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用舞蹈述说故事我心爱的编舞创作用舞蹈述说故事：我心爱的编舞创作舞蹈是一种具有身体语言特点的艺术形式，通过舞姿、动作和节奏来表达情感与故事。
作为一名舞者和编舞者，我喜欢用舞蹈来诉说生活中的点滴和内心的情感。
在这篇文章中，我将分享我心爱的编舞创作以及其背后所蕴含的故事。
第一章: 创作灵感的源泉每一个编舞作品都有着独特的背后故事，它可以来自于书籍、音乐、电影，甚至是日常生活中的一些细微瞬间。
从这些灵感的源泉中，我汲取到了舞蹈作品的灵感。
第二章: 舞蹈语言的运用在舞蹈创作中，舞蹈语言是不可或缺的一部分。
通过舞蹈动作的选择、组合和表达，我能够更好地传达我想要表达的情感和意义。
舞蹈语言的正确运用能够使观众更好地理解我的编舞意图。
第三章: 编舞创意的发展过程一个编舞作品的创意发展过程往往是复杂而繁琐的。
从构思到彩排再到演出，每一个阶段都需要付出大量的时间和努力。
在这个章节中，我将详细描述我的编舞创作中的每一个过程，并分享其中的难点和挑战。
第四章: 舞蹈编排与舞台效果的考量除了舞蹈语言的运用，舞蹈编排与舞台效果的考量也是编舞过程中需要着重关注的部分。
通过场景、服装、灯光等元素的搭配，我能够将我的编舞作品更好地呈现给观众，产生更大的视觉冲击力。
第五章: 舞蹈创作中的挑战与收获在编舞创作的过程中，不可避免地会遇到各种挑战。
例如，对于舞者的技术要求、情感表达的精准度、观众和评委的认可等等。
然而，每一次的挑战和困难都使我不断成长，并收获了更多的经验和认知。
第六章: 我心爱的编舞作品最后，我将分享我创作过的几个特别的编舞作品，描述它们的主题和表达方式。
通过舞蹈，我能够用不同的故事和情感触动观众的内心，并带给他们独特的体验。
结语用舞蹈述说故事是我心爱的编舞创作方式。
通过舞蹈语言、编舞创意和舞台效果的综合运用，我希望能够向观众传递出更多的情感与意义。
舞蹈是我表达内心的媒介，也是我与观众心灵交流的桥梁，这是我一直热爱并且执着追求的艺术形式。
第五章舞蹈编导的创作与排练(3)（四）编舞一般情况下是有了舞曲才进入舞蹈语言（台词）的创作。
在这以前多是编导的创作构思阶段，有人把它称为“案头工作”。
产生舞曲以后，就要设计舞蹈语言了—包括舞蹈动作、组合和构图等的创作。
通过编舞把作品的人物、内容赋予舞台表演的艺术形象。
舞蹈动作的来源，如前儿章所说：一是来自生活动作的提炼；一(本贴来自领舞网)是来自中、外、古、今的“舞蹈素材”。
所谓“素材”，就是创作的材料。
要使它成为作品中的“舞蹈语言”，就必须根据内容、人物的需要去提炼、雕琢，而不能生搬硬套。
怎样着手编舞呢？1.感情是动作的信息。
情动于衷而形于色，于是产生了舞蹈动作。
但有的编导往往不自觉地陷入片面追求动作、构图美不美的圈子中徘徊。
编舞首要弄清的是你要表现人物的什么感情和性格，有经验的编导往往首先按舞蹈结构的线索设计出人物连绵不断的心情、意识甚至潜台词，循着这个脉络去雕琢动作。
而富有演员经验的编导，就使自己首先进入角色，让作品中的人物在自己身上活起来；在深入角色的基础上，从·自己积累的生活、舞蹈素材中物色、提炼出此时此地、此情此景所需要的舞蹈形象来。
这种类似戏剧演员小品练习时的创作方法，是符合舞蹈创作规律的—即把体验感清作为动作的原动力。
Z．动作的典型性。
这是成功之要点。
典型性的舞蹈动作不是综合的越宽越好而是个性越强越好—一要有突出的性格；二要有明晰的感情。
