画绘心性——骆晓萌先生新作赏析

论中国画留白的心理疗慰功能——对中国画解读的一种新视
角
张爱红
【期刊名称】《新疆艺术学院学报》
【年(卷),期】2008(6)1
【摘要】留白,是中国画的典型特征.本文由中国画的"道"学精神联系到现代心理学的层面,试以一种新的视角来谈中国画留白的功能,指出中国画留白的心理疗慰功能.从而为中国画的现代发展提供一最新的思考.
【总页数】4页(P85-88)
【作者】张爱红
【作者单位】山东艺术学院艺术文化学院,山东,济南,250014
【正文语种】中文
【中图分类】J20-05
【相关文献】
1.“色空观”对中国画构图中“留白”的影响 [J], 曾佳
2.中国画“留白”艺术的美学解读 [J], 闫莉
3.游心适性妙写自然——论道家"心""性"文化对中国画写生观的影响 [J], 王成宝
4.悟修一体抒灵写性\r——禅宗\"心\"\"性\"思想对中国画写生观的影响 [J], 王成宝
5.透过"日本之眼"的中国画——试论劳伦斯·宾扬对中国画的理解和误解 [J], 范丽雅
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美术学143艺术教育ART EDUCATION 2012 · 08人类的审美过程一般是为了追求更高的生理愉悦，但是人类文化的复杂性导致审美的历史中总是出现逆流。

最近的一次逆流莫过于现代主义时期。

艺术家强调艺术的观念和哲学的表达，而不再追求视觉的愉悦。

另外，为了在信息爆炸的时代吸引更多的注意力，一些艺术家往往需求视觉震撼。

于是，一些反愉悦的元素进入艺术。

波普艺术兴起之后，人们开始再次对符合人类生理愉悦的视觉图像亲近。

因为波普艺术的图像来自大众图像，而大众远没有艺术精英那么前卫，人们的需要更加本能，这就使人们更加亲昵于软视觉的东西，即符合视觉生理愉悦的图像。

经历了现代主义时期，今天艺术中出现了向软视觉回归的现象。

在西方艺术史上，软视觉的一个高峰是洛可可艺术。

它是西方贵族享乐生活的产物，也适合今天的物质消费时代。

即使在有着与西方完全不同文化的中国，人们也喜欢用洛可可风格。

这几年新建的建筑，特别是住宅和酒店，洛可可风格十分盛行。

在室内装饰中，从简单的欧式田园风格到奢华的卷草纹，也到处泛滥着洛可可风格的家具。

在服装上，从2011年开始，蕾丝、网纱成为女装中流行的材料。

而从2010年秋冬开始，蔷薇花朵成为最时尚的图案之一，在这之前的几年是小碎花。

蕾丝、纱、蔷薇都曾是18世纪洛可可服装和室内装饰中最典型的元素。

时尚复古呈现螺旋的流行路线，而这被复兴的样式，总有一些价值值得人们再去回味。

洛可可来自于《剑桥艺术史》的定义，简单地说就是始于17世纪意大利的装饰，后传入法国，风格上表现为叶形花纹。

“但从学术上来说，这个词所表达的形容意义及艺术风格都不确切：它们都只能表达即刻的快感——要么是词的发音，要么是复杂的装饰。

”①在那个时代，法国流行视觉快感的艺术，一方面是自文艺复兴以来人的价值的提升，另一方面与政治和经济也有关。

路易十五时洛可可艺术的软视觉【内容摘要】回溯18世纪的洛可可艺术，它具有复杂和柔和的两大特征。

对中国当代版画艺术的理解和思考
李馨
【期刊名称】《美与时代（中旬刊）·美术学刊》
【年(卷),期】2013(000)007
【摘要】中国当代版画在中国深厚的文化背景下，在西方现代艺术的冲击影响下，创作者有了新的思想，从局限、狭隘性中跳出来，在现代技法、工具、材料上进行了探索和创新，让我们看到了版画发展的多样性和开放性。

但是在当代版画艺术创作观念改变的同时，我们应该把创作方向更多地关注在作品的文化内涵和精神层面的拓展上，不断深入对版画本体语言的研究，将中国民族传统文化与西方文化和现代科技有机结合，创作出赋予文化和精神内涵的具有独特魅力的艺术作品，开创中国当代版画的新境界。

