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·209·艺术研究线的魅力——费欣素描赏析陈凌娟（仙桃职业学院，湖北…仙桃 433000）摘 要：尼古拉·伊万诺维奇·费欣的素描受东方传统绘画的影响，个性鲜明，线条生动有力，充满弹性与韵律，具有很高的欣赏价值。
关键词：费欣；线绘式；图绘式尼古拉·伊万诺维奇·费欣，19世纪出生，20世纪最杰出的艺术家、素描大师之一。
他的创造融合了俄罗斯和美国的传统。
费欣出生在俄罗斯喀山的木雕手工艺人家庭，在喀山美术学校学习五年后去彼得堡考入美术学院，是列宾的学生。
1908年到喀山美术学校任教，期间经历俄国大革命，42岁时，接受邀请到纽约美术学院任教，移民美国。
代表作有《秋天》、《卡鲁里亚肖像》、《父亲》等。
其作品存世不多，很多作品都毁于当时的战争和移民途中。
无论是再俄罗斯还是西方世界，有关于他的介绍与评论都很少，是一个被忽略的艺术大师。
他是一个个性鲜明很有天赋的艺术家，他不参与任何的艺术流派或组织，其作品具有自己独特的艺术风格和表现手法。
由于他的经历，后期创造以肖像画为主，尤其是他的素描作品，极具风格，具有很高的欣赏价值，他的素描头像用炭笔画在坚实的纸张上，自成一家，刻画深刻，独具特色。
我们可以把他的素描看成是他的艺术观的一种独立表现形式，他的素描作品可以当作具有独立意义上的艺术作品来欣赏。
20世纪80年代，那时还是小学生的我，在美术教科书里曾见到过费欣的素描作品《留胡子的微笑男人》，当时就留下了深刻的印象。
后来专业的学习之后才慢慢地去了解他，能找到的他的资料和作品也不多，但从心底里喜欢他的素描作品，仿佛能同我灵魂深处某处产生共鸣，这共鸣就是他素描作品中那流畅有力，富有个性的线，与我骨子里对中国传统绘画的喜爱。
中国传统绘画对于线的热情与偏爱融入几千年的绘画发展史中，对于线的运用出神入化，浑然天成，中国画也被称为线的艺术，而费欣的素描作品中对于线的运用也达到了极高的境界。
技法⼤解析——费欣本期⼈物——费欣基本简历：尼古拉·费申Nicolai Ivanovich Fechin (俄语：Николай Иванович Фешин；1881-1955)⼜译尼古拉·费欣，尼古拉·费迅，全名尼古拉·伊万诺维奇·费申（由于俄⽂翻译过来和中⽂差异有多个名字），俄裔美籍画家，出⽣在俄罗斯喀⼭的⽊雕⼯⼿艺⼈家庭。
，列宾的学⽣，作品别具⼀格，代表作有《秋天》、《卡努⾥雅肖像》、《⽗亲像》等。
他的画⾊彩明快、明暗对⽐响亮，表现⼒强。
他素描受东⽅传统绘画的影响，素描头像⽤炭笔画在坚实光滑的纸上，⾃成⼀家，刻画深刻。
油画作品赏析技法解析⼀：费欣的素描效果很独特。
这种效果主要是他⽤的材料使然。
费欣⾮常迷恋荷尔拜因和中国线描，他画素描使⽤的是中国⼿⼯制作的⼟纸，这种纸质地粗糙，适合炭笔和炭条使⽤。
但同时⼟纸纸质很脆，⽆法⽤橡⽪擦去留下的斑点和线条，所以下笔做到⼼中有数，肯定准确。
有的⼟纸有⽊和⽵⼦的细⼩杂点，类似麦⽚表⾯。
技法解析⼆：费申擅长肖像画和风俗题材的创作。
他⽤笔奔放、流畅；画⾯时⽽是颜⾊强有⼒的堆积，时⽽是轻轻掠过留出底⾊；时⽽⽤刮⼑和⼿代替笔；使画⾯产⽣不同的肌理效果，整个画⾯⾊彩响亮、饱和；对⽐鲜明，格外诱⼈，好象⼀部⾊彩交响曲，耐⼈寻味；费申在美国⾛完了他的艺术之路。
脱离民族传统，远离故⼟，对他来说⽆疑是场悲剧，但他的艺术成就在俄罗斯美术史上有着不可磨灭的地位。
