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“具象／抽象”与“意象”在艺术领域里，以作品与自然对象相似程度上来划分风格的概念，就可分为具象艺术（Figurative Art）与抽象艺术（Abstract Art）。
具象艺术指艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的艺术。
具象艺术作品中的艺术形象都具备可识别性的特点。
古希腊的雕塑作品、近代的写实主义和现代的超写实主义作品，因其形象与自然对象十分相似，故被看作这类艺术的典型代表。
其实，其他具象艺术广泛地存在于人类美术活动中，从欧洲原始的岩洞壁画艺术到文艺复兴时代的宗教壁画，从印度的佛教艺术到中国的画像砖石等。
抽象艺术是那些艺术形象较大程度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术。
一部分原始艺术品和大部分工艺美术作品以及书法、建筑等艺术样式，就其形象与自然对象的偏离特征来说应属抽象艺术。
“具象/抽象”放在一起还是十分清楚的。
用大白话说：一个是能看出什么东西的模样，一个是看不出画了什么东西。
当“现实主义”或“写实”在上世纪80年代不能代表多样风格的创作现象时，许多美展就以“具象”为关键词，表示一种走出“写实”的艺术观念与表现手法但又不是抽象艺术的新探索。
关键问题还是出在“意象”。
一些教材，甚至“专家”莫明其妙地在“具象/抽象”十分清楚、且约定俗成的关系中，塞进一个“意象”。
把本来十分清楚的一对关系变复杂了。
意象。
《辞海》解：“①表象的一种。
即由记忆表象或现有知觉形象改造而成的想像性表象。
文艺创作过程中意象亦称‘审美意象’，是想像力对实际生活所提供的经验材料进行加工生发，而在作者头脑中形成的形象显现。
②中国古代文论术语。
指主观情意和外在物象相融合的心象。
……明清后专指借助具体外物，用比兴手法所表达的作者情思。
”据《辞海》，①、②两个意思都清楚界定了“意象”是指：来自客观物象（①记忆表象、知觉形象、经验材料，②外在物象），又加入了主观情思（①想像、加工生发，②主观情意、比兴手法），之后形成的审美意象（①想像性表象、作者头脑中形成的形象显现、②心象、表达的作者情思）。
具象艺术的概念
具象艺术是一种主张直接描绘生活、客观事物及其存在状态的艺术形式，也称为写实主义艺术。
具象艺术起源于欧洲现代艺术的发展历程中，它倡导对生活现象的反映，强调作品的形象性与明确性。
具象艺术重视现实，注重表现形象、色彩、质感等客观特征。
而抽象艺术则强调对形式、线条、颜色的纯粹表现，并不需要描绘真实存在的事物。
具象艺术对于西方现代艺术历史有着深远的影响，激发了一系列的学术争论和艺术实践。
早期的具象艺术作品多是描述自然风景、人物、物品等客观现实，而后逐渐发展出各种风格和形式，如含有主观感受的表现主义、强调细节、光影处理的超写实主义、对形象进行极度抽象、不加抑扬的线条和明朗色彩的新印象派等等。
具象艺术强调现实主义的观念，倡导真实、具体、本质、纯粹的艺术表现。
它反对抽象艺术的纯粹和理论化，认为艺术应该服务于人的生活，让人们更好地理解世界、感知世界。
在当今的中国艺术界，具象艺术也得到了广泛的关注和认可。
一些青年艺术家通过现实主义的风格和色调，表达对现实世界的感受与思考，呈现出了一种深刻而真实的情感。