人有七情：喜、怒、哀、惧、爱、恶、欲。
高兴时会欢呼跳跃；悲愤时会跺脚挥拳；希望使人昂首向上；失望使人垂头丧气；……。
设计舞蹈动作首先要说清楚是什么感情。
但人有男、女、老、少，古代和现代，这个民族和那个民族之分，他们表达感情的方式各异，因此，、动作还要性格鲜明。
性格包括角色的个性及其民族的风采，一例如：《红绸舞》运用了“解放秧歌”的动作，既有汉族农民的鲜明性格又充满了翻身做主的胜利豪情，这种动作是典型的。
很多实践经验说明，，从民族民间（包括戏曲）舞蹈素材的基础上提炼所需要的舞蹈语言是成功的捷径，这些从长期民族生活中锤炼、积蓄起来的民间舞蹈动作，已具有突出的典型性格，如果运用得当，会塑造出生动感人的舞蹈形象。
舞蹈艺术概论每章要点说明第一章：舞蹈的起源和历史发展舞蹈艺术概论的第一章主要介绍舞蹈的起源和历史发展。
在这一章中，我们将了解舞蹈艺术的起源，追溯舞蹈的历史发展，并探讨不同文化背景下的舞蹈形式和特点。
同时，还将讨论舞蹈的社会和文化意义，并介绍一些舞蹈历史上的重要人物和事件。
第二章：舞蹈的基本要素在舞蹈艺术概论的第二章中，我们将深入研究舞蹈的基本要素。
这些要素包括舞蹈动作、舞蹈姿势、舞蹈节奏和舞蹈表达等。
通过对这些要素的分析和理解，我们能够更加准确地把握舞蹈作品的内涵和表达方式，并增进我们对舞蹈艺术的欣赏能力。
第三章：舞蹈的风格和流派第三章主要介绍舞蹈的风格和流派。
我们将学习不同国家和地区的舞蹈风格，并探讨每种流派的特点和特色。
通过对这些舞蹈风格和流派的了解，我们可以更好地欣赏和理解不同类型的舞蹈作品，培养自己的审美能力，同时也能拓展我们对世界文化的认知。
第四章：舞蹈教育和舞蹈训练舞蹈艺术概论的第四章重点探讨舞蹈教育和舞蹈训练。
我们将了解舞蹈教育的发展历程和不同国家的教育体系。
同时，我们还将深入探讨舞蹈训练的方法和技巧，包括身体训练、灵敏度培养和技巧训练等。
这些知识将有助于我们更好地理解和实践舞蹈艺术。
第五章：舞蹈与身体在舞蹈艺术概论的第五章中，我们将研究舞蹈与身体之间的关系。
我们将了解舞蹈对身体的塑造和训练作用，探讨不同舞蹈形式对身体能力和表演能力的要求。
同时，我们还将探讨身体在舞蹈中的表现力和表达方式，从而更好地理解身体在舞蹈艺术中的重要性。
第六章：舞蹈与音乐第六章主要研究舞蹈与音乐的关系。
我们将探讨舞蹈与音乐的配合和协调，了解舞蹈和音乐在创作和表演过程中的相互影响。
同时，我们还将研究不同类型音乐对舞蹈的影响和舞蹈音乐的演变。
这些知识将有助于我们更好地理解舞蹈和音乐的共同语言和表达方式。
第七章：舞蹈与戏剧在舞蹈艺术概论的第七章中，我们将研究舞蹈与戏剧的关系。
我们将深入了解舞剧、舞台剧和舞剧等舞蹈与戏剧形式的融合，探索舞蹈和戏剧在创作和表演中的交互作用。
人教版九年级音乐上册第五单元舞剧音乐教学设计第五单元舞剧音乐教学设计1、大红枣儿甜又香教学目标1、学唱歌曲，了解歌曲的故事背景，体会舞剧音乐的特点。
2、在学唱活动中感受和体验歌曲所表达的军民鱼水之情。
教学重、难点1、用优美连贯的声音演唱歌曲，并注意气息的运用。
2、背唱歌曲。
3、歌曲两个声部的协调、统一。
教学准备多媒体课件、电子琴。
教学过程一、组织教学师生问好！二、新课教学1、观看影片《白毛女》片段——老百姓迎接八路军解放杨各庄片断。
（以《大红枣儿甜又香》的音乐作为背景）师：同学们，你们看过歌舞剧《白毛女》吗？今天老师准备了一个片段，请大家欣赏。
