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《艺术哲学》读后感1000字！源于生活的艺术，不会孤立存在。
作者：夏天艺术是什么？为什么而产生？我曾以为的是我们感受到美而有感而发的创作。
丹纳却说‘’艺术不是孤立的，是和某些时代精神或风俗情况同时出现同时消灭的……“原来艺术不单只是研究线条、画风……艺术还可以这么来解释。
丹纳的《艺术哲学》完全给了我一种不一样地体验。
本书一开始，作者丹纳就直接指出艺术的本质是与群众息息相通不会孤立而存在，它一定会带着时代的烙印。
随后围绕他的论点，丹纳重点采用三段分别代表欧洲艺术史高峰的例子来展开论证——意大利文艺复兴时期绘画、尼德兰的绘画、希腊的雕塑。
为什么这三个地区能高产出这么多优质的艺术品呢？与当地的地理环境，民族特性，历史时期息息相关。
丹纳的论证是恢弘的，思维是辩证的。
随着他的讲解，一幅一幅的史诗画卷仿佛一一在我的眼前展现。
他所讲的每一段艺术产生的井喷期，无一例外都从环境开始，再从环境到民族特性。
不同的环境锻炼出不同的民族特性。
例如意大利这个拉丁民族，不同于理性的日耳曼民族的德国人，意大利人更多地继承了罗马人的习性。
浪漫，对事物非常敏锐，对情感是激烈的，感性而冲动。
奉行及时行乐，对于那些渺茫的未来，他们更愿意把握当下。
所以这种介乎纯粹的观念与纯粹的形象之间的精神状态更有利于创作。
正是处于这样的大环境熏陶中，不分高低贵贱，意大利人民仿佛天生就为艺术而生。
我不由得想到这段时间的一个新闻报导。
因疫情影响，意大利人民禁足在家。
不论年老的还是年轻的，人们自发地走上阳台吹拉弹唱，把禁足变成一场又一场的演奏会。
与之形成鲜明对比的是纽约的‘’崔娃‘’，他也想仿效意大利人在阳台高歌一曲，刚开口不久就遭到邻居的“无情问候“。
民族的天性使然，意大利人不成为艺术家，谁能？当然，除却民族特性这一特点，艺术家所处的历史时期对艺术的产生影响也是巨大的。
被人们诟病的哥特式建筑的产生，就是产生于一个苦难的时代。
这个时代的人紧张而颓丧，他们不再追求远大的目标，而是寄希望于缥缈的宗教。
艺术哲学丹纳知识点总结艺术哲学丹纳(Danto)是20世纪美国的一位知名哲学家，他对艺术哲学领域做出了重要的贡献，其理论在当代艺术哲学研究中具有重要的地位。
丹纳的艺术哲学理论融合了传统哲学思想和当代艺术的实践，通过对艺术的本质、意义和价值进行深入探讨，提出了许多重要的观点和见解。
在本文中，我们将对丹纳的艺术哲学理论进行总结和概括，以便更好地理解和掌握他的重要观点。
1. 艺术与哲学的互动关系丹纳认为，艺术和哲学在某种程度上是相通的，它们都追求真理和美好。
艺术是一种对现实的再现和表达，而哲学则是对现实的思考和探究。
在这种意义上，艺术和哲学可以相互启迪、相互影响。
丹纳主张，艺术家和哲学家应该相互沟通、相互激励，以便更好地发挥各自的创造力和想象力。
在丹纳看来，艺术和哲学是相辅相成的，它们共同构成了人类文化的重要组成部分。
2. 艺术的本质与定义丹纳提出了“艺术的终结”理论，认为在当代社会中，艺术已经失去了传统的定义和意义，它不再受限于特定的形式和规范。
艺术已经成为一种自由的表达方式，艺术家可以根据自己的创造力和想象力来创作作品，而无需受到传统艺术的束缚。