技法解析三：费申在美院进⼊列宾画室学习，对⾃⼰的⽼师他有⾼度的肯定和评价，但在艺术追求上却有⾃⼰的主张；他在选材和构思上，喜欢从平凡⽣活中直接取材，追求⾃然与真实，纯正与鲜明；探索与当时盛⾏的印象主义不同的⼀种表现⼿法，着重带装饰意味的，结构独特的发挥油画特有性能的艺术语⾔和表现技巧。
技法解析四：他的画作中⾊彩间的互补做得恰到好处，⾊彩间的冷暖也极为合理并善于在⼤量⾊调相同的⾊块中添加⼩块的对⽐⾊调以达到⼀种⾊调间的平衡。
艰苦岁月素描赏析
①作者：《艰苦岁月》是我国当代著名雕塑家潘鹤的雕塑作品。
②内容：生动塑造了艰苦斗争环境中的红军战士信念坚定、开朗豁达的光辉形象。
通过老战士吹笛子、小战士依偎身旁倾听的造型，表现出艰苦年代的革命乐观主义精神。
③艺术手法：
（1）遵循了现实主义的创作方法，以写实的手法塑造人物。
（2）构图形式上运用对比的手法，如笛和步枪的摆放。
（3）艺术家用富有流动感、质朴带有涩味的手法，塑造出艰苦环境中真切生动，富有性格特征的红军战士的光辉形象。
④意义：《艰苦岁月》是雕塑家潘鹤对革命战争年月红军战士的真实再现，具有鲜明的时代特征，体现了革命的现实主义与浪漫主义相结合的精神。
《基础素描》PPT学习辅导第七章人像写生第四节人像素描赏析主讲教师梁海霞绘画是一种视觉艺术，对于写生来说，只有眼睛先看到、看明白，你才能够画出来。
也就是说眼睛观察在前，手上的功夫再后，在素描学习中，多看名作，多了解绘画表现技法，开阔眼界，提高鉴赏力，将会使大家的绘画水平进步更快。
下面我们欣赏一些具有代表性的大师级的人像素描作品。
根据头像素描表现手法的不同，这些作品可分成三类：第一类是以线为主的素描。
代表人物有丢勒、荷尔拜因、费欣、大卫·霍克尼。
丢勒自画像（13岁）丢勒的素描在造型意识和精神表现上极为出色。
这幅刻画他母亲的肖像，画出了神经质的紧张神情。
丢勒素描丢勒笔下的人物严肃而坚定，充满内在的力量，在造型意识和精神表现上极为出色。
例如这幅刻画他母亲的肖像。
丢勒对自己的要求非常严格，描绘对象一定要做到：造型精确、质感强烈、神态自然，这也是德国人的性格特征：严谨理性，一丝不苟。
有时候，这种严谨和理性近乎死板、机械，然而，这也正是长期以来德国“工匠精神”令人敬佩的原因所在。
丢勒素描丢勒素描丢勒素描丢勒素描丢勒素描与丢勒同时代的另一个画家荷尔拜因，也是文艺复兴时期的德国画家。
不过后来他移居到了英国。
他画中的人物精致结实，个性十足，细节之处刻画精当。
荷尔拜因素描荷尔拜因，以肖像画闻名于世。
他主要以线为表现手法，造型上极具形体力度。
画风特点：简洁、明净。
荷尔拜因素描荷尔拜因素描荷尔拜因素描荷尔拜因素描尼古拉·费欣，他是列宾的学生，但在艺术追求上却有自己的主张，从不盲目崇拜和模仿别人。
费欣擅长肖像画创作。
他用笔奔放、流畅；受东方传统绘画的影响，他的素描头像用炭笔画在坚实光滑的纸上，效果独特，自成一家。
费欣素描费欣素描费欣素描费欣素描费欣素描接下来这位画家，虽然在表现手法上仍然以线为主，但画风却跟前三位迥然不同，他就是就是大卫·霍克尼。
1937年，大卫·霍克尼出生于英国，是当今国际画坛最具影响力的大师之一，被称为“最著名的英国在世画家”。
《自画像》意大利绘画大师达.芬奇的素描精品。
他的素描作品的艺术水平已达极高的境地,被誉为素描艺术的典范。
在这幅《自画像》中,画家观察入微,用的线条丰富多变,刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化,此画用线生动灵活,概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折,体面关系,发线代面,立体感很强,还有,人物的表情也很传神。
