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肖邦多种体裁钢琴曲的创作分析19世纪欧洲乐坛诞生了一位伟大的音乐家——弗雷德里克·弗朗西斯克·肖邦，他短暂的一生一共创作了247首作品，几乎全为钢琴曲。
在他的钢琴作品中不仅将传统艺术的表现力全面体现，而且还产生了具有肖邦个人性格特色的艺术样式。
鉴于此，本文重点对肖邦创作进行了分析，以期获得更加深刻地认识。
一、练习曲、前奏曲肖邦一生一共创作了27首练习曲，绝大部分都作于30年代。
他的练习曲在他的作品中也算是精华的杰作，打破了从前练习曲那种单纯技术上的机械训练，枯燥又乏味，而是具有了更高的独创性、艺术性和技术性、内在美和外在美完美的融合。
肖邦不僅赋予了练习曲极高难度和复杂的技术手法，而且让人们认识到了在学习练习曲的过程中怎样表达和解释音乐。
《革命练习曲》（Op.10 No12）是肖邦练习曲中非常具有代表性的一首练习曲，创作于波兰民族解放运动的高潮时期，具有英雄性气概和恢弘的史诗性气概，深刻地反映了他在得知华沙沦陷消息后的悲痛心情，将对国家的情感以及波兰民众那百折不挠的革命情感全部宣泄到了这首乐曲里。
这部作品为火热的小快板单三部曲式，练习左手的快速跑动是它的主要目的。
乐曲开头是由低声部一连串十六分音符和高音激昂的属七和弦构成，展开中部右手伴着附点节奏的旋律，左手翻腾起伏的琶音，互相衬托照应，不断的模进，奏出新的音调，达到全曲高潮。
威武的歌唱出刚毅、豪迈的主题，把他那炽热的爱国之心表达得淋漓尽致。
乐曲的尾声（76-84小节），极富有下行齐奏的走句被打破，最后以四个坚强有力的和弦进行解决，表达了他对未来光明美好生活的信心。
《c小调练习曲》里面所要表达的不同情绪交错在一起，英雄性的气概，内心的痛苦和愤怒的抗争，时刻体现出了肖邦内心的痛苦和激动，刻画出他内心那一阵阵狂野的咆哮。
沸腾热血的音调，表现出了他那热情奔放、惶惶不安的性格特性，和他那颗作品中永远体现着爱国情怀的情感。
肖邦一共创作了24首前奏曲，基本都是在疗养期间创作的。
十首世界名曲，带你了解十种音乐体裁十首世界名曲，带领大家一起来了解十种常见的音乐体裁。
01.圆舞曲（Waltz）施特劳斯《蓝色多瑙河》An der schönen blauen DonauVienna Philharmonic Orchestra;Daniel Barenboim - New Year9s Concert 2009圆舞曲也音译为“华尔兹”，在早期是用于社交舞会一种乐曲体裁，它采用通常采用三拍子的节奏，强调第一拍上的重音，旋律流畅，节奏明显。
由于舞蹈时需由两人成对旋转，因而被称为圆舞曲。
02.小步舞曲（Minuet）贝多芬《G大调小步舞曲》Minuet in G Major, WoO. 10, No. 2 (G大调小步舞曲，作品10，第2首) Budapest Strings;Bela Banfalvi - 50 Must-Have Beethoven Masterpieces小步舞曲一种起源于西欧民间的三拍子舞曲，流行于法国宫廷中，因其舞蹈的步子较小而得名。
速度中庸，能描绘许多礼仪上的动态，风格典雅。
虽然小步舞曲跟圆舞曲都是一种舞曲体裁，但是小步舞曲相较速度更为平稳，曲风相对端庄。
03.变奏曲（Variation）莫扎特《小星星变奏曲》12 Variations on 'Ah, Vous Dirai-je, Maman', K. 265 'Twinkle Twinkle Little Star' (12首变奏曲“啊，请听我说，妈妈”，作品265“小星星”) John Tesh - Classical Music For Babies (And Their Moms) 变奏曲是指主题及其一系列变化反复，并按照统一的艺术构思而组成的乐曲。
