罗西尼歌剧中的浪漫主义格调

罗西尼《音乐晚会小咏叹调》的创作特点分析1.罗西尼艺术歌曲曲式结构安排上的分析乐曲的构成则是曲式结构，曲式结构对于一部音乐作品来说，是至关重要的基础组成部分，也是作曲家创作中极为重要的环节之一，可称之为一部作品的“骨骼”。

只有为不同的题材选择了恰当的体裁，才能将作曲家的创作意图表现得尽善尽美。

在罗西尼的艺术歌曲创作中，小曲与舞曲的曲式结构是他较为常用的，经常以单二部或单三部曲式为其作品的主导架构。

这种结构的选择主要是由其歌曲的内容决定的，笔者将以《音乐晚会小咏叹调》中的几部作品为例，对其曲式结构进行分析并洞察罗西尼的艺术歌曲中存在着的内容与曲式之间的关系。

1.1《诺言》的曲式结构分析这部作品的速度为小快板，情绪基调较为热情欢乐。

引子部分是由钢琴奏出的分解和弦织体展开的，这部分本身的音乐材料就已经将作品的情绪表达清楚，也为之后各部分都做好了铺垫。

在 A 段中，钢琴仍是以分解和弦的形式为主，与声乐部分的音高保持基本相同的高度，这也是与整体情绪形成呼应的一种体现。

在第28 小节中，引子中的音乐材料再次出现，与声乐部分的歌词意境形成“一唱一和”式的形态。

钢琴织体在主——属的和声关系重复中结束 A 段。

在小连接中，通过b A 大调的重属和弦将调性转换为b E 大调。

在第44-55 小节中，钢琴部分的低音始终在作半音化的进行，这种安排也是与 B 段本身强烈热情的情绪有关。

A’段基本为 A 段的再现部分，情绪与材料都与之前的段落相同。

在尾声部分，无论是声乐部分还是钢琴部分，情绪都达到了一个顶点，大量的重音记号及忽强忽弱的力度记号出现，钢琴在第96 小节中又出现了引子部分的音乐材料，声乐部分诉说着对于爱情的执着，得到抒发。

在钢琴部分连绵的连音音型推动下在a2 音上结束全曲。

1.2《启程》的曲式结构分析这部作品的速度为小行板，情绪基调较为忧伤惆怅。

在A段中，钢琴的左手部分采用了分解和弦的形式来烘托依依不舍的情绪，同时左手部分用间歇式的大跳音程来与平稳进行的声乐旋律线进行呼应。

罗西尼：浪漫主义早期意大利歌剧大师作者：***
来源：《音乐爱好者》2020年第02期
罗西尼（G. Rossini，1792—1868），十九世纪上半叶最重要的意大利歌剧作曲家之一。

罗西尼青年时期创作有四十部歌剧，他在遵循意大利歌剧传统的基础上进行了一系列的改革，
如不再对宣叙调、咏叹调进行严格区分；为了使音乐更好地服务于戏剧情节，把歌剧中的独立分曲发展成“场”，每一“场”包含几首分曲；为防止演员随意演唱，把演唱技巧的装饰性旋律和华彩段全部写出；常多次反复同一乐句将音乐推向高潮，这种方式也被称作“罗西尼渐强”。

罗西尼的歌剧与生活紧密相连，他以民间音乐为基础，在正歌剧的创作中加入了富有时代气息的英雄性主题，并加入了喜歌剧的元素。

罗西尼的音乐旋律偏重华丽的装饰，但他规定歌手必须严格按照乐谱演唱，不可随意改动，进而促进了声乐技术的推进。

他的代表作有：《奧赛罗》《威廉·退尔》《塞维利亚的理发师》等。

罗西尼艺术歌曲特色及情感处理一、研究的背景和意义乔阿基诺•安东尼奥•罗西尼，是一位著名的意大利作曲家，也是十九世纪上半叶意大利歌剧三杰之一。

由于经历战争，所以他的歌曲中带有鲜明的民族感情和爱国思想，在歌剧、宗教音乐、室内乐等方面都有杰出的建树①。

本文主要通过对罗西尼的艺术歌曲《诺言》的艺术特色和歌曲中的情感处理方法进行分析研究。

一研究背景作为欧洲浪漫主义音乐早期的代表人物之一，罗西尼在歌剧、清唱剧、康塔塔、室内音乐等领域中都有着不凡的表现，然而罗西尼在艺术歌曲方面创作出来的作品却鲜为人知，也缺少对此相应的分析、研究。