具象艺术在传统文化的基础上融合了现代文明的元素，以独特的形式展现了新时代的审美和文化风貌。
总之，具象艺术是一种强调对现实主义的坚持、对生命的热爱和生活的真实描绘的艺术形式。
它打破了传统的艺术观念，以崭新的风格和形式呈现出独特的艺术魅力。
它让人们重新审视世界，重温生活的点滴，感受生命的美好，释放出真美善良的能量。
具象艺术（figural art ）指艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的艺术。
具象艺术作品中的艺术形象都具备可识别性。
古希腊的雕塑作品、近代的写实主义和现代的超写实主义作品，因其形象与自然对象十分相似，被看作这类艺术的典型代表。
具象艺术广泛地存在于人类美术活动中，从欧洲原始的岩洞壁画艺术，到文艺复兴时代的宗教壁画；从印度的佛教艺术，到中国的画像砖石，都可以看到这类艺术作品，至今它仍是美术创作中重要的艺术风格。
欧洲古代的模仿说、中国古代的应物象形说和达·芬奇等人的言论，都是具象艺术有名的理论表述。
具象艺术的特点1.视觉真实性或客观性，即具象艺术是以客观世界为表现对象，并且把对象表现得就像我们所看到的一样真实。
2.艺术形象的典型性，即具象艺术是通过典型的艺术形象的创造来表达艺术家的个人情感和观念的。
3.情节性或叙事性，即具象艺术中往往蕴涵着一个或多个故事情节，它可以用文字语言直接来讲述或描述。
由于具象艺术的这些特点，因此除艺术所共同的审美功能外，它还具有记录的功能。
抽象表现主义(Abstract Expression)又称抽象主义，或抽象派。
二战后直到20世纪60年代早期的一种绘画流派。
抽象派这个字第一次运用在美国艺术上，是在1946年由艺术评论家罗伯特·寇特兹Robert Coates所提出的。
"抽象表现主义"这个词用以定义一群艺术家所做的大胆挥洒的抽象画。
他们的作品或热情奔放，或安宁静谧，都是以抽象的形式表达和激起人的情感。
超现实主义（surrealism）是在法国开始的文学艺术流派，源于达达主义，并且对于视觉艺术的影响力深远。
于1920年至1930年间盛行于欧洲文学及艺术界中。
探究此派别的理论根据是受到佛洛依德的精神分析影响，致力于发现人类的潜意识心理。
因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。
具象艺术的特点具象艺术是一种着重描绘客观现实的艺术形式，其特点在于通过具体事物的形象来表达艺术家的情感和思想。
具象艺术强调对细节的关注和描述，以及对形式和色彩的准确表达，使观众能够清晰地感受到作品所展现的对象或场景。
具象艺术注重对现实的观察和再现。
艺术家通过对身边事物的观察和感知，选择具体的对象或场景进行描绘。
这些对象和场景可能是自然景观、人物形象、静物、城市风景等，通过细致入微的描述来展现艺术家对现实世界的理解和感受。
具象艺术追求形式和色彩的准确表达。
艺术家通过运用绘画、雕塑、摄影等各种艺术媒介，创造出具体对象的形象。
他们通过准确的线条、明暗的处理和色彩的运用，使作品更加真实、鲜活，让观众能够产生身临其境的感受。
具象艺术注重观察者的情感共鸣。
艺术家通过对具体事物的描绘，以及对形式和色彩的运用，传达出自己的情感和思想。
观众在欣赏作品时，可以通过对作品的感知和理解，与艺术家的情感产生共鸣，从而产生情感上的交流和沟通。
具象艺术还强调对细节的关注和描述。