例如莫扎特的《小星星变奏曲》，它以《小星星》的旋律为主题，随后通过在主题基础上的进行装饰变奏、音型变奏、和声伴奏等方式，一共发展了十二个变奏。
大型器乐体裁作品的分析乐曲的体裁是指乐曲在音乐风格和性质方面的特征。
不同体裁器乐曲的形成都同它们各自的应用和表演的目的、演出的场合、乐曲内容的倾向性、音调和节奏的特色、音乐风格的特征等有关。
大型器乐体裁包括：室内乐、组曲、奏鸣曲、协奏曲和交响曲。
本文将针对这五种大型器乐体裁进行欣赏分析。
一、室内乐室内乐（Chambermusic）：原意是指在房间内演奏的“家庭式”的音乐后引伸为在比较小的场所演奏的音乐以区别于教堂音乐和歌剧音乐。
十七世纪初发轫于意大利到十八世纪时室内乐的概念多半和家庭生活中娱乐性的音乐有关。
后来维也纳古典乐派的大师们逐步完善了室内乐中的各种体裁形式并赋予新的活力。
而后的浪漫派音乐家们又进一步发展和充实了室内乐的形式和内容。
现今室内乐是指各种重奏曲及用少数乐器伴奏的独唱、重唱曲。
由于室内乐重奏的每一声部都相当独立和个性化所以它的写作技法通常比较复杂而细致。
室内乐最常见的形式：钢琴三重奏：小提琴、大提琴、钢琴；弦乐四重奏：第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴；钢琴五重奏：弦乐四重奏加钢琴。
除此之外室内乐也有从二重奏到九重奏等不同乐器的组合的演奏形式。
《G大调弦乐小夜曲》莫扎特一生中创作有十三首小夜曲其中最有代表性、流传最广、最收欢迎的就是G大调小夜曲。
这是一首充满纯朴、真挚情感的轻快乐曲。
由于它是莫扎特全部小夜曲中唯一用弦乐演奏的所以通常被称为《弦乐小夜曲》。
这部《G大调小夜曲》原有五个乐章可惜手稿已经不完全现在只知道莫扎特当时在维也纳其他的写作情况便一无所知了。
这样一来其结构便与古典交响曲的模式一样了而它给人的感觉也俨然是一部“袖珍交响曲”。
二、组曲组曲（Suite）：是一种套曲形式的器乐曲或交响曲在统一的艺术构思下乐曲间有着内在的联系同时又各自独立。
组曲分为古典组曲和现代组曲两类。
古典组曲形成于十七世纪在巴洛克音乐时代所有套曲都是同一调式都是从舞曲演变来的。
到巴洛克中期以后古典组曲有了比较固定的组合方式即古典组曲包括四首舞曲乐章：阿勒曼德舞曲；库朗特舞曲；萨拉班德舞曲；基格舞曲。
命运交响曲的演奏形式
《命运交响曲》是由德国作曲家贝多芬创作的交响乐作品，于1808年首次公开演出。
该乐曲的演奏形式为交响曲，采用了传统的四个乐章结构，即快板-慢板-舞曲-快板。
第一乐章是快板，以D小调开头，充满了激情和力量感。
它由引子、主题1、转场、主题2和室内乐式复杂的发展部分组成。
第二乐章是慢板，以B小调开始，表达了贝多芬内心的柔情和悲伤。
这个乐章极富于情感，并且由于其优美的旋律而备受赞赏。
第三乐章是一个舞曲，以三段曲式呈现，富有活力和活泼的感觉。
这个乐章采用了三部的小步舞曲的形式，具有强烈的对比效果。
最后一个乐章是快板，由德文“Ode to Joy”启发。
它以D大调和合唱开始，表达了对欢乐与和平的渴望。
这个乐章终结了整个交响曲，它充满了庄严和欢欣的气氛。
整个《命运交响曲》交替运用了强烈的对比效果，展现了贝多芬的音乐想象力和情感表达能力。
这使得这部交响曲成为了贝多芬最具影响力的作品之一。
举例说明巴赫的声乐体裁创作特点巴赫（Johann Sebastian Bach）是德国巴洛克音乐时期最杰出的作曲家之一，他的作品涵盖了各种声乐和器乐体裁。
在声乐方面，他创作了大量的宗教音乐，如清唱剧、宗教合唱、咏叹调、双重合唱等。
本文将从多个角度来探讨巴赫声乐体裁创作的特点。
一、对于宗教文本的深刻理解和运用巴赫是一位虔诚的基督徒，在他的音乐中强烈地表现了对上帝和信仰的热爱。