丹纳认为，艺术不再局限于特定的形式和技巧，它可以是任何一种对美和真理的追求和表达，只要它具有创造性和意义性。
因此，丹纳主张我们应该重新思考艺术的定义和本质，以适应当代艺术的发展和变革。
3. 艺术与反艺术丹纳对反艺术的概念进行了深入的细化和探讨，他认为反艺术是一种批判和否定传统艺术的形式和规范。
反艺术是一种对当代社会和文化现实的反思和抗议，它呈现出一种对传统艺术的拒绝和否定。
在丹纳看来，反艺术是一种对传统艺术的颠覆和超越，它具有一种革命性的力量和意义。
丹纳主张我们应该正视反艺术的存在和发展，以便更好地理解和掌握当代艺术的复杂性和多样性。
4. 艺术的意义与价值丹纳认为，艺术具有一种独特的价值和意义，它是一种对美和真理的追求和表达。
艺术是一种对生活和世界的审美体验和感悟，它可以激发人们的情感和想象，使人们更加深入地思考和感悟人生的意义和价值。
丹纳艺术哲学读书笔记【篇一：丹纳艺术哲学读书笔记】《艺术哲学》读书笔记《艺术哲学》是一部关于艺术，历史及人类文化的巨著，采用的不是一般教科书的形式，而是以渊博精深之见解指出艺术发展的主要潮流。
全书分成五大编，分别第一编是艺术品的本质及产生，第二编是意大利文艺复兴期的绘画，第三编是尼德兰的绘画，第四编是希腊的雕塑，第五编是艺术中德理想。
其中第一编是对艺术品的起点性和总体特征做的第一个概括综述，而最后一编，则是丹纳自己美学思想的一个阐述。
丹纳认为，艺术作品是一种社会现象。
艺术作品属于一个总体。
第一属于艺术家的全部作品这个总体。
第二艺术家及其全部作品又属于一个比艺术更大的艺术宗派或艺术家家族。
第三艺术家家族还包括在一个更大的总体之内。
这就是在它周围而趣味和它一致的社会。
艺术作品从属于一个总体，这个总体有三个层次，这三个层次逐层扩大包含。
对艺术作品的研究必须从社会这个最大的总体出发，最终实现对艺术作品自身的研究。
在《艺术哲学》中，丹纳分析了大量史实，对一些典型的文学现象进行了深入的探讨，书中列举了古希腊以及欧洲中世纪、文艺复兴时期的意大利、16 世纪的法国、17 世纪荷兰的艺术文艺史实，并加以分析比较，科学地揭示了文学艺术与种族、环境、时代这三个要素的紧密关系。
丹纳的种族指的是种族特性，它来源于天生的遗传性，是一个种族区别于其他种族的独有特性，这是一种不会随着时代环境的发展变化而改变的原始印记。
“我们所谓的种族，是指天生的和遗传的那些倾向，人带着它们来到这个世界上，而且它们通常更和身体的气质与结构所含的明显差别相结合。
这些倾向因民族的不同而不同。
”对于种族形成的原因，他更多地强调地理环境和自然气候。
他认为种族的特征是由自然环境造就起来的，而种族的特征又体现在民族的精神文化上，成为民族精神文化原始动力的一个部分。
丹纳的所谓环境，既指地理、气候等自然环境，也指社会文化观念、思潮制度等社会环境。
丹纳坚持整体的联系的观念，反对孤立地看待和分析事物。
《艺术哲学》读后感读完一本经典名著后，大家一定对生活有了新的感悟和看法，记录下来很重要哦，一起来写一篇读后感吧。
你想好怎么写读后感了吗？下面是小编收集整理的《艺术哲学》读后感，欢迎大家分享。
《艺术哲学》读后感1丹纳认为物质文明与精神文明的性质面貌都取决于种族、环境、时代三大因素。
从这原则出发，阐扬了意大利、尼德兰和古的艺术流派。
