下载文档原格式
聆听李斯特三⾸《彼特拉克⼗四⾏诗》及其曲式浅析关于李斯特钢琴作品的⾳乐美学问题讨论综述2007-2008学年第⼆学期，韩锺恩教授为⾳乐美学专业研究⽣开设研讨课程。
课程内容主要是通过⾳乐作品研究⾳乐美学问题。
课程形式为每⼀⾄两周讨论⼀部作品，有两⾄三名同学作主旨发⾔，其余同学⾃由发⾔，参与讨论，最后由韩锺恩教授亲⾃点评，并部署进⼀步的研讨计划。
其中，对李斯特钢琴⾳乐作品的研讨最为集中，选取的作品为三⾸《彼特拉克⼗四⾏诗》和《b⼩调奏鸣曲》。
同学们在每次研讨课前都做了充分的准备，针对指定问题及其引申出来的相关问题进⾏了激烈的讨论。
现将问题进⾏整理并归纳为如下专题：1、三⾸《彼特拉克⼗四⾏诗》李斯特的三⾸系列钢琴作品《彼特拉克⼗四⾏诗》（Sonetto del Petrarca 47、104、123），以它的题⽬显明了⾳乐的取材。
它们被收录在钢琴作品合集《旅⾏岁⽉》的第⼆集《意⼤利》当中。
彼特拉克是意⼤利著名学者、诗⼈，早期的⼈⽂主义者。
他曾终⽣在精神上爱恋⼀位名叫劳拉的⼥⼦，为此他保持了长久的创作冲动，把感情全部倾注到作品⾥，其中充满了爱慕、渴望、欲念与忧伤。
李斯特所选的这三⾸⼗四⾏诗（47、104和123），描写爱情的三种⼼境：1、单恋、2、坠⼊爱河、3、爱的升华，陈述爱情中平静、煎熬、痛苦等等的⼼情。
以这三⾸⼗四⾏诗来描写从狂热的单恋之苦到最后的升华超越，是李斯特精⼼设计的，也符合李斯特本⼈⼀⽣在感情上的际遇和他对宗教的追求。
这三⾸钢琴作品起先是歌曲，但在多个版本的修订后最终仅仅以钢琴曲的形式出现。
可以想见，李斯特在起初构思时采⽤了声乐作为主声部，钢琴作为伴奏的歌曲模式，⽽在最终器乐化处理时，钢琴取代了声乐，歌词全然被⾳乐所覆盖，不仅没有削弱艺术表现⼒，反⽽更是成为了李斯特钢琴艺术中的杰作，这是值得引起思考的。
聆听三⾸彼特拉克⼗四⾏诗《旅游岁⽉》第⼆集的三⾸彼特拉克⼗四⾏诗，⾳乐灵感来源于他在意⼤利旅⾏时所读到的彼特拉克的⼗四⾏诗《抒情诗集》（Canzoniere），诗的温柔与美丽，让李斯特的⾳乐充满奇幻与旖旎，华丽流畅的旋律⾥隐含着忧伤的感情，爱的欢愉与痛苦交织成⽭盾的⼼理。
十四行诗欣赏一、十四行诗简介1. 定义与起源- 十四行诗是一种欧洲的抒情诗体，音译为“商籁体”。
它起源于意大利，最早由中世纪西西里岛诗人创作。
这种诗体通常由十四行组成，有固定的韵律格式。
- 在意大利，彼特拉克是十四行诗创作的重要代表人物，他使这种诗体趋于成熟并广为流传。
2. 结构特点- 意大利十四行诗（彼特拉克体）：通常分为两部分，前八行（octave）和后六行（sestet）。
前八行韵脚为abbaabba，后六行韵脚变化较多，常见的有cdecde、cdcdcd等。
- 英国十四行诗（莎士比亚体）：由三节四行诗（quatrain）和一节两行诗（couplet）组成。
韵脚为abab cdcd efef gg。
3. 主题内容- 十四行诗的主题丰富多样，常见的包括爱情、友谊、时间、生命、美等。
诗人通过十四行诗的形式，细腻地表达自己的情感、思想和对世界的感悟。