这并不代表着罗西尼创作出来的艺术歌曲不够优秀、不够杰出，恰恰相反，罗西尼在艺术歌曲上的表现同样不俗，在音乐发展过程中，同样占有重要的地位。

因此，对罗西尼艺术歌曲的研究十分必要。

二研究意义对罗西尼艺术歌曲的研究有利于对自身声乐演唱技巧的提高和更好的应用于学习实践中，音乐学习者学习演唱罗西尼艺术歌曲对于提高演唱技巧和增强音乐理解来说是大有裨益的。

本文希望通过对罗西尼艺术歌曲的进一步的学习、理解、分析和研究，特别是通过对《诺言》一曲的具体分析，为音乐学习者更加准确地把握罗西尼艺术歌曲的艺术特色和歌曲情感起到一定的引导作用。

二、基本定义与概念一艺术歌曲。

艺术歌曲是音乐史上一种特定的体裁。

德国及奥地利作曲家从一开始写作歌曲时附带伴奏乐器的声乐作品，发展到后来音乐作品与文学作品相呼应②。

作曲家在作品中引用文学题材，并从文学作品当中获得许多灵感，因而产生出艺术歌曲的类型，具体来说是指音乐与诗歌的完美结合。

如今的艺术歌曲已经经历了一个漫长的发展过程，从德国、意大利、法国向世界范围内影响起来，从游吟诗人及僧侣们的口耳相传逐步壮大，并在莫扎特、贝多芬等众多作曲家中层层推进,最终在舒伯特时期达到高潮，从大师到艺术歌曲之王舒伯特，它的形式发生了质的变化，从单音到复音，再到浪漫的艺术歌曲，直至十二音、无调性的艺术歌曲，一直是在非常快速而稳定地发展着③。

浅析罗西尼歌剧的创作特点作者：王阳来源：《北方音乐》2018年第22期【摘要】罗西尼是意大利伟大的音乐家、作曲家。

他的歌剧作品大都创作于19世纪初，但至今依旧受到全世界观众的喜爱，经久不衰。

这是为什么？他的创作手法有什么独特之处？这个问题引发了笔者强烈的兴趣。

本文从罗西尼创作手法的特点进行分析，了解罗西尼作品的特点，希望对音乐教育工作者有所帮助启发。

【关键词】罗西尼;罗西尼密码 ;罗西尼渐强【中图分类号】J617; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ;【文献标识码】A一、罗西尼密码浪漫主义情感（以贝多芬为代表）以及前浪漫主义情感（以罗西尼为例）的最大区别在于两位作曲家各自对形式与体裁的态度。

早在贝多芬的作品1号，一系列钢琴三重奏，贝多芬强烈的倾向于不尊重体裁，侵犯体裁与风格的界限，这让他的老师海顿很不舒服。

随着他的生涯的前进，贝多芬对形式的态度更加强烈，有意为之造就一种独特性，结果就是伴随他的总是（并且伴随我们深入思考他的）一个重要的审美问题。

或许叫贝多芬的音乐为“形式程序”更加合适（formal procedures），而不是如此多独特的东西的一种综合（syncretic），前者是这样一个词，它强调各要素重组（recombination）之后变成全新的要素。

交响曲或室内乐风格，例如，奏鸣曲或者赋格曾经被认为是由不相干的要素构成，甚至是被作曲家所反对的。

对熟悉的或者传统要素的重组一定程度上体现了人类的智慧，但是对创新的需求和持续的修改反映了浪漫主义强调个人主义的特性，在19世纪这个时间段内，越过分强调原创性（激进的、深刻的）越好。