因为种族的不同，造成日耳曼民族的艺术与拉丁民族的艺术不同，前者更浑朴，后者则更精致;因为自然环境的不同，所以意大利绘画多表现理想的优美的人体，而尼德兰绘画多表现现实的甚至是丑陋的人体;因为时代不同，所以古希腊人能够创造出简单而静穆的伟大作品，而现代人只能创作出孤独、苦闷丹纳提出了衡量艺术作品价值的三个尺度。
“特征重要的程度”即其价值取决于那个特征的稳固程度与接近本质的程度;“特征有益的程度”则是指艺术所包含的道德教育作用;“效果集中的程度”是指艺术作品各个方面的元素通力合作去表现特征的程度。
书中对欧洲大陆各国的风土人情的描述读起来是饶有兴味的，从意大利、尼德兰、希腊的地理位置、气候、人种、风俗习惯、历史、政治力量等因素谈起，谈到某种形式的艺术为何会形成发展。
而不同的地理(尤其是气候)的影响而决定不同的艺术风格，这种观点本身就很有意思。
而这些也证实了艺术来自生活，是生活给了它土壤。
要做一个艺术家，需要爱生活，形形色色的生活，并且对每一点人物风情的细微差别保持高度的敏感。
《艺术哲学》读后感2丹纳认为理解艺术品本质的方法应首先基于认定一件艺术品不是孤立的，应该有联系地去理解，寻找出它所从属的，从而，从总体上去理解。
而想要更好地理解一件艺术品，还要联系起艺术家本身。
例如说艺术家的生活环境，时代背景，甚至是信仰或身边的朋友的氛围。
在同一个时代的`大背景底下创作的艺术家们所创造的艺术品都有其时代所突出的普遍性。
一件艺术品所从属的第一个总体是作家的全部作品。
一我的理解是每个艺术家他们自己的独特的风格，而这风格会见之于他所有的作品，我想这当然也会见之于其中一件艺术品之中。
艺术哲学读书笔记摘抄及感悟《艺术哲学》是法国历史学家、文学家丹纳的著作。
这本书是丹纳在巴黎美术学院讲课时的讲稿，包括文艺复兴时期的意大利绘画、尼德兰绘画和古希腊雕塑三部分。
全书以大量的史实、丰富的材料、生动的语言阐述了艺术发展的规律。
以下是读书笔记摘抄和感悟：1. “要了解一件艺术品，一个艺术家，一群艺术家，必须正确地设想他们所属的时代的精神和风俗概况。
”这句话表达了丹纳的艺术史观，即艺术品和艺术家都是时代的产物，要理解艺术品和艺术家，必须了解他们所处的时代背景和文化环境。
2. “作品的产生取决于时代精神和周围的风俗。
”这句话说明了艺术品的产生不是孤立的，而是与时代精神和周围风俗密切相关的。
艺术品是时代精神和风俗的反映，同时也受到时代精神和风俗的影响。
3. “在真正的艺术领域里，没有预备学校，但是有一个最好的预备方法，就是对艺术大家的作品抱一种最崇高最虔敬的态度。
”这句话告诉我们，要想在艺术领域里有所成就，最好的方法就是对艺术大家的作品进行深入研究和学习，从中汲取营养，提高自己的艺术修养和创作水平。
4. “艺术的目的是表现事物的主要特征，表现事物的某个凸出而显著的属性，某个重要观点，某种主要状态。
”这句话说明了艺术的本质和目的，即通过表现事物的主要特征、属性、观点和状态来传达艺术家的思想和情感，引起观众的共鸣和思考。
5. “艺术品的产生取决于时代精神和周围的风俗。
”这句话告诉我们，艺术品的产生不是孤立的，而是与时代精神和周围风俗密切相关的。
艺术品是时代精神和风俗的反映，同时也受到时代精神和风俗的影响。
6. “在真正的艺术领域里，没有预备学校，但是有一个最好的预备方法，就是对艺术大家的作品抱一种最崇高最虔敬的态度。
”这句话告诉我们，要想在艺术领域里有所成就，最好的方法就是对艺术大家的作品进行深入研究和学习，从中汲取营养，提高自己的艺术修养和创作水平。