- 原文（部分）：“Quel rossignuol che sì soave piagne / ne l'alba fra i ramicelletti verde, / poi che i suoi f iglietti abbandona, invagna / di pietà tutto'l cor che l'ascolte.”（那只在黎明时在翠绿的细枝间/如此温柔地哀啼的夜莺，/在它抛下它的幼雏之后，/使每一颗聆听的心充满怜悯。
）- 赏析：这首诗以夜莺的哀啼为意象，表达出一种淡淡的忧伤。
彼特拉克巧妙地运用自然景象来烘托情感，前八行通过对夜莺的描写营造出一种凄美氛围，后六行可能会转向对爱情或者人生苦难的感悟，这种结构使情感的表达有起有伏，从具体的景象描写逐渐深入到抽象的情感抒发。
2. 莎士比亚十四行诗- 赏析：- 主题上，这是一首爱情诗，诗人将爱人与夏日相比，却又指出爱人比夏日更加美好。
这种对比的手法是莎士比亚十四行诗的常见技巧，通过对比突出爱人的美与独特。
李斯特《彼特拉克十四行诗》曲式浅析作者：苏方崇来源：《文艺生活·文海艺苑》2012年第05期摘要：李斯特是著名的匈牙利钢琴家，李斯特在早年时曾经与玛丽一起游历欧洲，在旅行期间，创作了《旅行岁月》，其中包括《瑞士游记》和《意大利游记》。
《彼特拉克十四行诗》其创作灵感来源于十四世纪的诗人彼特拉克的作品。
关键词：李斯特；彼特拉克十四行诗；曲式分析中图分类号：J657文献标识码：Ａ文章编号：1005-5312（2012）15-0083-01弗朗茨·李斯特是著名的匈牙利钢琴家，指挥家。
是浪漫主义时期音乐的代表人物，以高超的钢琴技法闻名，丰富了钢琴的表现力，获得了“钢琴之王”的美称。
他曾是最辉煌的演奏家，华丽的炫技性演奏风格轰动一时。
李斯特主张标题音乐，创造了交响诗的体裁，揭开了无调性音乐的序幕。
李斯特在早年时曾经与玛丽一起游历欧洲，在旅行期间，创作了《旅行岁月》，其中包括《瑞士游记》和《意大利游记》。
在部作品中，李斯特将标题音乐发挥到了极致，将自己的感情融入到了作品中，表现了丰富的情感和思想内容。
《彼特拉克十四行诗》是《意大利游记》的第四首至第六首作品，分别是作品47号，作品104号，作品123号，其创作灵感来源于十四世纪的诗人彼特拉克的作品。
彼特拉克是文艺复兴时期意大利诗人，学者，被称为是“人文主义之父”。
彼特拉克通过长期的创作实践，把十四行诗推到一个完美的境地，发展成为一种新诗体，即“彼特拉克诗体”。
他以十四行诗闻名，把抒情诗推入一个新的发展高度，是欧洲文学历史上的一个高峰。
李斯特从彼特拉克的抒情诗中选取题材，作为自己的标题音乐，使得这部作品的旋律充满着浪漫主义的音乐风格，音乐柔美，旋律涌动。
乐曲与感情相互融合，爱与恨交织在一起，同诗人作品中表现的情感一致，展现了生动的对比。
李斯特从彼特拉克的诗中选取了题材，赋予了浪漫主义新色彩，通过作品来表达内心的情怀。
《彼特拉克十四行诗第47号》一共分为三个部分，由引子部分引出主题。
英文十四行诗特征急剧变幻的数字化使人们更多了一些生命漂泊之感和向往安顿之情，更易引发对恬美精神家园的怀想，对大自然古朴、清新和粗犷境界的渴望及对田园牧歌般古典情味和悠远诗韵的共鸣。
“哀乐之心感，而歌咏之声发。
”歌谣是最早的初民文学体式，由语言、音乐、动作三者构成。
诗是用文学写成的歌谣，为产生歌谣般的效果，要求诗歌意美、形美、音美。
故诗人都自觉讲究韵律，产生轻重缓急、抑扬顿挫之效，在功能上起到传情达意的作用。