【总页数】2页(P70-71)
【作者】李馨
【作者单位】太原幼儿师范学校美术科
【正文语种】中文
【相关文献】
1.对中国当代版画艺术发展的分析 [J], 狄彬彬
2.对中国当代版画的思考 [J], 陈光勇
3.对中国当代版画介入社会的再思考 [J], 郝斌;
4.我国当代版画艺术的色彩语言解析 [J], 刘红亮;
5."前进中的版画艺术
——纪念新兴木刻运动90周年中国现当代版画作品展"开幕 [J],
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143中国近现代十二大名家画展5月10日，由北京保利国际拍卖有限公司主办的“中国近现代十二大名家”画展在江苏省美术馆陈列馆开幕。

展出北京保利拍卖12年来的多件亿元拍品及今春拍卖将呈现的近现代画家任伯年、吴昌硕、齐白石、黄宾虹、张大千、傅抱石、徐悲鸿、林风眠、吴冠中、潘天寿、李可染、黄胄作品129件。

周怀民捐赠无锡博物院书画展5月12日，“艺术长存·湖山生色—周怀民捐赠无锡博物院书画展”开幕式在中国国家博物馆开幕。

展出周怀民捐赠的历代书画精品和个人作品60余件。

“华彩丹青一甲子—北京画院六十年”纪念展5月14日，北京画院美术馆推出“华彩丹青一甲子—北京画院六十年”纪念展。

展出北京画院藏宋元以来书画、篆刻、古籍等作品200余件，其中古代作品有宋人《松下抚琴图》，清代龚贤《云山林屋图》、费丹旭《仕女》、华喦《花鸟》，近现代书画家则涉及“京派”名家金城、陈师曾、于非闇、陈半丁等，“海派”巨擘任伯年、吴昌硕等；“新金陵画派”领袖傅抱石、宋文治等，“渡海三家”张大千、溥心畬、黄君璧等。

展览还以文献展的形式，梳理了60年来北京画院在创作、研究、教学、展示等方面的多项成绩。

入古出新—当代著名篆刻家印章临创展5月16日，由中国艺术研究院中国篆刻艺术院和中国国家图书馆（国家典籍博物馆）联合主办的“入古出新—当代著名篆刻家印章临创展”在中国国家图书馆（国家典籍博物馆）开幕。

展览分为“临、创作品展区”“衍生艺术品展区”和“馆藏经典印谱展区”三个部分，参展作者均为中国篆刻艺术院的研究员，共35位。

参展作品为每人篆刻原石2枚（含印蜕、边款）、印屏1件、临摹作品4方、创作作品2方以及临印感想；展览还展出了篆刻艺术衍生品几十件以及中国国家图书馆提供的馆藏经典印谱多部。

绘心艺魂—黎冰鸿艺术回顾展5月17日，由中国美术家协会、中国油画学会、浙江省文学艺术界联合会、中国美术学院联合主办的“绘心艺魂—黎冰鸿艺术回顾展”在中国美术馆开幕。

应目会心作者：骆亚男来源：《美术界》 2020年第6期文/ 骆亚男骆亚男桂林师范高等专科学校美术系教师、广西美术家协会会员。

先后毕业于河南大学、武汉大学，硕士学位。

作品获第二届中国山水画艺术双年展银奖，庆祝广西壮族自治区成立50 周年美术作品展优秀奖。

作品入选美丽南方·广西——中国美术作品展，首届中国山水画艺术双年展。

绘画最重要的是每个人内心的表达。

“一花一世界，一叶一真如。

”在真实的世界中去体验“象外之意”，才能感受到有意义的美。

莫兰迪说：“没有什么比我眼前看到的景象更抽象了。

”无论抽象与具象都需要通过自由和谐的绘画语言表达出“有意味的形式”。

自然与内心的契合需要透过外在的形象去认知它的生长过程和内在情感。

当视觉进入纷繁复杂的世界时，需要先在场景里被感动，用心采集自己需要的片段和细节，然后“结构自然，重构画面”。

在某种时候，常规就意味着屏障，流行也是迎合大众，再现客观的表达对象是毫无意义的。

我的作品表现的大多是桂林本地的风景，没有刻意的主题，而是通过写生，慢慢积累形象。

即使是抒情式的绘画，也要听从内心的感觉和热情，否则就是无病呻吟。

感觉是绘画的源泉，热情是绘画的灵魂，品格是对绘画的理解。

有时候我会在静止的风景中去寻找流动的感觉，风景中相似的符号元素就像跳跃的音符，形成自然而和谐的节拍。

比如，我喜欢在龙胜梯田的一个至高点上俯视观察，定格在某处风景，层层叠叠的梯田即是自然天成的线构成，错落有致又连成一片的寨子形成色调统一的“面”，心有所想，跃然纸上。