问：看了《白毛女》片段，你们看到了什么画面呢？能说说你们的感受吗？2、介绍《白毛女》故事情节。
《白毛女》以晋察冀边区的民间传说为主要素材，又根据当时革命斗争的现实进行了提炼和加工。
主要情节是：恶霸地主黄世仁逼死了善良老实的佃户杨白劳，抢走了他的女儿喜儿并奸污了她，最后又逼得她逃进深山。
喜儿怀着强烈的复仇意志顽强地活下来了，因缺少阳光与盐，全身毛发变白，被附近村民称为“白毛仙姑”。
八路军解放了这里，领导农民斗倒了黄世仁，又从深山中搭救出喜儿。
喜儿获得了彻底的翻身，开始了新生活。
全剧通过喜儿的遭遇，深刻地表达了“旧社会把人逼成‘鬼’，新社会把‘鬼’变成人”的主题思想，真实地反映出半殖民地半封建社会农村中贫苦农民与地主阶级的矛盾，证明了只有共产党领导的人民革命，才能砸碎封建枷锁，使喜儿以及与喜儿有着共同命运的千千万万农民得到解放。
3、听赏《大红枣儿甜又香》。
了解歌词。
师：请你们再听听刚才影片中的插曲，歌词都说了些什么？4、教师范唱。
5、学唱《大红枣儿甜又香》。
随音乐哼唱《大红枣儿甜又香》的旋律。
用优美连贯的声音演唱歌曲，并注意气息的运用。
6、在学唱活动中感受和体验歌曲所表达的军民鱼水之情。
三、小结芭蕾舞剧《白毛女》是芭蕾舞和民族舞结合的典范，其舞剧音乐也十分出色，优美动听。
现代舞剧创作的创新思维与方法第一章：现代舞剧的概述现代舞剧是一种融合了现代艺术元素、舞蹈表现方式和音乐背景的新型舞蹈。
它强调情感表达，注重舞者在整个舞剧演出中的个性和独特性，以及创新的舞蹈元素和艺术表现手法。
在现代舞剧的创作中，创新的思维和方法是至关重要的。
本文将探讨现代舞剧创作中的创新思维和方法。
第二章：现代舞剧创新思维的基础现代舞剧的创作需要舞蹈家和编舞家具备创新的思维和方法。
创新的基础是对现有舞蹈形式、传统舞蹈和其他艺术形式的深刻理解和认识。
首先，现代舞剧需要融合多种不同的艺术形式。
编舞家需要对音乐、绘画、文学等多种艺术形式有一定的理解和掌握。
其次，现代舞剧的表现手法和舞蹈形式也需要不断地进行探索和实践。
舞蹈家和编舞家需要不断地尝试新的舞蹈元素、技巧和审美方式，以产生新的创意和舞蹈效果。
第三章：现代舞剧创新思维的方法现代舞剧的创新思维和方法是多样化的。
本文将从以下几个方面探讨现代舞剧创新思维的方法：1.以现代社会为题材现代社会的生活方式和社会现象成为了现代舞剧创作的重要题材。
这种类型的现代舞剧，通常是通过舞者的身体语言来表达现代社会中人类相互关系的复杂性和矛盾性。
制作者常常运用新的舞蹈形式、音乐元素和编舞艺术，来体现现代社会中流行文化元素的变革，表达对现代社会的看法和看待问题的角度。
2.夸张和幽默的表现手法现代舞剧中的夸张和幽默的表现手法也是创新思维和方法之一。
这种表现手法能够展示舞者的个性和特点，同时增强现代舞剧的表现力和娱乐性。
幽默既可以揭示生活中的笑话和荒谬之处，也可以通过批判性的态度去揭示社会的问题。
3.舞蹈效果和视觉效果的重要性在现代舞剧的创作中，舞蹈效果和视觉效果的重要性不言而喻。
编舞家需要运用新的舞蹈形式和艺术形式，并融合音乐、灯光等多种元素，以深化现代舞剧的表现力和风格。
除此之外，视觉效果也是现代舞剧的重要表现形式，通过使用灯光效果、舞台设计、服装设计、化妆和舞蹈附属品等方式，来增强舞剧的表现力和魅力。
论中国民族舞剧创作民族舞剧创作中国民族舞剧创作是中华民族文化宝库中的璀璨明珠，是中国民族艺术的代表之一。