罗西尼相反，他对于体裁非常尊敬。

作为一个作曲家，他的作品是追求内部进行改变的，但是这种改变非常细微，当整合为一个整体时，要让所有寻找娱乐的观众都必须知道他的音乐是怎么构造的。

对于一个作曲家来说，要保留住那些愉悦的观众没什么可说的，罗西尼的乐思在每一首作品中都没有实验性激进的尝试，但是无疑是一个成功的方式。

罗西尼歌剧中的浪漫主义格调浪漫主义发轫于启蒙运动末期的欧洲西部,崛起于法国大革命激荡的峥嵘时期,成熟于19世纪上半叶的工业初期,其集中宣扬了个人主义诉求与人文理想价值的双向结合,倡导人性的自由、群体的博爱,以及社会的公正,对于欧陆文艺界的冲击巨大,且涌现出了一大批浪漫主义的歌剧家,罗西尼即为个中翘楚。

罗西尼的歌剧吸纳了浪漫主义层次多样的表现形式和凸显人性的内涵导向,唱词对白富有张力、唱腔声乐澎湃酣畅。

在完成对浪漫主义的继承之后,罗西尼开始通过人物群像的塑造设定、跌宕曲折的剧情推进,以及深刻浑厚的主题传达来创作歌剧,继而也形成了其对于浪漫主义的昂扬热烈、奔放明快的诠释格调与个人特色。

一、承浪漫之名,个性多样的人物塑造作为一种宣扬精神自由、强调人格解放的文艺思潮,浪漫主义自诞生之初就以渲染人性之美、展示阶层群体的鲜明特征而迥异于现实主义。

罗西尼继承了浪漫主义的创作理念,其善于通过个性各异、性情多重的形形色色的人物群像的情绪波动与情感诉求来展现真切细腻的众生人性,并分别为不同人物配以热情洋溢、洒脱奔放的腔调唱词,以强化突出其个性,这种个性多样的人物塑造也使得罗西尼的歌剧散发着鲜明跃动的浪漫人性气息。

二、变浪漫之体,跌宕曲折的剧情推演不同于现实主义所主张的真实直接的故事脉络的设定模式,浪漫主义倡导故事架构的多变性、悬念性、圆满性。

罗西尼对于浪漫主义故事铺陈的理念既有继承又有变革,他善于将剧情框架设计得彼此独立而又相互联系,并在剧情框架的衔接环节处设置悬念、铺垫暗示,以增强故事的表现力。

这种独特多变的推演手法也使得罗西尼的歌剧充满了跌宕曲折、引人入胜的浪漫韵味。

1817年在罗马上演的《灰姑娘》是罗西尼在民间童话故事的框架基础上进行深度改编、重新立意的极具故事性的浪漫主义喜歌剧。

该剧为二幕剧,作者以作为贵族养女的安吉丽娜与贵为王储的翁拉米洛的爱情故事为主线,通过贵族养父蓄意破坏、王储仆人丹第尼忠诚探访、王储老师阿里多罗机智相助等故事的环环递进,演绎出了一场关于现实人性的真善美与假恶丑、美好情感的珍视与坚守、理想生活的追求与交织融合的浪漫故事。

罗西尼艺术歌曲风格浅析罗西尼,意大利19世纪浪漫主义时期代表人物。

一生创作了30多部歌剧,其中《塞维利亚的理发师》最具影响力,被称为意大利歌剧最优秀的作品之一。

除歌剧以外罗西尼其他题材作品最著名的就是声乐作品集《音乐晚会》。

笔者选取了其中一首风格另类的小咏叹调《阿尔卑斯山的牧羊女》,从音乐形式、艺术风格、曲式分析、演唱研究等角度对该作品进行简单探讨。

【关键词】罗西尼；小咏叹调；约德尔风格；《音乐晚会》19世纪上半叶,罗西尼的最后一部歌剧《威廉・退尔》在法国上演,它将意大利风格与法国歌剧完美结合,收获了巨大的成功,对欧洲歌剧的发展产生了深远的影响。