7. “伟大的艺术是时代的索引。
”这句话说明了艺术品的价值和意义，艺术品不仅是艺术家个人的创作，更是时代的反映和记录。
《艺术哲学》读书笔记由于对西方艺术了解不多,很多细节具体事实并不能很好记住,所以有关例证的那三编印象不深,倒是第一编和第五编的理论令我印象深刻些。
首先是第一编,主要论述艺术品的本质。
对此,丹纳的出发点在于,认定一件艺术品不是孤立的,在于找出艺术品所从属的,并且能解释艺术品的总体。
因此他从艺术品追溯到艺术家的风格,再到艺术流派。
而艺术流派的形成无疑来自于它所属的风俗习惯、时代精神。
而对可以被称为时代精神的事物,丹纳也做了解释,即“某个时代大多数人的思想感情”。
因此,要了解艺术品、艺术家、一群艺术家(艺术流派,就必须正确设想他们所属时代的精神和风俗概况。
“不但这个或那个大师的生平,便是每个大的艺术宗派的历史,也证明模仿活生生的模型和密切注视现实的必要。
一切宗派,我认为没有例外,都是在忘掉正确的模仿,抛弃活的模型的时候衰落的。
”因此丹纳举出很多具体的例子来说明模仿的重要性,甚至在这一节结尾得出“整个艺术就在于正确与完全的模仿”的结论。
然而读到这里我不得不发问,艺术确实源于生活回归于生活,但艺术也有颠覆生活超越时代的可能,比如卡夫卡的小说,梵高的绘画,都是不符合、或者说超越、颠覆它们所属时代的大多数人思想情感的趋向的。
那么绝对模仿是不是艺术的目的呢?我提出了与丹纳接下来提及的同样的质疑,“倘是这样,那么绝对正确的模仿必定产生最美的作品。
然而事实并不如此。
”丹纳依旧是举出丰富而有力的例子来论证,进而说明艺术的目的应当是“力求形似的是对象的某些东西而非全部”。
因此,艺术品的本质在于“把一个对象的某些基本特征、至少是重要的特征,表现得越占主导地位越好,越明显越好”。
“艺术品的目的就是要把这个特征表现得彰明较著;而艺术所要担负这个任务,是因为现实不能胜任。
在现实界,特征不过居于主要地位;艺术却要使特征支配一切。
特征在现实生活中固然把实物加工,但是不充分。
特征的行动受着牵制,受着别的因素阻碍,不能深入事物之内留下一个充分深刻充分分明的印记。
《艺术哲学》读书报告《艺术哲学》读书报告《艺术哲学》是法19世纪法国思想家、文艺评论家、史学家丹纳所作，丹纳是法国实证主义的代表人物，《艺术哲学》是丹纳于1866年到1869年在巴黎美术学校讲述美术史的讲义编辑而成，全书一共分为五编，在第一编“艺术品的本质及其产生”里，丹纳围绕“一件艺术品不是孤立的，找出艺术品所从属的，并且能解释艺术品的总体。
”这一观点，从艺术品追溯到艺术家的风格，再到艺术流派，通过丰富的例证，说明了模仿的重要性，并且得出了“整个艺术就在于正确与完全的模仿”的结论。
接着他又提出完全模仿是否是最好的质疑，举出例证，进而说明艺术并不是模仿表面而是“表现某个主要的或突出的特征，也就是某个重要的观点，比实际的事物表现的更完全”，也就是探讨了艺术品的本质。
接下来丹纳探讨了艺术品的产生，举了希腊雕塑、哥德式建筑、法国文化与古典悲剧、现代音乐的例子，论证了“作品的产生取决于时代精神和周围的风俗”，即“作品从属于时代精神与风俗”这一观点。
在接下来的第二、三、四编里，丹纳分别讲述了意大利文艺复兴期的绘画、尼德兰的绘画、希腊雕塑三个例子，详细讲述了三个时期的时代精神与风俗，继续论证艺术品与时代精神和风俗的从属关系，得出了“作品必然与环境完全符合”这一规律。
