腿肚的服饰，袖口肥大，袖筒像个袋子，衣领略低。但到了15世纪中叶以后，衣身和衣袖不再那么宽松肥大，袖子也有了缩短的趋势。但在15世纪末叶的意大利，传统紧身衣又一度流行。而意大利得女服并没有像男服那样缩短，相反越来越长。
．｜＿ Ｉ 不同时期饕餮纹的演变特点 刘 莹 （辽宁师范大学美术学院 １１６０２９） 【摘 要】本文以饕餮纹在不同时期的特点入手，根据不同时期的历史 特点来分析饕餮纹的形成原因和发展趋势。二里岗时期饕餮纹的产生 时期，那时由于生产力低下，出现的饕餮纹都是整合了各种动物的形 象，那时的饕餮纹一般为单层，多以突出的线条来表示。到了殷墟时 期，出现了大量的祭祀活动，饕餮纹代表了恶魔，起取出恶魔的作用，多 用在青铜器上。这时期饕餮纹是主要的装饰图案，构图也趋于饱满，装 饰也添加了很多辅助的花纹。是饕餮纹的鼎盛时期。到了西周时期， 饕餮纹逐渐开始简化，开始慢慢向素面纹过渡，最后转化为夔龙纹，怪 兽纹不断减少，取代的是Ａ４Ｊ＇ｌ生活的场景。如宴乐、攻战等。 【关键词】宗教；祭祀；饕餮；狰狞 一、饕餮纹的出现时期 早在二里岗时期，那时生产力低下，人们通过大量祭祀来乞求 神灵的保佑。于是饕餮纹应运而生。饕餮纹早在二里岗时期就存 在，但他一直被叫做兽面纹。它的含义有”通天地，通生死，驱鬼辟 夸张夹以连珠纹。一般为单层，没有作衬底的底纹，多以突出的线 条来表现。它以粗犷回旋勾曲的线条构成，全是变形的纹样，除兽 目圆大作为象征外，其余条纹并不具体表现物象的各个部位。所有 的饕餮纹均不以需纹为底，青铜器的壁面比较朴素，装饰纹样少而 单纯，各纹饰之间泾渭分明，为单层凸起纹饰，显得古朴，肃穆。 二、饕餮纹的鼎盛时期 在殷墟时期，大量的鬼神崇拜。祭祀已经成为人们生活中不 可缺少的一部分。随着生产力的不断提高，大量的青铜器运用在 祭祀中。饕餮纹为青铜器的主要图案，代表了鬼神，用来去除恶 魔。饕餮纹四不像的形象天生就给人一种神秘感。而当时的人们 也不能过很好的理解自然界的各种现象。所以人们紧密的把这种 纹样与鬼神联系到了一起。如商代象盖饕餮纹铜觥器通高１７．７厘 米，由器身，足与盖所组成。盖装饰有饕餮纹，以细云雷纹衬底，器 物的腹部为饕餮纹。商代时期的各类鼎上，均有一纹，还有就是饕 餮纹也具有一定的政治因素。统治者借以饕餮纹来震慑百姓，体 现他们的威严。这时的饕餮纹主要以面部狰狞为主，左右对称为 主要特点，是集虎、羊、鹿等多种动物的结合。是饕餮纹的大量使 用时期。这时期的饕餮纹施加在器物上的主要装饰部位，以柔韧 的阴线刻Ｈ｛或作阳线凸起。构图丰满，主要以俩侧富于变化的云 雷纹填充，具有阴阳互补之美。这时的青铜器厚重华美，形成了层 发展。绝大多数 繁丽诡秘的三重 花纹。不仅图案的组合呈现出繁缛之势，动物文中的动物特征。 （如兽面纹的角，鸟纹的羽）也被突出夸张，千变万化。这时还出现 了以鸟兽，以夔配兽等复合纹样。这一阶段还出现了大量面部完整 而具象的饕餮纹。有的兽面像颐下海铸有俩条头部相向的夔龙，构 成了一种将兽面拱起的生动造型。纵观这些兽面纹，是人非人的兽 面像，那狰狞威武的形态，龇牙瞪目而视的表情，奇异的装饰和夸张 那个的造型，无不给人惊奇之感。既有粗犷的风格，又有细致的刻 画。其狰狞严峻之中，又透露除了几分质朴和善良。这些极富想象 力的糅合了人面与兽面特征的面具，体现了浓郁的原始神秘色彩。 三、后期的发展趋势 西周初期，青铜器出现了简化趋势。饕餮纹在器物中逐渐淡 化，向周代中期的素面纹过过渡。如父暌鼎只在口下有一个圆圈 纹饰带，且纹样简单模糊，三足作翘尾夔形。余都是表面鼎。到了 怡人。青铜器上，怪兽纹减少，颂扬生命的雕塑作品增加。以人的 生活为中心的宴乐攻战图等代替了饕餮纹的地位。于是饕餮纹便 淡化了。 饕餮纹在不同的时期有着不同的特点。虽然短暂，但在历史 长河中仍然辉煌一时。雷奈．格鲁塞在《中国的文明》一书中指出 “饕餮的形象在中国美术作品上广泛流行了逾２０个世纪。它实际 上就是那个时代经常萦绕在人心中的神秘怪物幻像化。” 【参考文献】 ［１］杨善群，郑嘉融 话说中国．创世在东方》．上海文艺出版社．２００３ Ｅ２］吴山 中国工艺美术史词典》．江苏美术出版社．１９８９ ｌｌｌ 囊 囊《薯 盼篓磐舅誊 甏～ ｐ≯＿ ＿ｌ≯ ＿＿ ｌｌｌ—