在近代的艺术创作中，中国民族舞剧创作曾经经历过几个阶段的发展，每个阶段都有其独特的特征。
笔者认为，中国民族舞剧创作的成功有赖于创作者对中国民族文化的了解和对舞蹈叙事技巧的运用，同时，一定程度上也受到政治与社会背景的影响。
中国民族舞剧创作的历史可以追溯到20世纪50年代。
在此之前，中国的舞蹈作品多以革命题材和民间生活为主题，只有极少数的作品呈现出中国民族文化的特征。
随着中国的文化开放与对外交流，中国民族文化开始得到更多的关注，于是大批面向国际的民族舞剧被创作出来。
在民族舞剧创作中，关键的一点是如何表达中国民族文化和舞蹈叙事的连续性。
除了要准确地传递主题信息外，还需要通过创作手法来表达舞蹈剧情的变化和舞蹈内涵的深度。
中国民族舞剧有着深厚的历史和文化传统，如使用唢呐等民族乐器的音乐配合、唐装、汉巾等传统服饰的运用以及仿古造型的创作手法，这些都为舞剧的表现方式提供了一种深刻的沉淀和气息。
此外，在中国民族舞剧创作的过程中，政治与社会背景的影响也是不可忽略的因素。
在文化大革命中，艺术作品被当做意识形态斗争的工具，许多优秀的舞蹈作品因涉及历史和传统而被叫停，对中国民族舞剧的创作产生了不小的影响。
到了改革开放以后，文化多样性得到了提倡和保护，中国民族文化得到了积极的推广和发展，这为中国民族主题的舞剧创作提供了更广泛的空间和支持。
今天的中国民族舞剧创作已经不再局限于传统的题材和生产方式，审美观念和艺术价值逐渐得到了更加广泛和趋向个性化的探索和发展。
现代的中国民族舞剧以其独特的风格和感染力，精美的舞美设计和剧情叙述的高难度等特点，被广泛应用于众多的文艺活动和国际文化交流中。
总的来说，中国民族舞剧创作起源于传统民族舞蹈和历史文化的传承，通过创作者对中国民族文化的了解和对舞蹈叙事技巧的运用，以及政治与社会背景的影响，从而演变成具有现代意义的多元化活动。
一部舞剧的制作步骤
1. 策划：确定舞剧类型、创意和主题，编写剧本。
2. 舞蹈编排：根据剧本要求进行舞蹈编排，包括舞步设计、动作协调、造型等。
3. 音乐配合：根据舞剧的主题和情节进行音乐配合，确定曲目并进行音乐制作和演奏。
4. 艺术设计：包括舞美设计、灯光设计、服装设计等，以营造场景和氛围。
5. 演员招募和培训：招募合适的演员并进行专业的训练，包括舞蹈技巧和表演能力等。
6. 策划舞台：确定演出地点和舞台布置，包括背景、灯光、音响等方面。
7. 录制排练：根据实际情况录制舞蹈排练，对演员的表现进行评估和调整。
8. 进行演出：在准备充分的情况下进行演出，包括舞蹈、音乐、艺术等方面的性能。
9. 审查和修改：收集和分析观众反馈，对演出进行审查和修改，以逐步提高演出水平。
舞剧创排故事【原创版4篇】目录（篇1）1.舞剧的概述2.舞剧的创作过程3.舞剧的排练过程4.舞剧的故事情节5.舞剧的演出效果正文（篇1）舞剧是一种以舞蹈为主要表现手段，结合音乐、舞台美术、灯光等元素的综合性舞台艺术。
在我国，舞剧的创排故事一直以来都是艺术家们关注的焦点。
本文将围绕舞剧的创排故事展开，探讨舞剧的概述、创作过程、排练过程、故事情节以及演出效果。
首先，舞剧的概述。
舞剧作为一种舞台艺术形式，既可以表现现实生活，也可以展现虚构的世界。
舞剧的主题和风格多种多样，有的以传统文化为背景，有的以现代生活为题材，有的则以历史故事为基础。
舞剧的表演形式包括独舞、双人舞、群舞等，通过舞蹈动作、音乐、舞台美术、灯光等元素的综合运用，为观众呈现出一幅富有表现力和感染力的舞台画卷。
接下来，我们来了解舞剧的创作过程。