在最后第五编“艺术中的理想”里，丹纳指出艺术品中的理想即为艺术家在创作时自己倾注到艺术品中的观念，并且一个时代对艺术品的评价总归是统一的，然后又通过举例论证对艺术品应如何评判这个问题提出了评判等级的标准“艺术作品再现种族、环境和时代特征的程度及效果”，“作品中的特征是否更重要、特征是否有益、效果的集中程度”。
《艺术哲学》条理清晰，主题明确，不难看出整部书的主要思想观点可以概括为为艺术作品决定于社会环境与时代精神，然而作为一部理论著作，《艺术哲学》毫无枯燥乏味之感，丹纳作为实证主义者在论证自己观点时所运用的例证无一不生动详细，并且与其所处时代相对比，尤其是第二、三、四编，对于欣赏欧洲文艺复兴时期的艺术和欧洲艺术起源之一的希腊雕塑更有指导性与实用性。
《艺术哲学》丹纳摘录《艺术哲学》是由美国哲学家亚瑟·丹纳所著的一本关于艺术哲学的重要著作。
该书以其深邃的思考和独到的见解，对艺术哲学领域做出了重要贡献。
以下是对《艺术哲学》中的一些摘录进行的整理和解读，希望能够启发我们对艺术本质的思考。
1.“艺术是唯一一个可以超越现实的领域，通过艺术作品，我们能够感受到一种超越物质世界的美感和情感。
”这句话表达了丹纳对艺术独特价值的理解。
艺术作为人类创造的一种形式，不仅仅是对外在世界的再现，更是对内在情感和思想的表达。
通过艺术作品，我们可以超越现实，进入到一种更高的境界，感受到美的力量和情感的触动。
2.“艺术不仅仅是一种审美的追求，更是一种思考和表达的方式。
”这句话强调了艺术的思辨性和表达性。
艺术家通过艺术作品，可以对世界进行思考和观察，通过形式和符号来表达内心的情感和想法。
艺术作品不仅仅是为了满足审美的需求，更是一种对人类存在和生活的反思和呈现。
3.“艺术的真正价值不在于其作品的外在价值，而在于其内在的意义和感受。
”这句话揭示了艺术的本质和意义。
艺术不是为了迎合市场需求或者追求外在的成功和名利，而是追求真实和内心的表达。
艺术作品的价值不仅仅在于其形式和技巧，更在于触及人们内心的共鸣和感受，引发内在的思考和情感的共鸣。
4.“艺术是一种探索和发现的过程，艺术家通过艺术作品不断探索自我和世界。
”这句话强调了艺术家的个人探索和发现的重要性。
艺术家通过创作艺术作品，不仅仅是对外部世界进行观察和表达，更是对内心世界的探索和发现。
艺术作品是艺术家内心世界的一种呈现，是艺术家对自我和世界的认知和理解。
5.“艺术是一种对生活的赋予意义和解释的方式。
”这句话强调了艺术对生活的意义和价值。
艺术家通过艺术作品，能够赋予生活以深刻的意义和解释。
艺术作品不仅仅是艺术家个人情感和思想的表达，更是对生活的一种诠释和反思。
艺术作品能够引导人们思考生活的意义和价值，给予人们对生活的启迪和思考。
丹纳《艺术哲学》读书笔记丹纳（1828-1893），法国著名哲学家、文学评论家，深受达尔文与孔德实证主义哲学的影响，是实证主义运用与艺术批评的重要代表。
本书作者丹纳和黑格尔同为近代艺术哲学的两位大师，但丹纳的艺术哲学思想与黑格尔有显著的区别。
黑格尔对艺术哲学最重要的贡献是把辩证法应用到美学研究领域，为美学建立了全新的历史分析方法。
丹纳则把黑格尔的绝对精神转化为具体的艺术鉴赏和创作方法，丰富了文艺理论的库藏。