他所写的所有宗教音乐都是为了向上帝致敬和赞美而创作的。
因此，他对于宗教文本有着深刻的理解和运用。
1. 通过音乐来表达文本内涵在巴赫的声乐作品中，音乐与文本相辅相成，彼此交织。
他通过音乐来表达文本内涵，使得听众能够更加深入地理解和感受到歌曲所要传达的信息。
例如，在清唱剧《约翰·史德望》中，巴赫通过音乐的起伏和变化，表现了约翰·史德望的坚定信仰和不屈不挠的精神。
在《马太受难曲》中，他通过音乐的悲壮和庄严，表现了耶稣基督的牺牲和救赎。
2. 重视文本的语音特点巴赫非常重视文本的语音特点，在作曲时会根据文本的韵律和语气来设计旋律和节奏。
这种做法使得歌曲更加自然流畅，并且能够更好地传达出文本所要表达的情感。
例如，在清唱剧《马太受难曲》中，巴赫运用了大量的复调技巧来表现出文本中人物之间的对话和互动。
他还使用了大量的颤音、滑音等技巧来表现出情感上的变化。
二、对于声部运用的精湛掌握在声乐作品中，声部是至关重要的组成部分之一。
巴赫对于声部运用有着精湛掌握，他能够将不同声部之间相互呼应、交织、纠缠起来，形成一个完整的音乐世界。
1. 精准的声部分配巴赫在声部分配上非常讲究，他会根据文本的内容和情感来决定每个声部所要表达的内容。
在清唱剧中，他会根据角色的不同来分配不同的声部，从而表现出人物之间的关系和互动。
2. 独具匠心的复调技巧巴赫是复调音乐史上最杰出的作曲家之一，他在声乐作品中运用了大量独具匠心的复调技巧。
例如，在宗教合唱《圣诞神话》中，他使用了多个不同的声部来表现出天使、牧羊人、羊群等不同角色之间的对话和互动。
钢琴曲牧童短笛简介《牧童短笛》原名《牧童之笛》，是贺绿汀先生创作于1934年的一首钢琴曲。
下面店铺给大家带来钢琴曲《牧童短笛》的相关介绍，欢迎阅读!钢琴曲《牧童短笛》的创作背景1934年，贺绿汀在上海国立音专求学，当时他住在一家缝纫店的主楼，夏天热得要命，但是贺绿汀没有被这困难吓倒，他一边学习，一边创作，同时还不断地注视着音乐界的动态。
欧洲著名作曲家、钢琴家亚历山大·齐尔品来中国征集“国风味的钢琴作品”，在国立音专的招贴栏贴出公告，如果谁获优胜将能得到免费出国求学资格,并获奖金100元，贺绿汀先生了解到该活动后，在裁缝店的小楼上租住的屋里进行夜以继日的创作，最后以《牧童短笛》、《摇篮曲》和《往日思》三首作品参加比赛。
1934年，正是国家风雨飘摇，《牧童短笛》的创作中也包含了作者的忧思，一方面，贺绿汀把牧童、短笛、老牛融为一体，形象地描绘了山川秀美、生活安宁、天地和谐的美丽情景，这与狼烟四起、枪炮隆隆的战争背景形成了鲜明对比，与日军的血腥屠杀的背景形成了鲜明对比，与衣不蔽体、食不果腹的人民群众生活情景形成了鲜明对比，强烈表达了人们对战争的憎恶、对国家和民族的深切忧患，以及对美好生活的赞美和向往。
另一方面，作品的旋律始终是积极的、激烈的、舒缓的，似乎又传达出人们崇高的革命乐观主义精神，以及人们对中国革命必胜的坚定信念。
也许正是在这个意义上，使得作品更为隽永、更加深刻、更具魅力。
最终，《牧童短笛》﹙当时名为《牧童之笛》﹚获得了一等奖。
此后齐尔品把这首钢琴曲带到欧洲亲自演奏，并在日本出版。
从此，这首钢琴曲闻名国内外，成为各国钢琴家们的常备曲目，也成为音乐会中最常演奏的中国作品之一。
钢琴曲《牧童短笛》的乐曲赏析《牧童短笛》旋律、和声、调性和节奏的色彩性因素，以清新流畅的线条和呼应对答式的二声部复调旋律，向人们展示了牧童放牧、吹笛、玩耍、回家的情景。
作品显示段采用了传统的民间舞蹈风格，节奏、旋律较为欢快，把一个骑在牛背上、悠闲地吹着笛子、天真无邪的牧童形象跃然纸上，使人眼前不禁浮现出画家李可染的《牧童短笛图》，仿佛走进一个山清水秀的大自然，领略大自然的神奇与美妙。
叙事曲简介有一种古老的声乐体裁叫做叙事歌曲。