艺术家通过对具体对象或场景的细致观察，将细节描绘得栩栩如生。
观众在欣赏作品时，可以通过对细节的观察和体会，更加深入地理解作品所描绘的对象或场景，从而获得更加丰富的艺术体验。
具象艺术还追求作品的自然度和流畅度。
艺术家在创作过程中，力求使作品看起来自然、真实，避免过于生硬和不自然的表现方式。
他们通过对形象的处理和构图的安排，使作品具有一定的流动感和动态感，使观众能够感受到作品中所展现的对象或场景的生动性和活力。
具象艺术以对现实的观察和再现为基础，通过形式和色彩的准确表达，以及对细节的关注和描述，传达艺术家的情感和思想，并与观众产生情感上的共鸣。
具象艺术注重作品的自然度和流畅度，使观众能够身临其境地感受到作品所展现的对象或场景。
通过具象艺术的表现形式，艺术家能够将自己对现实世界的理解和感受以及对生活的热爱和思考通过作品传达给观众，引发观众对现实的思考和感悟。
具象艺术是什么意思有什么特点具象艺术的特点可以从多个方面来进行分析。
首先，具象艺术追求对现实世界的真实再现。
艺术家通过使用写实主义手法、自然主义描绘和细节的精确表现，努力创造出一个与真实世界相似的视觉效果。
他们试图在艺术作品中展现出物体的形状、颜色、纹理等特征，使观者能够直接感知到艺术作品所描绘的事物。
其次，具象艺术强调对物象的具体表达。
艺术家通过选择特定的物体和场景来构图，采用明确明确的线条和色彩来描绘形体的轮廓和细节。
他们注重对物体的大小、位置、比例和关系的准确捕捉，力求用尽可能直接和准确的方式来展现物体的外貌和特征。
再次，具象艺术常常与观察和记录现实相关联。
许多具象艺术家通过对周围环境的观察和记录来寻找创作灵感。
他们可能会通过实地写生、素描、摄影等方式来收集素材和观察对象，以此为基础创作出具象艺术作品。
具象艺术家通常会通过观察、分析和再现来展示他们对现实世界的理解和表达方式。
此外，具象艺术也与审美观念和文化价值有着密切关系。
不同文化和历史背景中的具象艺术呈现出不同的风格和形式。
具象艺术作品可以通过对物象的选择、表现形式和风格的运用来反映当时社会和文化的认知和审美观念。
它可以呈现出现实生活的细节和情感，通过直观的形象来引起观者的共鸣和情感共鸣。
总之，具象艺术是一种通过对现实世界的物象进行直观再现来表达艺术家的观察和理解的艺术形式。
它追求对物象形态、细节和表面的真实再现，强调物象的具体表达和观察和记录现实的关联。
同时，它也与审美观念和文化价值密切相关，通过具象形象展示当时社会和文化的认知和审美观念。
具象艺术在艺术史上占据重要地位，并为观者提供了直观且有力的视觉体验。
具象艺术的特点范文具象艺术是一种描绘真实可见物体和景观的艺术形式，其表现对象是客观世界中的人、物、景等。
首先，具象艺术以描绘真实可见的事物为特点。
具象艺术作品通常通过绘画、雕塑、摄影等形式来表现客观存在的物体和景象。
艺术家通过观察和描绘，力求准确地再现现实世界中的景物，使观众可以从作品中获得直观的感受。
无论是一幅写实的风景画，还是一尊精细雕塑的人像，具象艺术都通过艺术家对客观事物的再现来达到真实感的呈现。
其次，具象艺术追求形式的精确和真实。
在具象艺术中，艺术家注重对物体形态、色彩、结构和细节的准确描绘。
为了达到真实感，艺术家经常进行详尽的研究和观察，以捕捉事物的细微之处。
绘画中的艺术家会使用透视、光影和色彩等技巧来表现物体的立体感和真实感。
