西方美术史 期末论文

对史前美术的认识以前，我总感觉到美术离我是那么的遥远，我对于美术的认识几乎为零。

比如，看到梵高的《向日葵》，我实在看不出它有什么特别的，因此别人常常笑我没艺术细胞。

我高中学理科，很少接触艺术；现在我修的是工科专业，又很少接触艺术。

为了弥补自己对艺术认识的缺陷，我特意选修了“西方美术史”这门课。

课上，谢老师给我们详细地介绍了不同历史时期的西方艺术。

按时间先后顺序有史前美术，其代表作是法国的拉斯科洞窟壁画、西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画以及沃尔道夫的维纳斯；古代美术，其代表作是埃及金字塔、掷铁饼者、米洛斯的维纳斯；中世纪美术，其代表作是拜占庭式建筑、哥特式建筑；文艺复兴美术，其代表作是达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》；十七世纪美术，其代表作是委拉斯开兹的作品《宫娥》，出现了巴洛克艺术；十八世纪美术，其代表作是《希阿岛的屠杀》和《自由领导着人们》，出现了浪漫主义艺术；十九世纪美术，其代表作是库尔贝的作品《画室》，出现了印象派艺术；二十世纪至今的美术，许多艺术活动已经超出了美术的范围。

学了这么多，下面我谈谈我对史前美术的认识。

史前美术又称“原始美术”，西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。

最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。

所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。

拉斯科洞窟壁画，由1.7万年前的原始人涂抹在法国西南部多尔多涅省附近“拉斯科”岩洞内壁上，是旧石器时期岩画的代表之一，在美术史上占有重要地位。

1940年，多尔多涅乡村的四个儿童带着狗在追捉野，突然野兔不见了，紧追的狗也不见了，孩子们这才发现兔和狗跑进一个山洞，他们带着电筒和绳索也进入洞里，结果发现一个原始人庞大的画廊，这就是拉斯科洞窟壁画，被誉为“史前的卢佛宫”。

拉斯科洞窟因石灰岩缝隙水流的侵透，在地质年代的第三纪形成大型的岩洞。

重庆大学外国美术史与名作鉴赏论文学生：胡睿学号：********指导教师：***专业：建筑环境与能源利用工程2013年10月摘要艺术是时代的镜子。

艺术品能反映出时代的思想、潮流和生活形态的改变，因而每一个时代的艺术品都与其他时代有所不同。

重大的历史变动往往意味着重大的潮流改变。

艺术囊括了物质世界和精神世界的各个方面，在这篇论文里将概述西方美术史，并对古代的宏伟建筑以及近现代的美术稍作分析。

关键词：西方美术史，印象派，后印象主义，表现主义。

目录1 古代的灿烂文明 (3)1.1始祖之壁 (3)1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画 (3)1.1.2新石器时代——巨石阵 (3)1.2文明之火 (3)1.2.1古埃及 (3)1.2.2近东——美索不达米亚 (3)1.2.3爱琴海——希腊艺术 (4)1.3罗马之盛 (4)1.4宗教之源 (4)2文艺复兴的荣光 (5)2.1人性之醒 (5)2.2皇权之光 (5)2.3浪漫之风 (5)3科学的浮光掠影 (6)3.1科学之种 (6)3.1.1写实主义 (6)3.1.2印象派 (7)3.1.3后印象主义 (9)3.1.4象征主义 (9)3.1.5表现主义 (10)3.2现实之外 (11)参考文献 (11)1 古代的灿烂文明400万年前，人类站了起来。

而在那之后200万年，人类才有工具遗留。

这个人类开始把石块变成适当的形状作不同用途的旧石器时代。

1.1始祖之壁1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画1869年一次意外的探险，一个想摆脱名利的侯爵和他四岁的女儿共同发现了旧石器时代克鲁马农人留下来的岩画。

阿尔塔米拉岩洞有超过150幅壁画，多数是简单的风景图和动物画。

颜料主要以矿物质、炭灰、动物血和土壤为主，掺有动物油脂。

颜色以红、黑、紫为主，色彩十分浓重。

这些岩画大约是为祭祀用。

这些画家兼职猎人，他们所绘动物与他们息息相关，比如许许多多牛的图案。

他们可能是觉得把动物的灵活与力量反映在墙上，可以夺取动物的灵魂或是力量，易于部落捕猎的行动。

外国美术史结课论文201213070203-宋振豪意大利文艺复兴时期的雕塑艺术文艺复兴时期的雕塑艺术进入了另一个高度，在这一时期，意大利的雕塑艺术显得比较突出。

我以这一时期意大利的两名著名的雕塑大师为例，说出我对这一时期意大利雕塑艺术的见解。

我作为一名学雕塑的学生，我不敢说我对雕塑有多么独特的见解，我的理解可能很肤浅，但这仅仅是我个人的见解。

在文艺复兴早期，主要的雕塑代表是多纳泰罗，多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。

他创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。

他的代表作品《大卫》是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。

多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。

在他的手下，这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。

着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品，在黑暗的中世纪已经消失，所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世，实在是惊世骇俗之举。

裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来，开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河，奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。

他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。

《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准；它的姿态遵守“重心转移”的造型规律，显得放松而自然。

《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态，他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。

这种对人类自身价值的发现和认识，正是文艺复兴的根本精神。

自多纳泰罗之后，主要的雕塑家是米开朗基罗。

米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。

他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。

西方美术史结业论文主题：偶遇《黄色基督》邂逅保罗高更摘要：一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍和课后的资料查找，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。

而我最喜欢的是十七世纪荷兰最重要的风景诗人雷斯达尔。

他的风景画给人一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷。

关键词：黄色基督￫保罗·高更￫后映像派￫后映像派三杰一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍讲解和自己课后的资料查找搜集，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。

我们从古希腊、古罗马的美术讲到了文艺复兴时期，直至欧洲十九世纪的美术，不仅有米隆的《掷铁饼者》、多纳太罗的《大卫》，还有米开朗琪罗的《哀悼基督》、伦勃朗的《夜巡》、荷加斯的《伯爵夫人之死》…但是给我影响最深的不是广为人知的《最后的晚餐》，也不是价值连城的《维纳斯的诞生》，也不是那神秘的《蒙娜丽莎》而是那充满历史文化底蕴而富有传奇色彩的后映像派别名画尤其是从邂逅《黄色基督》开始。

或许它们不是最伟大的作品，但总能显示出一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷，倘佯在后印象派的美丽长河之中，让我们一起来走进这个传奇的世界。

一 .邂逅《黄色基督》故事那是一个连阳光也显得懒懒的下午，或许因为一天的学习让人感到有些疲倦，又或许是有一个令我怦然心动的事物出现的原因。

懒懒的趴在桌子上看着老师的课件一页一页的翻过。

直到出现，浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型一下子吸引了我的眼球。

简介油画《黄色基督》，以其平铺的块面、浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型，反映出高更“综合主义”绘画的风格特点。

整个画面被前景的人物、十字架的垂直立柱以及顶端的水平横木所支撑。

田野、天空及十字架的道道条状的形，与妇女及树木图像圆转起伏的曲线，产生鲜明对比；那平直延展的形，与圆曲封闭的形，形成强烈的对照。

所有物象都统一于一种明快而简约的图形中。

文艺复兴时期中西艺术的差异——以中国山水画与西方风景画为例文艺复兴以后，西方艺术发展进入新阶段，与同时期的中国艺术形成了许多差异，以该时期的中国山水画与西方风景画为例，二者虽然都是对自然的描绘，但在空间处理、写景的系统、是写实还是写意等方面二者都存在差异。

在空间处理方面，文艺复兴时期透视法的发明，使西方画家能在平面上更真实的展现三度空间，最求画面的真实性，而透视法的出现离不开文艺复兴时期科学技术的进步。

而同时期处在明朝的中国山水画在空间处理中采取了“三远”的表现方式，既高远、深远、平远，也就是指仰视、俯视和平视，所以中国山水画是在运动中观察的自然，从多角度看而不同，不受视点的约束。

从空间处理方面中我们就可以看出文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的一个大不同，就是对写实和写意的侧重点不同。

明朝中国山水画继承了中国传统山水画，对景的描绘是画家主观感情和意识出发描绘的自然，寄托着作者的精神和气韵，对自然的描述追求的更多是神似，而不是形似，但也不是完全抛弃形似，只是不用特别拘泥于形似。

而西方的风景画注重风景的真实性，在总体上对风景的描述都是偏向形似，但也不是代表其风景画没有写意的部分，只是在这个时期中对景的绘画依旧注重完全的复刻和比例的合理性。

