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18件令人难忘的环境艺术作品环境艺术拥有改变人们世界观的力量。
一些艺术家展现了自然与生俱来的美，还有一些人运用政治教育电影或者有争议的图像表达了自己的观念。
下面介绍18件强有力且令人难忘的环境艺术作品，创作这些作品的艺术家试图让人们重新思考人类与地球以及地球上的生物之间的关系。
1. 俯瞰地球（Earth From the Air）《俯瞰地球》是詹恩·阿蒂斯·贝特朗（Jann Arthus -Bertrand）的作品。
这是一组从高空俯瞰地球的影像作品，包括照片与图像，展现了世界各地的风土地貌。
2. 石蕊花园（The Litmus Garden）《石蕊花园》由T.艾伦·科波（T. Allen Comp）设计。
2001年，100多名志愿者利用四月份的所有周末，将一条被煤矿污染的有毒的小河改造成了一系列串联在一起的水塘，使得它在流入美国宾州Vintondale地区的莱克里克溪（Blacklick Creek）之前达到过滤和清洁的效果。
每个水塘的边缘都种满了不同的树，以反映池水净化时的不同颜色。
3. 河立方（River Cubes）《河立方》的作者是鲍勃·约翰森（Bob Johnson）。
约翰森利用从当地河流里收集的残骸创造出一系列废弃物雕塑，并就近陈列展示。
这些最终形成的“立方体”由塑料及锈蚀的金属组成，看上去很丑陋，但却是人类在风景中留下的最强有力的印记。
4. 沼泽区2000（Marsh Zone 2000）《沼泽区2000》是马克·布莱斯特·凡·肯彭（Mark Brest vanKempen）的作品，它是一个巨大的垃圾集装箱，里面装满了沼泽的残余物。
这一沼泽是美国阿拉巴马州费尔菲尔德市（Fairfield）变成城市前的原始生态系统。
该集装箱被运往城市各地，箱体上带有一些特殊标志记录着停车位，这些停车位代表着道路铺满沥青之前的香蒲、芦苇以及其他植物生长的位置。
主讲人元素1959年美国画家佐治·伯里曼，开始系统地研究人体姿态的特征，总结出：人体摄影的姿态是由：头部、胸部、胯部三大体块决定的，如果三大体块处于平行、对称的情况下，人体是静止的，相对这些体块的前后、左右、屈伸、旋转、扭动时这些变化就产生了人体动作，恰当的动作就会给人平衡、协调、节奏的感觉。
意思就是如果想有这些感受就要使三大体块屈伸、旋转、扭动，避免平行、对称，三块同时朝向同一方向。
在胸部、胯部两个体块中存在着两条横线，及肩横线、胯横线，同上道理，产生人体动作两条横线也要相应的旋转、倾斜，避免平行。
平衡感：任何姿态的倾斜、屈伸在两腿之间都有一个身体的重心线，如同钟摆一样，钟摆摆向弧形的顶端，也就是人体运动的最大限度，平衡感是使人体的运动就像钟摆一样，能够重新回到原有的中心线。
节奏感：当有了一种动态趋势以后才会产生节奏感。
节奏感就是人体的三个体块处于运动平衡的状态时，人体必需有一种一侧消极压缩、另一侧积极伸展的必然对比状态。
四原则：一条脊柱：尽量让脊柱倾斜、弯曲。
二条线（肩横线和跨横线）：尽量不要处于平行状态，可以旋转、倾斜，让其有一定的美感。
三大人体板块：让人体以一种黄金的姿态出现，不要让三大板块朝向同一方向。
四肢：尽量不要让四肢处于平行那个状态，如立正。