以前只看到桂林山水秀美的一面，现在更关注桂林周边地貌特征的丰富性。

在很长一段时间里，我认为积累形象都要求把写生当做创作去完成，绘画语言的探索也需要一个漫长的思考过程。

我觉得对艺术的认知，或对绘画的理解是随着时间慢慢变化的。

对绘画语言的探索与追求是一件非常自我的事情，无关于古今中外，无关于抽象、具象，也不必考虑怎样去“融合中西”。

好像一个孩子，小时候没受过训练，一动笔画就天真、动人。

心声心画论所主张的艺术观念心声心画是一种新型的艺术形式，它主张艺术应该是一种真正的表达，而不是简单的装饰或者娱乐。

心声心画的创始人是中国著名画家吴为山先生，他认为艺术应该是一种真正的表达，而不仅仅是一种技巧或者工具。

在他看来，艺术家应该通过自己的作品来表达自己内心深处的情感和思想。

一、心声心画所主张的艺术观念1. 艺术应该是真实而深刻的表达在吴为山看来，艺术家应该通过自己的作品来表达自己内心深处的情感和思想。

这种表达不仅仅是简单地展示技巧或者美学上的追求，更重要的是要让观众能够感受到作品背后所传递出来的情感和意义。

2. 艺术应该有社会责任感吴为山认为，艺术家不仅仅要关注自己内心深处的情感和思想，还应该有社会责任感。

他们应该通过自己的作品来关注社会上存在的问题，并试图通过艺术的力量来解决这些问题。

3. 艺术应该是创新的吴为山认为，艺术家应该不断地探索和创新，而不是停留在传统的艺术形式中。

他们应该通过自己的作品来挑战传统的观念和想法，并试图创造出全新的艺术形式。

二、心声心画所表达的情感和意义1. 内心深处的情感心声心画要表达的首先是艺术家内心深处的情感。

这些情感可能是喜悦、悲伤、愤怒或者其他任何一种情感，但它们都是真实而深刻的。

通过自己的作品来表达这些情感，艺术家可以让观众更加深入地了解他们内心深处所经历过的事情。

2. 社会上存在的问题除了关注自己内心深处所经历过的事情之外，心声心画还试图通过艺术来关注社会上存在的问题。

这些问题可能是环境污染、贫困、战争等等，但它们都是我们需要关注和解决的问题。

通过自己的作品来表达对这些问题所持有的看法和态度，艺术家可以引起观众的共鸣，并试图通过艺术的力量来解决这些问题。

3. 对艺术的思考和探索心声心画还试图通过艺术来对艺术本身进行思考和探索。

它试图挑战传统的艺术形式和观念，并试图创造出全新的艺术形式。

通过自己的作品来表达对艺术的思考和探索，艺术家可以激发观众对艺术本身所持有的兴趣和热情。

浅谈文人画家骆鹏先生的国画牡丹虽时令已到盛夏，癸巳年的牡丹早已凋谢，近日承蒙骆鹏先生惠赠国画牡丹一副，得以一览秀色。

展画品读，不觉眼前一亮，典雅大气的用笔、精美绝伦的构图、优美动人的诗文，使牡丹的风采神韵跃然纸上。

沉醉在骀荡宜人的春风里，品味牡丹别样的风情，回味牡丹盛开、花香醉人的阳春时节。

一缕清芬，满目春色，万千气象，油然生发一种美的遐思。

牡丹是中国的国花，是国人心中难以割舍的情结，更是中国这个国度诗意的精神坐标和文化图腾。

国人对于牡丹的情愫，发于心，诚乎情，与其说是审美意蕴的自然流露，毋宁说是对人文精神的传承、文化根脉的维系，体现的是一种高雅的生活情趣、诗意的人文情怀。

古往今来，文人骚客歌咏之，丹青妙笔摹画之，人们把对牡丹的艺术感悟、对美的憧憬与向往升华为一种情感、一种意象、一种文化。

这种一脉相承、蔚为大观的牡丹文化与源远流长、博大精深的华夏文化融合交汇，在中华这一丰厚的文化沃土中，生生不息，历久弥新，丰富了历代国人的审美情感与心灵世界，更为中华文化增添了多姿多彩的生活情趣和如诗如画的浪漫气息。

在诸多表现牡丹的艺术载体中，相对于诗歌的含蓄凝练、散文的抒情达意、丹青的挥洒写意是最直观、最能体现作者思想的一种表现艺术，具有强烈的视觉冲击力和高度的艺术感染力及意境。