舞剧的创作通常包括选题、构思、编舞、作曲、设计舞台美术和灯光等环节。
在选题阶段，创作者需要确定舞剧的主题和风格，选择合适的故事背景和表演形式。
在构思阶段，创作者需要将故事情节、角色塑造、舞蹈动作、音乐等元素融合在一起，形成一个完整的艺术构思。
编舞阶段，编导需要根据故事情节和角色性格，创作出具有表现力和技巧性的舞蹈动作。
作曲阶段，音乐家需要为舞剧创作出优美动听的音乐，与舞蹈动作相得益彰。
而在设计舞台美术和灯光阶段，设计师需要根据舞剧的主题和氛围，设计出符合剧情的舞台布景和灯光效果。
然后，舞剧的排练过程。
在排练过程中，导演和编导需要对舞者进行严格的训练，确保他们能够准确地表现出舞蹈动作和角色情感。
此外，排练过程中还需要不断地进行舞台合成、音乐合成，使舞剧的各个元素能够完美地融合在一起。
在排练的最后阶段，舞剧需要进行预演，以便对剧中的不足之处进行修改和完善。
紧接着，我们来关注舞剧的故事情节。
舞剧的故事情节通常围绕着某个主题展开，如爱情、战争、历史、神话等。
在情节设置上，舞剧要求简洁明了，通过舞蹈动作和音乐来表达角色的情感和故事的发展。
关于中国当代舞剧创作问题的分析详细内容中国当代舞剧创作是一个复杂而庞大的话题，涵盖了多个方面的问题。
在本文中，将以观众、创作者、艺术形式、主题等几个方面进行分析和讨论。
希望通过对这些问题的探讨，能够更好地理解和推进中国当代舞剧创作的发展。
一、观众问题观众是舞剧创作的最终受众，因此他们的需求和喜好是决定创作方向和创作内容的重要因素。
然而，目前中国当代舞剧的观众群体相对较小，主要集中在一些大城市的文化艺术爱好者中。
这意味着创作者在创作过程中应当考虑如何吸引更多的观众，并符合他们的审美趣味。
为了解决这个问题，创作者可以从以下几个方面着手。
首先，要注重舞剧的宣传工作，通过媒体和网络平台向更广泛的观众群体传播信息。
其次，要关注教育工作，发展舞蹈教育课程，提高观众舞蹈欣赏能力。
最后，要注重多样性和创新性，创作出符合不同观众口味的作品，增加观众的选择性。
二、创作者问题中国当代舞剧创作者面临的一个主要问题是找到自己的风格和表达方式。
由于历史的限制和传统的束缚，很多创作者在创作过程中难以突破传统的舞蹈形式和故事情节。
然而，艺术的创新和突破是舞剧创作发展的关键。
因此，创作者要有勇气和决心去创造出与传统不同的作品。
他们应当敢于尝试新的艺术形式，挑战传统的舞蹈技巧，并通过创新的表达方式来呈现自己的想法和情感。
同时，创作者也应该注重自己的文化根基，以中国独特的文化元素和语言来丰富作品的内涵。
三、艺术形式问题艺术形式是舞剧创作的重要组成部分，它直接影响到作品的观赏效果和艺术品质。
目前，中国当代舞剧的艺术形式相对单一，以舞蹈为主，缺乏其他艺术形式的结合和创造。
这就导致了一些作品在形式上显得相似，缺乏创新性和多样性。
要解决这个问题，创作者可以尝试将不同的艺术形式结合在一起，创造出更丰富多样的作品。
例如，可以将戏剧元素、音乐元素、视觉元素等融入到舞剧创作中，使作品更有艺术张力和表现力。
同时，还可以借鉴国际舞台上的一些成熟作品，吸取其中的成功经验，丰富自己的创作技巧。
第一节舞剧基本理论一、舞剧词解舞剧—“以舞蹈为主要手段，表现一定的戏剧情节内容的舞蹈形式”。
（见《中国舞蹈词典》第130页）舞剧—“以舞蹈为基本手段的戏剧”。
（见（（美学词典》540页）两种解释的差别在于，一种认为舞剧是舞蹈的戏剧，可以区别于歌唱的戏剧（歌剧），语言的戏剧（话剧）等，重点强调是以舞蹈为基本手段的。