一、英国民族自古有爱好抒情诗歌的传统。
远在中世纪，一些民间诗人把诺曼人的《贝奥武甫》故事改编成英语古典长诗。
该诗约三千行，每行有头韵，但无尾韵。
还有一些较短的英国民间歌谣保存下来，形成了自己独特的风格。
这些诗歌朴实感人，且形成了自己的格律。
杰费里·乔叟（Geoffery Chamcer 1340—1400）是古英国诗歌的继承者和近代诗歌的开拓者。
他不仅用法语、拉丁语、英语翻译和创作许多著名诗篇，而且还为英国诗坛草创了三节联韵等诗体，为英诗的音律、韵律体裁、题材等做了许多开创性工作，产生了深远的影响。
二、十四行诗的发展与影响。
十四行诗源于欧洲意大利，到文艺复兴时期已有一套完整的格律，其中又以意大利人彼特拉克（Petrach 1304—1374）创作的十四行诗最为有名。
此后英人托马斯·怀特（Thomas·Watty 1503—1542）和享利·霍华德·萨里伯爵（Henry·Howard·Earl of Surry 1517—1547）合作，将十四行诗引进英国，并根据英语特点作了改进和推广。
此后，十四行诗成为英国诗人和读者喜爱的诗体，许多著名诗人都有十四行诗作问世，其中埃德蒙·斯宾塞（Edmun Spenser 1552—1599）、威廉·莎士比亚（William Shakespeare 1564—1616）、约翰·弥尔顿（John·Milton 1608—1674），乔·诺·戈登·拜伦（G· N · Gorden Byron 1788—1824）、波·比·雪莱（P·B·Shelly 1792—1822）等，十四行诗和其他英国诗体一样，在女皇伊丽莎白王朝达到鼎盛时代，有“诗的王国”的美称。
十四行诗赏析
十四行诗是一种源自意大利的抒情诗体，通常由十四行组成，分为四个部分，每个部分有特定的韵律和押韵规则。
这种诗体在文学界享有盛誉，因为它的结构和形式使诗人能够用简洁而有力的方式表达复杂的情感和思想。
最著名的十四行诗形式是“意大利十四行诗”(sonnetto), 由一首抒情诗组成，通常是为了表达爱情或追思某个人或事件。
其中，“彼特拉克十四行诗”(Petrarchan sonnet)是最常见的一种形式，由八行的前半部分(称为“八行诗”或“八行体”)和六行的后半部分(称为“六行诗”或“六行体”)构成。
十四行诗的韵律和押韵规则也是其独特之处。
在意大利十四行诗中，常常采用押韵方式是“ABBAABBA CDECDE”或“ABBAABBA CDCDCD”。
这样的结构使得诗人能够在前八行中建立一个问题或情感，并在后六行中加以回应或解答。
十四行诗的赏析需要对其中的意象、修辞手法和主题进行深入的理解和解读。
诗人通常使用比喻、隐喻和象征等修辞手法，以及丰富的形象和音乐性语言来传达情感和思想。
此外，诗人也经常运用对偶和对比等修辞手法，以加强诗歌的表达力和艺术感。
十四行诗的主题可以是爱情、自然、人生哲理、宗教信仰等。
因为其结构和形式的限制，诗人必须在有限的空间内进行表达，这使得十四行诗更富有挑战性和艺术性。
通过深入赏析十四行诗，读者可以领略到诗人的独特视角和情感体验。
总之，十四行诗是一种优美而精确的抒情诗体，通过其特殊的结构和形式，使诗人能够以简洁而有力的方式表达复杂的情感和思想。
通过对其意象、修辞手法和主题的深入赏析，读者可以更好地理解和欣赏这一古老而美丽的诗歌形式。