雕塑中的艺术家则会注意人物的神态、姿势和肌肉的细节来展现人体的真实形态。
摄影作为一种具象艺术形式，更是通过镜头准确地捕捉物体的形象，再现真实的景象。
此外，具象艺术还注重情感的表达。
艺术家在描绘真实事物的同时，常常通过造型、线条、色彩等手法来表达自己对客观事物的感受和情绪。
他们通过选择特定的视角、运用特殊的色彩搭配和构图，来传达对事物的主观体验。
例如，一幅富有生命力的风景画可能通过色彩的饱满和线条的流动来表现艺术家对自然的热爱和敬畏之情。
或者一尊雕塑的姿势和神态可能表达出艺术家对人物内心世界的理解和揣测。
具象艺术在表达情感时，通过真实可见的事物来引发观众的共鸣和思考。
最后，具象艺术具有广泛的观众群体。
具象艺术作品将真实的形象和景象呈现给观众，使观众能够较为容易地理解和欣赏。
相较于抽象艺术或概念艺术，具象艺术在情感表达和主题传达上更容易与观众沟通和产生共鸣。
它不需要观众有预备知识或特定的审美经验，每个人都可以从中获得直观的感受和理解。
因此，具象艺术在艺术市场上有着广泛的受众和较为稳定的市场。
总而言之，具象艺术通过描绘真实可见的事物和景象来表达情感和情绪。
它追求形式的准确和真实，同时注重艺术家对客观事物的主观体验的表达。
什么是具象艺术：具象艺术指艺术形象与自然形象基本相似或极为相似的艺术。
具象艺术的特点：1、视觉真实性或客观性：即具象艺术是以客观世界为表现对象，并且把对象表现得就像我们所看到的一样真实。
2.艺术形象的典型性：即具象艺术是通过典型的艺术形象的创造来表达艺术家的个人情感和观念的。
3.情节性或叙事性：即具象艺术中往往蕴涵着一个或多个故事情节，它可以用文字语言直接来讲述或描述。
《清明上河图》
《清明上河图》是一幅具有重大历史价值和艺术价值的风俗画长卷。
生动反映了北宋都城汴梁的繁盛景象。
内容结构大体分为三段，开首为郊野风光，中段是以虹桥为中心的汴河（当时俗称“上河”，是当时国家的漕运枢纽，南北商业交通要道）及其两岸船车运输、手工业生产和商业贸易等紧张忙碌的活动，后段为市区街道纵横交错、店铺鳞次栉比、人流如潮、车水马龙的繁华场面。
作者对于纷繁复杂的社会生活现象，根据自己对生活的细致观察和理解，从反映当时的社会动态和人民生活状况的主题需要出发，选择那些具有形象性又具有时代特点的事物及情节加以表现，如载运江南粮米财物的漕船，与北方经济交流的骆驼队，以及各阶层人物的活动。
其中有力夫、纤夫、小贩、市民，还有少数官宦人家的上流社会人物。
整个画面有静场、有高潮，跌宕有序。
船过虹桥的场面安排在全卷近中央的位置，是画面最精彩的部分，也是最紧张的场面。
桥下河面水深流急，为使漕船过桥，船工情绪激动紧张，有的撑船，有的掌舵，放桅杆的、掷缆绳的、呼喊指挥的，加上桥上的人为之奔走呼号，显得人声鼎沸，热闹非凡。
《清明上河图》在整个画面的构图方面显示了卓越的艺术才能。
中国绘图传统的“散点透视”得到了天才的运用，使丰富的内容和复杂的场面，通过中国传统的长卷形式，得到了集中而又生动的表现。
画面组织讲究内在联系，严密紧凑，如同一气呵成，具有很高的艺术成就，在世界绘画史上占有重要的地位。
《开国大典》
《开国大典》是董希文的传世之作，它代表了画家十几年来潜心探索民族油画风格的来出成就。
《开国大典》的艺术形象有着明确的宾主之别，这成为它构图上的最突出特点。