肢体语言的规律性：人任何的肢体语言都是有一定的含义的，性别的不同肢体语言也有所不同。
下面演示了一些动作表示了不同的意思。
当摆出这样的姿势时，表示此刻不太接受别人的意见，比较封闭的状态。
当拳头握紧时，表示怀有敌意的。
当这样时，表示一种不安的状态。
这些细微的变化传达了完全不同的意思，所以我们在摆姿势的时候，并不是随意的去摆，而是需要从规律中找到不同的表达方式。
下面结合图片讲解片中人体姿态的优缺点：这组图片是不久前由几十个世界顶级模特拍摄的大秀的场面，通过这些模特我们去发现每个模特姿态的优缺点所在。
第一张：三大板块没有得到运用。
第二张：手部已经有了一定的调整，腿部的缠绕扭曲、肩横线和跨横线都有一定的扭曲都呈现了一种动感。
安娜的光赏析巴尼特·纽曼出生于1905年，巴尼特·纽曼本人从未想过当艺术家。
为了谋生，巴尼特·纽曼干过很多职业，老师、律师、工人等等。
在诸多的职业里头，有一个对他日后的艺术创作非常有益，这个职业就是艺术批评家。
就这样，他阴差阳错地迈入艺术领域，开始创作油画。
然而，巴尼特·纽曼的作品在那个时代，就是一个异类，根本没人欣赏。
纽曼的前半生屡屡受挫，穷困潦倒，艺术界并不认同他的艺术理念，他甚至需要靠妻子的微薄工资度日。
直到二战后抽象画派异军突起，世界艺术的中心从巴黎转到了纽约，纽曼的作品和其他美国抽象派画家一起，成为了当今国际艺术拍卖的中坚力量。
巴尼特·纽曼的艺术命运，在二战后发生了转折。
因为经历了一战和二战，所以巴尼特·纽曼对生命的理解非常深刻。
他认为艺术更应该关注当下，换言之，艺术就是要告诉自己现在在那里、现在是什么。
而这种理念通过艺术手段呈现出来的效果，就是抽象表现主义。
恰逢抽象派兴起的时机，巴尼特·纽曼开始出名！巴尼特·纽曼的抽象主义画作和刚刚兴起的抽象派又不一样，他追求的是一种天然的抽象概念。
因此，我们才看到巴尼特·纽曼的画作，都有大片大片的色块，这就是后来的色域绘画。
所谓色域绘画，实则就是抽象表现主义。
艺术家通过描绘彩色与单色，通过模糊不清的边缘，使图像更加生动。
巴尼特·纽曼也成为这一流派的创派大师。
专家们认为，巴尼特·纽曼的直线绝非简单的直线，它的技法依旧沿用古典绘画经验，但表达内容更加贴近未来艺术的发展方向。
巴尼特·纽曼认为，艺术应该是一种纯粹的视觉体验。
他认为，人类从诞生的那一天开始，就是一个艺术家，他追求的是最自然的表达。
因此，这个流派的艺术家都试图降低画作的主题和背景，越是简单，越能激发无限的想象空间。
色域绘画强调绘画的平坦性，这正好与形式主义的主张相反。
巴尼特·纽曼要求绘画应尊重其平面的特性本质，而不是刻意地去创造一个三维空间的幻象。
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《作曲家斯特拉文斯基》
作者：凌夫
来源：《语文世界(高中版 )》2006年第05期
《作曲家斯特拉文斯基》是美国摄影家阿诺德·纽曼（1918～2000）的成名作，拍摄于1946年。
这年摄影家28岁。
纽曼的肖像摄影，不仅注意挑选被摄人物有表现力的体态语言，捕捉他的不同眼神来表现，而且把人物安顿在体现他们职业特点的生活或工作的环境中，让环境成为人物身份与性格的有机表述，从而构成他肖像摄影的独特风格。
斯特拉文斯基（1882～1971）是西方现代派音乐的重要代表人物，原籍俄国，后定居美国。