《天上的爱与人间的爱》提香意大利1515年118X279厘米《天上的爱与人间的爱》描绘的是美狄亚与维纳斯的相会,裸体的维纳斯劝她身旁的美狄亚去协助伊阿宋盗取金羊毛,但从画面情节来看这种说法又很不确定,所以内容至今未定。
此画是提香描绘女性美创作的早期作品，这一阶段是他陶醉于乔尔乔奈的风格时期,这个时期的创作在很大程度上是强调人的壮美与和谐,此画风格粗犷豪放，笔力雄健，但人物本身所具有的闲雅微妙的精神状态与纯洁高尚的品质，又使作品具有牧歌式的情调,宁静优美。
提香笔下的裸体美,具有生活与感情的因素,绝不是神化了的女性加之独特的构图和雄浑辉煌的色彩都铸就了此画不朽的艺术魅力。
此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。
此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。
此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。
人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。
这幅画是标志达.分奇盛期创作开始的作品。
《圣母升天》提香意大利690*360 教堂壁画这是一幅具有恢宏气势的巨大壁画,描绘了圣母升天的神圣瞬间,具有浓厚的宗教色彩。
画中，站于地面上的是仰天呼送圣母的人们,动态不一,但神情却是一致的虔诚,中间是一群被天使们簇引,身穿红衣的圣母,上方是有天使相随的上帝。
王式廊《血衣》作品赏析王式廓创作素描《血衣》是呕心沥血，绞尽了脑汁。
素描《血衣》从1950年酝酿到1 959年完成，整整花费了10年时间。
而达芬奇的《蒙娜丽莎》也不过用了8年。
利用10年时间创作一件作品，在中国绘画史上是首例。
由此，我们不得不折服王式廓强烈的精品意识和严肃的创作态度。
1953年完成第一稿时，并没有血衣情节，1954年他受连环画启发，画面上才有了血衣这个中心结构。
1973年王式廓为把《血衣》画成油画．带病到河南巩县再度深入生活，积累素材。
为收集色彩的形象素材，王式廓深入农村、水利工地进行写生，工作起来总是废寝忘食，在短短的29天里，他画了74幅画。
为了崇高的艺术事业，他是拼上命了。
因为他知道失去的时间太多了，所以要争分夺秒，把失去的时间夺回来。
据人们回忆，在1973年5月22日这一天的下午6时，王式廓正在画农民双头象的时候，“他脸上冒汗，手也发抖，突然昏迷过去。
从此再也未醒过来。
”王式廓带着遗憾走了，留给后人的是一笔精神财富。
画家用了毕生的精力，以凝重的笔触表达了亿万农民在为自己的生存权而抗争的宏伟场面。
就这样，他为着崇高的艺术事业，献上了62岁的宝贵人生。
画家以生命为代价对艺术的完整性作出了不懈的追求，他深入到生活中，为《血衣》的创作收集了大量的素材、他画了大量的农村老汉形象，可以说，他是在大量的农民肖像写生中，经过不断的加工，提练、酝酿了《血衣》的人物。
主题：《血衣》这件着名作品是画家王式廓于1959年起倾毕生精力却未曾最后完成的杰作.《血衣》再现的是新中国成立初期土地改革时农民斗争地主时的场面。
《血衣》构图宏大，全画以举血衣的妇女为中心，把庞大的人群组织在瞬间情节的绘画高潮中，多层次却主次分明，显示了画家把握大场面构图的能力。