1830年7月,法国建立新的七月王朝,他搬回了博洛尼亚静养,罗西尼的大部分艺术歌曲都是在这个时期完成的。

艺术歌曲,由音乐和诗歌结合来表现艺术的一种体裁。

有非常强的表现力和欣赏性。

相比歌剧,大家对罗西尼的艺术歌曲相知甚少。

他的艺术歌曲旋律流畅、明亮非常适用于音乐会曲目。

意大利艺术歌曲不同于法国艺术歌曲芳香淡雅、如梦如幻,它热情奔放、风格多样。

罗西尼所选取的诗歌从句式、段落、和韵律上都精心设计过,学者们在演唱前一定要对语言下功夫,要求做到语言准确,音律优美。

罗西尼的艺术歌曲创作主要分为早期创作、19世纪30、40年代和19世纪50、60年代三个时期。

其中1830-1835年,罗西尼创作了10几首意大利艺术歌曲,全部被收入到《音乐晚会》作品集中,这是除了歌剧以外,他最早出版的声乐作品,也是最为著名的艺术歌曲集。

《音乐晚会》（Serate musicali）,分为两部分：8首小咏叹调和4首二重唱。

小咏叹调（arietta）,区别于技巧高超的大型咏叹调,它篇幅短小、音乐特征形式多样。

8首小咏叹调分别是：《诺言》《谴责》《启程》《狂欢》《邀请》《阿尔卑斯山的牧羊女》《乘贡多拉游玩》《舞曲》。

罗西尼这八首歌曲的诗词部分均由意大利著名的诗人兼剧作家所完成。

前三首曲目,罗西尼选自比埃德罗・麦塔斯塔修的诗词。

浪漫主义时期意大利歌剧的伦理思想及艺术表达意大利歌剧自发轫之初,就有承载着意大利民众在社会危机爆发中追求荣誉感的道德传统。

19世纪,意大利歌剧再次历经了大歌剧、喜歌剧等艺术形式式微的危机,在争取民族解放的斗争中重新走上舞台,以歌剧的伦理价值为创作理念,以富有生机的英雄性史诗事迹、爱国故事、追求有尊严的幸福生活、追求忠贞不二的爱情观等为主要题材,以具有男性气概的男高音歌唱家为主角,再次把意大利歌剧推向巅峰,迎来了“美声学派新时期”。

浪漫主义时期,道德责任始终贯穿于歌剧的创作、传播、表演等各个环节,它们用带有丰富戏剧情节的音乐把受到浪漫主义精神浸染的伦理价值发挥得淋漓尽致,使这个充满变数、充满危机的世纪之交涌出了大量优秀的剧作人和经典作品。

威尔第亲临了意大利为了争取民族的解放,同奥地利的殖民统治英勇斗争的革命浪潮。

他的歌剧作品以反对异族压迫,追求公平、正义、自由等永恒价值为主要内容,把受压迫劳动人民在黑暗的殖民统治下所面临的道德两难的困境,作为其歌剧戏剧情节的基因,以充满爱国主义热忱的音乐鼓励人民起来斗争。

如《纳布科》、《欧那尼》、《伦巴第人》等作品鼓舞了意大利资产阶级的统一,为意大利民族独立运动作出了突出的贡献。

普契尼则是意大利真实主义歌剧的大师,他的创作集中在十九世纪末至欧战前,颠覆了欧洲歌剧的传统,采用各国民族民间音乐为主要创作素材,创造性的把“爱情”这一永恒主题搬上了歌剧舞台。

他的创作打破了欧洲音乐“先进论”这一狭隘的艺术观,使东方的音乐走向了世界,也使西方人发现艺术的多元存在真谛。

如《蝴蝶夫人》用日本民歌表现日本女子巧巧桑忠贞不二的爱情观,《晴朗的一天》成为世界歌剧舞台上的爱情绝唱,普契尼有感于西方异化社会混乱的价值观,其歌剧视听具佳的承载了艺术家对正确爱情观、家庭伦理的呼唤。

罗西尼的歌剧创作以社会底层人民的真实生活为脚本,以意大利民歌和民间舞蹈为音乐元素,对意大利各阶层的人物性格进行描画,真实反映社会各阶层的现实生活。

音乐与舞蹈Music and dance139演唱方法，首先要了解这些作品的特点。

罗西尼艺术歌曲具有欢快的节奏特点，尤其是3拍子、6拍子及以各种3拍子为基础的复拍子占据主导性地位；大线条起伏、跳跃的、多种连音进行、具有装饰音的标志性旋律；洒脱、活泼的音乐表现和风格等特征。