也就是说，舞剧应该有它的独立存在价值，就像《奥涅金》，不能因为先有了歌剧《奥涅金》就使舞剧《奥涅金》逊色、多余。
舞剧中的舞蹈，特别是主要人物表现主要情节的舞段，应该是优秀的乃至精彩的舞段。
另一种解释认为有戏剧内容的舞蹈形式，可以区别于抒情舞如抒情性的独舞、双人舞、三人舞、集体舞等。
“抒情舞是舞蹈艺术的本质属性，而舞剧要求舞蹈表现手段必须有叙事的功能。
因此，抒情性与叙事性的完美和谐结合是舞剧的基本美学原则。
”（见《美学辞典》第540页）舞剧之所以区别于舞蹈主要在于它有叙事性舞蹈，即情节舞，也就是那种能表现特定人物在特定情节中的舞蹈，特别是能展现矛盾冲突的舞蹈（如《奥涅金》三幕双人舞；《驯悍记》中驯悍双人舞）。
这样才不至于名为舞剧，实则舞蹈只是陪衬，只用于描绘地方特色、时代色彩，一到主要人物的主要情节就只能用哑剧、标语、字幕、说明书完成。
或者是安排了情节舞却没有编出特定人物的特定舞蹈，语无伦次、含糊不清，缺乏魅力也不能使观众满意。
所以我们的教学大纲要求学生在完成情节舞单元之后才学习舞剧。
在舞剧中情节舞要力求达到“抒情与叙事完美和谐结合”。
这是创作舞剧的关键。
讨论： 1.能否按照自己的观念概括说明什么是舞剧？2.舞蹈和舞剧的区别。
二、舞剧的特征舞剧的特征是相对于一般的非舞剧舞蹈而言的。
在时间上，一般大型舞剧的时间为90一100分钟，中型舞剧40一50分钟，而一般的晚会舞蹈有3一5分钟的，也有6-9分钟的，1 0一巧分钟就比较长了。
所以，大、中型舞剧时间长便是特征之一。
舞剧具有特定的人物、情节，因而比非舞剧复杂。
例如，大型舞剧有三幕六场的篇章式，一般最少四章，其中每一场都有若干段，全剧独舞、双人舞、三人舞、集体舞、场面调度等搭配，编舞量大，需要一个庞杂的组织机构才能运转。
如果在人力、财力、物力、时间上没做好准备绝对不能轻易开始，一旦开始，编导就要应对来自各方面的层出不穷的问题。
这也是大型舞剧的特点。
舞剧规模较大，因此对于编导在创编上的要求相对会高，不仅要拿出好本子，还要编出好舞，在导演能力上也要比一般舞蹈编创更强。
舞剧导演要具备在纷繁复杂的过程中始终抓住舞剧中心环节的能力，与剧组各方面人员相互合作共同创造的能力，工作开始前及进行中的组织能力，充分准备之后还要有很强的应变能力，身陷具体琐事而对最后演出的预见能力等等。
如何才能具备以上的能力？主要是靠实践。
以后我们会学一些工作程序和方法，但是学习任何方法都不能替代实践。
选择编导专业要有坚强的性格，勇于拼搏、探索成功之路。
著名戏剧导演焦菊隐说得好：“宁肯失败在探索上，也不能失之平庸”（焦菊隐《戏剧散论》）。
舞剧是“一组以戏剧、音乐、舞蹈、舞台艺术四种成分组成的综合性的舞台表演艺术”（见《中国舞蹈词典》）。
而戏剧、音乐，舞美在舞剧中都有各自的特征。
在说特征以前先了解一下共性，也就是上面引用的那句话中的“舞台表演艺术”这个词。
舞台表演艺术是“需要有参与者—作者、演员、观众等”（见《简明不列颠百科全书》第八卷第496页），要“有当众表演的直观性”，是“通过—当场表演—使观众获得—审美体验”（见（（美学辞典》第485页）的艺术。
作者通过演员，演员通过舞台表演使观众获得审美体验，这是一切舞台表演艺术共同的规律，舞剧也不例外。
这就提醒作者（编导）两点：一是编导要熟知演员动作的可能性及舞台的局限和规律，一切创造要在这种可能性和规律之内才有效。