《作曲家斯特拉文斯基》中最触目的是钢琴，虽然仅出现了琴面、琴盖，但是已清晰地交代了人物的身份。
琴面、琴盖与支架构成了一个三角形，斯特拉文斯基手撑头部的动作构成了又一个三角形，两个三角形把人物与典型环境组成一个统一的整体。
墙壁与钢琴所形成的黑白对比的影调，让人联想起斯特拉文斯基乐曲的粗犷、刚劲的风格。
巨大的琴盖像一个乐符，为画面平添了一种文雅的幽默感。
人们称纽曼的这类照片为“环境肖像”。
相由心生——“环境肖像”摄影的产生与技巧环境肖像摄影，是当代美国摄影大师阿诺德·纽曼所创立的一种拍摄人物肖像的风格形式，具有独特的拍摄技巧，值得推介。
阿诺德·纽曼出生于纽约，在新泽西和佛罗里达长大，18岁考入迈阿密大学专攻绘画，两年后经济大萧条，他不得不辍学赚钱以维持生计。
纽曼的第一份工作是在小影楼里打杂，后来在佛罗里达开设了一家照相馆。
当时，每拍一张照片收取49美分。
2000年，纽曼在接受采访时回忆道：“如果顾客不喜欢，就再为他们拍一张，但如果顾客依然不喜欢，我就把49美分还给他们。
”整天与南来北往、形形色色的顾客打交道，使得纽曼对各种人物的相貌和性格特点产生了浓厚兴趣，这为他日后拍摄肖像打下了深厚的基础。
更重要的是，他学会了与人交际的本领，三言两语，便能由生变熟。
这套本领，在肖像摄影中十分有用。
照相馆的收入，使纽曼有条件购买一台4×5英寸的照相机。
从1941年开始，他开始为文艺、体育、、科技、建筑、经济等各界知名人士拍摄匠心独具的肖像作品，其中包括达利、毕加索、尼克松、艾森豪威尔、贝聿铭、约翰·肯尼迪、马塞尔·杜尚、艾萨克·斯特恩、阿瑟·米勒、玛丽莲·梦露、马克·夏加尔、伦纳德·伯恩斯坦、杰克逊·波洛克、胡安·米罗、弗兰克·劳埃德·赖特等人。
纽曼非常善于在某一时刻将拍摄对象置于反映他们职业特点的环境氛围中，让人物的身份和个性得以充分展现。
为此，他总是精挑细选，寻找那些最典型的场景配合人物的相貌举止，作品的构图具有强烈的节奏感和鲜明的形式感。
因此，人们给纽曼的肖像摄影起了一个专用名词——环境肖像( Enviromental Portraiture)，他的风格和理念对于肖像摄影创作的深远影响持续至今。
1946年，为伊戈尔·斯特拉文斯基拍摄的照片，是阿诺德·纽曼的代表作。
摄影的思维——知行合一芮昆仑（元素）2012.3都是无忌摄影人，在影谈影，接下来说说我自己近些年的一些摄影思维方面的体会，希望和大家一起探讨。
也许今天的某些话题有些生涩，欢迎大家可以在我讲述完多做一些探讨和提问。
美国时尚摄影大师赫尔穆特·牛顿 Helmut Newton说过“知识分子热衷于讨论摄影的意义，于是摄影师按下快门的手越来越犹疑，这种情况发展下去，可能导致摄影两极分化，到最后只剩下两种人：新闻摄影师和哲学家”故且今天不讨论这句话是否偏激，但这句话对我的提示就是——摄影发展和进步必然要进入到心理学和哲学范畴。
这就是我今天要和大家探讨的思维摄影的话题，直接一些的说就是和大家一起来讨论摄影提高的问题。
既然谈到思维必然要有一个哲学的认识。
500年前中国出了最后一个“圣人”——王守仁，号阳明子，后人尊称王阳明。
中国历史上“立德、立功、立言”三不朽，都很显著的只有两个半人，这两个人就是诸葛亮、王阳明，另半个人是曾国藩。