那手持亲人血衣的妇女，手在颤抖，脚已发软，身体扭曲，几乎昏倒，一腔深仇大恨，尽在悲痛欲绝之中；那手拿字据的老农，劳动了一辈子的双手粗大有力，创造了无数财富，但又一贫如洗，反而欠下一身债；那双目失明的老妈妈，眼眶深陷，满腔凄楚，欲哭无泪，她太想见到翻天覆地的外部世界了……。
达·芬奇是列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇 (意大利文原名:Leonardo di ser Piero da Vinc 的简称，出生于儒略历1452年4月15日(公历4月23日)，毕业于意大利理工学院，1519年5月2日逝世，是意大利学者、艺术家。
他的杰作有《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《岩间圣母》等传世名作。
《 达 芬 奇 自 画 像 》《自画像》是达芬奇的素描精品。
在达芬奇的艺术遗产中，大量的素描习作也颇值得重视，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平，被誉为素描艺术的典范。
在这幅《自画像》中，画家观察入微，用的线条丰富多变，刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化，此画用线生动灵活，概括性强，简单的寥寥数笔却包含许多转折，体面关系，发线代面，立体感很强，还有，人物的表情也很传神。
《 最 后 的 晚 餐 》(湿 壁 画 米 兰 圣 玛 利 亚 修 道 院 藏)《最后的晚餐》是为米兰圣玛利亚修道院餐厅所画的壁画，取材于《圣经》中最重要的故事，也曾被达芬奇之前许多宗教画家描绘过。
但在之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点:那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。
这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。
由于达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。
这幅表现耶稣被捕前和门徒最后会餐诀别场面的湿壁画，巧妙的构图和独具匠心的经营布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结在一起，画面占满了修道院食堂大厅的整个墙面，使观者感觉画中的情景似乎就发生在眼前。
《 蒙 娜 丽 莎 》(板 上 油 彩 纵 77 × 横 53 厘米 巴 黎 卢 浮 宫 藏)这是达芬奇的著名肖像画作品，它代表了达芬奇的艺术思想。
初中美术作品赏析与评析美术作品是艺术家的创作成果，通过艺术形式来表达艺术家的情感、思想和观念。
初中学生是艺术教育的受众群体之一，他们的美术作品不仅展示了他们的创造力和想象力，还反映了他们对世界的观察、理解和思考。
本文将对几位初中学生的美术作品进行赏析与评析。
首先，我们来欣赏一位初中生的素描作品。
这幅素描作品以铅笔为主要媒介，画面表现了一朵盛开的花朵。
细腻的线条勾勒出花瓣的形状，明暗的处理使花朵显得生动有立体感。
作者通过细致入微的观察和抓捕，将自然界中的美妙呈现在纸上。
这幅作品展现了作者对细节的关注和敏锐的观察力，同时也表达了对自然之美的赞美和热爱。
接下来，我们评析一幅初中生的水彩画作品。
这幅作品有着明亮的色彩和流动的笔触，画面中是一片风景如画的田园风光。
作者运用水彩颜料的透明性与流动性，表现了大自然的宁静与和谐。
画家通过色彩的渲染和层次的分明，创造了画面中不同的光影效果。