而从中我们便也可以看出该时期中国艺术体系属于写意体系，西方艺术体系属于写实体系。

在重视程度上，文艺复兴时期的西方风景画并没有形成一个独立的体系，他们更多是在宗教的主题下的风景，该时期更多的依旧是人物画。

这与欧洲画注重人物画的历史有关，文艺复兴重视人的价值，风景只是人物的从属，往往画家们更多学习到的是描绘人物的技能。

而明朝时期的山水画在画坛上地位较高，较为成熟，有独立的系统，在中国传统中讲究人与自然的和谐共处，山水和人是共同重要的，而在中国传统封建社会中文人的抑郁不得志使其往往寄情与山水之中，这些都使山水画在中国成为体系，有较为重要的地位。

从文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的差异可以看出，该时期中国艺术是属于写意的艺术，而西方艺术是属于写实的艺术；该时期中国艺术中人与自然往往是和谐共处的，而西方艺术重视人的地位。

西方经典美术作品赏析论文我深信，只有高度的文化建设，才能造成现代强盛的民族和国家，对美和艺术的理解，是文化修养的一个重要部分，而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术，包括了解一些艺术史，经验证明：人们对于美的鉴赏和理解力，是要靠学习才能获得的————是知识之所赐。

西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。

对西方数千年艺术发展概况的解读，体验到西方艺术的源远流长，博大精深，领略到西方艺术典雅精致的风格和浓浓的人文情怀，有身临其境的感受，深入艺术的现场，感悟艺术之趣、历史之真，知性之美。

从这本书中，学有所获，常有所思，偶有所悟，其乐融融。

西方美术发展的精神基点，始于与自身的认识上。

“美术”一词，在西方指非功利主义的礼堂艺术，或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。

艺术是人们把握现实，表达思想感情和审美理想的特殊方式。

纵观整个西方美术的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传统和相异的社会文化因素的影响，使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。

西方美术的真正起点在希腊。

尽览西方美术发展的线索，有过三次高峰时期。

第一，古希腊古罗马时期；第二次，文艺复兴时期；第三次，19世纪。

对于文艺复兴，在我学这门课以前的记忆里，留下足迹的仅仅是文学作品，远远不知道美术作品的丰富、无限和逼真。

到此刻才了解到艺术的无垠天地。

历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律。

中世纪是基督教统治西方的一千年，人们的思想，生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。

这个时期的人们缺乏创造力，缺乏自主思想，只为了上天国而活着，而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。

文艺复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础，恩格斯说：“这是人类前所未有的最伟大的进步的革命。

”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言，只有古希腊罗马文明的繁荣时代可以和它相提并论。

文艺复兴的艺术文化，是人类无与伦比的不朽的珍品。

而近代先进的艺术文化，是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生，成长起来的。

西方美术鉴赏期末论文：艺术中的残缺美在美学领域里，有一种“大成若缺、大巧若拙”的美，说的就是残缺美。

何谓残缺美?我没有能力，也不愿用一个条条框框的定义把它束缚住，既然它是美，必定动人。

虽然，我不知道怎么定义它，诉说它。

只知道，当我接近她、聆听她，感受她，我的心灵也随之澎湃，有时壮阔，有时低吟，却无时无刻不惊心动魄。

我只能以自己对西方美术短浅的认识，来讲述这博大的残缺艺术，却已经不知如何挑选例子。

因为，这样的美，太多太多。

残缺的美，是岁月和历史的倾诉；残缺的美，是人类思维的飞翔；残缺的美因为遗憾更加灿烂。

在西方艺术的长河里，美妙的杰作无处不在，那是祖先、前人给我们留下的宝贵的财富。

那些建筑、雕刻、绘画艺术都各自以她们独特的姿态，伫立在这条历史的河流中，有时静谧，有时磅礴。

残缺的美，是岁月和历史的倾诉。

就说说这建筑之美吧。

说到建筑，不得不提的是古罗马的建筑群。

经历了岁月的洗礼，在罗马这片土地上，这里巍峨雄伟的建筑经历了无数的战争，接受着自然的洗礼，人为的破坏……但罗马却并没有因为这些，失去罗马斗兽场、君士坦丁凯旋门、庞培城、万神庙这些传奇……当时的世俗建筑已经相当成熟，建筑艺术成就很高。

