浅析西方现代艺术的审美取向

西⽅审美现代性分析2019-08-16【内容提要】西⽅审美现代性有这样三种范式：第⼀是针对古典美学理性、知识主义的价值取向⽽呈现出来的感性甚⾄⾮理性的范式；第⼆是反对古典美学道德主义的“外在”价值取向⽽呈现出来的审美独⽴的范式；第三是针对现代社会种种“异化”现实⽽呈现出来的⽤“审美之维”批判现代社会的范式。

【关键词】范式审美现代性感性⾮理性审美独⽴审美批判西⽅现代美学虽然流派众多，观点纷呈，但是它超越于古典美学的“古典性”却⼤致呈现出这样三个⽐较集中的范式：⼀、针对古典理性、知识主义⽽来的感性、⾮理性主义范式西⽅传统⽂明的基调是理性知识主义，理性知识⼀直是⼈们的⼀个最⾼理想。

正如策勒尔所说：“希腊哲学在公元前6世纪就⼤胆地并⼏乎是猛烈地踩出了由神话通向理性的道路。

”［1］(p336)充分地信任理性、⽤理性追求知识、智慧的认识态度是古希腊⽂明的基调。

德谟克利特只相信理性，在晚年为了认识真理不受感性的影响，竟故意把⾃⼰的眼睛弄瞎了，由此可见⼀斑。

⼈们问阿拉克萨哥拉⼀个⼈活着为什么⽐不活着好，他说因为活着可以研究天和整个宇宙的结构，可见知识价值取向的第⼀性。

柏拉图、亚⾥⼠多德都把理性知识作为最⾼的标准。

感性在柏拉图那⾥只是⼀匹“劣马”，⽽亚⾥⼠多德也认为感性容易犯错误，所以他逃避想象，认为：“如若⼈以理智为主宰，那么，理智的⽣命就是最⾼的幸福。

”［2］(p228)柏拉图认为⽂学艺术引起⼈情感的“感伤”与“哀怜”，与“真理”隔了三层，所以驱逐诗⼈。

亚⾥⼠多德不驱逐诗⼈，因为他认为⼈们看到艺术模仿⼀个事物之所以感到愉悦，是因为⼈们能从中想起它就是现实中的“某物”从⽽获得了知识。

中世纪更是把世俗的感性享受视为罪恶，⽤绝对理性信仰的禁欲主义和“彼岸”的许诺来压抑感性。

这种理性知识精神随着笛卡尔怀疑⼀切的“我思”得到进⼀步的加强，正如卡西勒在《启蒙哲学》中所指出的，笛卡尔精神滲透了⼀切知识领域，以致它不仅⽀配了哲学，还⽀配了⽂学、伦理学、政治学和社会学。

