蒂姆伯顿电影《剪刀手爱德华》中的哥特元素解读
上海大学王倩
摘要：美国电影导演蒂姆伯顿是国际知名的鬼才导演，是哥特式风格影片的集大成者。他在设计形象、艺术创造与意象架构中有着独特的手法；其惯用的黑色幽默、晦涩光影、阴郁格调、独特视角、隐晦寓意及符号性画面树立了当代哥特主义风格电影的典范。本文以最具蒂姆伯顿风格的哥特电影：《断头谷》、《剪刀手爱德华》、《僵尸新娘》等作为文本分析对象，并从这些电影中选取最具代表性的哥特元素的符号，以此来研究哥特元素与电影的关系，进而探讨蒂姆·波顿电影的哥特艺术内涵。通过研究蒂姆伯顿作品，有助于了解哥特电影中独具匠心地人性探讨；让观影者了解哥特电影不仅是表象下的黑暗、恐怖与阴郁，其深层次的内涵亦隐喻了人性伦理的取向。
关键词：蒂姆伯顿;哥特元素;哥特电影;黑色童话
Abstract:American famous film director Tim Burton is bloody genius, and is the epitome of Gothic Style film. He uses unique technique to design image, create art and construct idea. His familiar black humor, obscure shadow, gloomy style, unique visual angle, veiled moral and symbolic image set a model for modern Gothicism film. this thesis selects the ones with the most Tim Burton's personal style,such as:Sleepy Hollow，Edward Scissorhands，Corpse Bride，as the texts to be analyzed，it selects the most representative symbols of Gothic elements from these films，and use them to study the relationship between Gothic elements and films, and thus further discuss Gothic artistic connotation of Tim Burton’s film. Studying Tim Burton’s works will help learn ingenious discussion in Gothic film; help audience know that Gothic film is not only dark, terror and depression under presentation but also the depth connotation of which is also orientation of ethics of human nature.
Key Words:Tim Burton;Gothic Element;Gothic Film;Comedy Makes You Cry
一、序言
曾记否，在我们的导演课上老师提到，“天才的导演，开辟新天地；雄才的导演，肃穆其灵魂；伟大的导演，重塑吾三观；鬼才的导演，涤荡其心神……”①时隔数载，每每想起当时的情景，一幅幅静止的画面映入眼帘。如果说天才创造了电影的世界，那么，鬼才则塑造了电影的灵魂。一部《僵尸新娘》、一本《牡蛎男孩忧郁之死》，在影像的时空与文字的天地，蒂姆伯顿为我们勾勒出了黑色童话的梦幻意境。笔者在领略了鬼才导演蒂姆伯顿天马行空、俯仰天地、纵横无疆、恣意飘洒的影视经典之后，自内心深处好似有了一丝悸动，仿佛一阵狂风袭过，哥特艺术的风骨蔚然于前……
目的和意义
1、研究的目的：