大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。

罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。

斗兽场在建筑史上堪称典范的杰作和奇迹，以庞大、雄伟、壮观著称于世。

现在虽只剩下大半个骨架，但其雄伟之气魄、磅礴之气势犹存。

意大利的古罗马斗兽场平面呈椭圆形，占地约2万平方米，共四层。

外部全由大理石包裹，下面3层分别有80个圆拱，其柱形极具特色，按照多立克式、爱奥尼式和科林斯式的标准顺序排列，第4层则以小窗和壁柱装饰。

场中间为角斗台，仍为椭圆形，相当于一个足球场那么大。

整个斗兽场就这么矗立在意大利的市中心，从那些残存的建筑体里磅礴之气喷泄而出。

如今的斗兽场只有半个残荷般的躯壳，帕特农神庙也只剩下一堆柱子。

而就是这些看似破旧不堪的建筑群，映射了整个罗马文明的发展，她随着罗马而生而亡，即使残破也永远以骄傲的姿态伫立着。

西方美术欣赏鉴赏相关论文西方美术欣赏是高校美术专业的重要课程，对于提高学生的综合素质发展创造力有着重要的意义。

下面是店铺为大家整理的西方美术欣赏相关论文，供大家参考。

西方美术欣赏相关论文篇一：《试论中西方美术的融合与当代工艺美术》工艺美术的创作初衷是对艺术的感悟，基本点在于美，这一点与传统艺术(包括绘画)的出发点是一样的。

无论什么形态的美，它必定是包括着人们美好的愿望。

形态的多样性使工艺品更具广泛的市场与发展空间，艺术的创造来源于生活的各个角落，任何东西都有可能成为一件艺术品。

用艺术的眼光来创造工艺品，是人们物质生活和精神生活提高的表现，也是人们喜爱艺术的愿望，艺术对于社会、对于人的成长起着非常重要的作用，体现了人们的精神面貌。

在西方美术中，注重绘画材料与工具的多样性及绘画材料与写实观念的紧密结合，体现了它的科学性。

强调对客观事物的真实再现，描绘自然界中一切事物的真实情况。

严谨的比例，光线的变化，空间以及色彩的表现。

通过绘画的过程找寻事物的特征并逐步进行科学的研究，形成完整的，科学的绘画语言，创造真实的“理想之美”。

“艺术的使命在于用感性的艺术形象的形式去真实”(黑格尔《美学》)。

中国美术早期则深受儒家、道家文化的影响。

“礼之用，和为贵。

先王之道，斯为美;小大由之。

有所不行，知和而和，不以礼节之，亦不可行也”(《论语·学而》)，“淡然无极而众美从之”(《庄子·养生主》)，强调抒发主观意志，以主观的思想来控制情感，从美好的一方面来净化内心世界。

塑造理想的人格，从而达到人与社会，人与自然的和谐之美。

通过所要描绘的具体对象表达自己内心感受，以咏物来寓志，借景抒情，形成中国美术特有的“意境”。

讲求“气韵生动”，不求形似但求“传神”，(明·徐渭)“须得书意，转深点画之间皆有意”(东晋·王羲之)，把主观的情感和客观的景物相融合，通过画面上的“物”与“意”即“书”成为一个整体，形成“诗、书、画”一体的特有表现形式。

简论古代罗马与古代希腊的美术关系摘要：在选修外国美术简史这门课程之前，我对西方的美术了解可以用空白形容，一方面是由于自身在高中时期没有给予足够的重视，另一方面是由于高考的指向性，使得我忽略了自身的艺术修养的重要性。

然而，进入大学之后，由于我专业是机械类的关系，我开始慢慢发现，其实机械类中艺术性也是不可少的，最简单的证明就是苹果公司乔布斯先生，在我看来，正是因为他的产品创新性，科技性和艺术性并存才会使得苹果公司逐渐壮大并最终获得成功。

在这一学期，我选修了外国美术简史这门选修课，希望能够补充这一方面的知识，并希望能对自己的专业学习有所帮助。

关键词：西方美术史古罗马古希腊首先，我认为对西方美术史的发展了解是必不可少的。

最初是史前时代。

进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章，美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域），古埃及的庞大金字塔建筑，古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，古罗马美术继承着古希腊的传统。

封建社会时代、欧洲文艺复兴时期。

17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，18世纪时期18世纪罗可可风格在法国兴起，19世纪时期19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。