浅谈西方现当代艺术的脉络及特点西方现当代艺术是指当前西方国家在当代艺术领域中所呈现出的一种新的艺术形态。

这种形式的艺术，一方面融合了传统艺术的元素，另一方面又呈现出了新的艺术风格和特点。

西方现当代艺术的脉络主要源自于二十世纪初期的现代主义艺术，而且在六十年代以来，艺术风格也从抽象表现主义逐渐转向后现代主义。

本文将从西方现当代艺术的脉络及特点两个方面进行探讨。

一、脉络1. 现代主义艺术在二十世纪初期，西方世界的艺术家们开始逐渐抛弃传统的艺术表现形式，而转向一种更加注重抽象和表现感情的艺术形式，这就是现代主义艺术。

现代主义艺术以其自由、抽象、个性化的表现方式，逐渐在西方艺术领域中占据主导地位。

毕加索、马蒂斯等艺术大师的作品，都表现出了其对现代主义艺术的深刻理解和探索。

六十年代以来，西方世界的艺术界开始出现了一种新的风格，即后现代主义艺术。

这种艺术形式不仅继承了现代主义艺术的创新和个性，更加注重对于文化、历史、社会等方面的批判性思考和表现。

后现代主义艺术的出现，使得西方艺术在当代领域中呈现出了更加多元化和开放的态势。

二、特点1. 多元性西方现当代艺术以其多元的表现形式和风格，呈现出了极大的多元性。

无论是绘画、雕塑、摄影还是装置艺术，西方现当代艺术都拥有丰富多彩的内容和表现形式，使得整个西方艺术领域更加丰富和多样化。

2. 文化批判性后现代主义艺术的一个显著特点就是其对于文化、历史以及社会等方面的批判性思考和表现。

艺术家们通过其作品，来呈现对于当代社会的不满和批判，从而使得西方现当代艺术呈现出了更加丰富和深刻的内涵。

3. 技术化西方现当代艺术在其表现形式上往往强调了对于技术的运用和创新。

随着科技的不断进步，艺术家们在艺术创作中引入了更多的科技元素，使得西方现当代艺术在技术上呈现出了更加先进和精密的一面。

4. 全球化随着全球化的加速发展，西方现当代艺术在其内容和形式上也逐渐呈现出了全球化的趋势。

艺术家们常常通过其作品来探讨和反映全球化对于文化及社会的影响，这样的艺术作品既具有当代的表现形式，同时也融入了全球化的元素。

西方审美价值取向的流变西方审美价值取向的流变西方审美价值是指人们对于美的理解和追求的观念体系。

它涉及到艺术、文化、哲学等广泛领域，对于社会的发展和个体的精神追求有重要影响。

在过去几个世纪中，西方审美价值取向经历了多次流变，呈现出多样化的风格和思潮。

在18世纪的欧洲，启蒙运动的兴起给西方审美价值带来了巨大的影响。

启蒙运动主张理性、自由和科学，反对一切形式的势力压迫和迷信束缚。

在这一时期，人们对于美的理解开始强调理性和客观性，在艺术中体现出对真理和意义的探求。

同时，启蒙运动也催生了新的艺术形式和风格，如古典主义和新古典主义。

19世纪的西方审美价值取向则受到了浪漫主义的影响。

浪漫主义崇尚感性、个性和幻想，强调个体情感和体验的表达。

在艺术领域，浪漫主义倡导以人的情感为中心，强调艺术家的情感和创造力的自由发挥，追求对生活和世界深刻而独特的理解。

浪漫主义催生了许多重要的艺术家，如贝多芬、肖邦、雨果等，他们的作品和思想对后世的艺术发展产生了深远的影响。

20世纪初的西方审美价值开始呈现多元化的趋势。

现代主义的兴起对艺术和文化的传统观念进行了彻底的颠覆和重新塑造。

现代主义的审美价值强调对材料和形式的挑战，追求独创性和革命性的表达方式。

在绘画、音乐、建筑等领域，现代主义作品展现出对空间、时间、色彩等要素的新的审美解读。

然而，20世纪后半叶，随着后现代主义的兴起，西方审美价值取向再次发生了转变。

后现代主义对现代主义的理性和客观主义观念提出了质疑，强调个体和社会的多样性和相对性。

后现代主义的审美价值追求破碎、混合、边缘化的表达方式，对过去的传统和权威进行讽刺和颠覆。

这一思潮对当代艺术特别是后现代艺术产生了深刻的影响，使艺术的形式和内容更加多样化和复杂化。

如今，西方审美价值取向正处于一个前所未有的多元化和开放的时代。

全球化和技术革命的影响使得各种文化和艺术形式跨越国界和传统，形成了一个更加多样化和包容性的审美环境。

人们对于美的理解和追求不再局限于某一种风格或思潮，而是更加关注个体的感受和审美经验。

如何对待西方现代派美术如何对待西方现代派美术引言：西方现代派美术是20世纪艺术领域的一次革新，它打破了传统概念，引领了新的艺术观念和审美标准。

然而，如何对待西方现代派美术一直是一个备受争议的话题。