这些作品延续了罗西尼歌剧咏叹调的创作风格，只是在篇幅上略短小，人物情感表现上没有咏叹调强烈，人物性格戏剧性张力偏弱，等等。

但在歌曲的演唱技法、音乐表现、艺术风格等方面，并不比咏叹调逊色。

一、有计划地设计发声练习，尤其是音阶练习罗西尼艺术歌曲与其他艺术歌曲相比，作品的整体难度加强了许多，可以说与他创作的歌剧咏叹调的难易程度类似。

这些艺术歌曲的音域跨度较大、华彩性音阶较多，这需要歌唱者在演唱时，做到统一声音，使低、中、高三个声区在音量、音色、音质上尽可能地保持一致。

发声练习是非常重要的，可以运用多种灵活的模式提高声音质量。

一般来说，作品中所需要的声音，如元音、开口音、闭口音等，甚至歌唱者自认为在演唱时有问题的歌词，都可以在有计划设定的发声练习模式中得到训练并改善。

许多优秀的声乐歌唱家、教育家都提出了重视发声练习的说法。

例如，大都会著名的女高音歌唱家玛蒂娜·阿罗约说过：“对于高音和低音，我相信从音质和位置的角度去进行对比，而这是有不同之处的。

低音C（lowC）和高音C（highC）的位置是不相同的，但在思想上，你应该认为它们是在同一个位置上，利用大量的发声练习，尤其是音阶的练习，我在排演之前总会唱音阶。

在唱整个音阶的过程中，你的思想应该始终保持在高音的位置上。

”二、高音的演唱，要有“预见性”高音演唱通常是需要花费很多时间与精力，尝试很多方法来实现的。

罗西尼艺术歌曲作品中存在着众多的高音，如《阿拉贡舞曲》中的b2,《佛罗伦萨的卖花人》中的d3等。

对于这些高音，或许在作品节奏舒缓的条件下，会独立出现一个或几个高音，歌唱者如果有足够的准备时间来调整呼吸，并通过运用恰当的歌唱方法，使气息给予更深的支持，就能够完成较高质量的高音。