蒂姆伯顿是闻名于世的鬼才导演，是美国好莱坞不可多得的天才。在其导演的《剪刀手爱德华》、《僵尸新娘》、《断头谷》等作品中体现了他在设计形象、艺术创造与意象架构中独特的错位描摹、隐喻表达、象征手法；其惯用的黑色幽默、晦涩光影、阴郁格调、独特视角、隐晦寓意及符号性画面树立了当代哥特主义风格电影的典范。近年来，哥特风格电影非常流行，蒂姆伯顿是公认的哥特电影导演，每一部作品都有着鲜明的个人风格，其作品具有代表性，饱含人文概念，用独特的视角审视社会，饱含希望和对美好的向往。而黑色童话像是成年人的读物，透过美好的外壳,光彩之下是与之彻底分歧的内在，如黑色一般昏暗，消极。体现对现实世界的控诉，对美好事物的疑惑。黑色童话以诡异和唯美为主，风格鲜明是影片的主旨。本论文的目的在于研究黑色童话的魅力不仅仅是杀戮与恐惧，而是典型的哥特式风格的黑暗融入温情美好的童话中后，那种如同黑色给人的印象一般，让人产生无法自拔的怪异观影感受。这就是哥特风格电影的独特魅力所在。
2、论题的意义：
蒂姆伯顿的作品常被人称为“黑色童话”，其作品中明显的诡异、黑暗和恐怖是他的特色，与好莱坞其他的童话风格不同的，他的的象征意义直接而感性，往往很容易触动人们的心灵，就像童话吸引孩子一样。但暗黑童话是写给成年人的童话，在这些故事中，或实际或荒诞，或表露或埋没。暗黑风格是此类电影的主旨。在某个角度上控诉了现实生活中人类与社会的黑暗。但同时也饱含幽默、浪漫、美好的元素存在。“虽不是恐怖片，但在观影之后也会感到充实，满足生理和心理的双重需要，在内心深处产生强烈的震撼。”②所以黑色童话虽表现出的是孤独压抑，但其深处则体现了对人性的追求。通过研究蒂姆伯顿的作品，可以有助于了解哥特风格电影中对人性的探讨与深入，让观影者明白哥特电影不只是表象下的黑暗恐怖与阴郁，其深入则体现了对人性美好的向往。
（一）内容与结构
1、论文中心内容
本文首先会对蒂姆波顿电影作品的哥特主义风格做出研究分析，包括哥特文化以及哥特元素的解析。然后分析哥特式建筑对蒂姆波顿电影的影响；接着以蒂姆波顿最具代表性的哥特风格电影：《剪刀手爱德华》作为分析的对象，从故事情节、电影叙事、电影主题等方面做出全面的分析；最后结合导演的生平，从他的电影中选取代表性的哥特元素符号，以此来研究蒂姆波顿电影的哥特元素与其表达的审美意蕴，分析其电影中表达的哥特精神。并瞻望哥特电影在日后的发展，探讨哥特风格的实践与应用。
2、影片整体构架
蒂姆伯顿电影多为多重视角叙事结构,打破传统单一叙事模式,从而构成更为完整、客观的事实。多角度，多层次展现出人物庞大而丰硕的性情，从而实现影片的多元化成长。
二黑色童话中的哥特艺术探究
（一）哥特艺术
1、起源
哥特( Goth)一词最早来源于欧洲早期一个叫哥特的部族，“哥特人是欧洲日尔曼民族的一支，大致分布在多瑙河流域，也有人说他们其实是分布在斯堪地纳维亚地区的原住民。”③“在历史上，这个部族以“野蛮彪悍”、“嗜杀成性”而闻名于世，他们数次进攻罗马帝国，烧杀抢掠占领村庄。哥特人野蛮凶狠、骁勇善战在欧洲人心目中留下了很大的创伤。哥特人的民族风格给西方文明打上了深刻的烙印。在欧洲文明的语境里，哥特人就是野蛮人的代称，哥特就是“恐怖”、“愚昧”、“无知”的代名词，这是“哥特”一词的最早含义。”④
2、哥特式建筑
“哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲的一种建筑风格，常被使用在欧洲主教座堂、修道院、教堂、城堡、宫殿、会堂以及部分私人住宅中，其基本构件是尖拱和肋架拱顶，整体风格为高耸削瘦，其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。”⑤
哥特建筑的出现，是“哥特”一词重新出现在西方主流文化视域里的先声。从12世纪开始，哥特风格在宗教建筑之外的领域，如雕刻、装饰、绘画等方方面面广泛流传开来。哥特主义风格也正是从这些哥特建筑及其周边相似环境中找到灵感而产生的。