一些人认为它具有先锋性和创新性，为艺术界带来了新的可能性；而另一些人则认为它是对美学传统的背离和破坏。

在本文中，我们将探讨如何正确地对待西方现代派美术，并从多个角度对其进行理解和评价。

一、认识西方现代派美术的价值和特点西方现代派美术以其独特的形式语言和概念体系，开创了前所未有的艺术模式。

它摒弃了传统艺术的被动观看方式，强调了观者和作品之间的互动性。

西方现代派美术通过对形式、色彩、空间和时间等要素的变化和重构，探索着文明、社会和个人心灵的迷思。

西方现代派美术还注重对传统美学的挑战和颠覆。

它打破了传统的艺术规范和规则，乃至艺术本身的定义。

艺术家们以大胆和创新的方式表达自己的情感和观点，挑战了艺术观众的审美惯性。

二、以开放的心态接触西方现代派美术要正确对待西方现代派美术，首先我们需要以开放的心态去接触它。

我们不能片面地否定或盲目地崇拜，而应尝试理解其美学原理和形式语言。

通过深入研究和学习，我们可以获得更全面的认识和评价。

与此同时，我们也需要意识到西方现代派美术并不是一成不变的，它在不同的时期和地域有着不同的表现形式。

我们可以通过参观展览、阅读专业书籍和交流讨论等方式，了解西方现代派美术的多样性和发展脉络。

三、从多个视角审视西方现代派美术在对待西方现代派美术时，我们可以从不同视角来审视和评价它。

以下是几个常见的视角：1.历史角度：我们可以将西方现代派美术置于其产生和发展的历史背景下，深入研究其中的社会、政治和文化因素，并探究其在艺术史上的地位和影响。

通过对历史背景的考察，我们能够更好地理解西方现代派美术的来源和演变。

2.形式角度：西方现代派美术强调对艺术形式的创新和变革。

我们可以从形式语言、色彩运用、材料选择等方面来审视作品的技巧和创新之处。

西方现代艺术赏析心得
西方现代艺术赏析心得
西方现代艺术是指从19世纪末到20世纪末的艺术形式，包括了各种不同风格和表现方式的作品。

在赏析西方现代艺术时，我对其多样性和开放性印象深刻。

首先，西方现代艺术的多样性令人惊叹。

这一时期的艺术家们追求创新和突破传统，他们尝试使用新的材料、技术和表现方式来表达自己的观点和情感。

从立体主义到表现主义，从抽象艺术到装置艺术，每种风格都有其独特的特点和创作方法。

例如，立体主义艺术家将物体分解为几何形状，并从多个角度同时呈现，给观者带来全新的视觉体验。

而抽象艺术则摒弃了传统的图像表达方式，追求直观和情感的直接传达。

这些不同的风格和表现方式为观者带来了多样的艺术体验，使我感受到艺术的无限可能性。

其次，西方现代艺术的开放性也是其吸引人的地方。

与传统艺术形式相比，现代艺术更加开放和自由。

艺术家们不再受限于制约，可以自由地表达自己的想法和情感。

他们通过艺术作品来反映社会、政治和文化的变革，也希望能够引发观者的思考和讨论。

例如，达利的超现实主义作品探索了潜意识和梦境的奇幻世界，引起了观者对自我意识和现实的思考。

这种开放性的艺术风格激发了我对艺术的探索和思考，使我对世界更加开放和多元化。

总而言之，西方现代艺术的多样性和开放性使其成为一种令人着迷的艺术形式。

通过观赏和思考现代艺术作品，我更加了解了艺术家们对世界的不同观点和情感的表达。

这些作品不仅给我带来美的享受，也激发了我对艺术和人类文化的深入思考。

论从“审美现代性”角度看西方艺术——以比较西方传统艺术、现代艺术与后现代艺术的差异为例发布时间：2021-10-21T02:26:55.239Z 来源：《教育学文摘》2021年6月第16期作者：徐丙速[导读] 审美现代性并非为体现于审美活动中的现代性特征，而是呈现为在进行审美活动时对现代性的回应。

审美现代性伴随着现代性产生，它是超越现代性从而对现代性进行批判的，是当代美学研究的重要问题之一。

徐丙速成都师范学院摘要：审美现代性并非为体现于审美活动中的现代性特征，而是呈现为在进行审美活动时对现代性的回应。

审美现代性伴随着现代性产生，它是超越现代性从而对现代性进行批判的，是当代美学研究的重要问题之一。

本文试结合现代派诗人波德莱尔对“modemité”所作解读，从“审美现代性”角度出发阐述西方传统艺术、现代艺术与后现代艺术之间的差异。

关键词：审美现代性现代性波德莱尔一、何为“审美现代性”？在西方的研究中，现代性是指从工业革命以来在社会、文化、艺术等方面所形成的社会特性，现代性处于不断生长的状态之中，不是已经进行完成的艺术形态。