罗西尼的歌剧改革及其音乐风格《棚陵譬院霉{《;}2ol1年第3期文化艺术罗西尼的歌剧改革其音乐风格刘继平(皖西学院,安徽六安237012)摘要:意大利歌剧作曲家罗西尼是l9世纪意大利歌剧复兴的奠基人.罗西尼对意大利歌剧的创新主要体现在:写出咏叹调的华彩段落.改变了以往歌唱家为了炫耀技巧而随意改动旋律声部的现象.重视重唱,使之成为歌剧中最能表达音乐和戏剧要求的部分.在歌剧的管弦乐上,开创了”罗西尼渐强”,率先使用打击乐器等.罗西尼的创新精神在美声,罗西尼武终曲,合唱方面对后来作曲家产生了深远的影响.关键词:罗西尼;歌剧;创新;音乐风格中图分类号:J617.2文献标识码:A文章编号:1672—0547(2011)03—0092—02十九世纪初,浪漫主义思潮席卷整个欧洲,而意大利正歌剧却已走向穷途末路.这时候以罗西尼为代表的意大利浪漫主义歌剧流派逐步崛起.罗西尼及其以后的多尼采蒂,贝利尼的歌剧音乐受到文学戏剧的均匀节奏流动的感染,显示出连贯性的特点.正是由于罗西尼的出现才挽救了颓废时的意大利歌剧,继罗西尼之后,经过多尼采蒂,贝利尼,l9世纪意大利浪漫歌剧终于在另一位歌剧大师威尔弟的手中达到了光辉的顶峰.一,罗西尼歌剧的风格特征(一)民族音乐特色罗西尼以鲜明的意大利民族音乐特色,给面临衰落的意大利歌剧注入了勃勃生机.他的《丹科雷迪》中”我心激动”,《威廉?退尔》的渔夫歌等简直就是用民歌填词写成似的.意大利民歌常见的同名大小调的转换,由下行小三度和大二度构成的音调及充满活力的节奏型等,在他的歌剧中几乎俯拾皆是.(二)出色的即兴创作才华和喜剧因素罗西尼具有极高的即兴创作才华,既熟悉美声技巧又懂得剧场效果,因此他的作品既能让演员发挥特长,又能恰如其分地获得听众的欢心.即便是华彩乐段也不是单纯地让歌唱家卖弄技巧,而是紧密地与剧情贴切结合.罗西尼的主要成就是喜歌剧.这些喜歌剧的故事内容大多肤浅,轻率,带有即兴的特点,然而由于它们的剧情生动,富有讽刺幽默意味,而作曲家又能在其中加入正歌剧的因素,这就相应地提高了它们的情趣.同时,他也能以喜歌剧的因素丰富正歌剧,使其音乐诙谐流畅,开阔爽朗,又有很多轻快花哨的装饰,总给人耳目一新之感.(三)罗西尼的创新1.咏叹调早在十六世纪,意大利入就以他们得天独厚的自然条件,成为培养优秀歌唱家的摇篮,这些都为十七世纪歌剧的诞生和美声唱法的科学发展,积累了一定的基础.歌剧的产生的直接原因是美声唱法形成的,在当时歌剧中发展中占有很重要地位的歌曲形式是Daeapo咏叹调(由两段体组成并形成对比,结尾时重复第一段).演唱者一定要严格的遵守这一模式,只有在即兴演出时才能给生硬,死板的形式注入新的活力.以前意大利歌剧作曲家在写作咏叹调时,仅仅是勾出旋律的主要轮廓,而让歌唱家在表演歌剧时,随个人的兴趣和才能即兴自由地发挥.罗西尼取消了歌唱家们这些历来享有的特权,使作曲家们从过去的被动地位中解放出来.罗西尼在歌剧的总谱上,确立了所有的装饰音,花腔过渡句,歌唱家必须按照总谱的要求来演唱,不能为炫技而随意更改.在他的作品中写了很多华丽的唱段,但他也十分了解并尊重当时观众的趣味,对意大利人渴望美声技巧的传统习俗非常通融,在咏叹调或重唱的卡巴来塔(ca—baletta)部分地允许歌者加花发挥.他为演唱者创作了较多自由的空间,但是这种空间不是不受任何限制的,一定要以作曲家的创作意图为目的.2.重唱重唱(Ensemble】的形式很少出现在意大利的古典歌剧中,即使在歌剧舞台上出现,可做的事也不多,而剧中的人物都是按歌剧中的身份和角色,在舞台上的某个位置也是固定的,这种没有创新的做法直接导致了意大利歌剧的不断没落.莫扎特为古典意大利歌剧的重唱形式注入了新的活力. 罗西尼深受莫扎特的影响,并将其发展成为自己的创新风格特点.例如,在《塞维利亚的理发师》终幕的暴风雨过后三重唱(第十八分曲),体现了一种多主题赋格式的结构.每～句都有自己的答句,整个乐曲由～连串的应答构成.三重唱之前的宣叙调,交代了情节的发展.第一和第二主题由罗西娜首先呈示,答题是伯爵的演唱,费加罗在一旁插嘴与旁白,二段的末尾三人以花腔的形式结合起来.第三主题是一个欢快的歌,伯爵首呈,与前两段不同,主答题之间的关系不再是简单的音色交替,而是音色的叠置,当费加罗继罗西娜的答题之后进入时,已是三部重合.这样就恰如其分地表现了每一个戏剧发展环节上不同角色的各样心情,而不同的主题又多侧面地揭示了人物心境的层层推进.伴随着罗西尼创作思想的不断成熟,他对重唱越来越重视,并把它放在很重要的位置,他转变了重唱的角色位置,把重唱角色由原来的旁观者收稿日期:2011-02—29作者简介:刘继平(1973一),男,安徽六安人,皖西学院艺术学院讲师,硕士,研究方向:声乐及音乐教育.一92—《锏陵;疙譬教)2011年第3期变为积极的参与者.在罗西尼歌剧作品中,重唱已成为歌剧中最能表达音乐和戏剧要求的形式,渐渐取代了咏叹调.3.合唱在早期的古典意大利歌剧作品中,合唱(Chorus)主要是对主要人物的活动进行多方面评论.在<摩西在埃及》中对合唱的形式做了全新的创新,使合唱成为歌剧当中一个非常重要的因素.在开场合唱中采用了巴赫的传统序曲形式,不再是简单的歌唱形式.4.管弦乐罗西尼的乐队配器明亮,生动,富于色彩.歌剧在刚刚诞生时,使用的是数宇低音谱,所使用的乐器主要是古钢琴和管风琴以及小提琴,大提琴等,管乐器一般很少使用,主要是为了展现歌曲的艺术表现力.