李斯特《彼得拉克十四行诗》创作文学背景摘要：演奏李斯特《彼得拉克十四行诗》这首钢琴作品，掌握它的文学内涵和背景是非常重要的。
要准确的揭示作者的内心情感，引起共鸣，就要求对作品理解透彻。
本文针对这首作品的文学背景揭示彼特拉克诗歌原文情感与李斯特作品创作之间的内在联系，加深对作品的认识。
关键词：李斯特彼得拉克十四行诗创作诗歌一、浪漫主义时期思潮浪漫主义时期的艺术家强调自我发现、自我表现身着自我崇拜，与古典主义相比，浪漫主义时期的艺术家更倾向于个人的情绪和感觉，许多作曲家通过文学创作，激发创作灵感，创造了许多与文学相关联的作品。
浪漫主义音乐时期在欧洲音乐史上是浓墨重彩的一笔，在这个音乐发展的黄金时代，诞生了众多璀璨而光耀于世的大师，其中，有一位里程碑式的大师使我们无法忘却的，他就是佛朗兹.李斯特。
李斯特作为一名大胆革新的音乐家，他在作曲、钢琴演奏方面取得了辉煌的成绩，对19世纪浪漫主义音乐的发展产生了重要的影响。
在钢琴创作方面，他那富有想象力的表现形式、多层次的结构方法为音乐创作开辟了新的道路；另一方面，作为一名杰出的钢琴演奏家，他也为演奏技术的创新、乐器表现范围的扩展做出了巨大贡献。
二、李斯特《彼得拉克十四行诗》1.李斯特《彼得拉克十四行诗》李斯特1811年出生于匈牙利，开始了他的音乐人生。
1833年，21岁的李斯特对已婚的玛丽.达古伯爵夫人一见钟情，这次的邂逅除了传奇的爱情之外，还有许多美丽的钢琴曲，其中就包括《彼得拉克十四行诗104号》。
这首作品是李斯特的爱情结晶，在于伯爵夫人玛丽.达古坠入爱河之后，李斯特面临着社会各方面的压力，不得不开始了在瑞士、意大利等地的游历生活。
在他们炙热的爱情引发的旅行中，李斯特的创作风格受到自然风光和历史古迹的影响，开始创作具有更强的思想性和艺术性的新阶段。
此间，音乐家创作了《旅行岁月》这部传世名作，它包括“瑞士游记”“意大利游记”和“第三年”三个部分。
《意大利游记》是一部富有浪漫主义的诗意、令人着迷的音乐作品。
论李斯特三首《彼特拉克十四行诗》动机的表现意义
《彼特拉克十四行诗》是作曲家李斯特创作的三首钢琴曲，它们分别以意大利文中的三个单词为标题：Sposalizio，Il Penseroso，和Canzonetta del Salvator Rosa。
这三首曲子有着
深刻的内涵和丰富的表现意义，其中所蕴含的动机极具表现力。
首先是“Sposalizio”，即“婚礼”。
这首曲子的灵感来源于拉斐尔的名画《圣母和圣若瑟的婚礼》。
曲中巧妙地表现了宗教和爱情的统一，展现出深刻而柔美的意象。
李斯特运用了各种音调进行、对位技巧和华丽的音响效果，展现出宗教庄严和爱情神圣的双重意义。
其次是“Il Penseroso”，即“沉思者”。
这首曲子的灵感来源于约翰·彭斯的诗歌《沉思者》，表现了沉思者的内心世界和思想。
李斯特通过动态和静态的音响效果和复杂多变的节奏变化，展现出沉思者内心的喜怒哀乐、悲欢离合和哲学思考。
最后是“Canzonetta del Salvator Rosa”，即“萨尔瓦托·罗萨的小调”。
这首曲子的灵感来源于意大利画家萨尔瓦托·罗萨，表现
了意大利南部的热情和色彩。
李斯特在曲子中运用了南意大利当地的民间音乐元素，使整个曲子充满了浓郁的南意大利文化气息。
