活动二 绘画作品中的形式美法则课件

形式美法则概念形式美法则，也被称为美学原则或美学法则，是指在艺术领域中用来衡量和描述作品美感的基本准则和原则。

它们涵盖了各种艺术形式，如绘画、雕塑、建筑、音乐、文学、电影等。

虽然具体的形式美法则因艺术形式和文化背景的不同而有所变化，但一般来说，它们都包括以下几个基本概念。

首先，平衡是一个重要的形式美法则。

平衡是指作品中各要素的相对均衡和组织。

它可以是对称的，即左右对称或上下对称；也可以是不对称的，即左右或上下的不均衡但整体仍然平衡。

平衡可以使作品看起来稳定、和谐和有序。

其次，比例是另一个重要的形式美法则。

比例指的是作品中各要素之间的大小和比例关系。

适当的比例可以使作品看起来自然而舒适。

这是因为人类大脑对于比例有一种固有的感知和接受度，例如黄金分割比例被认为是最具吸引力和和谐的比例之一。

第三，节奏是形式美法则中的一个重要概念。

节奏是指作品中各要素之间的重复、变化和对比的有序安排。

它可以通过重复相似的形状、颜色、线条或节奏变化来创建。

节奏可以给作品带来动感和生命力，同时也可以使观众的目光在作品中流动。

另外，对比是一个非常重要的形式美法则。

对比是指作品中各要素之间的强烈差异，例如颜色对比、形状对比、大小对比等。

对比可以吸引观众的注意力，并营造出强烈的视觉冲击力。

它也可以用来表达艺术家的主题和情感，例如黑暗与光明、生与死、秩序与混乱等。

此外，重复和变化也是形式美法则的重要概念。

重复是指在作品中多次使用相似的元素，例如颜色、形状、线条等。

重复可以增强作品的统一感和连贯性。

而变化是指在作品中引入变化的元素，以增加艺术性和创造力。

重复和变化可以相互结合，创造出有趣和富有想象力的艺术效果。

最后，和谐是形式美法则中的一个关键概念。

和谐是指作品中各要素之间的和谐和一致。

和谐可以通过色彩的协调、形状的连贯、线条的流动等来实现。

和谐使作品看起来有内在的平衡和统一。

综上所述，形式美法则是用来描述和衡量艺术作品美感的基本准则和原则。

形式美法则对称一、引言在我们日常生活中，美在无处不在，它以各种形式呈现着。

而形式美是让人们眼前一亮的东西。

在艺术、设计、建筑等领域，形式美是至关重要的，它可以使作品更加吸引人、独特和有吸引力。

而法则对称作为形式美的一种基本规律，被广泛运用于各个领域中。

二、形式美法则对称的定义形式美法则对称，指的是元素在图像或设计中沿一条中心线对称排列的一种形式。

也就是说，图像或设计的两侧是完全对称的，呈现出一种和谐、平衡的感觉。

这种对称排列可以是垂直对称、水平对称或中心轴对称。

三、形式美法则对称的种类形式美法则对称可以根据对称方式的不同分为以下几种种类：1.垂直对称：图像或设计沿垂直中心线对称，两侧完全一致。

这种对称常用于卡片、海报、平面设计等领域，给人们一种稳定、均衡的感觉。

2.水平对称：图像或设计沿水平中心线对称，上下完全一致。

这种对称常常出现在建筑物的立面设计、家具等领域，给人一种平静、宁静的感觉。

3.中心轴对称：图像或设计以某个点为中心，左右两侧呈对称排列。

这种对称常见于徽标设计、花纹设计等，给人一种统一、和谐的感觉。

四、形式美法则对称的优点形式美法则对称具有以下优点：1.稳定感：对称排列的图像或设计给人一种稳定、均衡的感觉，让观者感到舒适。

2.注意力集中：对称排列的图像或设计通常会引导观者的视线集中在中心，增强视觉效果。

3.和谐感：对称排列的图像或设计给人一种和谐、统一的感觉，使整体看起来更加美观。

五、形式美法则对称的应用形式美法则对称广泛应用于各个领域，下面将分别介绍在艺术、设计和建筑中的应用。

1.艺术：在绘画和雕塑中，艺术家常常运用对称排列来创造美感和平衡感。

比如在油画中，画家可以使用垂直对称将画面分为两部分，并在左右两侧呈现出相似的元素，使整体画面更加和谐。

2.设计：形式美法则对称在设计领域中的应用非常广泛。

从平面设计到产品设计，都能看到对称的影子。

比如在网页设计中，设计师可以使用水平对称来布局网页的各个元素，使其更加整齐、美观。

形式美法则（一）统一与变化统一与变化是一对辩证的矛盾关系，是宇宙运动发展的规律，亦是形式美法则的集大成者，其他法则均围绕其展开，因此统一与变化可称得上是形式美法则中的根本大法。