书画家对书画语言的运用，贵在领悟，贵在发现，贵在创新。

唯有独具慧眼，匠心独运，以深厚的学识修养和敏锐的观察力去感受，去发现，才能在大千世界中感悟生活艺术，捕捉美的瞬间、表现美的内涵、升华美的意蕴，才能在艺术语言表达中，在源于自然、高于生活的审美意境中，拓展观众的想象空间，深化作品的艺术价值。

从这个意义上讲，绘画艺术固然讲究技巧，但是要达到更高的艺术境界，离不开文化底蕴的积淀、内在情感的冲动、艺术灵感的迸发。

骆鹏先生的牡丹作品，发轫于一个中华儿女对牡丹的深情挚爱，肇端于一颗艺术心灵对自我的不断超越。

他用唯美的笔墨语言追逐牡丹内在美的律动，以内在的艺术激情感悟国色牡丹的神韵，别出心裁，厚积薄发，既有浪漫主义的气息，又有理性精神的色彩，在传统与现代的互动中追寻至真至美的审美取向，抒写了一曲对牡丹回肠荡气的深情礼赞。

《如何看懂大师绘画：解析百位巨匠的创意、技法与代表作》读书记录目录一、内容概览 (2)1.1 本书的目的和价值 (3)1.2 绘画艺术的魅力与意义 (4)二、大师绘画的背景与风格 (6)2.1 历史背景与艺术流派 (7)2.2 创意与技法的传承与发展 (8)三、百位巨匠的代表人物及其作品 (9)3.1 达.芬奇 (10)3.2 米开朗基罗 (12)3.3 拉斐尔 (13)3.4 荷兰画派 (14)3.5 法国画派 (16)3.6 英国画派 (17)3.7 其他地区的大师级人物 (18)四、创意与技法解析 (19)4.1 创意的表现手法 (20)4.2 技法的运用与创新 (22)4.3 不同画派的独特特点 (23)五、代表作品赏析 (24)5.1 绘画作品的分析与解读 (26)5.2 作品的历史背景与文化内涵 (27)5.3 作品的艺术价值与影响 (28)六、总结与启示 (29)6.1 本书的主要观点总结 (30)6.2 对绘画艺术学习的启示 (32)6.3 对个人艺术修养的提升建议 (33)一、内容概览《如何看懂大师绘画：解析百位巨匠的创意、技法与代表作》是一本深入探讨西方绘画艺术的书籍，旨在帮助读者理解并欣赏百位巨匠的杰作。

本书从多个角度对绘画作品进行分析，揭示了大师们的创意来源、技法特点以及他们的代表作品。

在内容安排上，本书首先介绍了绘画艺术的基本概念和历史背景，为读者提供了一个宏观的视野。

书中详细分析了每位巨匠的生平、创作理念和艺术成就，让读者深入了解他们的艺术世界。

本书还深入剖析了大师们的代表作品，从构图、色彩、线条、质感等方面进行详细解读，展示了他们独特的艺术风格和创新精神。

在解析大师们的创意时，本书不仅关注作品的形式和内容，还探讨了它们在历史、文化和社会背景下的影响和意义。

通过对比和分析，本书揭示了大师们作品的共性和差异，使读者能够更全面地理解和欣赏他们的艺术成果。

在技法方面，本书结合具体案例，详细讲解了大师们常用的绘画技巧和材料运用。

2013.10.下52祖国从特定的意义看，人物画的创作是最直接关系着现实生活的艺术。

可以这样认为，人物画的灵感、以及艺术形式、语言选择与审美把握都关乎着人与生活的关系，及由这种“人与生活”的关系而产生、演绎出丰富与多样的审美形态和艺术风格。

显然，脱离了生活的关系，艺术必定苍白乏味，而在生活沃土中产生的的艺术之树，必定根深叶茂，活力四溢，生命旺盛。

青年画家骆逸夫的人物画创作，反映出了的正是艺术对“人与生活”这一主题的个性阐释和表现。

在骆逸夫的创作中，始终围绕着人与生活，也就是“人与生存”和“人与世界”的关系展开，并将其形象化、笔墨化与形式化，而这一切始终关系着现实生活的沃土，并把追求目标上升到精神层面。

在写意人物画中，骆逸夫不失笔下人物的具象特点，然而人物却更重形神兼备与精神气质的表现，更重以现实中提取一种“人本”的要素，摆脱概念化的表现模式，不设置认为的、复杂的场景与环境，在“人之美"的构想中去表现人与他的生活，使人物在置身于现实生活焕发出自身之美。

