世界名画欣赏
罗丹说：“生活中从不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。
”是啊，生活中从来就不会缺少美，而是我们往往忽略了它。
生活中有许许多多的美，其中之一就是世界名画之美，下面我将介绍两幅名画以及我对他们的理解。
一、《最后的晚餐》
（约1498）（壁画 460 x 880 厘米）
这幅世界名画是由意大利伟大的艺术家列奥纳多.达.芬奇创作的，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。
它主要描绘了在庆祝逾越节的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。
餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。
在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。
沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。
他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。
大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。
我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。
在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。
他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。
我们知道他就是那个叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。
犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。
犹大的侧面阴影旁是圣.彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣.约翰靠去。
彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。
圣.约翰的头朝彼得垂着。
在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。
约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。
耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。
从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。
小雅各的另一边，圣.菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：”
你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。
”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。
围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。
巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。
右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。
到此为止，画里十三个人的外貌，情绪和性格特征，活灵活现地印入我们的脑子里，观赏画的人好像随画中人经历了这一严重时刻。
这是一群典型的人物，具有典型的性格，处在典型的环境中。
画面具有戏剧冲突的舞台艺术效果，它是一幅具有划时代意义的情节性历史画，这个题材曾为达芬奇之前的不少画家所描绘过，但唯有达芬奇的《最后的晚餐》为空前的杰作
画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。
为了构图使图做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。
越靠近耶稣的门徒越显得激动。
耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。
耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。
他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。
达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。
在众多同类题材的绘画作品里，此画被公认为空前之作，尤其以构思巧妙，布局卓越，细部写实和严格的体面关系而引人入胜。
构图时，他将画面展现于饭厅一端的整块墙面，厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结，使观者有身临其境之感。
画面中的人物，其惊恐，愤怒，怀疑，剖白等神态，以及手势，眼神和行为，都刻画得精细入微、惟妙惟肖。
这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的作品。
《最后的晚餐》在艺术形式的处理上也是极为完整和成功的。
画面的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，因此总的是在单纯中见丰富。
大师把十三个感情激荡的人物有机地组合在一起，既有区别又紧密联系，既突出了基督的主要形象，又层次分明地刻划出每一个人的外貌和性格特征，高度地概括又深刻地揭示了这一戏剧性的场面。
画家尽可能地调动了一切艺术手段，着意表现出耶稣的临危不俱、神态自若。
画家将十二个门徒三人一组平均对称地分配在基督的两边，以其各自的动作和表情与基督发生联系和呼应。
整个环境和道具的处理比较单纯，为的是更加突出激动的人物，这些独具匠意的艺术处理，使艺术语言显得高度精炼。
达到炉火纯青的境界。
五百年过去了，这位文艺复兴时期的天才“巨人”的伟大作品，对于我们中国的画家和观众，仍然具有极大的魅力，艺术是人类共有的精神财富。
《最后的晚餐》这幅画虽然歌颂的是基督教的主题，我们并非赞美基督教的精神的伟大。
但画家笔下所描绘的不是神而是人，是人类社会中真、善、美的化身，是人类善恶的对比写照。
大师所歌颂的不是神的力量，而是人的善良、正义的美德；斥责的是卑鄙和丑恶的叛徒行为。
因此，这件杰作在历史上永远是不朽的，它不仅属于意大利人民，也属于全世界的人民。
通过欣赏这幅画也让我对美有了深刻的理解，这幅画不仅线条美丽，人物表情和形态刻画的更美，画面的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，因此总的是在单纯中见丰富。
它让我明白，美并不一定代表复杂和色彩鲜艳，有时候简简单单更美。
美丽也不一定代表华丽，金碧辉煌，简单的构图也是一种美。
达芬奇用一种简单的构图却更加加深了人们对画面之美的印象。
它的美不在表面，而在于人物形象、形态的刻画之美，它是内在的美，让人们久久无法将其忘记。
看了这幅画，我对美有了全新的认识，对于美不在再那么局限，内在之美才是真的美。
二、《泉》
安格尔1856年 164×80厘米卢佛尔美术馆《泉》大概从1830年安格尔在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始酝酿，但一直没有完稿。
最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。
26年以后，当他已是76岁高龄时才画完此画。
它通过一个抱罐倒水的裸体少女形象，表现了画家终身追求的古典美。
在这幅《泉》中，安格尔把他心中长期积淀的古典美与写实的现实美完美地结合了起来。
《泉》中少女的体形姿态展现的是S形曲线美，左边以高举手臂的转折处为顶点，身躯的轮廓是一根略有变化的倾斜线，它宛若一缕缓缓飘落的轻纱；胸部和腹部的转折起落也形成波浪式的曲线，这正好与左边的单纯与宁静形成对比。
和以前安格尔的作品过一样，画面中的女子略显肥胖，为了体现S 形曲线美，为她为她编造了这样一个不可能存在的动作，在画面上创造出了一种恬静、思雅和抒情诗般的意境。
从画中我们可以感受到少女清纯的双目，虽然身体袒露，却让人觉得她如清泉般圣洁。
这幅作品的动人之处，还在于它匠心独具地表现了少女的纯洁。
这幅作品对于水的表现非常神奇。
从水瓶中倾泻而出的泉水是宁静的画面上最具动态的因素。
但经过画家的巧妙处理，飞泻的清泉非但没有打破画面的宁静感，还使之平添了一种流动的韵律。
从这幅画里,人们感到的是一个宁谧,幽静的抒情诗般的境界,心灵得到慰藉,感情得到升华的崇高境界。
这幅画中安格尔将把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。
他在《泉》这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。
看到这幅画使我浮躁的心得到了平静，看到它我就会被他深深的吸引，内心再无其他东西，只有画。
画面中恬静的意境最美，它可以将你所有的烦恼都抛掉，让你的心融入到画中，内心没有一点波澜。
这幅画安格尔将近创作了30年，在他晚年的时候才完成，到最后他才对自己的画满意，这种不断追求完美的精神也是只得我们当代大学生学习的。
在这个浮躁的年代，人们往往无法静下心来静静的学习、工作，这时不妨看看安格尔这幅《泉》。
生活中到处都充满美，只要我们细心看哪里都有美。
从这幅画中我们真真切切的看到了美，有女子之美也有环境之美，它的美在于安静、恬静和平和。
从画中我们不仅仅看到了一个裸体女子，更多的是看到了她的体态和她周围的环境。
人们理解的美往往强调视觉的冲击，而在这幅画中对视觉的冲击并不大但是当你细细欣赏它时才会发现它对你的震撼如此之大。
这幅画画面非常简单，关键在于它的意境，它使我们体验到安静之美，简单之美。
美可以使人愉悦，精神大振，但是我们往往忽略那些小美，所以我们总是抱怨自己没有看到真正的美，这个世界缺少美。
有的人看到什么都是美的，而有的人则正好相反，这就是善于发现美于不善于发现美的区别，善于发现美的人是乐观的，他们时时刻刻保持美
好的心情，看到所有的事物都如此美丽，在她们眼中从来没有丑的概念，这样的人是幸福的，他们对于美的理解更深刻，对于美要求更少。
对于我们大学生来说，正处于青春活力的年龄，所以我们更应该时时刻刻发现美，去体验美，去创造美，正如罗丹说的那样：生活中从不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。
我们应该有一个发现美的眼睛。
让我们时时刻刻去感受美，发现美，只要我们永远与美在一起，我相信我们的人生也一定是美丽的！。