综上所述，李斯特三首《彼特拉克十四行诗》通过景物、思想、音乐等多种元素展现了深刻的内涵和丰富的表现意义，不同的曲子表达了不同的情感和生命感悟，强烈地触动了人们的心灵。
关于[十四行诗]的几个问题
十四行诗是欧洲的一种格律严谨的抒情诗体。
最早流行于民间，后来为文人所采用最早兴起于意大利，以后便开始在英、法、德各国流行起来。
意大利的诗人彼特拉克成了运用十四行诗体最主要的代表。
他一生写了375首十四行诗，汇集成《抒情诗集》，献给他的情人劳拉。
在他笔下的十四行诗，每首分成两部分：前一部分由两段四行诗组成，后一部分由两段三行诗组成，即按四、四、三、三编排。
到16世纪末，十四行诗已成了英国最流行的诗歌体裁，产生了锡德尼、斯宾塞等著名的十四行诗人。
成就最为显著的是莎士比亚，他进一步发展并丰富了这一诗体，一生写下154首十四行诗，后人将之称为“莎士比亚体”。
十四行诗文学体裁西方十四行诗诗体(Sonnet)，中文音译为“商籁体”，发源于意大利，该国著名诗人彼特拉克(Francesco Petrach 1304一1374)集其大成。
此种诗体流行于十四至十六世纪文艺复兴时期的欧洲大陆，它于十六世纪中叶传人英国，成为英国现代诗坛的重要诗体，十四行语句整齐、短小精悍、格律严谨，富音乐效果。
十四行诗(Sonnet)的格律主要包含行数、韵脚、音节、音调、结构等。
现将其内容及三种诗体的演化，一一作简略介绍。
一、行数。
Sonnet要求有十四行，每行不一定是完整的句子。
有时为了韵脚的需要，把意思连贯的一句分成两行，但每行词数不一定要相同。
二、结构。
Sonnet一般分为前后两个部份。
不同诗体前后两部份的行数不同。
彼体由两节四行诗(共8行)和两节三行诗(共6行)组成。
斯体、莎体由三节四行诗(共12行)和一节二行诗(共2行)组成，形成起承转合的趋势。
极端的有雪莱所作的十四行诗，由四节三行诗(共12行)和一节2行诗组成。
三、韵及韵脚。
是十四行诗体的难点和特点之一，十四行诗根据不同的诗体：彼体4-5个，斯体6个，莎体7个，英语词汇一般由多音节组成。
韵指的是每行最后一个词的最后一个音节，按规定要相同的叫押韵，各体前后两部份韵脚的安排是：彼体abba. abba. cdedcd (4韵)或者cde cde (5韵)，属抱韵；斯体属套韵，abab bcbC cdcd ee，最后两句是对偶句；莎体属双形体，abab cdcd efef ggo四、轻重晋捂配。
中国律诗绝句，每句诗中要求平仄相间，使音调抑扬顿挫，铿锵有声，具音乐感，十四行诗虽不要求每行诗词数相同，但要求同样的音步，每个音步有一轻一重两个音节，斯体、莎体要求每行五个音步，十个音节；彼体要求十一个音节。
《裴特拉克十四行诗104》的演奏与作品分析梁颖欣指导教师：杨洋摘要弗朗茨·李斯特是19 世纪匈牙利著名的钢琴家、作曲家、音乐教育家、音乐评论家及指挥家。
他是浪漫主义时期音乐的集大成者，在钢琴音乐、交响乐等方面都有极高的造诣。
其代表作品《裴特拉克十四行诗》共有三首，分别命名为47号、104号、123号，代表着李斯特在钢琴演奏上的极高的造诣，开拓出钢琴演奏诗歌化的新篇章。
本文以《裴特拉克十四行诗》为研究对象，通过对其作品的背景介绍，进而对其演奏手法进行分析，并且详细阐述诗歌之于李斯特音乐灵感的作用，探究诗与乐相结合的艺术美感。