直到蒙特威尔第(1567—1643)时,管弦乐队才日益扩大.到了A?斯卡拉蒂时,那不勒斯歌剧学派真正确立后,管弦乐队在歌剧中的地位才渐渐的得以确立和巩固.在这一时期,管弦乐队一般只担任伴奏的功能.另外,意大利式的歌剧序曲同时也渐渐的确立了.主要分为三个乐章,由”快—慢—快”的形式出现.罗西尼取消了歌剧中经常使用钢琴伴奏的”干诵宣叙调”,代之以管弦乐队伴奏的宣叙调,这样不仅加强了宣叙调的戏剧性,而且也巩固了管坛乐队在歌剧中的地位,使歌剧作品更加完整和规范.在罗西尼的大部分歌剧中,管弦乐序曲对歌剧中气氛的烘托,塑造人物性格等方面都起到了很重要的作用和影响.在《威廉?退尔》(1829)的序曲中,罗西尼放弃了常用的一些技法,而是采用一个全新的器乐曲风格形式.在他的作品中,把序曲的形式扩展为四歌乐段,类似于交响曲的四个”乐章”.这部序曲是罗西尼感人至深的天才之作.短号初次在歌剧中登场,角笛在音乐作品中随处可见,序曲中对于自然湖泊的描述带有明显的标题性.罗西尼在歌剧的写作中,强调歌剧演员在酝酿高潮时多次地反复同一乐句,且每次都必须加强力度,提高音高,他这种做法逐渐被人们所接受,人们也由此称他为”渐强先生”.人们在管弦乐的写作中喜欢采用”渐强先生”模式,即乐队地演奏由弱到强,产生生气勃勃,跌宕起伏的效果,具有很强的感染力.罗西尼在管弦乐上的创新还体现在对打击乐器的使用上.如打击乐器:大鼓,小鼓,钹还有根据不同场合使用的其它乐器等等.罗西尼在《英国女王伊丽莎白>(1815)中,用弦乐与宣叙调相结合,改变了古钢琴伴奏宣叙调的长期历史,此期间宣叙调大量采用了大编制的管弦乐伴奏,增强了宣叙调的戏剧性.二,对后世的影响在罗西尼留下的大量歌剧遗产(38部)中,《塞维尔的理发师》与《威廉?退尔》是最主要的作品.罗西尼对意大利歌剧的影响甚远,在他之后的贝里尼,多尼采蒂和威尔第等人深受其影响.(一)美声方面贝里尼和多尼采蒂是罗西尼美声思想的直接继承者.他们在歌剧的创作上同样讲究旋律的婉转,流畅,极力的发挥燕唱者的特长和歌唱技术,因此在历史上曾被称为”美声三杰”.意大利伟大的歌剧作曲家威尔第也间接的发扬了这种创作思想和思维,他一边致力于歌剧戏剧性的同时,又坚持唱腔的完美与精致.(二)罗西尼式终曲受罗西尼最直接影响的是多尼采蒂,在《拉美莫尔的露西亚》中,以精彩的六重唱结尾,并采用了”罗西尼式终曲”的模式.埃德加(Edgar)gt43突然闯入在露西亚(Lucia)的订婚宴上,紧接着在管弦乐奏出一段简短的引子之后,埃德加发出了愤怒的声音,其他人物也相继进入,各自表达了内心的感受,各个声部此起彼伏,交织在一起.它们彼此竞争,使歌剧走向了高潮,重唱的声音尽管强大,露西亚的声音却在它们的上面陶怅地漂浮着.这首六重唱堪称意大利歌剧史上”最伟大的重唱曲”,是浪漫主义戏剧精神的杰作.⑦(三)合唱罗西尼在他的歌剧中,把合唱放在了强有力的序曲之后,一开始就完成了与主角相关联的任务.多个合唱场曲,大地发挥了戏剧的效果.这一改革对后来的意大利作曲家广’生了深远的影响.实际上,包括多尼采蒂,贝利尼在内一代作曲家都在罗西尼的歌剧中寻找灵感和启发.③三,结语罗西尼的风格把涌流不绝的旋律,泼辣的节奏,明晰的分句,造型优美而结构有时不拘一格的乐段,空灵的织体,尊重乐器个性的干净的配器,虽不复杂却往往别出心裁的和声熔于一炉.”‘是对罗西尼最恰当的评价.罗西尼作为世界歌剧史上开出的美丽花朵,他的创作思想与同属浪漫时期的舒曼,瓦格纳有明显的差异,但这正体现了他的可贵之处.⑥只有差异性才能体现人类文化的多元性和丰富性.罗西尼对意大利歌剧的创新,对后来的歌剧作曲家的创作思想产生了深远的影响,对世界歌剧史作出了重要的贡献.注:①张洪岛.欧洲音乐史嗍.北京:人民音乐出版社,1983.)④⑤高静:《罗西尼对歌剧戏剧性的拓展》,南京师范大学硕士学位论文TheReforillandtheMusicFeatureofRossinisOperaLiuJi—ping(WestAnhuiUniversity,LunAnhui237012,China)Abstract:Rossini,ItMiaoperacomposer,Isthe~underofrevivedItaliaopera:Rossini’sinnovationonItali aoperaaremainlymanifestedinthefollowingaspects:creatingthesplendidlyricsofArias,andthischangedthesituationthats ingersalteredthemelodicvoicesatcasual;payingattentiontotheduets.andthatisthepartwhichCallexpressmusicmearu’ngtheoper arequirements;creating”Rossinigraduallystrongvoices”andbeingthefirstonetousepemussioninstrumentsintheaspectoforchest ralinstruments,ect.Rossini’sinnovationspiri thasadeepeffectonthecomingcomposersinBelcanto.Keywords:Rossini;opera:innovation;musicstyle一93—。