二是创作的一切要素—编导、演员、舞台的运用等，都是为了观众满意而不是自己满意。
观众是舞台表演艺术的上帝，也是舞剧的上帝。
再来看“舞剧是以戏剧、音乐、舞蹈、舞台美术四种成分组成……”这句话，由于其中是以舞蹈为主、为基本、为核心，使得其他三种成分都因此而有了舞剧的特征。
</P< p> 为了发挥舞蹈善于抒情的优长，舞剧中的戏剧成分往往要简化。
我们常见的由文学作品为依据结构为舞剧的作品，过多的人物要省去，次要的人物要合并，几个事件只留一个最主要的，而将主要人物个性鲜明的舞段、感情或心理波澜大的环节、事件的矛盾冲突处，设置成完整的舞段大加发挥，例如《奥涅金》三幕的双人舞。
所以，曾有这样的说法：“舞剧中不能超过四个人物，不能超过三个事件”这虽然不是法律禁令，但说明舞剧不长于叙事而长于抒情，它的戏剧成分要简练、集中，人物要鲜明，相互间反差要大，这也是舞剧的显著特点。
由于舞蹈是舞剧的核心，那么与之相关的舞台美术，包括布景、灯光、服装、化装、道具也就有了特点。
舞美往往实景较少，将舞台空间留给舞蹈；而灯光变化用得较多，烘托不同时空的转换以及营造意境、氛围；服装一般穿得较少，以便突出人体动作，比如传统芭蕾的男主角，不论是王子还是牧羊人约定俗成都穿紧身裤；化装的头饰帽子一般从简，特别是主角，比如唐女子高髻，如果是女主角就要缩小降低，否则头长压了躯干和四肢动作不美或限制了头的动作。
道具在外国舞剧中用得较少，有时在象征身分时用一下，到舞蹈时就放下，便于展现人体动作。
中国人有所不同，中国的舞蹈历来使用的道具很多。
小至扇子、手绢、袖子、绸子、刀、枪、剑、戟，大至狮子、龙灯。
中国舞蹈中，道具非但不是舞蹈的妨碍，反而是手的动作的延长，从而产生了许多独特而丰富的道具舞。
利用周围一切资源来舞，中国人的武术、戏曲能够与环境中的任何物体共舞，不只是用手。
你们看成龙的武打片，桌子、椅子、柱子、衣服、楼窗、树、房顶……没有一样不能利用的，那种机智、趣味、丰富真是中国人的优长。
在中国的舞剧中，道具有其特别的意义，它可以突出人物个性，推动剧情发展，组织丰富的舞蹈。
舞台美术的总体原则是简，以一当十是非常必要的，能减则减，能免则免。
布景、灯光、服装、道具、化装也不例外。
舞剧的音乐服从于舞剧结构，时间长且结构复杂，因而舞剧音乐一般是一部结构完整的交响乐曲。
编导要将意图告诉作曲家，给予其充分的自由，这样，作曲家才能写出一部优秀的舞剧音乐。
好的舞剧音乐即使编导能力不够，若干年后有才能的编导会让它重新立在舞台上，《天鹅湖》就是最好的例子，可见舞剧音乐的重要。
不要过于拘泥节拍多少，以致将音乐拆得支离破碎。
以上所讲舞剧中的戏剧成分、舞台美术、音乐的特征都指的是一般规律，是从已有的大多数成功或失败的作品中总结出来的。
但也有例外，毕竟，随着舞剧的发展又会总结出新的规律，因此任何规律在创作中不能视为禁锢，一定要根据“这一个”剧目的需要灵活运用。
三、舞剧的分类古今中外已有的舞剧可以说是一个海洋，可惜我们所能见到的却很少。
但仅是我们见到、听到或了解到的那一小部分就千差万别。
这里，我们用比较简便的方法进行分类说明，大致分成三类。
（一）戏剧式这种舞剧按照戏剧的开端、发展、高潮规律结构，是传统的舞剧结构方式。
说传统是因为从is世纪意大利、法国把舞蹈用来“表现故事”起就是如此，如《关不住的女儿》（法国）。
中国20世纪50年代舞剧的创作是从两届“苏联专家舞剧编导班”开始的，那时候学习的主要就是戏剧式创作方法，所以，我国20一世纪50年代的舞剧《小刀会》、《宝莲灯》都是用这种方式来表现中国历史及神话的舞剧。