19世纪后期在法国产生了印象派。

直到如今，西方的美术还在不停的发展着。

西方美术在它发展的历程中，珍品无数，在论文中不能尽述，就简略了解一下在西方美术发展中地位举足轻重的古代希腊和罗马艺术吧。

在西方美术史浩如烟海的典籍里，最常看到的词汇就是“希腊与罗马”和“回归与复兴”。

根据史事记载，在公元8~9世纪加洛林王朝的“文艺复兴”，表现出的就是对古代世界的一次有意识的回归。

它以一系列语言、文字、法令以及宗教生活的改革而开始；不过查理曼大帝想要复兴的仅仅是罗马世界。

这位由教皇加冕的罗马皇帝是以保存、复兴罗马早起基督教经典教义为宗旨，时间的范围也仅限于宫廷艺术。

事情到了15世纪才真正出现转机。

现实世界的崩溃（1453年君士坦丁堡的陷落）让人们在古代世界遗留下的文献手稿中“重新发现”了希腊和罗马。

美术文献读书笔记对艺术再次认识摘要：现实主义作为绘画的一种艺术思想，具有独特的审美意义和价值。

它以弘扬真、善、美为艺术使命，与时代紧密相连，体现出浓厚的人文内涵和民族艺术风格特征。

现实主义作为艺术创作中的重要方法，是我国多种艺术形式的有机组成部分。

主要是对西方艺术的了解和以及心得。

关键词：现实主义油画艺术审美拓展现实主义作为一种艺术形式，它的基本原则是，强调艺术反映现实社会生活，关注现实人生、社会和自然，认为艺术是对现实的一种审美认识和再现，是对社会生活形象的、真实的、典型的审美认识，并利用恰当的造型手段将这种审美认识所形成的审美意象、审美情感和审美评价表现出来。

现实主义主张艺术要真实地反映客观世界的现实本质和历史本质，真诚地表现艺术主观世界的审美情感和审美理想。

作为流派和运动的现实主义油画艺术，是从西方产生和发展而来。

在西方美术史上，主要指库尔贝、杜米埃、米勒以及巴比松风景画家的艺术创作，历史(咱们上课时的教科书)上的卡拉瓦乔、伦勃朗、维米尔、夏尔丹、列宾、谢洛夫、怀斯以及当代英国王家弗洛依德的绘画都可归为现实主义艺术。

一般来说，只要真实表现和反映一个时代的精神面貌，我们都可称之为现实主义艺术。

中西文化各有侧重，但中西艺术追求真善美的理想是一致的，由此，油画才有“汇中融西”表现的可能性。

在创作实践上，现实主义艺术家重视生活实践和艺术实践，在实践中寻找美、发现美、认识美和表现美，同时，他们不回避丑，对现实中丑恶的现象敢于正视，从而揭示生活的本质和历史的必然。

现实主义艺术是从现实世界而不是从空想世界中获取它的内容和形式。

在表现手法上，现实主义艺术一般采用写实的方法，注重细节的真实，并通过典型化的手段，揭示社会生活的真理，体现艺术家的思想感情和个性特征，达到艺术之美。

因此，现实主义艺术作品是真、善、美三位一体的高度统一。

现实主义的基本特征是以具有审美价值的艺术语言，真实地再现客观现实生活，反映画家从社会生活实践出发对生活的认识活动。

浅读达利作品“记忆的永恒”杨艳（湖南城市学院建筑与城市规划学院0801404班24号）摘要：达利的早期油画作品“记忆的永恒”中, 柔软的钟表是对时间消解和质疑,聚集的蚂蚁显现为生命力的躁动。

通过这些象征性形象来诠释着他的潜意识梦境, 钟表和蚂蚁都不是它的自身, 而被达利赋予了特殊的涵义。

本文通过对其作品的解读, 揭示出这些烙有达利独特印记的形象所具有的独特意义和美学内涵。

关键词：软表;时间;欲望;幻象解读达利的超现实主义创作，感受达利内心世界中激烈的斗争，从作者经历、时代背景、画的内涵。

风格特点等方面剖析达利对人的意识世界的洞幽察心理分析和表达能力，深入认识理解达利通过精妙的写实语汇和永不枯竭的想象力的结合，创作出一种迥异于现实世界的，完全不同于他人的专属于达利的艺术世界。