到了十九世纪，纯器乐作品中也出现了同样的体裁，叫做叙事曲。
叙事曲和叙事歌曲一样具有叙事性，也就是说曲调富有语言表现力，好象讲故事一般侃侃而谈，内容多取材于民间史诗、古老传说和文学作品。
波兰作曲家肖邦，是钢琴叙事曲的首创者，以后德国作曲家勃拉姆斯、匈牙利作曲家李斯特和挪威作曲家格里格等也都创作过钢琴叙事曲。
肖邦的叙事曲，是受了波兰革命诗人密茨凯维支的叙事诗的启发而创作的。
关于他的四首叙事曲中的第一首《g小调叙事曲》（作品23），许多肖邦的研究者都认为是在密茨凯维支的叙事诗《康拉德华伦洛德》的影响下写作的。
《康拉德华伦洛德》是一篇爱国主义的史诗，叙述十四世纪时立陶宛人反抗日耳曼武士团的斗争。
立陶宛人倭尔特冯斯塔丁幼年被俘，在日耳曼武士团的抚养下长大。
在战争中同时被俘的立陶宛民间歌手哈尔班，暗中以爱国思想感化倭尔特。
倭尔特在他的潜移默化下，酝酿着复仇的大志。
后来他被立陶宛人俘虏过去，娶了立陶宛大公的女儿阿尔多娜。
夫妻二人以身许国，决心牺牲自己的爱情、幸福甚至生命和荣誉，来挽救祖国的命运。
他们二人悄悄离开立陶宛，来到聂门河的对岸。
阿尔多娜自愿以修女的身份，关在尖塔上的小屋里，直到死去。
倭尔特改姓换名为康拉德华伦洛德，回到日耳曼武士团，在对摩尔人和土耳其人的战争中立了功，取得了武士团的信任，被任命为武士团大总管。
掌握了大权以后。
他在处心积虑的密谋策划下，干了许多倒行逆施的事，使武士团虚耗国帑，失去有利的作战机会，弄得民穷财尽，一败涂地。
后来事情终于泄露，在倭尔特以叛逆罪被处死刑的前夕，他和尖塔上的阿尔多娜作了悲惨的诀别。
《g小调叙事曲》的开头是缓慢的引子，两手齐奏一个庄严的曲调，这是讲故事者的开场白，它把我们引进了悲壮的史诗气氛中去。
第一主题是一个典型的叙事性主题。
一开头就听到一个余音袅袅的音调，好象说唱的老艺人哈尔班在拨动他的四弦琴。
沉着而忧伤的旋律，时时发出叹息的声音，好象是在讲述一个被奴役的民族的苦难的历史，以爱国思想来哺育在敌人营垒里长大的倭尔特。
文艺复兴时期的四大乐派文艺复兴一词原指“复活”“再生”，是这个时期的思想家们对中世纪的否定以及对古希腊古罗马的崇拜，他们认为自己处于复兴古代文化的时代。
这一时期的音乐风格在思想上想要摆脱封建宗教的束缚，要求尊重人，一切以人为中心，给予人性自由。
从根本上来说文艺复兴是一个人类社会产生新思想，新发现，发展出飞跃的时期。
在这个大思潮下先后产生了四大乐派。
一．勃艮第乐派(一)产生背景：是欧洲大陆第一代音乐派系。
形成的最重要的因素就是当时勃艮第公爵们对音乐的喜爱，令他们不惜重金的赞助艺术方面的活动，吸引了一大批的优秀音乐家，使之成为音乐创作中心，可以看出勃艮第音乐有巨大的吸纳性和国际化倾向。
（二）音乐特点：1.这一时期的音乐体裁丰富、复杂,确立了弥撒曲体裁形式。
2.一般三声部，有时有四声部，自下而上，以旋律流畅的高声部织体为主导。
3.而旋律和节奏的发展集中在高声部，假低音的技巧被采用，呈三度六度平行进行。
4.兰迪尼终止式普遍出现。
（三）代表作曲家：杜费和班舒瓦1.杜费，被誉为天主教父。
他的音乐作品涉猎当时各种世俗和宗教音乐体裁。
他的等节奏经文歌代表作《最近玫瑰开放》有两个定旋律声部，呈五度关系，有一定的接应关系，休止与旋律时隐时现。
而他的弥撒曲在音乐史上有重大的意义，第一次将世俗曲调作为定旋律，第一次将经文歌四声部织体运用于弥撒曲，第一次在定旋律的下方加一个对位的低声部，从而使低声部可以自由创作，他推动了弥撒套曲的定型。
2.班舒瓦，天主神父，与杜费同样很重要。
在他简朴的音乐中，世俗音乐占有重要地位，以三声部为主，高声部为人声，其余声部为乐器伴奏，旋律性强，呈现出三和弦轮廓。
二．佛兰德斯乐派（一）产生背景：是继勃艮第乐派的又一个重要乐派。
这个乐派分布很广，占据了欧洲各地重要的音乐职位。