（二）哥特影像
1、墓地
墓地是哥特电影中重要的元素之一，无论是僵尸新娘中的荒郊野外，还是断头谷里一开始就出现的那阴阴森森的一片。墓地在哥特电影中有着十分重要的地位。影片《断头谷》中克莱思警官初到断头谷镇，首先看到的是小镇入口处那一大片恐怖的墓地，阴森恐怖的墓碑随意排列，荒凉的大地后面是没有一点生机的小镇，克莱思提着大皮箱沿着墓地中间一条蜿蜒曲折的小路缓慢行走，背影坚毅，没有一丝胆怯。这一幕意味着前方未知的命运。
墓地象征死亡，在影片中不断呈现的墓地，不仅推动了故事情节的成长，而且通过对死亡的深入，表现对生的渴望及对生命的珍惜和热爱。理性对待死亡，也许我们可以像克莱思一样揭开其中的奥秘，拯救无辜者的生命，彰显正义，泯灭邪恶。哥特电影正是通过死亡来表现比生命更可贵的正直与善良的意义。
2、光影
在对光影的运用上，几乎所有哥特风格影片都有自身的模式，光影的效果与影片的风格有着极大的联系。光线明亮象征美好和欢乐；光线黑暗代表恐惧和邪恶。在波顿的作品中，光亮和黑暗都带有其独特的意蕴，对光影的独特见地造就了波顿电影独一无二的光影效果。在影片《剪刀手爱德华》中，爱德华首次出现在看似阴森恐怖但其实里面却光明美好的神秘古堡里，阳光的暖色调和绿色的植物相映，暗示爱德华如孩子一般纯洁的内心。爱德华被推销员佩格带回小镇，而看似色彩缤纷的小镇实际则处处充满窥探、猜忌、私欲甚至罪恶，爱德华一次一次被人误解，终于爆发，甚至杀死吉米。最后爱德华回到最初居住的古堡，在那里像以前一样过着平静的生活。
在这部影片中，导演运用幽暗的古堡和色彩明亮的小镇产生强烈的色彩对比，色彩和人物之间的错位都为影片增添视觉趣味，使人物性格更加鲜明。让观影者更加感性的了解哥特电影传递的人性中的善与恶、美与丑、得与失。
3、教堂
哥特风格电影代表元素的着重体现之一是哥特式教堂，在《僵尸新娘》《理发师陶德》等电影中重复出现。影片中呈现的教堂大多都是石质修建，表面肃静神圣、气势恢宏，挺拔的形体加之顶部耸立的尖塔，让人感到变幻莫测。教堂内部极其朴实，几乎没有什么装潢，高峻的石柱、镶嵌着艳丽缤纷的玫瑰花窗，高耸的拱顶在阴暗的光线下若隐若现。影片《僵尸新娘》中，那座小镇旁边的教堂，显得呆板阴森，与阴云密布的夜晚融为一体，让人感觉不到温暖、看不到希望。影片中维多利亚雨夜翻窗到教堂求助于神父，渴望找到救助维克多的方法，可这位有着尖后背、尖鼻子和尖下巴的神父不仅没有帮助她，反而拒人于千里，还嘲笑她失去未婚夫，并谴责她亵渎神明，最后把她绑回了家。一个本应慈悲为本、传播真善美的神父却背信弃义，成为买卖婚姻的爪牙。影片中教堂的建筑造型也是有其用意特点，这座教堂在形状上不具备其他教堂应有的的雄伟气焰，甚至连本应色彩绚烂的玫瑰花窗也显得黯淡无光，尖顶在低矮粗笨的塔身映衬下显得非分特别凸起，整座教堂很“尖”，，恰与片子中有
着尖鼻子、尖下巴的神父的形象很是接近，让人望而却步，这里不再是信徒眼中与天主对话的神圣之地，而是监禁魂灵的牢笼。
但在影片结尾，艾米丽平静地走出教堂，新娘头纱随风扬起，她洁白的侧脸在月光下散发着美丽的光芒，随后躯体幻化成万千白色蝴蝶翩然远去。在洁白的月光中，原来阴暗的教堂也重现洁净高贵的外观。教堂本应有的样子和寓意也随着艾米丽的升华而重拾光芒。
三蒂姆伯顿电影《剪刀手爱德华》中的哥特元素解读
在一座深色灰暗、幽静神秘的古堡里，据说住着一位机器人，他有着一副奇怪的剪刀手。镜头转回小镇，一个老奶奶在温暖的房间里给孩子讲着故事，哄她入睡，窗外漫天飞舞的雪花在飘落，老奶奶给孩子讲着剪刀，讲着古堡，镜头又转入古堡，思绪也随之转入古堡，古堡里出现爱德华的样子，故事即将开始。《剪刀手爱德华》就这样呈现在观众面前，浓厚的哥特童话氛围随之蔓延开来。
（一）哥特式的故事情节