审美现代性则是随着现代性的不断发展，我们从审美角度对正在发生的社会、政治、文化等的批判性回应。

法国浪漫主义作家夏多布里昂是第一个使用“现代性”（modemité）的人，人过在他看来，这个词多带有贬义，指的是当下现代生活中一些低劣与庸俗。

法国十九世纪最著名的现代派诗人波德莱尔对“modemité”以新的解读，在其《现代生活的画家》一文里对“现代性”有了不同的阐述。

在波德莱尔看来，艺术的一半是现代性，体现为偶然的、短暂的；而艺术的另一半则是永恒性。

在对艺术进行研究时，不能忘了自己所处的时代，因为每一个时代都有自己特有的时代美学价值，所以对艺术的研究要结合时势，且不同的时代没有优劣之分。

因为现代性伴随现代生活产生而发展，因此，波德莱尔把表达了新的时尚样式、新的流行元素、新的思想等都与现代性联系起来。

浅析西方现代美术二十世纪，随着资本主义经济和社会的蜕变，与十九世纪资本主义相适应的传统文化转变为现代文化。

文化转型期间，在社会民主思想的影响下，一部分知识分子奋起批判传统文化，投身于创造新文化的运动中。

在思想界，从对普遍人性及自由、平等、博爱的颂扬转向对它们的否定和批判，转向对个性、生命、本能的强调，冲破传统理性对人的独特生存和个性的束缚，恢复和维护人的本真存在，发现和发挥人的内在生命和创造性。

开创了现代西方文化中的人本主义或者说非理性主义潮流。

与思想相呼应，在艺术界，印象派之后，每一名有创新精神的画家，在动笔之前都面临着画什么和怎么画的问题，高更画原始和神秘，凡高画激情和生命，塞尚画结构和本质，他们或多或少都脱离了绘画的传统意义。

在技法上，有人改变空间，减弱明暗，有人学习东方，求教于古人，每个艺术家都在锤炼独具特色，卓尔不群的风格，越来越多的画家在思索，绘画到底是什么?艺术乃至文化的演变有一条规律，就是每当重大转折来临之际，思想界常常对基本概念和价值提出质疑，进行辩论，这种辩论往往能更新世界观和价值观，为艺术和文化的巨变进行思想和舆论准备。

有一个观点被越来越多的人所接受，绘画不是表达某种观点和思想的工具，也不是历史、文学、宗教的图解，绘画姓“画”，不姓“文”，越来越多的画家追求纯粹的绘画性，争取绘画的完全独立，其中野兽派作出了重大贡献。

一战前的十年间，野兽主义出现在法国，法语“fauve”一词意为“野兽”。

一位批评家在1905的秋季沙龙上，看到一件让人想起文艺复兴期间雕塑家多那太罗的作品放在大批色彩鲜明的画作中，便喊道:“多那太罗在一群野兽中间”，野兽派由此得名。

野兽派主要研究修拉和高更的色彩，其鲜艳的色彩，体现在明显笔触和种种色调刺目的宽阔平面上，色块自由构成形状，很少注意细部，如同他们的立体主义同行(布拉克就受到野兽主义影响)。

这些艺术家，使他们描绘的那些传统题材抽象化，此外他们用色彩给他们的画作添加一种极其强烈的情感基调。

浅析西方美术作品中的“优美”和“崇高”西方美术作品一直以来都是世界艺术史上最具影响力的部分之一。

在西方艺术中，有两种非常重要的审美理念，即“优美”和“崇高”。

这两种审美理念在西方美术作品中扮演着重要的角色，影响着艺术家的创作和观众的欣赏。

本文将从不同的角度对西方美术作品中的“优美”和“崇高”进行浅析，希望能够帮助读者加深对西方美术作品的理解和欣赏。

我们来看看“优美”在西方美术作品中的体现。

在西方艺术中，“优美”常常被定义为美的表面上的一种感觉，是一种对形式和色彩的追求和展现。

在西方美术作品中，我们经常可以看到对自然景物和人体的优美描绘。

在文艺复兴时期的画作中，画家们对人体的描绘非常注重比例和线条的流畅性，形成了著名的人体理想化形象。

在印象派和后印象派的作品中，艺术家们常常通过色彩和笔触的表现来呈现出对自然景物的优美表达。

这些作品常常给人以视觉上的愉悦感，让人感受到美的力量和魅力。

除了对形式和色彩的追求，西方美术作品中的“优美”还体现在对情感和意境的抒发上。

在浪漫主义时期的作品中，艺术家们常常通过对自然景物和人物的描绘来表达内心的情感和强烈的情绪，这种情感的抒发往往给人以深刻的触动和内心的共鸣。

在装饰艺术和现代艺术中，艺术家们也常常通过对形式和色彩的处理来表达对生活和艺术的热爱，展现出对美的无限追求。

而在西方美术作品中的“崇高”则表现出对于道德、精神和思想的高度追求。

在西方艺术中，“崇高”常常被定义为一种对人类灵魂的深刻启迪和超然境界的追求。

在古代希腊和罗马的艺术作品中，我们可以看到对神话故事和英雄人物的崇高描绘，这些作品常常通过对形象和故事情节的处理来表达对精神世界的探索和向往，展现出对“崇高”审美理念的体现。