因为地域跨度大，时间长，作家流动性强，因此音乐风格上也有很大差异。
（二）音乐特点：1.使复调对位音乐发展到盛期，他们把世俗曲调作为弥撒曲和经文歌的定旋律，而且常采用尚松、牧歌、维勒莱等世俗声乐体裁进行写作。
77李查宁1毕丹2（1.2.内蒙古艺术学院，内蒙古 呼和浩特 010010）摘 要：使交响诗《红旗颂》能够成为经典的众多因素中，最为重要的是作曲家在创作过程中对西方艺术音乐写作技术进行了个性化的灵活运用，又融入了于宏观及微观方面，将中国传统民族民间音乐的写作思维和旋律音调所进行的技术化与艺术化的处理。
这种体现于作品中间的创作理念和写作技术的共性与个性的并存，也可以被理解为“中西结合”的创作思维，它们理应是这部作品取得成功的关键，也应是这部作品非常值得研究的一个重要方面。
因此，笔者试图通过从充分体现上述特征的作品的主题、配器方式、以及体裁和音乐结构等角度对乐曲进行分析，并结合作曲家的个人经历以及作品的创作背景，来了解作曲家在宏观创作理念和具体写作技术方面对“中西结合”思维的实际把握及应用的情况，以初步认识和掌握蕴含于该作品中的涉及以上方面的创作理念与写作技术的内涵。
关键词：红旗颂；主题；配器方式；体裁；音乐结构分类号：J60 文献标识码：A 文章编号：2096-5621（2018）03-077-09收稿日期：2018-05-09项目基金：本文系内蒙古自治区教育厅2017年科研课题《建国以来内蒙古手风琴音乐艺术发展调研报告》(项目编号：NJSY17675)系列论文。
作者简介：李查宁（1981-），男，满族，辽宁省沈阳市人。
内蒙古艺术学院音乐学院，讲师，博士。
毕丹（1984-），女，重庆市人。
内蒙古艺术学院音乐学院，讲师，硕士。
交响诗《红旗颂》的“中西结合”——对作品主题、配器方式以及体裁和音乐结构的分析引 言交响诗《红旗颂》是我国著名作曲家吕其明先生于1965年创作的作品。
乐曲主要描绘了1949年10月1日，在中华人民共和国的开国大典上，全国人民目睹天安门广场上升起第一面五星红旗时的振奋人心的场景。
同时，也展现了所有中华儿女为之感动，为之欢腾的面貌，讴歌了在中国共产党的领导下，无数先烈为了祖国的革命事业视死如归的大无畏精神，表达了炎黄子孙对祖国繁荣富强的美好前景的希望。
贝多芬作品的文学体裁和风格贝多芬是西方乐坛伟大的作曲家之一，他创作了许多经典的音乐作品，被誉为“音乐巨匠”。
但他的作品不仅仅是美妙的音乐，还融合了不少文学元素，如史诗、神话、戏剧、诗歌等，这些元素给了他的音乐更丰富的表达和特色。
本文将从贝多芬作品的文学体裁和风格两个方面，为大家介绍贝多芬不同作品的魅力。
一、文学体裁贝多芬的音乐作品经常融合史诗、神话、戏剧等文学元素。
例如，他最著名的交响乐之一《命运》（Fate）第五交响乐中的短暂小调音乐主题，就代表了命运的不可抗拒性和宿命论。
另外，贝多芬的弦乐四重奏《海盗》（Rasumovsky Quartets）的名称，来自于作曲家的赞助人，统帅纳瓦伦斯基的一次海盗袭击事件。
这个作品展现了贝多芬的戏剧情怀和惊险凌厉的旋律。
此外，贝多芬的作品还融合了许多古典文学元素，如希腊神话、皮希尼亚的奥德赛、济慈的诗歌等。
其中最具代表性的之一就是弦乐四重奏《赫尔曼与达芙妮》（Hermann and Dorothea），这是根据济慈的同名小说改编的。
这首曲子如同一部连续剧，向我们展现了城镇里逝去的青春和爱情。
此外，贝多芬的作品还融合了很多戏剧元素，他的一些音乐作品可以说是常常是以戏剧形态为基础。
其中最著名的就是钢琴奏鸣曲《悲怆》（Pathetique）。
个乐章各有特色，其中第一乐章充满了浪漫的激情，第二乐章是一首婉转动听的中段曲，第三乐章则直接富有戏剧性。
二、文学风格贝多芬的作品风格丰富多样，这与他自身的人格与特点密不可分。