关键词李斯特；裴特拉克十四行诗；演奏技巧；诗歌一、李斯特与《裴特拉克十四行诗》（一）内容诠释李斯特是受浪漫主义影响极深的音乐家，其极富美学效果的演奏，在当时也能体现出其强大的情感演绎水平。
这样一位极富才华的演奏家、创作家，他能够添加诗意写照，使得他的钢琴作品更具有独特的风格。
钢琴屈《裴特拉克十四行诗》（47号、107号、123号）就是基于和谐的旋律灵感，以裴特拉克的十四行诗的定型创作而成的，抒情、充满美感。
在这其中，第104号又是最受瞩目的，痛苦地渴望爱情以及浪漫元素的展现，至今都是钢琴音乐会的必奏曲目。
[1]李斯特要在自己的钢琴演奏中，以抒情和优雅的方式，让诗歌和音乐结合为一体，实现诗意文学的音乐以及音乐元素的诗歌。
从而让两者不断交流融合，开始了文学和音乐的对话，对后人来说，更是不同的时代、不同地区之间的精神交流。
裴特拉克（1304—1374），作为意大利历史上与但丁齐名的伟大诗人，他在文艺复兴时期极富盛名，他的意大利语的诗歌作品《诗集》是其代表作。
该作品集共收录诗人自26岁起，直至去世共40多年间，创作的近四百首诗歌。
在这么多的作品中，多达317首都是十四行诗，作者在其一生的时间里，精神爱恋一位骑士妻子劳拉，但却又终身不得亲近，作者将对其的爱慕和思念倾心灌注于诗歌的创造中，正是这种长期的创作激情与创作成果，使得裴特拉克的十四行诗的造诣超乎常人，他对十四行诗的应用和拓展，使得他在西方诗歌史上名垂千古，对后世产生巨大影响。
[２]优美而抒情的十四行诗，在西方文学等方面发挥了重要作用，是一种重要的诗歌形式。
在12世纪的中后期，民间流传甚广的抒情诗歌，传入了意大利上层社会，受到当时喜爱它的贵族推崇，并很快形成了西西里诗派。
其后，13世纪的意大利西西里诗派，逐渐创立了十四行诗这一诗体。
他们直接从形式和主题上，继承了法国普罗旺斯诗派的形式和韵律特点，创造了这两个形成独特的抒情民谣和十四行诗。
尤其是后者，通过后来在托斯卡纳诗人和温柔的新体诗派的巩固和创新，直到裴特拉克时期到达完美。
早年的十四行诗单调死板、千篇一律，因此传播甚微。
而他创造的十四行诗的数量之多，使得这一诗体逐步进化，达到完美的艺术影响，远远超出了意大利，直至欧洲其他国家，是欧洲文艺复兴的最重要的文体之一。
[３]因此，意大利十四行诗，也称之为裴特拉克十四行诗。
（二）曲式结构李斯特将音乐与十四行诗进行了完美的创作和结合。
李斯特在19世纪倡导的标题音乐，很多李斯特的钢琴作品都贴有相关文献或绘画、雕塑的标题，这是在于李斯特有着深厚的文学和哲学的修养，以及各种先进的集成，使得他早已建立起他的艺术理想，所以他喜欢将其他艺术科目完全融入音乐的创作。
借鉴俄罗斯作家亚科夫·米尔什坦在《李斯特》一书中所表达的那样：不管他谱写的是什么，不论是大的还是短的东西，他（李斯特）始终坚持寻求内心的音乐，将其与诗歌以有机的方式联系起来，或者用他自己的话说，就是“使音乐和诗歌，重新联系，彼此铸就新生”。
[４]本文所要探究的这三首《裴特拉克十四行诗》，就是一个典型的例子。
这首诗是收录在李斯特《岁月旅行》中的曲目，这首诗歌最初是以歌曲的形式出现，但最终只以钢琴音乐的形式于1848年流传至今，可以充分看出这首曲目是钢琴曲的伟大杰作之一。