此外，作者还巧妙地运用透视法和比例关系，使得整个画面有着很好的构图和空间感。
这幅作品展示了作者对生活的热爱和美好的憧憬。
除了传统的绘画作品，我们也要赏析一幅初中生的雕塑作品。
这是一只精致的陶瓷鸟。
作者运用陶瓷材料的可塑性和耐久性，塑造出了一只栩栩如生的鸟。
每一个细节，包括鸟的羽毛、眼睛以及姿态，都被作者精心雕刻和呈现。
整个作品给人以真实感和立体感，同时也让人们感受到了作者对自然界生物多样性的关注和敬畏。
这幅作品展示了作者对材料的驾驭能力和对雕塑艺术的热爱。
最后，我们来评析一幅初中生的油画作品。
这幅油画以明暗交错的色彩为主题，画面中呈现出一种神秘而富有张力的氛围。
作者通过对光影的处理和色彩的运用，创造了一种戏剧性的效果。
画面中暗处的物体和明亮的光影形成鲜明的对比，给人以强烈的视觉冲击力。
这幅作品展示了作者把握油画技巧的能力和对画面整体效果的把控。
同时，它也传达了作者对人生、对社会现象的思考和探索。
综上所述，初中美术作品的赏析与评析应从多个方面进行。
美术作品赏析抽象艺术作为无主题、无逻辑、无故事的艺术，是经验之外的生命感受，它追求创新挑战经验创造出前所未有的新美图画，抽象艺术用鲜明的个性及艺术符号来完成画家对艺术的生命体验。
欣赏抽象艺术，懂与不懂是相对的。
而人的文化修养、艺术修养决定了人的审美能力，这是绝对的。
感谢抽象艺术带给我们新的思考！抽象艺术 -→艺术美形式与色彩↙↘构图与笔触半抽象→纯抽象材料与肌理具象→意象→抽象冷抽象（蒙德里安）空间与透视热抽象（康定斯基）光影与运动康定斯基《即兴之31》这幅画是典型的热抽象作品，我们只要记住像这种由曲线，自由形构成，感受性较强，笔势较明显的大都是热抽象作品。
康定斯基是热抽象代表人凡是由直线、几何形构成，看起来比较冷静、理性的抽象作品就是冷抽象作品。
蒙德里安《百老汇的爵士乐》是冷抽象代表人马列维奇《白上白》冷抽象，该作品由直线，正方形构成画面感受非常严谨，冷的白和暖的白让人感到理性。
美术作品分析怎么写？在美术作品分析中我们主要解决六个大块：一美术的含义；二美术的主要特征和类型；三十么是美术作品分析；四美术作品分析的方法和程序；五关于美术作品分析中的构图问题；六美术作品分析的注意问题。
这六块是分析好一幅美术作品的基础知识也是重要点。
那么我们首先来解答第一个问题：十么是美术：美术是一个比较广泛的概念，它是采用造型手段塑造景物形象的众多艺术类型的总称，一般包括绘画、雕塑、工艺美术、工业设计，以及书法、篆刻等。
有时也把同样具有造型和景物特点的建筑、园林，以及摄影艺术等纳入其中。
美术使用的材料及其广泛，包括从颜料到金属、石料、竹木、陶土、纤维、织物、皮革、塑料等几乎一切能构成直观形象的、天然的和人工的材料。
二：美术的主要特征和类型：1：美术上午主要特征：美术是造型艺术中最重要的部分，在感知方式上是属于视觉艺术，在存在方式上属于空间艺术，但却是静止的，因此，美术一般具有造型性和静止性两中特征。
其一，造型性。
不能认为美术只能反映生活的外在现象，它对于内在的本质、精心理等依旧有所反映。
大师素描精品作品赏析在所有艺术院校中，与视觉艺术有关的专业，几乎都设有素描课程。
由此可见，作为一门基础训练课，素描有着不可替代的作用。
对于艺术院校的学生而言，画素描有以下几个方面的意义：一训练造型能力二提高审美能力三探究形式表现力四收集素材记录感受在学习素描的过程中，对于学生而言，要勤动手，多画，按照教学大纲多实践以外，还要多看，多想，提高自己对素描的认识。
而多看，多分析大师的作品，无疑是有益的。