王阳明是中国历史上最著名的思想家、哲学家、文学家和军事家，王阳明开创了心学“知行合一”理论，为后世众多贤士所敬仰。
我自己真正体会阳明心学“知行合一”是很晚的事，也许是后知后觉、也许曾经不求甚解。
之前学习和认知的概念是：先知后行，学以致用。
后来发现这样的学习方式有一个问题，就是很难创新，很容易人云我云。
而先知后行最大的悖论是如果始终不知就永远也不用行动了。
知行合一，知是泛指科学认知，行是指人的实践，知与行的合一，既不是以知来吞并行，认为知便是行，也不是以行来吞并知，认为行便是知。
认识事物的道理，与在现实中运用此道理是密不可分的。
是哲学中认识论和实践论的命题。
下面通过一个小故事形象的说明一下：从前，有个打渔人有着一流的捕鱼技术，被人们尊称为‘渔王’。
然而‘渔王’年老的时候非常苦恼，因为他的三个儿子的打渔技术都很平庸。
于是个经常向人诉说心中的苦恼：“我真不明白，我捕鱼的技术这么好，我的儿子们为什么这么差？我从他们刚懂事就传授捕鱼技术给他们，从最基本的东西教起，告诉他们怎样织网最容易捕捉到鱼，怎样划船最不会惊动鱼，怎样下网最容易请鱼入瓮。
独树一帜的环境肖像——阿诺德·纽曼的环境摄影摘要：简单介绍了阿诺德·纽曼，分析了他最具代表的五张照片，了解了环境摄影的特点，学习了纽曼的创新精神。
关键词：环境肖像神韵呼应特别构图美国摄影家阿诺德·纽曼以拍摄环境肖像出名，他强调主体人物与周围环境的紧密结合，擅长精心摆布拍摄，并且以后期的大胆剪裁引起人们的关注。
1）他坚持认为随手拈来的肖像是不会经久耐看的：“……我宁可在尝试中失败，也不愿沉湎于单调的规则里。
”他是20世纪最重要的肖像摄影师之一，开创了“环境肖像”风格而自成一派，并善于在瞬息之间找到人与环境的最佳结合方式。
纽曼一生强调环境对肖像摄影的重要性，现场氛围和人物性格浑然一体超凡脱俗……1918年3月3日纽曼出生在纽约。
起初他是学习绘画的，后来在一家影楼打工，之后他建立了自己的工作室。
就这样纽曼就由绘画转变成了摄影。
1941年9月，纽曼和本·罗斯举办了一次联合摄影展，年仅23岁的纽曼所展露出的艺术才能，受到舆论重视，奠定了他在美国影坛的基础。
在摄影面前，他总是精挑细选，寻找那些最典型的景物，与要拍摄的人物互相搭配，而且他力求画面结构洗练、严谨，具有强烈的形式美和音乐中的节奏感、旋律感。
在他的肖像作品中，要想找出一点与主体人物无关的东西是十分困难的。
2)纽曼曾说：“拍照片，并不光是使用照相机，而是用我们的心灵和意念。
这些照片不但表现了特定的被摄人物，同时也反映出我们自己的所思所想。
每一个艺术家都应使自己成为他作品中内在的一个因素。
如若不然，这件作品就会成为一张洗衣房的清单———没有思想、没有感情、没有意义。
”1959年纽曼拍摄的这张照片，被摄者叫罗伯特·莫赛斯，他是纽约市的一位政务官员。
于是纽曼在他的身后拍上了一大片纽约琐特有的高楼大厦，以表现出这位人物跟这座国际城市的关系。
莫赛斯手里还拿着成卷的蓝图，似乎仍在从事着这座城市的前景规划。
为了得到人物和景物的完善结合，纽曼甚至要莫赛斯孤零零地站立在河边一条悬空的钢梁上。
纽曼的“环境肖像”
美国摄影家阿诺德〃纽曼（1918年——2006年）
1918年在纽约出生，1937年在迈阿密大学学习，后来又在费城工艺美术学校学习，有比较扎实的绘画基础和艺术修养。
他是在学生时代就喜欢上摄影艺术的。