李斯特的天分和才华，在某些程度上体现在文本制作与对音乐的妥善处理之上，他对作品的理解有自己独到的眼光，并且从不违背原作者的创作意图去改编那些伟大的音乐作品。
所以在他的作品中，音乐总是对可能出现的情况做到精确的表达拿捏。
李斯特的成就在曲目改编方面独树一帜。
在其音乐的早期创作版本中，音乐的百变造型几乎是无与伦比的，与诗歌之间创建出一致的转换，而当这些改编成钢琴独奏的成型作品时，李斯特又能将它们巧妙地融合在一起，完成一个完美的钢琴作品，反映了李斯特的典型风格。
而且作品一直保持着诗歌浪漫的一种火热的情感押韵。
《裴特拉克十四行诗》的措辞和情境，跟随英国诗人Swinburne的风格，却又自成一家。
[５]很难从47号、104号、123号这三部作品中选出最优秀最打动人心的那一部，但总体来说它们都是最成功的E大调。
二、《裴特拉克十四行诗》演奏分析（一）琶音型乐句和超越八度分解和弦的运用1.充满华彩经过句式的琶音八度范围内的琶音织体是李斯特擅长的表现手法之一，大多表达出清静静谧的音乐氛围。
这段华彩经过句式的琶音让音乐显得诗意，表现抒情性，触键时手指动作要轻快，连贯，两手交替的时候不能有重音，要感觉是“一只手”弹奏出来的效果，手腕要根据音乐的跌宕起伏适当地带动手指，添加音乐的流动性。
[６]谱例1：《裴特拉克十四行诗第123首》2.超越八度范围的分解和弦琶音相比于八度之内的琶音，超出此范围的八度和弦，导致手指跨度大，同时演奏时，臂略微提起，用中指为支点，围绕手腕中指画椭圆，由于声音在整个区域的跨越，演奏家应该用来传递动力的指尖力量，可以稍微拉直手指，放慢一些按键速率，平衡用力，敲击出来的柔和、甜美的声音。
谱例2：《裴特拉克十四行诗第104首》第29—31小节。
（二）震音与颤音李斯特在《裴特拉克十四行诗》的演奏之中，以震音与颤音，同其他技术同时融合，对手指的移速，同身体张弛度要求更高。
1.震音当演奏双调的交替颤音之时，切记要避免手腕的僵硬和紧张，可适当增加手、手臂的运动范围，手腕保持柔软，不要用力过猛、僵硬，节奏以均匀为佳。
这个作品的颤音，常表达升华的心情，所以要控制使用踏板，不要使得音乐传递出太浮躁的感觉。
[７]谱例3：《裴特拉克十四行诗第104首》第44小节。
2.颤音对于颤音的演奏，在这系列的曲目中，应该是“均匀而不呆板”，控制声音的音色和频率为主。
颤音的运用主要用来创造一定的氛围，往往有一个强度较弱的力，因此可以用“手指贴键”的方式来敲击，让音乐的声音柔和、滋润的同时，可以添加较弱的力度的改变，来增添音乐的起伏感，更好地服务于音乐的专注的表达。
（三）踏板李斯特对钢琴的把握能力，同把握好调色板力度的优秀画家一样。
他的踏板痕迹，往往显示出特殊效果，它们有很多反应，明确表达出诗意、比喻甚至思想理念。
李斯特不同于过去只是抑制、加强使用踏板的声音，他用了一个更详细的踏板的节奏变化。
作为钢琴踏板的重要改革拓宽者之一，李斯特钢琴的丰富多彩的艺术，就是以独特和多样化的踏板为基础的。
他已经认识到了体现踏板钢琴音色的丰富多样，进一步解放了演奏家双手是非常重要的，因此，非常重视利用踏板，使音乐更具诗意。
1.长踏板李斯特用踏板，是受情感和色彩要求来表现作品，和声的纯合度将不再被视为如何正确使用踏板的条件，他用了很多不和谐的声音，将不同的有声混合成一体，从而使堆叠在另一组顶部的声组和声，创建出使用踏板的新方法。
