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中国绘画鉴赏500字
吴昌硕作画时大胆迅疾。
不多加修饰，具有自然浑朴古拙之趣。
他以篆籀之法入画，作画如写书，笔势奔腾，苍劲雄浑，不拘成法，往往能自出新意，形成独特风格。
《三千年结实之桃》表现的是寓意福寿千年的寿桃。
画家只撷取桃树的局部，用笔凝练遒劲。
寿桃设红黄二色，以没骨画法表现。
鲜嫩娇艳：桃叶以大笔泼洒，浓淡相间，层次分明，枝干竖写两枝，各有不同，又一侧枝呈孤形垂下，伸展生动，使画面富有变化。
题款。
三千年结实之桃”不但与桃干、桃枝形成浓淡变化之趣，而且与寿桃两相照应。
让全图神气内敛。
吴昌硕酷爱梅花，常以梅花入画，墨梅、红梅、绿梅兼有，笔酣墨畅，富有情趣。
水仙也常出现在他画中，以突出洁净孤高的性格。
作画时画家喜用或浓或淡的墨色，并以篆书笔法入画，使画面显得刚劲拙朴有力。
《神仙福寿图》是吴昌硕代表作品之一。
他以草书笔法画石，其法草而不率，纵而有节，较好地表现出怪石的秀与拙的韵致，他以篆隶笔法画梅，造型奇崛，苍劲有力；水仙用笔流畅，虽然朝向一样，但并不呆板。
两者对比，更显水仙的空灵松动，飘逸清新，有神仙一样的风姿，与梅花的古朴把画题揭示出来，寄托了画家的感情和对美好生活的向往。
论中国画意境的表现学号：201005002808 姓名：尹丽娟摘要：中国画是一门高雅而富有深刻内涵的艺术，我们在欣赏中国画时，不仅仅是看画家画的什么，画得像不像，中国画重立意，通过线条、点簇和墨色的变化，来描绘对象，达到以形传神，形神兼备，气韵生动的境界，同时由于书画同源，中国画与书法艺术紧密联系，相互影响，我们应懂得欣赏中国画的一些方法和技巧，了解画家的相关身世与背景，这样才能真正领略到画的精髓和画家的情怀。
关键词：立意以形传神情怀中国画即丹青，主要指画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画，采用了多点透视、焦点透视以及三点透视的构图法则和随类赋彩、色彩相合的色彩法则，以线条、墨色的变化来描绘对象，以抒发情怀，中国画的构想首重立意，以线造型，以形传神，神似则形似，体现出胸有成竹的特点，其意境计白当黑、气韵生动。
按使用材料与表现方法可分为工笔、写意、工写结合，其作品形式主要有长卷、条幅、斗方、折扇、团扇等，同时，中国画与诗文、书法、印章有机结合，组成了中国画作品的一个有机体，体现了其独特形式。
中国画山水画主要是画家个人情怀的体现，中国人物画是个人情境的体现，中国花鸟画则是一种趣味性的体现。
在人物画中，为突出所画的不同人物的地位高低，人物大小通常不成比例，人物的高矮胖瘦直接反映了其地位高低，地位高的人物形象会比较高大，而地位低的人物形象比较瘦小。
对于山水画，要懂得怎么去欣赏，在山水画中，画家通常会安排一定的人物在里面，这不仅是画面内容的需要，也是画家在告诉我们欣赏这幅画要从这里开始，画中人物一般在画面的下角，我们应从画的下端顺着人物的方向逐渐往上走，一般是呈“S”型，这样才能达到欣赏山水画的最佳效果。
花鸟画不是为了描花绘鸟而描花绘鸟，不是照抄自然，而是紧紧抓住动植物与人们生活遭际、思想情感的某种联系而给以强化的表现；它既重视真，要求花鸟画具有“识夫鸟兽木之名”的认识作用，又非常注意美与善的观念的表达，强调其“夺造化而移精神遐想”的怡情作用，主张通过花鸟画的创作与欣赏影响人们的志趣、情操与精神生活，表达作者的内在思想与追求。
中国古代名画欣赏及简介
中国古代名画是中国文化的重要组成部分，它们不仅是艺术品，更是历史的见证和文化的传承。
在中国古代，绘画被视为一种高雅的艺术形式，它不仅要求画家的技巧和审美水平，更要求画家对社会、人生、自然等方面的深刻理解和感悟。
下面，我们就来欣赏几幅中国古代名画，并简要介绍它们的背景和特点。
《清明上河图》是中国古代名画中的代表作之一，它是北宋画家张择端所绘。