1 整体解读油画“记忆的永恒”创作于1931 年, 典型地体现了达利早期的超现实主义风格。

画面由海市蜃楼般的远景和四块钟表构成的近景组成,整幅作品制造了狂烈的视觉幻象, 并给欣赏者产生了强烈的震惊。

远景: 湛蓝、淡黄与亮白色相间的天空衬托褐色、棕色的低矮山脉; 山脉纹理清晰有力,天空宽阔却不高远, 刺目、迷离又带压抑。

整个远景似天空映照山脉,又似海洋把山脉生成,仿佛虚无迷幻的海市蜃楼。

深褐色的地平线不仅将作品分为近景和远景,而且占三分之二画面的深褐色将作品带入了深褐色营造的滞重和苍凉。

然而这片苍凉生成着令人吃惊的景象:灰色的折断了的枯枝生长在褐色的石台上,一块浅灰色的软表软软地从唯一的细枝上耷拉下来,低垂而又哀伤。

它似乎要唤醒斜下方白色的软体动物, 第二块浅灰色软表如同马鞍一般斜跨在这白色的软体上。

这白色的半遮掩着的隐约可辨的似乎是人体,她躺卧在浓重的阴影中,无力、衰弱和颓败。

软体的左侧是支撑着枯枝的石台,一块镶着金属边框的灰色软表一半儿贴着石台,一半儿沿着石台的边缘漫不经心地垂落着。

它正对着一块平摆着的红色钟表。

红色, 整幅作品唯一的暖色; 钟表, 整幅作品中唯一没有软化保持常态的钟表。

通过这学期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。

西方美术在经历了较长时间的原始美术之后，逐渐发展了包括美索不达米亚、古埃及、古罗马、古希腊时期的美术，课上老师主要讲授了对古希腊和古罗马时期雕塑和绘画的鉴赏及区分。

雕塑师古希腊艺术的灵魂。

古希腊的雕塑家们对身体结构的认知，对神态的描摹以及对雕刻技术的运用，都达到了炉火纯青的境界。

另外古希腊雕塑具有很强的感染力，比如，雕塑《掷铁饼者》，最初见到这件艺术作品时，我还完全不知道什么是古希腊艺术，但当时依然给我很深的震撼作用，雕塑者给予了这件作品完美的线条，生动的神态，赋予了它神秘的神话色彩，让人一下就置身于这种豪迈的气势中。

而古罗马艺术在建筑上成就很高。

大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。

罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。

接下来的中世纪美术由于受到基督教的制约，开始不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。

这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。

十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术，发源于意大利，主要是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。

十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽纤巧和精致。

期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。

德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。

十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。

十九世纪后期在法国产生了印象派，受到现代光学和色彩的启示，注重在绘画中表现光的效果。

二十世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。

莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部份都有他的推广。

莫奈擅长光与影的实验与表现技法。

桑德罗·波提切利：形式之美与精神之美的统一苏莞琴景观一班100494 注意到波提切利是由于被他的名作——《春》所吸引。

远看这幅画，它色彩丰富却又和谐统一，近看时，画中人物恬静、安详而又略带由于的神情更是让人沉醉其中。

再看他其它的画作，发现这样的神情普遍存在于他的化作之中。

也许是因为文艺复兴时期理性的觉醒，人性的复苏，再经由他天才的发挥，便诞生出了这样一批不朽之作。

先从波提切利的生平说起。

他的出生于一个中产阶级家庭，原本学习手艺，之后才师从菲力浦·利皮学习绘画。

受雇于美第奇家族让他在政治上被保护，也使他有机会接触到佛罗伦萨的上流社会和文化名流，看到更加广阔的世界，也催生了他精雕细琢、富丽华美的艺术风格。

然而在美第奇家族被放逐之后，他追随宗教极端主义者萨沃纳罗拉，甚至烧毁自己的画作。

这也许造成了他最终在穷困潦倒中孤独辞世。

波提切利曾对达·芬奇说，画家可以通过把浸有颜料的海绵扔向画板来画风景，因此对景物的细致观察毫无意义。

波提切利没有像镜子一般再现自然，而是对之进行筛选和编辑，由此创造了一个更加完美的乌托邦。

他所注重的不是解剖学所分析出的，人的形体的表现。

波提切利比较注重线描。

他笔下诞生的人物比较平面化，而且人体的比例关系也于实际不同。

他画中的女性们比真实的人更加妩媚多姿，这得益于他的线条，以及他发源于心关于美的想象与表现。

与再现相比，波提切利更注重的是创造，这于文艺复兴时期人性的自觉有关。

同时，波提切利的匠心也让人折服。

不仅在《春》，众神的姿态可以引起人们无尽的联想，在他的其它画作中，波提切利的别具匠心也叫人叹为观止。

比如《诽谤》中，驴耳象征国王的昏庸，只听得进“无知”、“轻信”和“诽谤”对“无辜”的污蔑，华裳包裹着的是“背叛”、“虚伪”和“欺骗”（一说是“妒忌”和“仇恨”），而“真理”是一丝不挂的，显得朴素、自然，却只能无能为力地指向苍天。