在美国的一个小镇里，一位发明家制造了一个机器人爱德华，并被其当作儿子养大。正当发明家要完成爱德华给他装上双手时，却意外身亡，从此爱德华只能保持剪刀手的形状。镇子上推销员佩格误入山上的古堡,这里面到处都是美丽漂亮造型各异的植物，正当佩格惊异于此的时候，她发现了形象古怪的爱德华，佩格怜悯爱德华,将其带回了家。爱德华在小镇上用他独特的剪刀手把树木修剪得绮丽多姿，同时还给邻居们设计修剪发型，小镇上的人都很喜欢他，佩格的女儿金也爱上了他。但金的男友吉姆讨厌爱德华，经常有意无意找他麻烦。吉姆为了筹钱买车，让金怂恿爱德华撬开自己父亲的房间，却不料房间有警报，导致爱德华被警察带走。虽最终被保释，但邻居们却怀疑起来爱德华的品格，并不在喜欢他。圣诞节将近，爱德华在院子里精心雕琢冰雕。金被爱德华雕刻时雪花满天的美景所迷醉，不由自主地跳起舞来。这时吉姆突然造访，爱德华不小心划破了金的手，被吉姆借此攻击，爱德华生气离开。金的弟弟凯文在回家的路上差点被醉酒驾车的吉姆及其朋友撞倒，爱德华恰好路过救下了凯文，手忙脚乱之下却不小心划伤了他。赶来的邻居以为是爱德华要伤害凯文，报了警。爱德华慌忙逃离小镇回到古堡中，金追到了古堡，与爱德华相遇。紧跟着金来的吉姆忽然出现，与爱德华厮打。爱德华为了保护金不受伤害，失手杀死了吉姆。爱德华和金相互表明爱意，但金为了保护爱德华不受伤害，只能忍痛分开，向邻居诉说他们互相残杀都已死亡，并且回到了小镇，从此再未相见。
本片的故事荒诞离奇，紧张刺激，以机器人与人类相处为题材，以人性的猜疑与丑恶为线索，不断出现曲解、利用以及人道的邪恶，哥特式精髓贯穿全片，机器人生活在人类中间，使整部影片充满看点，让人兴趣盎然。
（二）哥特化的故事场景
《剪刀手爱德华》中爱德华所住的荒野古堡，厚重的石壁、狭小的窗户、幽黑暗的光线，与世隔绝，孤零零矗立在远离小镇的山坡上；但当人进入古堡时才会发现里面竟是世外桃源，充满趣味的园艺、郁郁葱葱的植物、形状各异的造型、纯净透明的冰雕，这里其实是一个远离世俗的奇妙世界。
影片开篇便是暗色调的灰暗古堡大全景带入的画面，古堡是影片中至关重要的环境，积满灰尘的铁门，室内微弱的光线，冰冷的机械装置，以及残破的蜘蛛网都暗示古堡已经有很多个年头了。是处被忘记的地方，也寓意着爱德华在没被推销员佩格找到之前的孤寞落寞。这样的古堡为故事带上了神秘的幻想色彩，也告诉我们就是这样一个与世隔绝的世界，才能远离人世纷扰，给爱德华一颗纯洁的赤子之心。与古堡相反的是小镇上的色彩斑斓，那里颜色明亮，光线柔美，但背地里却充满污秽，人们之间相互猜忌，心生罅隙.在这部影片中，
多彩是世俗的颜色,而古堡的单一颜色则暗示爱德华纯粹的心灵,这两者之间形成强烈的反相对比。如童话一般的小镇充满危险，而冷酷的古堡却充满温暖和善良。蒂姆伯顿的电影擅长运用两种风格各异的故事场景展现冷与暖、黑暗与光明、正义与邪恶的主题鲜明的哥特风格电影。
（三）哥特元素的主题渲染
蒂姆伯顿怀着孩子的心境，用一部色彩鲜明的影片讲述了一个纯真、忧伤、略带黑暗的结局并不美好的成人童话。故事的最后，王子和公主并没有与常规故事一样幸福的在一起，王子自己回到冰冷荒凉的古堡继续挥舞自己的剪刀手雕琢树木和冰雕，而公主则留在小镇一直到老。影片着重展现人性善与恶，美与丑，得与失，用一种童话的方式剖析人性的弱点和社会的黑暗。由阴晦看到光亮，由丑陋看到美好。让人们通过这样一部反差明显的影片看到现实的景象。
影片中，爱德华经历误解与迫害但仍旧单纯善良，金为了爱德华不受欺负找到一把废弃的剪刀对人们说爱德华已死。哥特电影的寓意就源于这些鲜明的人物性格塑造。导演总能让观影者在荒谬的人物身上感受到最纯粹的情感表达。
爱德华被吉姆赶走以后，落寞的坐在街头，一只毛茸茸的小狗跑过来陪他，爱德华脸上露出了一个轻轻的微笑，并小心翼翼的帮小狗剪掉了遮住眼睛的一小撮毛。这样的画面温暖又让人心酸，小动物都可以毫无理由的亲近爱德华并愿意陪伴，但人类却不可以。爱德华无疑是善良的，他的单纯善良可以拯救被毛发蒙蔽双眼的小狗，却对被世俗蒙蔽内心的人们毫无办法。这正是导演创作电影的用意，在这样被人们误解、污蔑谩骂，经过殴打和警察的惊吓，爱德华依旧对这个小镇充满爱意。这简单的一幕让人感到温暖，并充满希望。这部影片利用童话中的纯真来展示现实的黑暗，使观影者感受到导演对于世俗贪慕、自私、流言、欺骗等丑陋行为的强烈批判和讽刺。