在文艺复兴和巴洛克时期的作品中，艺术家们也常常通过对宗教题材和历史题材的描绘来表达对人类精神境界和思想境界的尊崇，这些作品常常给人以内心深处的震撼和超然境界的体验。

在现代艺术和后现代艺术中，对“崇高”的追求也表现得非常突出。

西方先锋艺术的审美价值和社会意义西方先锋艺术，指的是在20世纪初期出现并风靡一时的现代主义艺术运动。

西方先锋艺术的出现打破了传统艺术的界限，挑战了观众的审美习惯，造成了强烈的社会反响。

这种激进的艺术形式虽然有些奇特，但是它的审美价值和社会意义却是值得我们深入认识的。

先锋艺术突破传统界限，开创新的艺术方向。

在19世纪的欧洲，艺术形式已经形成完整的样式和规范，为大众所接受和认可。

但是，这个时代的艺术家有着对艺术创造的热情和追求，他们决心打破这些规范，寻找新的艺术形式和方向。

先锋艺术体现了无限可能的创造力，重新定义了艺术的概念和边界，让人们对艺术创作有了全新的认识和理解。

德国表现主义、俄国构成主义、法国抽象派、美国艺术家瑞.路德以及二十世纪六十年代的概念艺术都是西方先锋艺术中的代表作品，充分证明了先锋艺术在艺术领域的影响和重要性。

先锋艺术挑战观众的审美习惯，形成强烈的文化震撼力。

这种艺术形式具有非常强的冲击力和颠覆性，让人们感受到强烈的情感和文化震撼力。

比如在当时最具代表性的抽象派艺术中，艺术家不再是按照客观事物的概念进行创作，而是创造出他们自己主观的形意世界，让人们看到了全新的艺术画面，提供了对于图像的完全不同的、自由的解读。

在先锋艺术的激情创作下，观众对于艺术的观念得到了更新，文化元素得到了重新的价值认定，对于传统界限的挑战让人们享受到了全新的艺术视角。

先锋艺术承载着深厚的思想内涵和社会意义。

艺术的价值并不仅在于欣赏时带来的纯粹愉悦，更关键的是艺术家通过作品表达的思想和精神内涵。

从艺术家的创作背景、所处环境、思想观念以及世界观，可以看到先锋艺术深层次的社会意义：比如俄国的崩溃、两次世界大战的血雨腥风，民族解放等等，都给先锋艺术家带来了灵感，让他们创作出了沉重、寂寞、挣扎、疲惫和回归自然的作品。