曾得到老摄影家斯梯格里茨的指点和帮助，坚定了他终身从事摄影创作的决心。
纽曼是“摆拍派”人像摄影大师。
他对抓拍颇不以为然，他说：“随手拍来的肖像，只是瞬间的偶然形象，一般说来都缺乏典型性，因此不能经久耐看”。
这同布勒松的观点是截然相反的。
平心而论，抓与摆是手法不同，二者没有高低，优劣之分，重要的是根据不同的题材、体裁、采取不同的拍摄手法。
纽曼虽然对抓与摆的观点上有所偏颇，但是他在摆拍方面做出了出色的创造，这是应该充分肯定的。
拍摄时，纽曼总是细心地、不厌其烦地摆布他的拍摄对象，追求人物有一种自然而又富有特征的表情，为什么有的人摆拍，往往搞得被摄者局促不安或者表情矫揉造作，而纽曼的作品完全没有这些弊病呢？因为纽曼在摆拍前，已经深入观察、了解，同被摄影者通过多次交谈、交往，已经彼此熟悉、信任，达到了互相默契配合的程度，因而，一旦拍起来就得心应手。
另外纽曼不是单纯地摆，他在摆中有抓，即在他规定情景和既定构图布局出现时，他以高度机敏，不失时机地捕捉到对象典型的神情姿态。
他的作品大都具有构想奇特、布局大胆、人物典型、神情生动的特点。
由于纽曼绘画根底好，一旦搞起摄影来，就如虎添翼似地进行了许多大胆的艺术创造，他的作品既有新颖别致的构思，又有严谨洗炼的构图，作品画面上往往很难找到一点多余的东西。
而且，他常常打破常规，出奇制胜，他处理画面，比如有时把人物放在画面的一端、一角，既有新颖的形式美感、运动感、又巧妙地突出了主体与环境的关系。
他把许多绘画的艺术法则，不露痕迹地渗入到摄影艺术。
纽曼专门拍艺术家肖像。
他对人像摄影有自己的独特见解和摄影美学观。
他说:“我认为仅仅拍摄一张光线效果十分优美的脸蛋是不够的，即使效果颇能吸引人也不行。
我认为必须在他本人的环境里来表现他，不脱离他日常生活环境，这样才能使观众更接近他和了解他。
在这种想法的支使下，我立即想到了在变化无穷、令人目眩的五光十色的自然环境中进行创作的可能性,这种可能性深深地激励着我。
即使在几十年后的今天看来，我仍旧模糊地感觉到由于这种态度所带来的无穷无尽的艺术表现上的多样化和创作上的各种可能性。
”这就是纽曼的人像摄影作品中总是把主体
人物四周的环境当作人像摄影画面上的一个重要组成部分的原因。
也正因为这样，他的作品创造了典型环境中的典型人物、典型性格，赢得了“环境肖像”的美称。
纽曼摄影创作初期用大型的4*5或8*10吋喷雾剂照相机，到70年代以后也用135小型相机，但他即使使用小型照相机也仍然采用大座机的办法，如要安装稳定的三角架，手持快门线，按照传统的手法沉着冷静，一丝不苟地进行摄影创作。
年青时的纽曼
1941年9月，纽曼和朋友举办了一次联合摄影展，年仅23岁的纽曼所展露出的艺术才能，受到了社会舆论的重视，从此奠定了他在美国摄影界的基础。
也是在这一年，纽曼开始为画家、作家、作曲家和舞蹈家拍摄与众不同的肖像作品，并逐渐给他带来了更高的艺术声誉，最终成为“环境肖像”风格的开创者。
随着“环境肖像”成为摄影师们广泛采用的方式，纽曼本人也成为《生活》、《时代》、《财富》、《哈泼斯》等知名杂志最欢迎的摄影家。
这些杂志邀请他在全球各地穿梭，为名人拍照。
《史特拉汶斯基》1946
这是一幅大胆得出奇，又严谨得出奇的摄影佳作。
被摄者史特拉汶斯基是作曲家。
为了拍好他的肖像，作者绞尽脑汁，精心构思。