对于艺术和设计的各个专业，素描都是帮助构思，表现设想的最佳形式。
各个时代的艺术大师所作的杰作都来源于素描的草图。
我们通过分析一位当代俄罗斯画家的素描作品。
来使学生对素描的观念和表现方法有更高的认识和理解哈米德，萨甫库耶夫——俄罗斯当代著名艺术家，列宾美术学院绘画工作室教授。
下面我们通过分析他的作品特点和表现技法，来了解他的素描艺术特色。
一静物这幅《静物》作品构图简洁明了。
画面的黑，白，灰层次分明。
主体物的表现生动，有微妙的变化，学生要注意，素描是用单一的颜色表现对象，它舍弃了自然界斑斓的色彩因素，只留下相对单纯的形态与光影两种因素，因此把注意力集中在对形态与黑白层次的感觉和表现上。
这幅作品就很好的解决了这几个问题。
二静物前的肖像这幅作品构图饱满，物体和人物的结构感准确，黑白的强弱，结构的紧与松，形象的位置与比例都表达的恰到好处。
对于学生而言，要注意素描说到底，是一个造型的问题，因此，观察形态，感受形体的存在方式是学生要解决的主要问题。
训练造型能力始终是放在学习素描的第一位。
这是成为一位优秀设计师所必须具备的。
三线描练习这是画家的一幅用钢笔画的线描，从中我们可以看出。
画家用线的技巧高超，人物的形体都经过了高度的概括，单纯，素雅，有独特的形式魅力。
这幅作品告诉我们，形体，光影是素描表现的基本因素。
而形体又是重中之重。
学生在画习作的过程中，如果说有纲领的话，那就是形体。
理解这一点，非常重要。
四老人肖像在设计院校中，主导思想就是从基本的形体入手，这幅作品可以使我们了解理解形体与空间的变化关系，这幅作品人物的结构关系明确，人的结构骨点的起伏变化画的准确无误。
素描艺术赏析
素描是一种单色的绘画形式,是帮助我们用视觉方式体味事物的基本形式,也是建立绘画意识的基本手段。
作为画家来讲,素描是探索艺术表现形式的工具,同时它也是艺术家用以实现艺术创作的特殊形式。
素描是具有独特审美价值的画种。
不同风格的画家会选择适合于自己需要的工具,从而获得不同艺术趣味的绘画作品。
绘画是图像表现的方式之一。
视觉形式要素是进行绘画的表达的基本条件,绘画是通过视觉因素进行图像的表达。
实现图像表达的视觉因素主要是点、线、面、空间和形体等。
素描的视觉形式要素还包括:(点、线、面)体、空间、虚实、黑白灰、透视、比例、节奏等概念。
点是一个抽象的概念。
在绘画上,点具有体积或面积的意义,点是面积极小化变异的状态,或说在对比之中体现出来的一个极小单位的状态。
点的密集排列可以在行、列的组合方式中构成线的形态,或在大面积的组合中呈现面的含义。
点的不同疏密的组合还可表现出不同程度的明暗对比变化。
点的概念还意味着图像中某一位置的呈现。
比如,在构图中物像可成为构图的中心或对应的位置概念。
线也是一个抽象的形式概念。
但在图像中线是由某一点开始在一维的方向上展开的形态,是狭长面的极端化形态。
在图像表达中,线是面与面之间的分界或物体边界的概念表达。
同时线的密集组合能形成对面和明暗关系的表述。
面是指在高和宽的二维的方向上展开的平面形态。
面的极端变化可大到指向整个画面或小到异化为点。
面是构成形的基础,是表述形象的基本要素。
点、线、面都是在平面的图式中构成图像表述最基本的视觉要素。
绘画中,体是在二维平面上用视觉的方式对高、宽、深三维形态的一种表述。
在二维平面的绘画中,立体的表现是利用视错原理在平面上虚构出三维的假象。
比如,我们利用透视造成的视觉变异规律,在二维的平面上通过表现物体的大、小、虚、实的现象,虚构体积、空间的假象。