他的作品充满着独特的比较典型的“浪漫主义”的情调，但它也有着一些典型的“古典主义”的特征。
此外，贝多芬在音乐上也借鉴过歌剧、戏剧以及那些时代的风格，使用了许多不同的形式和技巧来表达他在现场中的情感轨迹。
尤其是在室内音乐领域，贝多芬展现了很高的创造力和想象力。
他的室内乐的作品往往是个性鲜明，多样化的，旋律性非凡，结构清晰而明朗。
如钢琴三重奏，Op.1的第一乐章是贝多芬典型的导言主题加变奏的构成，第二乐章是一个慷慨激昂的舞曲，第三乐章则是个性鲜明的蒂林风格的附属曲，而在弦乐四重奏中，各乐章的内部和外部的对比和串联也是十分强烈的，展现了贝多芬鲜明的风格和品味。
1 请回答大屏幕播发的音乐作品是哪位作曲家创作的？作品的名称？作曲家创作的这部作品的体裁是什么以及它的主体思想？贝多芬在《命运交响曲》第一乐章的开头，便写下一句引人深思的警语：“命运在敲门”，从而被引用为本交响曲具有吸引力的标题。
作品的这一主题贯穿全曲，使人感受到一种无可言喻的感动与震撼。
贝多芬在第三交响曲完成以前便已经有了创作本曲的灵感，一共花了五年的时间推敲、酝酿，才得以完成。
乐曲体现了作者一生与命运搏斗的思想，“我要扼住命运的咽喉，他不能使我完全屈服”，这是一首英雄意志战胜宿命论、光明战胜黑暗的壮丽凯歌。
恩格斯曾盛赞这部作品为最杰出的音乐作品。
整部作品精炼、简洁，结构完整统一。
《第九交响曲》创作于1819─1824年间，与《第八交响曲》整整相隔了十年之久。
1824年5月7日在维也纳首次演出了《第九交响曲》，也是贝多芬最后一次在广大听众面前亲自指挥乐队演出。
由于他的耳疾严重恶化，已经完全听不见演出后满场如雷般的掌声。
当时贝多芬谢幕竟达五次之多。
听众无不以感激、震惊和仰慕的心情热烈鼓掌、欢呼。
这在当时的欧洲是少有的盛况。
总谱于1826年出版。
《第九交响曲》是贝多芬全部创作的高峰和总结。
《第九交响曲》构思广阔，思想深刻，形象丰富多样，它拓大了当时交响曲的规模和范围，变成由交响乐队、合唱队、独唱、重唱所表演的一部宏伟而充满哲理性和英雄性的雄伟颂歌。
整部作品的基本形象是，通过悲剧性的痛苦斗争，走向胜利和欢乐。
其中有苦难、有战斗；有炽烈的热情、也有严肃的沉思；有痛苦和忧郁，也有愉快和希望。
全由合乎逻辑地将“欢乐主题”作为整个作品思想发展的终点，尽情加以颂扬。
贝多芬的交响曲在他的创作中无疑占有着首要的地位，恩格斯称之为‘革命英雄主义艺术的典范”，可谓是一阙波澜壮阔的英雄史诗。
他的第三《英雄》交响曲表现了理想中英雄的斗争与生活；第五《命运》交响曲中英雄与人民一起经过艰苦卓绝的斗争而走向胜利；第六《田园》交响曲是英雄与大自然的水乳交港；第九《合唱》交响曲，贝多芬向世界宣告了他的理想的目标：全人类的友爱与大同。
贝多芬的交响曲乐思广阔，博大精深，具有极强的内在逻辑性、发展性、戏剧性和统一性。
门德尔松最早“成熟”作品《仲夏夜之梦》序曲（1826）和《赫布里底群岛》（1830-1832）展现出他的精湛的技巧和独特的旋律风格，标志着标题性或描写性音乐会序曲创作史中的一个重要阶段。
在后来的作品中他的视野大为扩展（交响曲、协奏曲、清唱剧、合唱音乐、室内乐、钢琴曲、管风琴奏鸣曲、歌曲），但在“技巧”或表情方面却未见有多大的进展。
他的很多音乐作品所共有的精练、美妙与和声上的规规矩矩在《以利亚》的伯明翰首演中达到登峰造极的境地,为维多利亚中期的音乐趣味定下了规范。
但是他也大胆探索,那首被低估了的《宗教改革交响曲》（No.5，D小调）中不同寻常的结构和瓦格纳风格的先兆就证明了这一点。
钢琴独奏《无词歌》是一些精致的小品,柔媚之极,以致使人无法一首又一首地连续聆听，但其中充满令人悦意的创新。
他为《马太受难曲》所作的那次著名的演出大大推动了巴赫音乐的复兴;而自从他指挥布业大厅乐队后,他的盛名开始蒸蒸日上，管弦乐演奏也因他的指挥而确立了新标准。