这幅画寓意十分深刻。

它告诉人们，人间的一切罪恶都是用美丽的形象乔装打扮以欺骗人民的，统治者听信坏人之言，正直好人总是落难，而面对这一切，真理也是无能为力的，这就是社会现实。

关于西方美术教育思想的论文一、西方美术基础教育的优势首先，西方的文化思想较崇尚个性化发展，在美术基础教育过程中多采用启发性、引导性的教学方式，不仅为美术基础教育提供了良好的土壤，而且为学生在学习过程中充分发挥想象力和创造力奠定了基础。

其次，西方美术基础教育课程设置较为多样化，注重美术基础教育与其他学科之间的联系，在美术课程中安排创作、设计等课程，有助于提升学生的动手能力及人际关系协调能力，有利于提高学生的审美情趣。

最后，西方美术基础教育在教学过程中，注重以人为本，能够充分保持学生在学习过程中的主体地位，从而使学生能够积极主动地参与课程学习，这不仅提高了学生对美术的学习兴趣，而且能够加深学生对美术基础教育价值的认知。

二、西方美术教育思想对我国美术基础教育基本目标的启示国际间多元文化的相互渗透以及学术交流的日益频繁，在促进我国美术基础教育工作者对艺术深层次理解的同时，也提升了我们对其他国家美术教育思想的接纳程度。

在新的历史形势下，我国美术基础教育工作者应当在借鉴和吸收西方先进美术教育思想的基础上，对我国当前美术基础教育的基本目标进行深刻思考，从而使我国美术教育在与国际化接轨的同时，建构具有本土文化特色的美术教育目标体系。

具体而言，美术基础教育应当从如下三个方面做起：首先，应当改进以往的教学方法和教学理念，使美术基础教育不再是简单的专业知识和技能的传授过程，而要注重学生在学习过程中想象力和创造力的发挥，使学生能够通过美术创作过程获得感性的教育，从而使学生通过美术学习不仅能够获得专业知识和技能，而且能够实现创造力和心智的共同成长。

其次，在美术基础教育过程中应当注重美术基础教育与其他学科之间的联系，使学生能够从不同层面运用多种方法获得较为全面的美术知识。

如，让学生通过学习语文、地理、历史等学科的知识，了解美术的人文背景、历史背景等，增强美术学习过程的灵活性。

最后，应当将美术教学过程融入学生的实际生活，鼓励学生参加各种创作活动、不断接触新媒体，使学生能够将在美术课程中对美的感受能力运用到实际生活中，这样不仅能使学生在实际生活中不断发现美，而且可以丰富美术教育基本目标的内涵。

《西方美术鉴赏》期末论文今天，我想要鉴赏的是巴洛克艺术中的经典之作《阿波罗和达芙妮》之所以选择这个作品，是因为当我第一次在西方美术鉴赏课上看到它时就被它独特而完美如舞姿的造型所吸引，在听过老师讲述了那个凄美的希腊神话故事后，更是对它感触良多。

这则作品的作者是意大利雕塑家、建筑家贝尔尼尼，他是巴洛克艺术的主要代表人物之一，也是巴洛克艺术的创始者。

贝尔尼尼可谓是多才多艺。

颇具文艺复兴时代的遗风。

对于贝尔尼尼，当时人们这样写道：“上演了一出大众戏，其中布景是他画的，雕像是他雕的，机械是他发明的，音乐是他谱曲的，喜剧的剧本是他写的，就连剧院也是他建造的。

”这样的全才我想大概只有达芬奇才能与之媲美吧《阿波罗和达芙妮》贝尔尼尼创作的大理石雕像，取材于希腊神话，描绘的是太阳神阿波罗向河神女儿达芙妮求爱的故事。

目空一切的阿波罗瞧不起小爱神丘比特的箭法，而丘比特为了向阿波罗复仇，将一支使人陷入爱情的金箭射向了他，使阿波罗疯狂地爱上了达芙妮，同时，又将一支使人拒绝爱情的铅箭射向达芙妮，使达芙妮对阿波罗不理不睬。