应该说，这是骆逸夫人物画的创作特点，正是寻此理念，画家建立了自己的形式、结构、语言，使之呈现为一种“心游”的特点，用以展示生命之歌，劳动之美与人性的魅力。

显然，处在中西文化交流、碰撞的当代，每一个画家都不可能对全球化的趋势漠然置之，而开发的文化环境为开启艺术的创意观念的转变和吸收外来文化的环境为开启艺术的创意观念的转变和吸收外来文化积极的因素，提供了前所未有的机遇。

骆逸夫正是在这一特点的时空中，定位了自己的艺术选择，即以认为主题，展示人的生活及其丰富的表现，并赋予其以本质性和规律性，及由此而产生的形式美与笔墨美。

我们看到，在画家的作品中，着意在现实生活中提取形式美感，在从容自然中选在视角，不矫情、不造作、不刻意，是人物在现实氛围中获得朴素、单纯的品质，在墨色的疏密、浓淡、干湿的变化中使线的运用和发挥、墨的运用和发挥，都达到一种全新的效果，画面充实、饱满，形式富于心游在生活的沃土上——骆逸夫人物画鉴赏文／徐恩存>>> 人物链接骆晓萌，字逸夫，现为现代艺术研究院院长、中国国画研究院研究员、广州大学美术与设计学院客座教授、中国美术家协会会员、中国工笔重彩画学会会员。

星水道人心画作品特点和评价
1. 星水道人心画的作品啊，那简直是如梦幻般的存在！就好比璀璨的星空，每一颗星星都闪耀着独特的光芒。

你看那幅《梦幻之境》，色彩斑斓得让人仿佛置身于一个奇幻世界中，哇塞，真的太震撼了！
2. 它们的作品细节丰富得惊人啊！就像在放大镜下欣赏世界一样。

比如《森林密语》里的每一片树叶，都仿佛在诉说着大自然的故事，这得多么用心才能画得出来呀？
3. 星水道人心画的风格多变，时而清新，时而浓烈，像个调皮的小精灵在你的眼前跳跃。

像那幅《热情火焰》，哇，那炽热的感觉简直要扑面而来！
4. 作品中的情感表达好强烈啊！仿佛要冲破画面，直击你的内心深处。

好比《思念长河》，能让你深深感受到那种无尽的思念，这不是一般人能做到的啊！
5. 星水道人心画的创意简直无敌了！就像打开了一个装满奇思妙想的魔法盒子。

看看《奇幻都市》，那独特的城市构造，难道不让你惊叹嘛？
6. 它们作品的构图巧妙极了！就如同一个精巧的谜题等你去解开。

像《神秘拼图》，每一部分都相互关联，天呐，太有意思了！
7. 星水道人心画的作品总会给你带来惊喜，就像拆礼物一样，你永远不知道下一个会有多精彩。

比如《惊喜盒子》，真的会让你眼前一亮！
8. 这些作品有着强大的感染力呀！能瞬间把你拉进它们所营造的世界中。

看看《欢乐乐园》，那满满的欢乐，谁能不被感染呢？
9. 星水道人心画的作品真的是太棒了呀！每一幅都值得反复欣赏和品味，是艺术界的瑰宝啊！
我的观点结论是：星水道人心画的作品以其独特魅力、丰富细节、多变风格、强烈情感和无尽创意，给人带来了震撼而奇妙的艺术体验，绝对值得大家去关注和欣赏。