这幅画描绘了北宋时期的京城汴京（今河南省开封市），画面上人物、建筑、自然景观等都栩栩如生，给人以强烈的视觉冲击力。
这幅画的特点是细腻、精致，画面上的每一个细节都被描绘得十分逼真，让人感受到了北宋时期的繁华和生活的细节。
《千里江山图》是中国古代名画中的另一幅代表作，它是南宋画家王希孟所绘。
这幅画描绘了中国南方的山水风光，画面上的山峦、江河、云雾等都被描绘得十分自然，给人以宁静、祥和的感觉。
这幅画的特点是气势恢宏、意境深远，它不仅展现了中国南方的山水风光，更表达了画家对自然的敬畏和对人生的思考。
《富春山居图》是中国古代名画中的又一幅代表作，它是元代画家黄公望所绘。
这幅画描绘了中国南方的山水风光，画面上的山峦、江河、树木等都被描绘得十分自然，给人以宁静、祥和的感觉。
这幅画的特点是意境深远、笔墨简练，它不仅展现了中国南方的山水
风光，更表达了画家对自然的敬畏和对人生的思考。
以上三幅中国古代名画，都是中国文化的瑰宝，它们不仅展现了中国古代的艺术水平，更展现了中国古代的文化底蕴。
我们应该珍惜这些文化遗产，传承和发扬中国文化的精髓。
中国画的欣赏、鉴赏和创作作者：程大利来源：《贵州文史丛刊》2013年第04期摘要：从中国画欣赏和创作的角度，谈中国画的本质特征，国画与西方绘画的关系、与中国古典哲学的关系，中国画的审美境界、中国笔墨文化等等，说明中国画是淡泊，养生，向善的艺术。
强调“文”是进入中国画创作和欣赏的门槛，也是沟通画家和社会的桥梁。
关键词：中国画本质特征欣赏创作中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1000-8705（2013）04-33-40今天这个不叫报告，勉强叫讲座，希望有这样一次交流机会讲讲自己的认识，说说心里话。
我主要谈中国画的欣赏、鉴赏，和由欣赏、鉴赏出发的创作。
笔墨文化是中华文化的一部分，是土生土长的本民族的东西。
但是我们老是要在各种场合去宣传它、诠释它、我们还要讲怎么欣赏，这其实是很不幸的事情。
法国人用不着到处讲怎么欣赏他们的画，意大利也用不着讲如何欣赏歌剧，俄罗斯人也不要讲如何欣赏芭蕾舞。
但是我们必须要讲是什么原因呢？因为一段时间以来，我们对自己的文化不那么自信，所以就有了“文化自信”这个词，并且出现在党的文献上。
讲“文化自信”，那就是因为我们不自信，或不够自信。
一百多年来改造中国画的声音不断，有问题才改造它，要不然改造它干吗呢？我们总是要拿一个参照物来改造它，这个参照物就是西方绘画。
艺术只有形态的差异，没有先进和落后之分，也没有新、旧之分。
彩陶、青铜器很陈旧，却仍然精湛。
新旧是时间概念，今天新明天就旧了，新旧是历史过程，美才是艺术的本质。
问题是怎么看？一百年来中国画作为艺术形态它本身有复活体。
是人看问题的角度出了问题，就虚拟了中国画，于是就有要改造它、改变它等等一系列问题的产生。
这对中国画这门艺术的认识造成了很大的偏差，以至于有今天的丧失标准、迷茫，无法欣赏自己的艺术成果的问题。
其实中国画、西洋画都是人类文化的成果和人类智慧的结晶，是两条大河各自播撒，两棵树结出的不同果实，没有优劣和高低。
论油画对中国画的高低，这是一个很荒唐的比较，很长一段时间我们陷入了“二元论”的问题判断，这个“二元论”方式我们很难简单地做出是和非，对和错的判断。
比如说我们把古代、近代对比，把东方和西方对比，用这种思维来看待我们的传统。
这个思维出现在1840年西方炮舰打到中国来以后，中国变成了积弱的势态。
一些有识之士谋求强国之路，在反思我们文化的时候，出现了一些过激的言论。
康有为在他的《万木草堂》里，认为原来的中国画在衰落走下坡路。
他认为今后将有集中西文化、中西艺术而大成者。
今天我们可以见证的是徐悲鸿。
陈独秀也在《文学革命》文章里狠狠地批评了中国画，尤其批评了中国文人。
再后来鲁迅先生也批评中国画。
最极端的徐悲鸿又提出：“董其昌、陈继儒才艺平平，统治中国画三百年余，实属罪大恶极”。