黑格尔在《美学》一书中分别对艺术的性质、特征艺术发展的历史类型及艺术门类、体系进行了分析。
他把艺术现象同人与自然、人与社会及人与文化环境相联系，以此考察艺术发展的一般规律，提出了“美是理念的感性显现”这一著名命题。
丹纳的《艺术哲学》同黑格尔一样，也把艺术分为诗歌、雕塑、绘画、建筑、音乐五个门类来考察，但与黑格尔不同的是，他认为艺术在于表现事物的某个突出而显著的特征。
他把艺术的兴衰与社会因素结合起来，认为“艺术品的产生取决于时代精神和周围的风俗”，由此提出了决定文明的三大要素——种族、环境、时代，并且提出了衡量艺术作品价值的标准——艺术作品表现事物特征的重要程度、有益程度和效果程度。
第一编艺术品的本质及其产生A 艺术品的本质（艺术品隶属于总体/艺术对现实的模仿/艺术在于表现逻辑关系/艺术的目的是反映对象的主要特征/艺术家需有天赋及感染力）我的方法的出发点是在于认定一件艺术品不是孤立的，在于找出艺术品所从属的，并且能解释艺术品的总体：首先一件艺术品属于一个总体，就是说属于作者的全部作品。
艺术家本身，连同他所产生的全部作品，也不是孤立的。
有一个包括艺术家在内的总体，比艺术家更广大，就是他所隶属的同时同地的艺术宗派或艺术家家族。
这个艺术家庭本身还包括在一个更广大的总体之内，就是在它周围而趣味和与它一致的社会。
因为风俗习惯与时代精神对于群众和对于艺术家是相同的；艺术家不是孤立的人。
所以我们可以肯定的说：要了解艺术家的趣味与才能，要了解他为什么在绘画或戏剧中选择某个部门，为什么特别喜爱某种典型某种色彩，表现某种感情，就应当到群众的思想感情和风俗习惯中去探求。
由此我们可以定下一条规则：要了解一件艺术品，一个艺术家，一群艺术家，必须正确的设想他们所属的时代的精神和风俗概况。
这是艺术品最后的解释，也是决定一切的基本原因。
艺术家在事物前面必须有独特的感觉：事物的特征给他一个刺激，使他得到一个强烈的特殊的印象。
换句话说，一个生而有才的人的感受力，至少是某一类的感受力，必然又迅速又细致。
他凭着清醒而可靠的感觉，自然而然能辨别和抓住种种细微的层次和关系，他靠了这个能力深入事物的内心，显得比别人敏锐。
而这个鲜明的，为个人所独有的感觉并不是静止的；影响所及，全部的思想机能和神经机能都受到震动。
在创造的过程中，最初那个强烈的刺激使艺术家活跃的头脑把事物重新思索过，改造过，或是照明事物，扩大事物；或是把事物向一个方面歪曲，变得可笑。
艺术家的生平通常都分做两个部分。
第一部分是青年期与成熟期：艺术家注意事物，很仔细很热心的研究，把事物放在眼前；他花尽心血要表现事物，忠实的程度不但到家，甚至于过分。
到了一生的某一时期，艺术家以为对事物认识够了，没有新东西可发见了，就离开活生生的模型，依靠从经验中搜集来的诀窍写戏，写小说，作画，塑像。
第一个时期是真情实感的时期；第二个时期是墨守成法与衰退的时期。
艺术应当力求形似的是对象的某些东西而非全部。
我们要辨别出这个需要模仿的部分是“各个部分之间的关系与相互依赖”。
一般而论，我们在实物中感到兴趣而要求艺术家摘录和表现的，无非是实物内部外部的逻辑，换句话说，是事物的结构，组织与配合。
艺术的目的就是要把事物的主要特征表现得彰明较著；而艺术所以要担负这个任务，是因为现实不能胜任。
在现实界，特征不过居于主要地位；艺术却要使特征支配一切。
特征在现实生活中固然把实物加工，但是不充分。