美术著名作品分析作品分析《墨梅图》是元代画家和诗人王冕的作品，在绘画方面，他以画“墨梅”，常以此借物抒情。

本幅画是他的代表作。

一支含苞欲放的梅花，横斜在画幅中间，劲拔的枝干有数尺之长；已开未开的梅花洋溢着一种蓬勃的生机，显得十分清新可爱。

画的左上角有画家自己的一首诗。

这首诗和梅花一样，充满着生气。

它不仅说明了画家创作这一作品的意图，而且吐露了他的胸怀和理想。

在画法上笔力挺秀，圈梅花时创造了一种一笔两顿挫的方法。

全画虽然只用淡墨，却能把梅花姿态表现的十分动人。

《早春图》是宋代画家郭熙的作品。

该画是画家的传世作品的代表作。

它描绘早春时节清晟的山景，薄雾笼罩山腰，树枝尚未放青，但已吐出新芽，山涧溪水已经解冻。

泉水潺潺，形成一潭清浅春水，大自然处处萌发着生机，确是北方的早春季节。

这种描绘自然景物中自然流露出的季节特点，与郭熙强调的画山水要表现不同季节特征的观点，是完全一致的，而这也只有通过对大自然的深入观察研究方能达到。

《牡丹焦石图》是明代画家徐胃的作品。

徐胃字文长，号青藤道人，浙江绍兴人。

他是一个具有进步倾向的诗人、戏剧家、书画家。

在诗文、戏曲、书画等方面，都有相当的造诣。

在绘画上，他敢于革新、创造，他的水墨写意花卉画，充分发挥了中国水墨画的笔墨技巧，用笔放纵但不失其真实，水墨淋漓，浓淡干湿恰到好处。

它比一般水墨写意画得更加豪放、泼辣，故称其为“大写意”。

这幅画就是他的这种画风最有代表性的作品。

徐胃的这种画风对明末清初以至近现代的中国花鸟画具有重要的影响。

《牧马图》是唐代画家韩擀擀的作品。

画家年轻时曾做过酒店雇工，后受到著名诗人、画家王维的赏识，资助他学画。

他善画人物，尤其精于画马。

本幅画画的是一马倌骑白马与另一黑马并缓行，不画任何背景。

黑白二马各部分比例匀称，透视解剖也很准确。

用色虽是浅设色，但由于黑白对比色中加上少量朱红，并不使人感到单调。

马倌的形象威武有力，两眼炯炯有神，这都说明画家具有很高的写实功力。

菁英推介Artscircle也。

承易而革难。

然常从非常来，变从有常起；非一朝一夕偶然得之。

”“常变之道，终归于自然也。

”将体现写意山水元素符号语言体系的完整性在现代中挖掘、在传承中解读和在自然中行万里路来观察体验，并以古法寻求创新机杼。

在这几年的中国画创作、写生实践基础上，扩充符号语汇，加强画面视觉张力，以“中庸之中道”为度，转换符号语言和笔墨程式的表述方式，从而触发新意。

在此基础上要以本身具备强大的民族自信心，以及很高的胆识去探究创新的法则。

只有真正认识传统，才能正确认识现代，走出误区，走向共识，传承民族之魂，创中华之新经典，走出中国画具有符号语言特色的现代解读之路。

我一直喜欢抽象形式的美，它那种独立于物象之外的形式因素构成着鲜明的视觉特征，给人以愉悦感。

这大概是我较注重研究画面构成和笔墨形式的重要原因。

对抽象美的兴趣影响着我的审美习惯、观察方法和技法探索，表现自然中抽象意蕴的美亦成为我作品表现的主旨，它决定着作品的审美取向，激发着我的表达欲念，这种欲念不仅来自我日臻成熟的笔墨技能，更来自我对自然的特殊感受和理解。

从《东湖访春图》到《山有木兮》等系列作品，我都以此种手法体现出这一审美特征。

的确，大自然的无比丰富与物象形态的美妙总是令我入神地推敲画面的每一结构、每一局部，直至完美。

对整体效果的追求甚至使我淡化了对画面层次的强调和形象的具体描绘，取而代之的是画面的平面性和形象的朦胧感。

郑颖璐/晨霭入看无纸本水墨139cm×68cm 2023年郑颖璐/东湖村写生之二纸本水墨50cm×30cm 2023年672024/04郑颖璐/静水流深不知处纸本水墨180cm×97cm 2020年68菁英推介Arts circle在近期的写生作品中，我对“意象”有了更深入的思考。

它是一种理智和情感的复合物，既入理又含情。

写意山水画的意象表现形式，是在追求形神兼备的同时，也注重寓意抒情，求象外之意，给人以画外的联想，而并非单纯的客观描绘。

>> > 夏慧玲夏慧玲，1997年出生，三峡大学文学与传媒学院硕士研究生，主要从事中国现当代文学研究。

隐藏的二元对立与“至美”——读骆一禾《为美而想》为美而想骆一禾在五月里一块大岩石旁边我想到美河流不远 靠在一块紫色的大岩石旁边我想到美 雷电闪在这离寂静不远的地方有一片晒烫的地衣闪耀着翅膀在暴力中吸上岩层那只在深红色五月的青苔上孜孜不倦的工蜂是背着美的呀在五月里一块大岩石的旁边我感到岩石下面的目的有一层深思在为美而冥想1989年，诗人陈东东在《丧失了歌唱和倾听》一文中将骆一禾与海子贴切地比拟为耳朵与嗓子，并对世上最真诚的歌唱与倾听的流失示以惋惜。