这是当时急切盼望国家繁荣的语境下，急欲颠覆自己传统里面的坏东西，学习好的东西，以至于出现的很多的笑话。
钱玄同就提出：欲使中国不亡，汉字必须要废除。
他没想到今天有电脑，有五笔字型、拼音等。
中国文字是中国思想的结晶，是中国文化带根性质的东西，这样激进的言论是有历史局限的。
但对于中国画，到今天我们还在似是而非的道路上踯躅。
我刚才说了中国画是中国人的独特智慧，在艺术形态上是没有先进和落后、高与下之分的，只是在艺术质量上有差异。
中国画是中国古典哲学的产物，是中国人思维方式的结晶和生活习惯。
中国人整个的文化生态下产生的这种中国文化，称之为“笔墨文化”。
它受中国古典哲学的陶冶，本着以修身立命，提升自我境界为本的价值观念，书法入画的笔墨观念，不重形象，重心相的造型观念。
跟西方绘画完全不同。
今天好多人拿西方绘画的标准来衡量中国画，用西方美学的评价体系来评价中国画，这是造成混乱的根源之一。
中国画审美的最高境界是“内修心而外益世，抒胸臆而振斯文”这内容源于屈原的《离骚》，屈原的名句“纷吾既有此内美兮，又重之以修能。
“内美修能”就是人塑造自己的内心。
这是中国历史上知识分子“达则兼济天下，穷则独善其身”。
绘画、书法、都是修为的绝佳手段。
独善其身最好方式莫过于绘画。
绘画说它的修心、养志，是它的外部功能在皇帝、国家看来是所谓“画足人文”，它整个功能是养心、然后养志，养志是提升境界。
在我们的祖先看来，人提升境界，它的生命质量就会提高。
《皇帝内经》说；恬淡虚无、真气从之，精神内守，病安从来。
这就不但是养生的结构，而是把自然科学、哲学结合起来，这是中国人独特的智慧。
恬淡虚无没有其他的非分之想，是你身体的真气，“真气从之”人就安了。
精神内守是守住自己的志向，一种纯正的追求。
这个时候你的免疫力会很强，叫“病安从来”，这是很好的画论和书论。
画家与书法家的专业对从业的人很好，根源就是去浮躁。
所以清代学者也认为书画于精神和身体都好，在东方画论里，书画可以抵御不好的环境和苦闷，中国古代画家长寿不奇怪，就是因为它有“涤烦襟，破孤闷，释躁心，迎静气。
”的“十二字功能”。
世界上没有这么做的，这是我们文化非常独特的地方。
古人的“人间烟火”是指油盐酱醋，现在这个“烟火”是拍卖。
功名、地位、名誉等等各种社会的夸奖，媒体的称赞，中央电视台的肯定。
在前人看来这是“人间烟火”。
我们过去批评中国画远离人间烟火的价值取向，这恰恰是中国画很本质的东西，也是中国画家长寿的根本原因。
中国画的至高旨归是陶养心灵，即黄宾虹的：画求内美，不务外观。
这是一般人难以理解的境界。
明代大画家郓向最讨厌别人夸奖，一次他的画被人围观并夸奖说：真好，画斯文。
他事后把画撕了。
郓南田题画云：”画非寻常人痛骂不能称之好画。
这是极端的例子，我们放在一定的语境下不难理解，那是希望作品远离“人间烟火”。
这同时是说中国画的欣赏需要平台，通文才能进入国画，这就是我下面要谈的中国画的历史特征、本体精神。
画画的人通文，看画的人也得通文，还得与表现对象不一样，岂一个“似”字了得。
画怎样跟对象像不像没关系，甚至像以为俗，齐白石就讲画因太像以为媚俗。
黄宾虹追求的是无似之似，就要找那个不像的东西。
恽南田画得极像，但是也极不像。
我清楚的记得有一个老画家，说30年前一个科学家带了一摞写生稿子给他看，他一张张看，看完以后就问科学家：你这是写生还是写死啊？中国画的写生跟西洋画的写生是不一样的。
中国山水画绝对不是西洋画的风景画。
中国笔墨文化的核心价值观，是提升人的心智，是养心，修心，中国画笔墨的一个最大的特点，它跟人是相辅相成的。
谈画有没有法，既是创作标准也是批评标准。
一日气韵生动，二日骨法用笔，三日应物象形，四日随类赋彩，五日经营位置，六日传移模写。
气韵生动，骨法用笔这两条是最重要的。
气韵这个词也没法跟西方的文艺批评对照翻译，气和韵都没法翻译，他囊括了中国的中医学，囊括了中国的文论、诗论，书论、画论多个概念，是一部大辞典。