四哥特电影风格的实践应用
（一）影像造型之于人物塑造
人物的心路历程
蒂姆波顿电影中塑造的人物也极具哥特风格，他们大多面色苍白、头发杂乱、眼神单纯、说话迟疑且飘忽不定，有着敏感、孤独、忧郁的人物性格。他们有着过于白的皮肤，浮夸的烟熏妆、突出黑眼圈及空洞的眼神。服装造型突出中世纪的古典气质，通常采用不对称的剪裁方式，强调衣服的设计感、神秘感和邪恶感：紧身黑衣、尖头皮靴和造型古典的银饰。这些都是伯顿电影中经常出现的元素。在蒂姆波顿的电影里，主角的身份通常不被世人所接受，但在他们异于常人的外表下却深藏着高贵的心灵和圣洁的灵魂，以及对内心的执着与坚守，在导演看来，身体只是一副皮囊，心灵才是生命之本。
如影片《剪刀手爱德华》中的爱德华，他看起来面色惨白布满伤痕，行动迟缓，肢体僵硬，而且还有一双锋利的剪刀手，但是他内心却是一个敏感善良孤独又缺乏安全感的孩子，他努力表现想融入人群，却不断遭遇嫌弃与误解，他虽外表怪异，但是对人类而言，却有着最高贵的内心。
在蒂姆伯顿的作品中，正面人物并不是那些看起来高大威猛英勇的传统英雄形象，反而是那些看起来平凡甚至怪异的小人物。他们的外表并不出众甚至奇异，但是他们会通过一些事情来表现人格的提升与内心的升华。他们会变得坚强，变得充满勇气，完成一系列的蜕变，最终感悟到生命的真谛。
（二）故事格调之于主题表达
1小人物的另类表达
蒂姆伯顿年少时的特殊经历，使得他很关注那些孤独的小人物，他们都是卑微地存在于世界
的某一个角落,一直坚信未来会光明美好,但却始终无法实现的类型。波顿电影中的主角，从剪刀手爱德华到圣诞夜惊魂的杰克、僵尸新娘的未婚夫维克多等都是一样,他们面色苍白,表情呆滞,敏感而忧郁,他们性格孤僻，总是在自己的奇特世界中游荡着。他们无法融入社会，社会也不愿接受他们。这些小人物不能得到别人的认可，却始终渴望得到承认。波顿用自己的方式对这样的灵魂表示了悲悯和尊重，并对他们的生存际遇有着深刻的思考。
波顿电影中这些游离于社会之外、努力追求自我的小人物，外表奇特，身份特殊，但他们的灵魂却圣洁而高贵，从不放弃对美好和希望的执着和坚守。但是这些小人物却从未融入过社会的大环境中，自己的坚持与的奋斗会一次次被庸俗的世人无情打压，无边的空虚和失望常常包围着他们，让他们产生痛苦与失望。他们终究只能被迫回到属于自己的小天地里。这种努力奋斗但却以失败告终的无奈使得影片呈现出一种奇特的美感。
蒂姆伯顿哥特风格的电影深层次体现了人类对自我内心世界的究极探讨。当今社会，人类过分追求物质欲望，却对精神世界置若罔闻。波顿的电影试图通过关注这些被冷落的小人物的命运，唤醒当今在精神漩涡中挣扎的人们的内心世界。他们虽然面相恐怖，但是波顿赋予他们单纯善良的品质，希望以此触动这些日渐冰冷麻木的心灵。这些小人物的身份设定使他们注定摆脱不了命运中的孤独。波顿哥特风格的电影是通过讲述一个个小人物的故事叙述生命中的永恒孤独。
2对抗与死亡的突出
蒂姆伯顿电影中塑造的哥特精神世界，有着最黑暗深邃的恐怖、悲痛欲绝的死亡以及禁忌的爱，这个世界就是人类精神世界中最黑暗的一面。看起来与主流社会提倡的所有正确观念观背道而驰，但是波顿试图通过电影里中心人物对抗主流的对抗，甚至血腥复仇来表达主角对命运的抗争，以此寻找人生的意义和价值。“哥特”就是对生活现状不满的发泄方式，是一种思想的体现，并非代表黑暗死亡,而是一种讽刺社会、直面人性内心的表达。
虽然在蒂姆伯顿的电影中，爱德华对抗的结局是孤独地重返古堡、文森特叛逆的结局是在自己的想象中死去、陶德复仇的结局是杀死仇人的同时也杀死了爱人。但是这些悲伤的结局并不表明一切都是徒劳无功的。如果爱德华不走出古堡，他就无法收获爱情，如果文森特一直规矩乖巧，观影者又如何领略那个异想天开的美妙世界？如果陶德屈服于命运的安排，恶人则会逍遥法外。波顿总能从一种非常规却饱含人性关怀的角度去关注这些小人物，在他们对抗、复仇的过程中，表达主角对命运的抗争，以此来寻找人生的意义和价值。