我们在探讨形式美时，即要求统一，又要找变化，光统一而无变化会使作品流于简单、呆板、浅薄、单调与乏味；光变化而无统一则会使作品失于散乱、琐碎、喧宾夺主、画蛇添足等。

因此，我们应该讲求既统一又变化，既主题鲜明、基调一致，又变化丰富、具体鲜活，这样才能使作品完整统一，特征强烈，同时又细致耐看，生动灵气。

统一可以借助于夸大或强调画面中的某一元素，使其成为画面中占绝对压倒优势，以形成画面的主调。

在此前提下，强调细节的对比变化，激活其内的张力，让局部出现亮点，真正做到“尽精微、至广大”。

如在民间木版年画中靠黑线来统一，凭借色彩求变化即属此类。

而在西方现代派大师蒙德里安的画中，是靠那象征宇宙的初始归宿的经纬线来实现统一的；在齐白石的笔下，红花墨叶是其风格，那红花是变化，而那墨叶是统一，将一切纯色、光鲜皆统一于那骨法用笔、墨分五色的点、线、面之笔墨构成中。

（二）对比与调和大凡事物只有在对比中才能尽显本色，也只有经过对比，才能使双方的特征变得更加强列。

因此，无对比也就是无关系可言，只有在差异不同的对比关系中，才能形成画面的张力，也才能平添其艺术魅力。

调和的作用是使矛盾着的双方趋于平衡，即谐调双方的对比关系。

对比与调和这组矛盾在装饰表现中是相辅相成的，如果只强调对比，不注重调和，画面就会生硬、冲撞、支离破碎而不谐调，而如果一味只强调和而忽视对比，也会使画面软弱、沉闷而缺乏生气，因此要既强调对比，亦注重调和，使作品既充满张力，亦趋于平衡，凭其生动与完整来打动观者。

如在民间木版年画中，红、黄、绿、紫等纯色对比强烈，而利用黑线巧妙地加以调和，使画面既喜庆热烈和鲜亮，同时亦谐调、完整和充实。

再如云南画派重彩中，强调其色彩的丰富斑斓，同时云南画派重彩中，强调其色彩的丰富斑斓，同时用金、银线来调和画面，使其实现对比谐调。

活动二绘画作品中的形式美法则一、导入上节课我们学习了绘画的语言，了解了不同的风格的绘画作品。

自达·芬奇开始，就形成了一种传统的写实主义画法，艺术家“通过研究光线揭示形式的方式，通过发展并运用直线透视法来获得景深幻觉的规则，通过研究人体解剖，艺术家给他们的作品注入了一种全新的现实主义感。

”他们的艺术作品弘扬了“人文主义”，在绘画的总体风格上，姿势华丽、典雅、宏伟、和谐，写实技术娴熟，形成了我们称之为“古典主义”的画风。

区别与古典画风的印象派画家们，用光与色描绘自然和抒发自己的感情，他们擅长表现阳光和色彩。

他们对瞬息万变的光色变化非常敏感，注重色彩的表现，画家运用分色技术，将色彩合理组合，使画面变得明快绚丽。

印象派画家不再因袭传统的画法，他们的作品则替我们诠释了光色的功用。

在色彩的表现里，印象派画家完美地表现了一种抒情风格，他们很好地运用了绘画语言，给作品注入了抒情性外表美。

今天我们将继续探讨绘画作品中的艺术语言及其表现形式。

二、新授1.绘画语言的表现形式作品分析：（1）在表现方法上属于哪一类？（2）主要运用了哪些艺术语言？（3）不同的语言表现形式分别带给了你什么样的感受？《抱白貂的妇女》达芬奇画中的人物略微侧坐，面部表情温顺柔和，沐浴在光线之中。

她的脸向着右方，似乎是听见什么人说话而侧身。

达·芬奇不但用这个姿势表现出动态，而且成功地让画巾女了流露出如雕像般高贵、端庄的气质。

《戴帽子的妇人》马蒂斯他以使用鲜明、大胆的色彩，被称为“20世纪最善于运用色彩的画家”。

画中，颜料不分青红皂白地铺在画面上，不仅仅是背景和帽子，还有这位妇人的脸部，她的容貌，都是用大胆的绿色和红色的笔触，粗犷地把轮廓勾勒出来的。

直接从颜料管里挤出来的强烈颜色并不表现现实中存在的真实对象，而是经过艺术家自己的主观视觉经验加工后对人物进行处理，从而想引起观看者视网膜的振动，以此来树立与传统截然不同的新的绘画准则。