和这张照片的场面，他拍摄了许多张，包括多种角度、动态、距离、构图的，最后选定了现在这一张。
这幅作品好在哪里呢？我们认为作品给人的第一印象是新颖别致，画面上人物占极小部分，而且处在左下角；在浅色背景衬托下，人物以外的琴盖和支柱倒占了画面的大部分。
纽曼采取这种新颖的构思，别致的构图，并不是挖空心思，凭空杜撰出来的，它有一定的生活根据。
谁都知道，作曲家和钢琴几乎是二而一，一而二的关系。
把主人公按排在琴房这个环境应该是再合适不过的了。
关键是人物在画面上占据的面积大小的问题。
纽曼的这种处理包含了某种艺术的辩证关系在内。
我们知道，有的物象在画面上占据面积大，可能是画面的主体，这就看作者如何处理作品题材内涵和形式构成因素了，一般说来，有生命的、起主导作用的、运动着的、富有变化的，总是更重要、更突出些，相反的情况总是属于陪衬物体，又能起着引导视线、突出主体的作用，那么，大的看似为大，实际在观赏者心目中显得小，而小的表面看似小，实际上在观赏者心目中觉得很大。
纽曼正是这样的理解和处理这幅作品的人和物的关系的。
作者为什么只取钢琴的上部而不取下部，人物臵于一角而不居中。
我们认为，这出于以下考虑，一是琴面、琴盖、支柱有概括意义，已足以交待主人公的职业和身份，另一方面，从艺术上考虑，为了运用形式美的规律构成画面，人物、琴盖、支柱和琴面构成的三角构图，能够吸引人的视线，引导人们的视觉运动，开成以人物为中心，由人到支柱再到琴盖，两个三角形构图关系，这样既突出了主体，又为读者广泛联系和回味提供时空条件。
这是符合观众的欣赏心理的巧妙的艺术处理。
以下这几幅也是纽曼的作品，值得朋友们细细的品味与欣赏！
舞蹈家格瑞姆
约翰肯尼迪
20世纪绘画大师毕加索（1954）
人像摄影大师阿诺德〃纽曼的作品总是显得与从不同，因为他对拍摄对象有精到入微的观察，深刻的理解，从而为他丰富的艺术想象力和奇特的构思力提供了物质基础和现实根据。
也就是说，他的画面设计和构思不是纯然主观唯心主义的胡思乱想。
拿这幅音乐家侧面肖像来说，以乐谱作背景，这点通过前面环境肖像的分析，已是很可以更理解的了。
令人大感不解的是人物前方视线所及的地方空白极小，而后脑勺的空间，却占了画面的一半之多，这是为什么？我们知道，人们常把艺术家的头脑比作一座加工厂，也就是说，平凡的日常生活经过大脑去粗取精，去伪存真的艺术加工,创造出优美动人的艺术形象。
摄影家正是基于艺术生产,包括音乐艺术创作的理解，来构思这幅音乐家肖像的。
首先，作者突破一般肖像从正面表现容颜五官的公式，而取侧面突出音乐家的凝神静思的神情和他的整个头颅。
马克思曾说过，“由于手、发音器官和脑髓不仅在每个人身上，而且在社会中共同作用，人才有能力进行愈来愈复杂的活动，提出和达到愈来愈高的目的。
"大脑作为艺术劳动的神精中枢,加工厂的主要部件,在音乐家肖像中予以突出表现,这种艺术构思本身本来是合乎逻辑的,只是因为没有人尝试过,因而显得奇特不凡。
其次是画面的结构把头部配臵在画面右半侧也是有道理的,当人们的视线接融画面,视觉运动首先接触耳朵,往下流动到下腭,顺面庞往上,环顾整个颜面,而后自然地从头顶到脑后,然后落到从音乐家脑海里奇迹般地流淌出来的乐谱。
至于乐谱后的黑色背景之摄入画面,纯粹是为了增加画面黑白对比度,造成浓厚的板画趣味。
因此,这幅肖像既有内在严的思维逻辑,又有外在奇特新颖的构图,是颇耐寻味的好作品。