“死亡在哥特电影中的审美价值具有两方面内涵：一是通过死亡可以充分展示比生命更可珍贵的真与善的价值：二是艺术本身，通过艺术的表现可以将死亡的恐怖转化为美感。”⑥对于死亡的描绘，在电影里并没有成为最可怕的阴暗，有时恰恰成为最明艳的色彩。
在沉迷于死亡的表像之下，蒂姆波顿的影片也在于对社会现实及人类本源的关注。将美好和希望隐藏其中，试图通过强而有力的声音呼唤心灵。波顿用自己独特的想象力和创造力剖析人性与社会的悲哀，通过渲染“死亡”，激起人们对欢乐、痛苦、孤独等问题的思考，从而让人们懂得珍惜生命、学会更好的生活，而这才是波顿真正的创作意图。
“面对死亡，人类一筹莫展，它甚至还是茫茫宇宙的必然归宿。死亡的审美价值从根本上说，便在于人类怎样以他的自由精神来超越对死亡的恐惧和困顿。死亡越可怕，生命越珍贵。生命意味着欢欣，它是美的；死亡意味着痛苦，它是崇高的。”⑦
结论
每一个爱看蒂姆伯顿电影的人都知道，“爱”是其电影的终极主题，每一个观影者看过之后都会有所感悟，回归到自己的内心深处去寻找答案。蒂姆伯顿的电影将哥特艺术演绎到极致，他以奇异的构思、瑰丽的逻辑将错位、无知、愚昧的生命与情感宣泄于隐喻、恐怖的
象征空间，流露于晦暗、阴郁的精神世界，并赋予电影持久的生命力，使观众久久地沉寂于叩响心门的鸣声中。
蒂姆伯顿就像影片中的主人公一样，沉迷于自己的内心世界，不愿为现实让步。“他电影中的哥特风格的童话世界，像是给影迷一剂逃避现实的强有力的麻醉剂，大家会在自己的梦中跟随伯顿那颗不活在现实生活中的大脑一起飞翔，在他那充满狂想和四季如风似的明亮风景中迷离陶醉。”⑧在他的影片中,无论是寓真于幻还是寓幻于真，都是将荒诞与现实有意地结合起来，因此，蒂姆伯顿的影片将人的生活理想与情感世界融如影片中幻想的世界，并借着幻想来满足自己对世界的期望。他借助于哥特风格中怪异和恐怖、美妙和奇幻来展示人类在现实生活中难以实现的欲望和情怀，渴望在幻想中重建被遗忘的童话世界，亦或这才是蒂姆伯顿黑色童话电影真正的精神内涵所在。
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第六代和第五代导演的艺术风格分析 前言：第六代导演贾樟柯的《二十四城记》横空出世，引起了巨大的反响，关于其艺术形式的争论一直未曾平息。从《二十四城记》展开到贾樟柯的电影风格，我们回到他的生活成长的年代，回到那些中国沧桑巨变的时代，从而也回到了有着共同经历的第六代导演的生命中。从第六代导演的创作风格和创作内容出发，体验他们的年代和有着更多经历的第五代导演的年代。从创作风格和艺术追求的角度划分开来，第六代导演和第五代导演在人生经历有着巨大的差异，而他们走过的道路也是大相径庭。这里，我们主要讨论第六代导演和第五代导演在创作上不同的风格和艺术追求。 关键词：《二十四城记》《站台》贾樟柯第六代第五代陈凯歌张艺谋《黄土地》《红高粱》好莱坞《英雄》电影市场 正文： 《二十四城记》是最近比较关注的电影，来自于第六代导演的代表贾樟柯。关于这个以贾樟柯为代表的这个导演群体，是否可以称之为第六代一直是值得讨论的问题。我个人觉得，第六代并非是一个非常明显的整体性导演群体，他们并没有共同的美学观念和共同认可的
艺术主张，即使他们都是很独立的导演。他们被冠以第六代的导演，或者更多是因为他们不属于第五代这个群体，他们的年龄和电影观念都不同于第五代。第五代导演，如陈凯歌，张艺谋，田壮壮，吴子牛等人，他们形成了接近的风格，主题比较沉重，低调的拍摄，长镜头，情节减少，影像因素增多，主观性、象征性、寓意性特别强烈，渴望通过影片探索民族文化的历史和民族心理的结构。而第六代的称谓，更多的是将他们从第五代导演的年龄段和艺术风格中划分出来。 从这个角度讲，我们可以把他们称之为第六代导演。 