或利用光影、明暗变化的组合的规律,造成具有体积和空间的假象。
空间的概念在现实三维的状态下比较好理解。
但在二维的平面中,被视为空间关系的进深距离和三维的形态则是虚拟的。
绘画空间的体验与现实的空间体验有着本质上的不同。
因而,在平面的基底上实现空间的体验和表现体的概念是通过对视错原理的利用来虚拟的,比如,透视原理的运用。
虚实的概念是指图像显示的清晰程度和视觉对比强度的变化。
图像的细节关系明确或黑白对比的强度高,物象的图像呈现就实,否则就虚。
空气透视的原理告诉我们,实的部分在图像表达中呈现突进的倾向,而虚的部分会显示退隐的倾向。
图像的立体感、空间感的表现技术就利用了这种虚实体验和视错的现象在平面上虚构出三维的空间现象。
另外,虚实的规律也反映了我们对主次关系的体验和表现原则。
虚实的对比关系也是形成画面视觉节奏变化的手段之一。
黑、白、灰的对比在画面中是构成图像表现的基本要点之一。
黑白灰的概念是我们对图像明度变化的基本对比关系做出的归纳。
图像或图式的呈现就是利用黑、白、灰关系使我们分辨出图形和基本的色层关系。
黑、白、灰的概念,不仅指光影变化中基本的明度层次,也包括物象固有色的基本对比关系。
黑、白、灰关系的处理是一个重要的意识,一幅画中只有黑白差异,画面会醒目,但会因缺少层次而显得丰富性不够。
如果加上灰色的层次,图像的对比的层次就会丰富起来。
但如果只有黑灰或白灰之间的对比,画面就容易发灰,沉闷,少生气。
只有黑、白、灰的关系得到正确的处理,画面才会醒目、丰富和明快。
因而一幅画处理得好坏,黑、白、灰的对比关系是非常重要的。
在认识空间关系的过程中,透视是由眼睛的视错机制造成形态的视觉变异和虚实变化的规律性现象。
透视规律是在二维的平面上对三维空间的深度现象或体积进行表现的有效手段之一。
透视的规律遵循着近大远小,近实远虚,近强远弱等原则。
透视规律包括光色透视、虚实透视原理和线透视原理。
比例的概念指事物各部分与整体之间尺度、量度的比率。
在素描学习中,常会有这样一种误解,认为正确的表现对象就是将对象的
实际比例等比放大或缩小。
事实上,形象意味的表现只在相对的形体感受中决定其比例关系,例如,相对于男女之间的形体特征,成人与儿
童之间的形体特征,或高、瘦、胖、矮之间的形体特征的表现的要求来确立它们的比例关系,并不模拟真实的比例。
对于物象与环境的关系也同样。
也就是说绘画的表达只在表述事物大小、高矮、胖瘦、远近的相对的感受,而不是为了反映数学意义上的绝对比例。
构图上的比例包括明暗关系的比例,面积的比例等等。
节奏:绘画中,形态、色调、线条、运动等形式因素,在组合中呈现重复性的变化构成形式表达的节奏感。
节奏是音乐学的术语,即音节规律重复的结构。
在视觉形式的表现中,我们借用这个概念来说明形式变化的效应。
比如,同形的反复出现可以形成视觉上的节奏。
以此类推,同类色彩、明、暗关系的重复,视觉强度有序的变化或图像构成中同类组合方式的重复出现等都可以视为节奏的表现。
有序的节奏的变化是构成形式韵律的手段。
韵律:就作品的整体关系而呈现的渐变的节律性变化,构成起承转合的起伏结构,这一结构呈现出韵律。
艺术的特性是源于自然,又高于自然。
大师们主张要有严格的素描基础训练,素描作为最基本的绘画语言是永恒的,并且随着历史的推移而不断发展变化着。
素描是通过客观物象的研究和描绘,表达出一种对生活的感悟和理解,对艺术的深刻反思。
把基本功看成是单纯熟练的掌握写实技巧是狭隘的。
素描的基本功不仅表现为对一定的绘画技能的掌握,更重要的是培养学生具有强烈的探索精神、艺术热情和正确的艺术观。