2 请说出印象主义乐派的代表人，并简答这种乐派的风格及两部代表作品。
印象主义音乐从十九世纪末到第一次世界大战之前，在音乐史上称为“近代音乐”时代。
在这一时期，以印象主义音乐为代表的几种音乐流派，实现了音乐史上从晚期浪漫主义向二十世纪现代音乐的过渡。
印象主义音乐由法国作曲家德彪西首创。
印象主义一词在音乐中首次出现于1887年，法兰西美术研究院的评委指责德彪西在罗马进修时的第二部“交卷作品”交响组曲《春天》结构不明确，要他“警惕模糊的印象主义”。
1894年他的《弦乐四重奏》在布鲁塞尔首演时，评论家开始用“印象主义音乐”加以赞扬。
以后此词常被用以概括德彪西及风格与他接近的音乐，并不再带有贬意。
印象主义音乐的产生是从后期浪漫主义和民族乐派中演变出来的，同时也吸取了东方音乐的养料。
其艺术表现手法有：①以短小的曲调细胞组合成一种新颖的动机语汇。
②在节奏上喜欢复节拍与复节奏，节拍不规则地细分减弱了推动力，呈现松散流动的状态。
③重视调式的表现力，根据形象要求采用相应的调式。
扩大调性概念，常避免出现明确的收束式。
全音音阶的运用使调式中的每一个音居同等地位，减弱了调中心感，出现多调性因素。
④由于喜好对不同色彩与音响作平面的、绘画式的并列，和声成为最重要的表现手段。
通过增加和弦结构的可能性与减弱和声进行的功能性，得到极其丰富的和声色彩。
⑤音色丰富、独特而新颖。
在声乐作品中常使用缺乏光彩和戏剧力量的低音区。
广泛运用各种乐器演奏法上的色彩手段。
⑥配器与织体安排新颖。
⑦结构往往松散模糊，但许多作品仍可看到三部曲式的轮廓。
德彪西（全名：阿希尔·克洛德·德彪西，Achille-Claude Debussy，1862～1918）法国作曲家，音乐评论家，在三十余年的创作生涯里，形成了一种被称为“印象主义”的音乐风格，对欧美各国的音乐产生了深远的影响。
1873年入巴黎音乐院，在十余年的学习中一直是才华出众的学生，并以大合唱《浪子》获罗马奖。
后与以马拉美为首的诗人与画家的小团体很接近，以他们的诗歌为歌词写作了不少声乐曲，并根据马拉美的同名诗歌创作了管弦乐序曲《牧神午后》，还根据比利时诗人梅特林克的同名戏剧创作了歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》。
他摆脱瓦格纳歌剧的影响，创造了具有独特个性的表现手法。
钢琴创作贯穿了他的一生，早期的《阿拉伯斯克》、《贝加摩组曲》接近浪漫主义风格；《版画》、《欢乐岛》、两集《意象集》和《二十四首前奏曲》则是印象主义的精品。
管弦乐曲《夜曲》、《大海》、《伊贝利亚》中都有不少生动的篇章。
第一次世界大战期间，他写过一些对遭受苦难的人民寄予同情的作品，创作风格也有所改变。
此时他已患癌症，于1918年德国进攻巴黎时去世《牧神午后》是一首梦幻一般的交响诗，是德彪西的第一部具有代表性的印象主义作品，可以认为，德彪西通过这一音诗而开创了一个新的时代，因而此曲被后人誉为“德彪西的第一颗管弦乐定时炸弹”。
从这个标题可以知道，他的音乐是受他的朋友斯蒂芬·马拉美的著名诗篇《牧神午后》启发而写的。
虽然这首短小的音诗以其异国情调的旋律和难以捉摸的和声使许多听众困惑不解，但是，另人感到惊奇的是，它获得了普遍的赞赏，始终是作者最脍炙人口的管弦乐杰作之一。
德彪西的世界充满了朦胧的月光、水中的倒影、无言的激情、发人深思的象征、含而不露的思想以及欲语还休的言词，他的印象派音乐正如同一时代的印象派绘画那样，用鲜艳的色彩玩着光与影的游戏。
3请根据自己学习的体会谈谈大学生如何在音乐鉴赏中寻找自己的人文素质修养定位。
音乐教育论文--培养学生良好的审美情趣和审美意识（一）音乐欣赏，是欣赏者通过听觉对音乐进行聆听，并从中获得美的享受、精神的愉悦和理性的满足的活动。