构图的中心不是指画面的中央，而是指表现内容的中心，构成观众注意的焦噗，城楼上毛主席立于众之前，居主要位置，身着深色衣服，在高调的天空衬托下显得更加突出，另外还有五个因素都有利于突出他的中心位置，一最前面的灯笼，其类穗很自然的随风摆动偏向毛主席头部。
二、众人头顶的（左上至右下）连线及众人脚下的（左下至右上）的连线延长的交点指向毛泽东。
三、栏杆及地毯的边线以及几个花盆的摆放也都形成有一定角度的斜面线穿过中心人物。
四、地平线在毛主席的胸部以下，突出了中心人物的胸部和头部的位置。
五、天上的白云皆以毛主席的头部内中心呈放射状分布，起到了对主体人物的良好的烘托作用。
此外，画家还大胆的打破常规删减了影响主体形象的柱子和宫灯，扩大了画画的空间，使城楼上的领袖与广场上的群众遥相呼应，即庄重神圣又热烈绝庆取得了形式与内容的完美结合。
从当时的油画水平来看，《开国大典》所取得的艺术成就是可观的，其重要的贡献是不可替代的，不可否认的。
除了它的艺术价值以外，不可忽视的是它的历史、政治意义，这幅画是政治要求与象征性手法的结合，毛泽东处于画面的中心位置，党的主要领导人也处于人物的前排，这无疑象征着中国共产党的领导，民主人士和各界代表则是全国人民大团结的象征，也是对中国政体结构的形象解释。
在革命历史画中《开国大典》算是最有生命力的，它的出现正如靳尚谊所言；与当时的政治需要、画家的精神状态以及艺术上的追求
是和谐统一的。
《开国大典》曾历以劫难：第一次抹去高岗，第二次改掉刘少奇，第三次靳尚谊和越域按照指示在他们临摹复制的《开国大典》上册去了泊渠。
每一次改动都能听见艺术在政治的重压下沉重的喘息声，一幅画，总能折射出一个画家乃至一个时代的命运。
因此《开国大典》不仅向我们展现了屹立于世界东方的巨人——中华人民共和国的诞生，不仅是民族油画发展史上划时代的里程碑，而且它被几次改动的坎坷经历，画面上被作为见证的明显痕迹，则永远刻下了那段另人难忘的曲折历史。
《田横五百士》
《田横五百士》是徐悲鸿的代表作之一。
作品取材于秦代末年齐国旧王族田横不肯屈身于刘邦而起兵抗衡，最终失败自刎的故事。
画面描绘田横正拱手辞别部下时的器宇轩昂的英雄气概和他的属下悲愤激越的情绪，表现了历史上悲壮的一幕,颇有戏剧性。
它不仅歌颂了田横等威武不屈的气节，而且通过历史人物故事的再现，折射出徐悲鸿对当时社会现实的批判态度和对民族精神的颂扬。
在色彩处理上，田横身穿暗红紫袍，与穿黄袍的壮士在强烈对比中突显于画面，其他人物的服装，与蓝天、黄土、浓阴均统一于浓重的蓝灰色调中，形成了沉郁、悲怆的交响效果。
此画面场面宏大、人物众多，为早期中国油画中的巨制。
画家在动乱的年代选此历史题材作画，有其深刻的寓意。
拿破仑一世加冕（油画，931厘米×610厘米，1805—1807年，巴黎卢浮宫藏）达维特（法国）
《拿破仑一世加冕》表现的是一个真实的历史事件。
1804年2月2日，拿破仑在巴黎圣母院举行了盛大的加冕仪式，正式称帝。
出席典礼的有世界各地的达官显贵，有教皇比维斯七世，拿破仑的家庭成员，财政总监及许多政治家、文武大臣、各国使节和使节夫人等。
画家在这里真实地记录了当时的情景和这个历史性的时刻。
为了真实，画家专门请了一些模特儿穿上当时的服装写生。
整个画面场面恢宏，色彩华丽辉煌，背景中庄重、挺拔的建筑体现了古典主义的传统。
这正是拿破仑所需要的，因此拿破仑多次公开称赞达维特，并授予他荣誉军团勋章。
占领总统府：陈逸飞，1946年生，浙江人。
1965年上海美专毕业，1981年赴美留学。