这一类舞剧的戏剧成分比较多，例如较多运用哑剧、生活场景、戏剧场面等。
有人会问，这种戏剧式的舞剧是否过时了？答案是否定的，克兰柯的《奥涅金》、《驯悍记》及他学生创作的《茶花女》等等，至今在世界各国广受欢迎。
在《奥涅金》中，据说克兰柯在主要人物舞段中都设定了潜台词，舞蹈正是表达了潜台词。
在戏剧“斯坦尼斯拉夫斯基”的表演体系中，正是从分析剧本的最高任务人手，分析角色的最高任务，分析每个角色的台词找到恰当的“潜台调”，即角色此时此地的心理活动。
所以克兰柯这么做并非偶然，他是在编过许多抽象的音乐式舞蹈作品之后，并且到苏联学习了戏剧式舞剧编导方法之后，于20世纪60年代创作了《奥涅金》、《驯悍记》这一类舞剧的。
除去戏剧式的结构，克兰柯在舞剧中运用了大段的戏剧场面、细节。
例如，《奥涅金》第一幕第二场，女主角达姬雅娜睡不着觉，于是写信，写了又撕，很长一段一点舞蹈都没有，与大段的双人舞自然衔接观众居然乐意接受。
这种传统的戏剧结构方式在中国比较容易被广大观众接受，因为中国大多数观众习惯于欣赏具象的、有人物、故事的表演艺术，如（（红色娘子军》、《白毛女》等。
剧目分析：《奥涅金》作剧目介绍，并将要分析的提纲，如：内容、意图、结构、全剧风格、分场、各场风格的区别、主要人物、主要舞段、优秀舞段分析等事先分别布置到每一位同学，然后放录像观摩，引导同学逐个问题发言讨论，教师对必要的问题进行讲解；最后交剧目分析文字卷。
教学实践证明，只有详细分析了剧目才能学会如何结构及创作舞剧。
分析《驯悍记》、《茶花女》、《乡村一月》等经典舞剧。
（二）音乐式19世纪末20世纪初，西方现代艺术思潮兴起，在美术方面出现了“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“绘画不作自然的奴仆”的观念，在舞剧界也形成了舞剧摆脱叙事性、摆脱对戏剧依赖的思潮。
巴兰钦彻底抛弃了文字戏剧的拐杖，创出了音乐芭蕾，也就是所谓的“跳音乐”—将完整的交响乐、奏鸣曲、协奏曲等等在舞台上由芭蕾演员跳出来。
据说有许多著名的作品，可惜我们见到的不多。
比如：一组演员跳第一声部小提琴，另一组跳第二声部大提琴；如果音乐是“卡侬”，舞蹈也就按间隔依次模仿。
这被称为“看得见的音乐”，使观众得到视听统一谐和的审美满足。
因为是在跳交响乐也叫“交响芭蕾”，所以摆脱了戏剧，在结构上从属了音乐。
我们见到过大量既不摆脱具象也不摆脱戏剧成分的“交响芭蕾”，这是以格里戈洛维奇为代表的编导，他使舞蹈从总体上来说努力靠近音乐而减少（不是排斥）戏剧成分。
在结构上它虽然仍遵循着开端、发展、高潮的规律，但也可以说是按照音乐作品中善于表现富有戏剧性冲突的奏鸣曲式：呈示部、展开部、再现部的结构。
因为在有人物形象、有戏剧性冲突的结构中，这二者的结构是相通的。
这类舞剧以独舞、双人舞、三人舞、集体舞等舞蹈来表现，场面舞蹈化，同时，尽量减少哑剧，去掉生活细节，使之更为音乐化。
比如：《斯巴达克斯》、《爱情的传说》。
在编舞中广泛使用交响编舞法，大大丰富和扩展了我们的编舞思维和编舞手法。
“交响编舞法是在舞蹈创作中借鉴交响乐的思维逻辑，以舞蹈特有的规律为主，力求达到音乐与舞蹈高度统一的一种编舞方法”（肖苏华）。
在介绍“交响芭蕾”和系统传授“交响编舞法”方面，肖苏华老师在我国起了重要的作用。
剧目分析：《斯巴达克斯》、《爱情的传说》、《伊凡雷帝》、《童年》。