在这首作品中的第35、63 小节，作者没有迁就和声的“清纯性”，而是通过踏板长时间的保持不变，多种和声的叠加，营造出一种特殊的音响群，清晰的线条模糊化，使音响色彩淡化，从而恰当地表现出作者对爱情的渴望与失意相互交织的难以言传痛苦①。
谱例4：《裴特拉克十四行诗第123首》2.持音踏板充分利用踏板，是一种和谐、丰富的融合。
在《裴特拉克十四行诗第123首》的第29-33节、68-75节中，持音踏板的运用使作品的变现力，就像在早晨薄薄一层浓雾慢慢晕开的朦胧感一般，它使整个歌曲的轮廓柔和而朦胧。
李斯特在尺度键入半音后广泛使用踏板形成音响群，这样听起来像密云一般，从而营造出整体的效果。
赵晓生先生在《钢琴演奏之道》一书中这样写到：“把前一个踏板略微延长到下一个踏板，稍微迟缓换动踏板，使两个踏板的交接处界限模糊”②。
谱例5：《裴特拉克十四行诗第123首》（四）和声自从调性音乐被确立，音乐作品开始往往通过某种手法（譬如和声序进）来明确调式、调性，即使写作调性音乐作品的浪漫乐派或近现代作曲家也基本如此。
例如，《裴特拉克十四行诗第104》属于调性音乐，主调为E自然大调。
音乐进入时并未肯定主调，而是从远关系调的不协和和弦开始，使用一系列不协和和弦连续模进的手法，使调性从模糊到清晰，逐步揭开主调真面目，形成特殊的调性思维布局，让人领略到一种新奇、不稳定、富有动力感的调性处理方式。
[８]李斯特在对作品的处理中，使用不协和和弦连续模进、半音化进行、意外进行以及各模进音组中不协和和弦的解放等方式，使得模进音组中的调性以暗性方式若隐若现，其后通过引出主调属和弦，以及相平行小调离掉的方式，推出主调的中心和弦（主和弦）。
主调最终以“千呼万唤始出来，犹抱琵琶半遮面”方式亮相。
该乐曲开始进入时代以步步推进的方式暗示调性，却又不明确调性，音响上给人留下悬念，这种不稳定的“悬置调性”思维与随后的主调形成强烈的对比，具有较强戏剧性色彩，这是李斯特处理这一作品部首调性的特色思维，也成为现代和声技法的前奏③。
三、《裴特拉克十四行诗》的艺术风格分析（一）音乐作品标题化李斯特对于音乐的展现，一定程度上体现出美学的内力，加之情感的注入极富深情。
他认为音乐和诗歌的融合，可以更完美地体现音乐的情感。
他将文学和画作的主题，相结合融入了乐曲之中，并试图建立尊重性的标题音乐。
由此可以看出，李斯特在音乐上的建树，是为了使得观众更好地理解钢琴演奏的表达，以此同时，避免一些评论家对于作曲家的思想误区的胡乱猜测。
在李斯特的眼中，音乐不是对古代诗歌，音乐和舞蹈在形式上的单纯的线性排列，它是器乐的发展到标题的必然产物，它在特定的时期以一个单独的艺术形态，或者可能是其他种类繁多的形式出现。
“我们指的是纯器乐作品，添加标题，标题可以是诗歌，散文，可以长，可以短，可暗示或侦听，也可详细说明，希望展现作曲家的想法和愿景。
”[９]在笔者看来，李斯特作为浪漫时期音乐的杰出代表，他将音乐与诗歌相融合的目的不仅仅局限于此，他坚信音乐可以表达不同程度的热情，是一种最细腻的情感力量，同时，他也认识到词语的开头始于音乐，即播放音乐可以表达非语言的东西，如印象，心态等，从而找到最神秘的地方，深藏在我们内心之中。
所以，李斯特用诗歌作为音乐的标题，要想要表现出语言和音乐的局限性，更加表达出语言所表达不出的一定的印象和情绪等的特殊性。