我们讲中国画作为艺术形态它本身有复活体，在传统的艺术精神中寻求新生的复活体。
中国画讲骨法用笔，，唐代画家张彦远谈到”生死刚正谓之骨”，就把骨法跟人品、人格联系到一起来了。
中国画的技法有人格因素，这是非常有意思很独特的，跟西方文化不一样。
它不以才华为最终的评判标准，它尊重才华，但是他更看重的是道心修行，更看重的是人格力量。
认为每一笔都印证了人的元素，所以叫骨法用笔，这是绘画也是书法的标准。
我们明确地说，画有江湖气，烟火气，甜俗气不是好东西。
人品不高，就乱套了，乱到俗套、魔套里去了。
我们今天刊在《人民日报》、《光明日报》上的一些作品，那些书法入魔道的不少，书法绘画的品评，没有跟中国古代书画论作对照。
很长时间以来我们是用庸俗的社会学观点批评中国古代画论的。
1949年有一本非常畅销的美术的书籍，把中国美术分为地主阶级的美术和人民群众的美术，把画的职能归为劳动人民的意识。
这是很荒唐的，离开了艺术自身的规律。
所谓的地主阶级和劳动人民也不是世袭的，劳动人民挣了钱他们变成地主了，地主破产以后他又变成劳苦人民。
艺术自身的规律与社会学的规律有时候有交叉，有时候分道扬镳，中国画和西洋画同样有自身的高度。
在300年前意大利青年艺术家带着他的几十幅画到了中国北京。
呈献给康熙，康熙就把邹一桂喊来，邹一桂看了马上评价，“工则工矣，不入品评”，说画很像很工谨，但是我没办法来批评它，因为它不合我的品评标准。
那么中国画的品评标准是什么呢？宋代黄居案谈到画的神、妙、逸，而且把逸提高到逸神。
后来明清很多人就记着什么是妙，什么是逸，什么是神。
他客观总结前人说：一、图形画得很准，然后一品就没有味道；二、这幅画画得好，但是看久了以后也没有太多的独到之处；三、形好，神也好，能久看久视。
这可以说是神品跟逸品区别。
我看来逸品还不仅仅是这个标准，黄宾虹给逸品的定义特别好。
他说画是上、中、下品：下品是挂在墙上很灿烂，短时间后觉得不好看了；中品挂一段时间还可以看，但是久看还是不行；上品初看不佳，但是时间久了，这个画越来越好，越来越灿烂，与你的生命交融成一体了。
把神品和逸品通称为上品。
实际上逸品更高。
画的定格最难，规矩与方圆，经验与才华的判定比较复杂。
画得太细了，变得很精美，跟高超的画家所说的神、活不同。
这个神、活不能点眼睛，鸟一点眼睛就飞了。
点睛人就活了，那就是突出神，形仅仅是手段，神才是目的。
而形在前人看来很容易落俗套，两个俗字，一个是甜俗一个是恶俗。
甜俗是往心眼里去画，画得特像，没办法增减，特别求“相”字。
一味求似，一味求必须夸好，这有可能进入纤巧，纤巧就是人俗。
古人作画忌纤巧，纤是纤细，巧是精巧。
一味追求这个东西，境界不高大，容易甜俗。
而恶俗，就是一味地强调视觉感受，一味地突破前人法码，生怕人家看不见，看了以后能够退人千里，出一口凉气。
这在前人看来不好，叫恶俗。
这是两个极端。
由此我们要谈到“中正”二字，今天上午王蒙先生讲到“中庸”，这个“中庸”与我们大家平常对中庸的理解是不一样的，中国思想的核心内容的“中庸”，在中国画上是非常重要的。
如果说作画想比较深刻，追求险绝这个境界，最后最重要的是既能险绝又复为平正，不能留在险绝。
留在险绝不高，要复为平正，叫平中见奇，或者平中求奇。
所以三百年来，人人用董其昌的画做范本，董画就好在平淡，平淡天真最难。
恽南田的画也好在平淡天真，永远活在史上的东西，高就高在平淡。
远处一个大湖，近处几颗树，永远是点和长线的拖笔，永远表达深邃的境界，叫不食人间烟火。
每幅画是解读不完的诗，有诗的趣味。
这不仅仅是中国画的至高境界，而且是君子的境界。
追求的是恬淡，不想让人吓一跳。
“恬淡虚无，精神内守，病安从来”，这是必然的。
西方画家要追求叫人吓一跳的视觉效果，必须靠形式趣味，靠抱负的力量，靠形式感觉重如千斤。
所以我们看中国画家心动的时候是如何画的：就像弹古琴的高手有时候不弹了。
饭桌上不弹，光膀子不弹，大厅喧哗之中不弹。
你一个人弹，弹给自己听，给两个人听，最多给三个人听。