陈东东在悼念诗人的同时，其实也凸显了两位诗人在审美取向上的交织与差异，这从他们诗歌文本的互文性中可见一斑。

面对挚友海子的逝世，骆一禾理应将其看作是“不美”的象征，而诗人却在同年5月创作了《为美而想》，其矛盾心理被无意识地熔铸于作品中。

事物过于匮乏或泛滥都会引起人们“疗救的注意”，诗人为美而想多是因为前者在其心底的暗流涌动，并希冀以美的场景来疗愈内心。

骆一禾从紫色的大岩石、不远的河流、晒烫的地衣、深红色的青苔、孜孜不倦的工蜂等自然意象中刻意挖掘美，这是对崇尚“尊严写作”的诗人内心“不美”的映射。

现实中“美的节制”，致使诗人不得已而重回对生命原始力量的探求，寻找心灵的栖息地，这暗喻了诗人内心的苍凉与不适。

因此，诗人不断为美而想。

同时，其诗作中的意象也暗含了诸多错综复杂的二元对立，揭示“不美”的写作内涵。

骆一禾与同时期“第三代”诗人不同，他并非完全反对朦胧诗，而是模仿朦胧诗人对意象的运用，借此来丰富其诗作的精神内涵，达到诗歌创作所要求的主题厚重感与语言活力感的平衡，这与刘勰“窥意象而运斤”的理念一脉相承。

诗人的思绪首先驻足于五月的一块岩石旁，并在那里开始他关于美的畅想，可是，五月本就是矛盾的时令，百花盛开与暴风骤雨常常相携而至。

但是，诗人选择“我想到美”，而摒弃或埋葬对不美的幻想，这是诗人面对时代大环境时内心的抉择，其背后所渗透出的“阴影”仍旧无法被美的想象而消解。

图像叙事：空间的时间化如今，有关各类图像研究或者宣称“图像转向”、“图像时代”到来的文章越来越多，但很少有涉及图像叙事的理论文章，本文试图弥补这一缺陷。

本文首先论述了图像的空间性与时间性，接下来对图像叙事的本质做出了探讨，认为图像叙事的本质是空间的时间化，即把空间化、去语境化的图像重新纳入到时间的进程之中，以恢复或重建其语境。

最后，本文概括出了单幅图像叙事的三种模式：单一场景叙述、纲要式叙述与循环式叙述，并对每种模式的特点及其运作机制进行了分析和阐述。

[关键词] 图像叙事/空间时间化/单一场景叙述/纲要式叙述/循环式叙述早在1972年，E•H•贡布里希就这样写道：“我们的时代是一个视觉时代，我们从早到晚都受到图片的侵袭。

在早餐读报时，看到新闻中有男人和女人的照片，从报纸上移开视线，我们又看到食物盒上的图片。

邮件到了，我们开启一封封信，光滑的折叠信纸上要么是迷人的风景和日光浴中的姑娘，使我们很想去作一次假日旅游，要么是优美的男礼服，使我们禁不住想去定做一件。

走出房间后，一路上的广告牌又在竭力吸引我们的眼睛，试图挑动我们去抽上一支烟、喝上一口饮料或吃上点什么的愿望。

上班之后更得去对付某种图片信息，如照片、草图、插图目录、蓝图、地图或者图表。

晚上在家休息时，我们坐在电视机这一新型的世界之窗前，看着赏心悦目的或毛骨悚然的画面一幅幅闪过。

即使在过去或在遥远的异国创造的图像，也能够比以往任何时候都更快地接近公众——这些图像本来就是为公众而创造的。

在我们家里，画册、明信片和彩色幻灯片这类旅游纪念物日益增多，就像我们的家庭快照之类的纪念品日益增多一样。

”［1］（P106）随着后工业社会的来临、互联网的出现和电脑制图技术的日新月异，人类“受到图像侵袭”的现象愈演愈烈。

在我们的阅读生涯中，图像大有取代文字之势，有人甚至堂而皇之地宣称：“我从不阅读，只是看看图像而已。

”①到了20世纪90年代，“图像转向”、“图像时代”或者“读图时代”之类的字眼已频繁出现在各类专著和文章中：美国当代著名的图像学者W•J•T•米歇尔的《图像转向》一文发表于1992年（后成为《图像理论》一书中的一个章节）；前国际美学学会主席、斯洛文尼亚美学家阿莱斯•艾尔雅维茨“从90年代早期逐步开始构思写作”《图像时代》一书，“当时，在艺术和文化领域的‘视觉的’和‘图像的’转向问题是哲学和社会理论中展开的众多讨论和出版物的主题”［2］（序）；在我们中国，自90年代中晚期以来，有关各类图像研究或者宣称“图像转向”、“图像时代”到来的文章也越来越多，简直到了触目皆是的地步。