先锋艺术不仅仅是艺术的另一种表达，更是思想的抒发、灵魂的呐喊，是反映当时历史的一种文化符号。

综上所述，西方先锋艺术的审美价值和社会意义是不容忽视的。

西方现代设计观后感西方现代设计观是指西方国家在现代设计领域的一种理念和观念。

在看完西方现代设计观的相关资料后，我对西方现代设计观产生了一些思考和感悟。

首先，西方现代设计观注重实用性和功能性。

在西方的设计理念中，设计师们更注重产品的功能性和实用性，追求简洁、实用、美观的设计风格。

设计不应该只是为了装饰，而是要满足人们的日常生活需求，解决问题和提高效率。

这点让我深受启发，设计的本质是要为人们提供更好的生活体验和解决问题，而不仅仅是为了追求美观。

其次，西方现代设计观强调个性和创新。

西方国家一直以来都是设计的前沿阵地，他们鼓励创新和个性化的设计风格。

设计师们以别具一格的思维方式去挑战传统观念，寻找新的设计可能性。

这与亚洲传统的审美观念有所不同，亚洲文化中更多强调传统和统一性。

西方的个性和创新观念给我带来了新的思考，唤起了我对于创新和个性化设计的兴趣。

此外，西方现代设计观也体现了对环境和可持续发展的重视。

在现代设计中，环保和可持续发展一直是重要的关注点。

设计师们致力于减少浪费和环境负担，倡导使用可再生材料和节约能源的设计方法。

这种环保意识深深地触动了我，让我意识到设计需要与社会和环境相结合，追求可持续发展的目标。

总的来说，西方现代设计观给我留下了深刻的印象。

从西方现代设计观中，我学到了设计的本质应该是解决问题和满足人们需求，而不仅仅是追求美观。

西方的个性和创新观念也给我带来了新的思考和启发。

此外，我也认识到设计应该与环境和可持续发展相结合，重视环保意识。

在今后的设计生涯中，我将继续学习西方现代设计观的理念和方法，不断探索和创新，为人们提供更好的设计作品。

如何对待西方现代派美术
西方现代派美术，是指西方国家的一些年轻人，为了反对封建主义和资本主义社会的黑暗、腐朽，逃避现实生活中的苦难和不幸，以创造“新艺术”为宗旨，从盲目狂热的“表现主义”出发，经过“立体主义”、“未来主义”、“超现实主义”以及“抽象主义”等流派的演变而形成的一种绘画风格。

现代派美术创作是十分复杂、十分艰辛的艺术劳动。

它不仅需要画家具备丰富的情感、扎实的绘画基本功和灵活运用形式美的法则等艺术素养，而且还需要画家具备勇于改革、不断创新的勇气和胆略。

正因为如此，西方现代派美术作品都是作者精心构思、别出心裁的结晶。

因此，面对琳琅满目、五彩纷呈的西方现代派美术作品，我们一方面要学会用辩证的观点去分析、鉴别和吸取其精华；另一方面还要加强对西方现代派美术形成、发展和其特点、影响等基本知识的学习与研究，从而不断提高自身的艺术素养，正确地认识西方现代派美术的本质和意义，以及它在西方社会以至世界文化发展史中的重要地位与作用。

虽然西方现代派美术强调主观表现和形式创造，但也有一些作品极端否定传统，破坏艺术规律和审美标准。

它们以乖张、怪诞、晦涩、难懂的面目出现，虽然有一定的表现力，但缺乏真情实感，有荒诞不经的倾向。

对于这些作品的评价，我们应采取一分为二的态度，既不能全盘肯定，也不能一概否定。

总之，面对西方现代派美术作品，我们要在理解和把握其本质和意义的基础上，具体问题具体分析，努力做到既不全盘接受，也不一概排斥；既有鉴别地区分，又不脱离作品基本内容而妄加评判。