第六代导演一般生于上世纪六十年代后期到七十年代中后期，在八十年代末到九十年代进入北京电影学院或者中央戏剧学院等学校接受正规影视教育的青年导演，以及一些热爱电影的自由职业者，代表包括贾樟柯，张元，王小帅，陆川，娄烨，路学长等人。 贾樟柯1970年出生在山西汾阳，由于看了《黄土地》而产生了对电影的热爱，在1991年报考北京电影学院，直到1993年才考上电影学院文学系。贾樟柯就是一个在文革时期出生，在改革开放潮流中成长起来的一个人，巨大的历史变迁极大的影响了贾樟柯的艺术风格，甚至是刻在贾樟柯电影上的标签。 贾樟柯很明显是一个有着狂热艺术追求的青年导演，为了实现他的导演梦，组织了青年电影实验小组，全身心投入电影实践。《小武》
我对世界动画电影大师的认识 我看动画有十几年的历史，从小时候的《铁臂阿童木》到《狮子王》，再到现在的《海贼王》和《无敌破坏王》，每一部动画都经历着时间的推移带来的影响，包括美术风格，配音，配乐等外在的表现形式，也包括表达的主题内涵，动画制作者的用心等内在表现形式的变化和发展。 看了《世界动画电影大师》这本书后，我了解到动画片背后的东西，比较详细的关于制作人的当时的所见所闻，他们的经历给他们创作的动画是紧密相关的，包括作品风格和内涵，也就验证了一句话，每个人不同的成长环境早就了每个人不同的个性。 其中有一些我喜欢的动画电影大师，包括日本的宫崎骏，大友克洋，美国的蒂姆波顿。我从小就对观看日本的动画产生了浓厚的兴趣，可能由于当时国内动画产量低，电视台大量引进日本的动画片，也可能是当时是日本动画的黄金时期，高质量高产量的动画不仅牢牢占据本国市场，还进行大量的海外输出。也有可能是日本和中国属于一个相同的东亚文化圈，看日本动画总有一种亲切感，一种说不出来似曾相识的感觉，而欧美动画就完全没有这种感觉。 宫崎骏是日本著名动画片导演，他可以说是日本动画界的一个传奇，可以说没有他的话日本的动画事业会大大的逊色。他是第一位将动画上升到人文高度的思想者，同时也是日本三代动画家中，承前启后的精神支柱。宫崎在打破手冢巨人阴影的同时，用自己坚毅的性格和永不妥协的奋斗又为后代动画家做出了榜样。其在全球动画界具有无可替代的地位，迪斯尼称其为“动画界的黑泽明”，获奖无数。纵观宫崎骏的主要作品，我个人觉得有以下一些艺术特色： 1.梦想的彼岸，少女的纯真。代表作《天空之城》。 梦想是早期宫崎骏中显性的主题，如果说风之谷的飞行是战争需要，红猪的飞行是对世界的逃避，魔女宅急便的飞行是一种成长的历程，那么天空之城可以说是梦想的飞行，宫崎骏通过主角舒达打造了一种梦之记忆的氛围，舒达不是英雄，也不是勇士，只是个充满梦想的纯真少女，世界的腐朽与人类的野心在她的面前似乎丝毫不起作用，她总能用她纯真的心去打动别人。宫崎骏在天空之城的打造上完全脱离了那种“拯救世界”的老式主题，而是加强了对“人类”这个大主题的关注，而舒达正是这个大主题表现的核心，她不仅收获了友谊与冒险的经历，她变现出的是一种对生活与自然清澈透彻的认识，始终保持的是一种美丽的，追梦的姿态。 2.童年的画面,真实的童真。代表作《龙猫》。 龙猫是可以说是宫崎骏编织的一个精巧的梦，龙猫虽然依旧带有一种一贯的魔幻现实主义风格，但是视角却开始了从“人类”到“人”的转变，而片子女主角桎月与小米也正是这种人性童真的最好体现，那段候车的场面大家肯定记忆犹新，憨憨的龙猫把桎月的雨伞当成了有趣的玩具，一个个场景，把两个孩子的童真刻画的淋漓尽致，而反映到现实生活中来，足以让你勾起童年的回忆和那一份藏在心中的童真。 3.翱翔的天空，人生的思考。代表作《红猪》。 宫崎骏自己也说过红猪是他自己人生的缩影，从红猪身上映射出来是那种成熟老练的气质，以及对世界的深刻的认知，在这一点上，红猪确实可以说是宫崎骏的自传他还是只很幽默的猪，能够说出“如果不飞，我就是只普通的猪”这样充满哲理的箴言，带有一丝梦想的味道。 4.自然的宣战，爱恨的纠葛。代表作《幽灵公主》。 阿西达卡可以说又是宫崎骏笔下的一个英雄人物，超乎人类的力量，坚定勇敢的心灵，无疑不体现出阿西达卡这个人物的独特魅力，而与风之谷的那种绝对的英雄主义却有着本质