特征的行动受着牵制，受着别的因素阻碍，不能深入事物之内留下一个充分深刻充分显明的印记。
人感觉到这个缺陷，才发明艺术加以弥补。
可见艺术品的本质在于把一个对象的基本特征，至少是重要的特征，表现得越占主导地位越好，越显明越好；艺术家为此特别删节那些遮盖特征的东西，挑出那些表明特征的东西，对于特征变质的部分都加以修正，对于特征消失的部分都加以改造。
所以艺术家要改变各个部分的关系，但一定是向同一方向改变，而且是有意改变的，目的在于使对象的某一个“主要特征”，也就是艺术家对那个对象所抱的主要观念，显得特别清楚。
这特征便是哲学家说的事物的“本质”，所以说艺术的目的是表现事物的本质。
简而言之即：艺术品的目的是表现某个主要的或凸出的特征，也就是某个重要的观念，比实际事物表现得更清楚更完全；为了做到这一点，艺术品必须是由许多互相联系的部分组成的一个总体，而各个部分的关系是经过有计划的改变的。
在雕塑，绘画，诗歌三种模仿的艺术中，那些总体是与实物相符的。
一切艺术都可归在上面那个定义之中：不论建筑，音乐，雕塑，绘画，诗歌，作品的目的都在于表现某个主要特征，所用的方法总是一个由许多部分组成的总体，而部分之间的关系总是由艺术家配合或改动过的。
人在艺术上表现基本原因与基本规律的时候，不用大众无法了解而只有专家懂得的枯燥的定义，而是用易于感受的方式，不但诉之于理智，而且诉之于最普通的人的感官与感情。
艺术就有这一个特点，艺术是“又高级又通俗”的东西，把最高级的内容传达给大众。
B 艺术品的产生（时代环境决定艺术种类/欧洲文化的四大高峰时期/心中装满时代的思想感情）作品的产生取决于时代精神和周围的风俗。
不管在复杂的还是简单的情形之下，总是环境，就是风俗习惯与时代精神，决定艺术品的种类；环境只接受同它一致的品种而淘汰其余的品种；环境用重重障碍和不断的攻击，阻止别的品种发展。
欧洲文化有四大高峰：一个是古希腊与古罗马的时代；一个是封建与基督教的中古时代；一个是正规的贵族君主政体，就是十七世纪；一个是受科学支配的工业化的民主政体，就是我们现在生存的时代。
每个时期都有它特有的艺术或艺术品种，雕塑，建筑，戏剧，音乐；至少在这些高级艺术的每个部门内，每个时期有它一定的品种，成为与众不同的产物，非常丰富非常完全；而作品的一些主要特色都反映时代与民族的主要特色。
每个时代都有一个总的形势，就是普遍存在的祸福，奴役或自由，贫穷或富庶，某种形式的社会，某一类型的宗教；在古希腊是好战与蓄养奴隶的自由城邦；在中世纪是蛮族的入侵，政治上的压迫，封建主的劫掠，狂热的基督教信仰；在十七世纪是宫廷生活；在十九世纪是工业发达，学术昌明的民主制度；总之是人类非顺从不可的各种形势的总和。
这个形势引起人的相应的“需要”，特殊的“才能”，特殊的“感情”；例如爱好体育或耽于梦想，粗暴或温和，有时是战争的本能，有时是说话的口才，有时是要求享受，还有无数错综复杂，种类繁多的倾向：在希腊是肉体的完美与机能的平衡，不曾受到太多的脑力活动或太多的体力活动扰乱；在中世纪是幻想过于活跃，漫无节制，感觉像女性一般敏锐；在十七世纪是专讲上流人士的礼法和贵族社会的尊严；到近代是一发不可收拾的野心和欲望不得满足的苦闷。