在接受调查的同学中，98%的同学都喜爱音乐，他们每天都在欣赏音乐，可以说为欣赏教学提供了一个广阔的天地。
（二）在喜爱音乐的同学中，喜爱古典音乐的约占31%、喜爱流行歌曲的约占23%，喜爱民族音乐的只占1%；他们喜爱的音乐家是贝多芬、聂耳、莫扎特；喜爱的歌曲排在前三位的都是流行歌曲。
可以看出他们因人而异的审美情趣。
音乐的审美情趣，就是喜欢和爱好什么音乐的问题。
一个学生为什么喜欢这种音乐，不喜欢那种音乐，和学生的家庭、经历、性格、文化修养等方面有关系。
首先我们应尊重学生的个人趣味，进而更深一层地通过音乐教学，把健康、纯正、明确、自然，对人类社会有意的音乐展现出来，提高学生的艺术修养，培养他们高尚的审美情趣。
学生审美情趣的明显差异，给音乐课，特别是音乐欣赏课提出了任务和要求，正像教学大纲要求的，应让学生了解我们各民族优秀的民族民间音乐，激发学生热爱祖国音乐艺术的感情和民族自豪感、自信心，了解外国的优秀音乐作品，扩大视野，使学生具有一定的音乐鉴赏能力。
（三）教学大纲明确提出：音乐应启迪智慧，陶冶情操，提高审美意识，使学生身心得到健康发展。
音乐审美意识是以音乐感知、情感体验与审美评价为基本环节的意识活动。
“音乐的审美意识，首先是以对象的存在为前提，只是在有了音乐艺术美的存在，才可能有音乐的审美意识。
同时，又只有当审美主体作为一个社会的实践着的人，在对音乐艺术的审美观念中产生了音乐审美感受时，音乐的美对他来说才能成为一种真实的客观存在，他才能真正具有音乐的审美意识。
”所以，如何培养学生的音乐鉴赏能力，提高每个中学生的音乐审美情趣和审美意识，成为欣赏教学的中心任务。
二、如何培养音乐鉴赏能力欣赏教学对于培养学生感受音乐、鉴赏音乐的能力有着重要作用。
中学音乐教学大纲提出音乐教学应启迪智慧，陶冶情操，培养审美情趣，使学生身心得到健康的发展。
了解我国各民族优秀的民族民间音乐，激发学生热爱祖国音乐艺术的感情和民族自豪感、自信心。
同时，了解外国的优秀音乐作品，扩大视野，使学生具有一定的音乐鉴赏能力。
那么，在欣赏音乐时如何培养学生的鉴赏能力呢？1、欣赏音乐的三个阶段音乐艺术是一种社会文化现象，与其它艺术的不同点是，作曲家创作出作品来，只是完成了音乐艺术的一半，它还必须经过“在创造”即演奏家、乐队和指挥，甚至需要有听众的积极参与，一个音乐艺术作品才能完整地体现出来，也即达到实际作用于客观世界，并对社会产生效益。
音乐欣赏有三个阶段，即感官、感情和理智阶段。
如果仅仅追求旋律的优美，节奏的生动，和声的悦耳，这是初级的；体验到音乐的喜怒哀乐，分清调性、节奏与句法的表达，音的高低、强弱在音乐中的作用，以及和声的表现形式，各种乐器音色的区别，这是第二阶段；第三阶段，即真正的欣赏，是进入情感与理智相结合的阶段，即达到知其然，也能知其所以然。
欣赏者能熟知音乐的“起承转合”的曲式结构，以及名曲的风格和流派特点，才能与作曲家的思想感情产生共鸣。
也只有到达这个阶段，才是真正进入了这个神气的音乐世界。
我国唐代大诗人白居易听了琵琶女的演奏之后所以泪下青衫湿，是音乐有感于琵琶女的悲哀，并联想到自己遭贬谪后飘泊不定的生涯。
俄国大文豪托尔斯泰听了柴可夫斯基的《如歌的行板》之所以感动的泪珠满腮，是他从这首以俄国农民歌曲为素材的作品中“接触到苦难人民的灵魂深处”。
2、欣赏教学的主要任务提高音乐鉴赏力是欣赏教学应该达到的目的，也是音乐教育的重要任务之一。
在音乐世界中，存在着真善美与假恶丑并存的复杂状态，存在着古典音乐、民族音乐与良莠同在、商业气氛浓厚的流行音乐并存的社会现象。
对于年纪不大、音乐全面修养素质不高的学生来说，则因此而形成欣赏音乐方面的两个偏差，一是对我国优秀的民族音乐缺乏了解，二是部分同学的音乐欣赏面比较狭窄。