《艺术中的阅读从名画中学习视觉解读》在艺术的世界里，阅读并不仅限于文字。

在每一幅名画的背后，都蕴藏着丰富的故事、情感和历史。

通过对这些作品的视觉解读，观者不仅能领悟画家的创作意图，更能与画作建立起一种深层次的共鸣。

视觉元素的解析每一幅画作都由多种视觉元素组成，包括色彩、形状、线条和构图等。

这些元素之间的关系构成了画面的整体效果。

例如，明亮的色彩往往带来欢快和生动的感觉，而暗沉的色调却可能传达出压抑或神秘的氛围。

细致的线条可以使画面更具生动感，而粗犷的笔触则可能表达出一种力量感。

通过观察这些细微的差别，观者可以更深入地理解画作传达的情感与信息。

画面的构图同样是我们需要关注的重要因素。

构图不仅决定了观看的视角，还影响了观者的视觉流向。

例如，采用三角形构图的画作常常能够引导视线集中，增强作品的力量感与稳定性。

而不规则的构图则可能增加画面的动态感，让人感受到一种无时无刻不在变化的能量。

文化背景的影响理解一幅名画，离不开对其创作背景的研究。

艺术的整个历史都是对时代、社会和文化的反映。

每一位画家的创作都深深扎根于其生活的时代和社会环境。

例如，文艺复兴时期的作品往往展现了对人文主义的追求，强调人的价值和理性。

而浪漫主义的作品则更关注情感和自然。

因此，观者在欣赏画作时，可以尝试了解其背景，包括画家的生平、创作动机、社会环境等，这对于深入理解画作非常重要。

通过这种方式，观者不仅能明白画中展现的表象，更能揭示出其背后的思想和情感。

情感与象征的深入探讨画作常常借助象征手法传达更深层次的含义。

例如，画中出现的某种物体或色彩可能具有特殊的象征意义。

在西方绘画中，白色通常象征纯洁，而黑色则常与死亡、悲伤相关。

深入探讨这些象征背后的意义，可以使观者在审美的也对画作的内涵有更清晰的认知。

情感的传达也是艺术作品中不可或缺的一部分。

画家的情感状态、对对象的态度常常通过笔触、色彩及整体氛围展现出来。

观者在欣赏作品时，可以尝试感受画中的情感波动，理解画家所希望传达的情感共鸣。

新人教版-七年级美术下册教案(全册)第一单元美术是创造性的劳动第1课源于生活高于生活【教学目标】知识与技能：通过对美术创作一般过程的分析，理解美术作品中的绘画题材、形式、艺术处理的技法皆源于客观世界，了解美术作品创作于现实生活、画家个人情感、物质材料及艺术技巧的关系，初步掌握美术欣赏评述的基本理论和方法。

过程与方法：通过比较、分析、讨论、欣赏和评述等方法，初步研究并掌握对美术作品中绘画题材、艺术处理的技法于生活之间关系的欣赏评述方法。

情感、态度和价值观：通过分析不同美术作品的产生过程，增强学生价值观，尊重理解艺术家及其创造的劳动价值和意义；在欣赏、体验的过程中培养学生更加用心观察生活及对生活积极健康的态度。

【教学重难点】重点：理解美术是创造性的劳动这一特征。

难点：了解绘画的题材、艺术处理的技法皆源于客观世界，掌握美术的基本理论。

【教学方法】讲授法、讨论法【教具准备】课本、课件【教学过程】1、课前阅读课本，初步理解本课的研究内容。

2、引导阶段：展示作品XXX的《血衣》素描稿及其创作的过程和相关的素描草图，播放相关的视频，介绍画家及创作背景。

提出问题：从这幅作品的创作过程看，你认为再现性美术作品的产生需要哪些条件（考虑哪些因素）？学生围绕问题展开思考，初步发表自己的看法。

3、发展阶段：（1）模仿作品《血衣》中的几组人物形象，上台表演人物的造型姿态，体验人物内心情感，加深对作品人物性格及作品内涵的理解。

通过学生参与、观看，不仅激发了研究热情，更能从学生成功与不成功的表演中感受到人物造型艺术的魅力。

表演完后，教师在根据学生的表演，结合作品对再现性美术作品的产生条件进行分析。

（3）展示课本中不同材质的工艺和雕刻美术作品，引导学生分析材料本省的特征与作品表现手法之间的关系。

体会因材施艺，宛若XXX的艺术效果。

学生围绕问题探讨，并尝试对其他的几件作品进行欣赏评述。

教师小结：材料本身对作品的成败非常关键，因而艺术技巧也相称重要。