只有这样，我们才能真正认清西方现代派美术的本质和意义，正确对待西方现代派美术。

欧美审美标准欧美审美标准一直以来都备受关注，其对于时尚、艺术、设计等领域的影响不可小觑。

在欧美社会，审美标准不仅仅是一种个人喜好，更是一种文化、历史、社会背景的体现。

在这篇文档中，我们将探讨欧美审美标准的特点及其对当代社会的影响。

首先，欧美审美标准注重个性与独特性。

在欧美社会，个性被视为一种珍贵的品质，人们追求个性化的表达方式，不愿意被束缚在传统的审美框架中。

这种个性化的审美标准在时尚、艺术、建筑等领域都有体现，例如时尚界的潮流服饰设计、艺术作品的多样化表现形式等。

其次，欧美审美标准强调对细节的关注。

在欧美文化中，人们对于细节的把控非常注重，他们相信“魔鬼就在细节中”。

无论是建筑设计、家居装饰还是服装搭配，都能看到对细节的精心雕琢。

这种注重细节的审美标准使得欧美的设计作品更加精致与优雅。

另外，欧美审美标准偏好简洁与大气。

在设计领域，简约大气的风格一直备受欢迎。

无论是产品包装、广告设计还是网页布局，都能看到简洁明了的设计风格。

这种审美标准反映了欧美人们追求高效、简约生活方式的态度。

最后，欧美审美标准对当代社会产生了深远的影响。

随着全球化的发展，欧美审美标准已经成为世界范围内的主流。

许多国家和地区的设计师、艺术家都受到欧美审美标准的启发，将其融入到自己的创作之中。

这种跨文化的审美交流促进了不同文化之间的艺术交流与融合。

总之，欧美审美标准以其个性化、细节关注、简洁大气的特点，对全球的时尚、艺术、设计等领域产生着深远的影响。

它不仅是一种审美趋势，更是一种文化、历史、社会背景的体现。

我们应该在借鉴欧美审美标准的同时，也要注重本土文化的传承与创新，推动世界各国审美标准的多元发展。

欧美审美标准欧美审美标准是指在欧洲和美国地区被广泛认可和遵循的审美观念和价值观。

这些标准涵盖了艺术、时尚、建筑、设计等多个领域，对于影响人们的审美取向起着重要作用。

在欧美社会，审美标准是一个不断变化的概念，受到历史、文化、时代和个人喜好等多种因素的影响。

然而，总体而言，欧美审美标准具有一些共同的特点和价值取向。

首先，欧美审美标准注重个性和独特性。

在艺术和设计领域，个性化和独特性被认为是最具吸引力和价值的特点。

人们追求个性化的装饰和设计，注重展现自我风格和品味。

这也反映在时尚领域，个性化的穿着和搭配受到青睐。

其次，欧美审美标准强调简约和精致。

在设计和建筑领域，简约、清晰、精致的风格备受推崇。

简约的线条和结构，精致的工艺和材质处理，都是欧美审美标准的重要特点。

这种审美观念也体现在生活方式和生活环境中，人们追求简约的生活方式和精致的生活品质。

此外，欧美审美标准对于历史和传统有着深厚的尊重和热爱。

在艺术和建筑领域，古典主义和复古风格一直备受欢迎。

人们对于历史建筑和传统工艺有着浓厚的兴趣，这种对历史和传统的热爱也影响着人们的审美取向。

最后，欧美审美标准强调自然和可持续发展。

在设计和建筑领域，人们追求与自然和谐共生的理念，注重环保和可持续发展。

自然元素的运用和环保材料的选择成为了审美标准的重要内容。

总的来说，欧美审美标准是一个多元、开放、不断变化的概念，它受到多种因素的影响，反映了人们对于美的追求和价值取向。

这些审美标准不仅影响着艺术和设计领域，也深刻影响着人们的生活方式和生活品质。

对于了解欧美文化和社会，理解其审美标准具有重要的意义。

经验交流浅析西方现代艺术的审美取向申志刚（河北师范大学，河北石家庄050024）【摘要】二战后，西方工业化和信科技化的节奏的加快，丰富和发展了人们的生活，生活节奏进一步加快，人们的情绪和情感表达形式多样化发展，现代主义艺术应运而生。

现代艺术最突出的特征就是对传统的反叛，对于以往的文化符号的定式进行了大肆的否定和怀疑。

荒诞成为一种审美形态，源于西方现代社会与现代文化。

荒诞是一种对人生存在的无意义的状态体悟，有审美意向的象征性，具有怪诞的表现形式，还用来形容人们毫无意义的言谈和行为。

对待新的表达形式，还应以辩证的态度去看待它。

【关键词】情感表达；现代主义艺术；荒诞一、“荒诞”的出现（一）西方现代艺术产生的背景20世纪的两次世界大战，给人们的心灵造成巨大创伤；伴随工业化而来的快节奏加剧了人们的紧张感，传统的艺术表现形式已无法满足人们的精神需求。

科技的发展拓展了艺术家认识世界的视野，他们尝试用新的表现形式和艺术精神进行创作。

流露出艺术家愤怒、消极、悲观、失望等各式各样的复杂心理。

在第二次世界大战后，现代主义继续发展深入，出现了各式各样的表达形式，呈现出不同的主题和内涵，反映了那个时期西方各国艺术家、知识分子们的精神困惑。

每种文化都找到了它独特的表现形式，人们面对这些令人眼花缭乱的艺术形式，会感到一时的新奇和刺激，也对到底什么是艺术产生了长久的迷惘。

它颠覆了西方的传统艺术，但又造就了人类对人类自我本真态度的表达。

从西方美术发展历程来看，西方现代主义思潮起源于法国后印象主义画家塞尚，高更和荷兰画家梵高。

第一次世界大战给欧洲各国留下了极为惨痛的创伤，一批青年艺术家出于对社会的强烈不满，由于对人类原有的一切感到厌恶，所以要否定一切，破坏一切。

由于这种艺术思潮区别于过去的艺术思想，被称为西方现代主义艺术思潮。

（二）何为“荒诞”荒诞成为一种审美形态，源于西方现代社会与现代文化。

从内容上来说，荒诞更接近于“悲”，因为荒诞展现的是与人敌对的东西，是人和自然、社会最深的矛盾。

审美形式：艺术——浅探西方现代艺术理论走向审美形式，或者说艺术形式，是二十世纪艺术理论中最为重要、最富有启示性的一个概念，它的提出不仅是对现代艺术实践的崭新发现和理论总结，亦是对有史以来一切关于艺术本质的重新思考和对传统艺术理论的质疑与挑战。