这一组感情，需要，才能，倘若全部表现在一个人身上而且表现得很有光彩的话，就构成一个中心人物，成为同时代的人钦佩与同情的典型：这个人物在希腊是血统优良，擅长各种运动的裸体青年；在中世纪是出神入定的僧侣和多情的骑士；在十七世纪是修养完美的侍臣；在我们的时代是不知厌足和忧郁成性的浮士德和维特。
艺术家的全部工作可以用两句话包括：或者表现中心人物，或者诉之于中心人物。
贝多芬的交响乐，大教堂中的玫瑰花窗，是向中心人物说话的；古代雕像中的《梅莱阿格尔》和《尼奥勃及其子女》，拉辛悲剧中的阿伽门农和阿喀琉斯，是表现中心人物的。
可以说“一切艺术都决定于中心人物”，因为一切艺术只不过竭力要表现他或讨好他。
首先是总的形势；其次是总的形势产生特殊倾向与特殊才能；其次是这些倾向与才能占了优势以后造成一个中心人物；最后是声音，形式，色彩或语言，把中心人物变成形象，或者肯定中心人物的倾向与才能：这是一个体系的四个阶段。
要创作优秀的作品，唯一的条件就是伟大的歌德早已指出过的，“不论你们的头脑和心灵多么广阔，都必须把时代的思想感情全部装满。
”如果这样，将来自然就会产生出优秀的作品。
第二编意大利文艺复兴期的绘画A 意大利绘画的题材是人体（艺术之花盛开的时节/健硕与完美的人体形象/刻画肉体而非表现心灵）首先需要对意大利画派下一个定义；按照通常的说法称之为完美的，古典的。
意大利画派对风景是瞧不起的，或者是不重视的。
意大利画家采用的题材是人，因为他们认为艺术真正的对象是人体，但这个形体是只有在理想中找到而非肉眼所能看见的形体。
在这个界限之内，意大利古典绘画还有一个限制。
在它作为中心的理想人物身上，精神并不居于主要地位。
这个古典画派既没有神秘气息，也没有激动的情绪，也不以心灵为主体。
B 艺术天赋与历史环境巧合（天生艺术气质和丰富的想象力/社会上艺术风气流行）这一次百花怒放的原因是精神方面的一个总倾向，是普及于民族各阶层的一种奇妙的才能。
这个民族的才能与当时的历史环境十分一致。
在那个时代，欣赏艺术的风气非常流行，意大利艺术家有幸遇到了一个特别有利的时代，所以其才能得以充分发挥，于是大批杰作诞生。
但这个才能的出现是暂时的，所以艺术的出现也是暂时的。
这个才能在一定的时代开始，一定的时代结束；艺术也在同一时代开始，同一时代结束。
才能朝某一方向发展，艺术也朝同一方向发展。
艺术是影子，才能是本体，艺术始终跟着才能的诞生，长成，衰落，方向。
才能带着艺术出场，前进，使艺术跟着它的变化而变化；艺术的各个部分和整个进程都以才能为转移。
它是艺术的必要条件，艺术有了它就能诞生。
C 精神修养和天生审美感（善于欣赏和创造艺术/尊崇文学和学者/交际场中风度优雅）把十五世纪的意大利同欧洲别的国家作一比较，就会觉得它更博学，更富足，更文雅，更能点缀生活，就是说更能欣赏和产生艺术品。
D 形象表现登峰造极（今天的欧洲：艺术不纯粹/意大利：鲜明生动的形象呈现/享受世俗：淡漠道德和宗教/美丽形体：满足暧昧本能）那时的人精神更平衡。
至少对绘画来说是更平衡。
要绘画发达，土地不能荒芜，也不能耕耘过分。
封建时代的欧洲是大块坚硬的泥土；今日却支离破碎了；从前，文明的犁还没有犁得充分；现在犁的沟槽太多了。
要单纯壮阔的形体固定在画布上，脑子里必须自然而然产生出这一种形体；而要它们自然而然的产生，必须“形象”不受“观念”的阻抑和损害。
文明过度的特点是观念越来越强，形象越来越弱。
那个时代的文化是以行乐为目的，追求眼睛的享受和感官的享受，完全是摆脱政治的束缚，放弃一切道德标准。