因此，阿波罗一看到达芙妮就深深爱上了她，他对她的爱就像疾病一样无法控制。

有一天当达芙妮兴高采烈地在林中游玩时，阿波罗在树林里看到就走过去想向她表白，可是因为丘比特箭的作用，达芙妮害怕得飞跑起来,但情绪激昂的阿波罗紧追不放。

她越过旷野，穿过人迹罕至的树林，但追赶的脚步声愈加逼近。

奔逃的的达芙妮根本顾及不上这些。

她甚至没朝身后瞥了一眼，她不停的逃开他~达芙妮越跑越惊慌，就在他快要追到的时候，他们都被一条大河拦住了，最终达芙妮气喘吁吁地向她的父亲（河神）求救:"爸爸你请你张开大口把我吞下去吧."河神向来疼爱这个美丽的女儿，不忍心那样做，于是他施展魔法将她变成一株月桂树.阿波罗看到了变成月桂树的达芙妮，感到懊悔万分，他轻拥着月桂树向她道歉，并且表示他对她的爱慕永远不变.阿波罗为了表示他对仙女永不磨灭的爱情，于是将月桂树作为他最喜爱的的树种，用她的花朵装饰他的弓箭，让她青春永驻，并决定将它作为一种对荣誉与威望的奖励，把它授予那些永恒的诗人和流芳百世的诗。

灵魂的翅膀——雅典卫城2009级中国画系中国画专业关佳姗【内容摘要】一个充满智慧的城市，它所凝聚的建筑精神及美学概念，深深影响了人类社会数千年，至今仍是唯一的标榜。

【关键词】艺术灵魂精神奇迹典范【论文正文】希腊雅典卫城修建于公元前5世纪，是世界新七大奇迹之一。

集古希腊建筑与雕刻艺术之大成。

帕提农神庙是卫城中的主要建筑物，全部由白色大理石砌成。

公元前5世纪，在一些经济发达的城邦里，从平民中产生了工商奴隶主。

他们代表着当时先进的生产方式。

他们联合了以小农和小手工业者为主体的平民群众，进一步战胜了经营农业的贵族奴隶主，建立了城邦范围内的自由民民主制度。

这时候奴隶制并没有普及到生产的多数领域，小自耕农经济与独立手工业是古典社会全盛时期的经济基础。

小农和小手工业者在这些城邦里获得更加多的政治权利。

公元前5世纪上半叶，希腊人以高昂的英雄主义精神在一场生死攸关的艰险战争中，打败了实行专制制度的波斯的侵略，进入了古典主义时期。

民主政治、经济和文化都达到了光辉的高峰。

希腊建筑也在这时结出了最完美的果实。

作为全希腊的盟主，雅典城邦在古雅典全盛期领土面积约1600k㎡。

卫城笼着几分神秘安详之美，让人不由得闭上眼睛，与之开展一番心灵的对话。

整个卫城最吸引人也最震撼人的正是这一份历经苦难战乱洗礼却留存下来的最平静的精神。

那一根根屹立千年的石柱，摸去粗糙坚硬，叩之锵然有声，无言无语，却自有灵魂在内里跳舞。

卫城坐落在雅典城中央一个不大的孤立的山冈上，山冈面积约为4平方千米，山顶石灰石裸露，大致平坦，高于四周平地70～80m。

东西长约280m，南北最宽处130m。

古代希腊城市具有战时市民避难之处的功能，是由坚固的防护墙壁拱卫着的山冈城市。

坚固的城墙筑在四周。

自然的山体使人们只能从西侧登上卫城。

高地东面、南面和北面都是悬崖绝壁，地形十分险峻。

公元前1500年，这里是王宫所在地，从公元前800年开始，人们在这里兴建神庙等祭祀用的建筑物，使之成为雅典宗教活动的中心，并且逐渐于高地下形成城市。

XX美术史的优秀论文西方美术史的优秀论文导语：以下是的关于西方美术史的优秀论文，内容如下，以供参考：20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬辘的各种美术流派和思潮，又称现代派。

发展状况现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。

19世纪80年代，法国的后印象主义、新印象主义和象征主义画家们提出的“艺术语言自身的—价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、—依赖”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础，所以，法国后卬象主义画家P.塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家，被人们称作“现代绘画之父”。

较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。

以H.马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”，由此“野兽主义”得名。

1908年，另一群年轻画家以P.毕加索、G.布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。

立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》中。

这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。

立体主义用块而的结构关系来分析物体，表现体面的重叠、交错的美感，是立体主义追求的目标。

野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义己进入自我确立的阶段。

与此同时，在德国1905年—的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。

它们的美学目标和艺术追求与法国的野曽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。

如果说表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的未来主义则在现代工业科技的—下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。

他们还热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并且试图用线来描绘光和声音。

蒙克：《圣母》上述思潮和运动，特别是未来主义,在雕塑领域内均有所反映。