探究这一概念的内涵意义及创新之点，这将有助于我们更好地理解艺术的本质及其形式与内容的辩证关系，为建构真正符合艺术创作实际的理论体系提供参照。

一、审美形式的内涵西方艺术实践从古典向现代的转型发展，是西方二十世纪艺术理论发生和发展的基础。

面向新的艺术实践，现代艺术理论家提出了诸多具有新的内涵的“形式”概念，如：贝尔的“有意味的形式”，苏珊•朗格的“情感的表现形式”，以及后来马尔库塞提出的“审美形式”等等。

这些概念的表述虽有差异，但它的精神实质却是相通的，无不是针对传统的“形式”概念而发，无不是强调艺术形式的审美自足性，据此我们可将之统一称为“审美形式”。

那么，审美形式的具体内涵是什么？马尔库塞在他的《审美之维》中曾明确说道：“所谓‘审美形式’，是指把一种给定的内容（即现实的或历史的，个体的或社会的事实）变形为一个自足整体（如诗歌、戏剧、小说等）所得的结果。

”在马尔库塞看来，审美形式的确切含义应是指造成艺术品内容的能动的结构形态，艺术品正是由于其形式才生成为独立自足的和谐的整体。

用他的另一句更为精辟的话来概括就是：“形式是艺术本身的现实，是艺术自身。

”将艺术形式明确界定为“审美形式”，并将之看作是艺术作品本身，艺术作品的整体显现，其意在说明艺术形式绝非是披在作品内容上的外衣，或盛装内容的一种容器；审美形式作为艺术作品形成的标志，是艺术品的整体表现本身。

本然与表现内容不可分割，它已是内容化了的形式。

审美形式的这一内涵显然从根本上颠覆了传统的艺术形式理论，给予艺术形式以本体论的地位。

最先从理论上关注现代艺术并提出新的艺术形式观的是克莱芙•贝尔，他的影响深远的“有意味的形式”说，有力地突破了传统的形式概念，为现代艺术理论的发展奠定了基石。

深入了解西方现代艺术，把握正确审美方向高中美术鉴赏课的开设是以审美教育为核心，培养学生健康的审美情趣和感受、体验、鉴赏艺术的能力，寓思想品德于教育之中，陶冶情操，提高修养。

然而自古至今，艺术作品浩如银河，可谓异彩纷呈，既有高贵、单纯的古希腊艺术，又有中世纪神秘、静穆的宗教艺术，文艺复兴的激情和活力以及西方现代艺术的光怪陆离。

其中西方现代艺术与古典艺术可谓两个审美的极端。

高中阶段的学生究竟应该怎样甄别、把握审美的倾向，成为一个至关重要的课题。

它关系到广大青年学生的审美理想、趣味乃至个人世界观的建立，因此我们不得不从深层次上挖掘、讲解，使同学们有一个较为透彻的理解。

我们先谈一谈被称为“现代派”的美术，是指20世纪以来具有前卫和先锋特色、与传统美术分道扬镳的各种美术思潮和流派。

19世纪末即开始流行的“绘画不作自然的奴仆”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“绘画语言自身的独立价值”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础。

形象的怪诞和情感的冷漠，是西方现代艺术作品的一个显著特点，怪诞形象直接反映了人们被扭曲的心灵，是人们面临一系列社会问题所经受精神折磨的艺术化表现。

仔细分析它的产生有两方面的原因：一是人类社会进入资本主义的发展阶段后，现代工业文明改变了人与人之间的关系，也改变了传统的生活方式，导致了人文精神传统的萎缩，艺术家企图以一种艺术的手段，借以发泄自身对现实的忧伤、恐惧、隔绝、痛苦的心理情感，而对客观形象进行夸张、变形乃至怪诞的处理。

二是20世纪70年代后，随着信息化时代的到来，人们接受信息和传达信息的方式产生了本质上的变化，那种面对面的情感交流方式陷入了苍白、空虚和彷徨的时期，新的情感交流方式已被现代的媒体形式取代，许多信息都是靠计算机和网络加以沟通的。

这种交流方式的转化，使人们对视觉美的理解也有所改变。

自从《蒙娜丽莎》被加上男人的胡须，随之而来的是以小便器和随意焊接在一起的破铜烂铁等充当艺术，出现了“装置艺术”、“行为艺术”、“无形绘画”等“垃圾艺术”，使得过去被认为是呆板、丑陋的东西又有了新的审美解释。