中国美术家协会会员。
魏景山，1943年生，浙江人，1965年上海美专毕业，中国美术家协会上海分会理事。
作品采用凌空俯视的角度，着力于升旗这一组群像的刻画：一位身经百战的老战士扯下国民党的破旗，升起鲜艳的红旗，一个伟大的转折来临了；指挥员伸出戴表的手腕，为了记住这令人难忘的时刻，老战士凝视着它，禁不住热泪盈眶；司号员已记不清多少次吹过胜利的号声，此刻激动得脱下军帽，向红旗致以崇高的敬礼。
此画构图独特，场面广阔，整体气氛浓烈，且具体细节又刻画周到，在当时极尽情节铺排的历史画创作中，是一幅不同凡响的作品，曾获全军美展金质奖。
教皇英诺森十世（油画，1650年，罗马多利亚美术馆藏完成原作）委拉斯凯兹（西班牙）
委拉斯凯兹（1599—1660）是17世纪西班牙最杰出的画家。
他始终担任西班牙画师,为国王、王后、教皇、宫廷贵族等上层人物画了大量的肖像画。
《教皇英诺森十世》是其中最重要的代表作。
这是1650年他在意大利罗马访问期间，应教皇本人的邀请而画的。
权势显赫的教皇正襟危坐在一把精致的椅子上，一双凶相毕露的眼睛直盯着观众，威严中包含着贪婪，凶狠中隐藏着狡诈。
这个当时已76岁的老谋深算的教皇的面貌和性格特征，被真实地表现出来了，以至于教皇本人看了，也只能用半是不满半是赞叹的口吻说：“画得太逼真了！”甚至后来这幅肖像画挂在一间厅堂里时，从外面经过的几个主教，看到这一肖像还以为真的是教皇坐在里面呢！此外，这一作品的用色也相当精彩，闪闪发光的冠帽和法衣，同洁白的亚麻衣领以及镶在衣服上的白花边，形成一种鲜明而有变化的色调，再加上暗红色的天鹅绒背景和镶在椅背上闪闪发光的宝石，使整个画面呈现出一种沉着厚重而又华贵的气氛，以显示出教皇至高无上的地位。
《王时敏像》作于明代万历四十四年，曾鲸50岁左右，正是他的艺术成熟时期的作品。
画中人物是明末王时敏青年时期的肖像。
王时敏少年时中进士，崇祯时曾任太常寺少卿。
清入关后，拒绝做官，潜心诗文书画，其后以山水画的卓越成就被列为清初画家“四王”之首。
该画所绘29岁的王时敏，手持拂尘，盘坐于蒲团之上，面庞清秀，神态端庄，双目有神，聪慧倜傥，一位富有才华的青年文士跃然于绢面之上。
血衣（素描，100×150 1959年中国革命博物馆藏）王式廓（1911—1973）是中国现代油画家、版画家，山东掖县人。
1936年赴日本留学，1937年回国，1938年赴延安，历任延安鲁艺研究员，晋冀鲁豫边区北方大学、华北大学文艺学院、中央美术学院教授，中国美术家协会常务理事。
他具有深厚的绘画基本功，经常生活在农民之中进行人物写生。
《血衣》的油画素描稿等。
1973年4月，为完成油画《血衣》，去河南写生以充实素材，由于辛劳过度，于5月22日逝世于画架旁。
《血衣》是王式廓以在华北地区参加土地改革运动所积累的生活体验与素材为基础而创作的大型素描（油画稿），也是曾经引起广泛社会反响的杰出革命历史画。
它以一位农村妇女手持的血衣作为揭示主题和画面情节的中心，用一系列饱受封建剥削和摧残的农民形象体现了控诉斗争激情，显示了民主革命所带来的翻天覆地的历史变化和人民群众当家作主的时代的到来。
作品场面宏大、人物众多，作者真实、生动地刻画了不同人物的性格特征和内心世界，富有极强的艺术感染力。
在中国现代美术史中，有过不少反映农村土地革命斗争的优秀作品，如著名版画家古元、彦涵等的许多版画作品，而王式廓的《血衣》可以说是同类题材作品中最深刻、最成功的艺术典型。