罗西尼艺术歌曲《诺言》的演唱技法探析
《诺言》是意大利作曲家罗西尼创作的一首艺术歌曲，以其优美的旋律和艰难的演唱
技巧而闻名。

本文将对《诺言》的演唱技法进行探析。

从音乐结构上来看，《诺言》采用了A-B-A-Coda的结构。

旋律上呈现了一种循环的形式，前后呼应，使整首歌曲在听众中留下深刻的印象。

这种结构给演唱者提供了创造性的
空间，可以根据自己的理解和感情来演绎。

演唱者需要通过准确的音准和节奏，将这种循
环感传达给观众，使其感受到歌曲内在的韵律美。

歌曲的旋律线条非常优美，充满了浪漫主义的风格。

演唱者在演唱过程中需要注意掌
握好旋律的起伏和变化。

在高潮部分，演唱者需要展示出自己的嗓音实力，通过准确的音
高和强烈的情感，将歌曲的激情瞬间传递给观众。

而在柔和的部分，演唱者需要用柔美的
嗓音和细腻的表现来呈现歌曲的温情。

演唱者在演绎《诺言》时需要注意掌握好呼吸和发声技巧。

由于歌曲的音域较宽，演
唱者需要具备较强的发声技巧，以确保音准的稳定和嗓音的质量。

歌曲中存在大量的装饰
音和高音，演唱者需要灵活运用装饰音和适当的呼吸间隔来表现出歌曲的细腻之处，并避
免因呼吸不顺畅而影响歌曲的表现力。

演唱者在演绎《诺言》时需要注重情感的传递和表达。

《诺言》歌词中表达了爱的承
诺和期望的渴望，演唱者需要通过准确的发声、音准和吐字清晰等技巧来表达出这种情感。

通过细腻的演唱技法和真挚的情感表达，演唱者能够将观众带入歌曲的世界中，感受到歌
曲所传达的情感。