浅谈《僵尸新娘》中的哥特式角色设计风格 摘要：《僵尸新娘》独特的角色设计风格对于重新塑造中国特色动画风格的启示。关键字：角色设计哥特式风格中国传统元素 第一章《僵尸新娘》概述 《僵尸新娘》于2005年9月23日上映，由蒂姆·伯顿、麦克·约翰森导演的人偶动画电影。在整体的暗色调中，蒂姆·波顿总是设法让人们看到人物闪亮的边缘。听起来很是吓人的《僵尸新娘》让人惊叫连连，又笑料百出。故事里的木偶人维克多本身就有着和约翰尼·德普类似的某些特征，他看起来也是纤弱而且有着神经质的忧郁气质。 暗调和幽蓝是这部电影的主色调，这也是蒂姆·波顿风格在形式上的一种体现。它的幽默也是冷峻中的惬意，对人物和画面的刻画细致入微。《僵尸新娘》并没有这个题目所宣扬的那样恐怖，它其实更多是传递了温馨的感觉。而且以动画片来表现的故事，原本就有很多可爱的元素，虽然也是在谈鬼论神，但是注定不同于传统意义上的恐怖片。所以这部电影的类型是动画、喜剧和幻想，其实“恐怖”一词只是一种表面意义上的东西，不是电影的主旨。而面对这部电影人们所发出的惊叫声实质上也是基于对电影的赞叹，基本和内心的恐惧无关。
实质上，这是一部温馨的电影，乐观、活泼而且很有味道，它实现了一种突破，虽然它依然继承了了蒂姆·波顿的阴暗。影片内容荒诞滑稽，色彩则极尽斑斓，活人世界死气沉沉，僵尸世界反而多姿多彩，明显又是一部让人惊奇、风格诡异、美丽幽暗、浪漫诙谐的作品。《僵尸新娘》虽然是部人偶片，但仍不失一部两人再度合作的优秀影片。 第二章浅谈电影中的哥特式风格 在哥特风格的电影中，人物大部分是吸血鬼、骷髅、鬼怪、女巫；导演大多擅长用色差的对比和光线明暗的对比来营造氛围；多以黑色或灰色等暗色为主体色调，布景比较舞台化，有时会使用哥特绘画构图背景，而弃用真正的场景；无边的黑暗充斥着萤幕、具有浓郁的哥特风格的建筑与低沉的黑云随处可见；高昂与低沉顿挫的音乐交响在一起，与剧情丝丝相扣的同时又散发出了阴森鬼气的寒意；悬疑的故事情节荒诞离奇、缭绕着绝望的气息；演员形象、举止展现出的是高贵黑暗的特质，这些都是哥特电影的标志性符号。哥特电影借助这些标志性符号来展现黑暗、孤独而又高贵的精神追求，挖掘出人类精神世界的黑暗面。 第三章，浅谈《僵尸新娘》中独特的角色造型设计蒂姆·伯顿经典的两部动画电影《僵尸新娘》（2005）和《科学怪狗》（2012）夸张诡异的角色设计以及充满恐怖气息的场景布置无一不在诠释蒂姆伯顿对于哥特式风格娴熟的运用。在我看来，蒂姆·伯顿在这两部动画电影中恐怖而又带
蒂姆·伯顿的电影风格 1958年，在这个世界电影史的变革时期，一位将影响世界影坛的杰出人物悄然诞生于美国加利福尼亚州的伯班克。这个鬼才式的人物由于拥有封闭、孤独的童年生活而习惯沉浸在自己的小世界里，只用绘画表达生活和对世界的看法。 蒂姆〃伯顿早期作为一名画师就职于迪斯尼公司，他很快发现迪斯尼公司那刻板的规则并不适合他的性格和创造力，但是迪斯尼公司赏识他的天赋，让他创作了一部动画短片《Vincent》，却由于基调过于阴暗，不适合儿童观看，未能获准公映。直到他接到《哗鬼家族》的剧本，这部旁人眼里看来没有什么的剧本，在伯顿眼里却是充满了离奇的艺术感，他不可能拒绝。这部片子再获成功，伯顿开始被好莱坞所牢记。后来，伯顿接连执导了《蝙蝠侠》系列、《剪刀手爱德华》、《断头谷》、《查理和巧克力工厂》、《僵尸新娘》、《理发师陶德》、《爱丽丝梦游仙境》等电影，均获得了广大影迷的好评。 确立个人风格的开山之作——《圣诞夜惊魂》 故事发生在阴暗灰冷的万圣镇，瘦高个子、顶着一颗人类的骷髅头的稻草人——南瓜王子杰克深受怪物的爱戴，但是却没有人知道他内心的痛苦，他有着诗人般忧郁浪漫的情怀，渴望着不同于万圣村邪恶之灵的生活。 当杰克无意在树林的深处打开了一扇刻有圣诞树的门，结果坠入到了另一个洁白的冰雪世界——圣诞镇，这使稻草人惊奇不已，而镇
上那种欢乐的气氛更让杰克心驰神往。为了体会圣诞节，他绑架了圣诞老人，并按照圣诞节的规矩生产“礼物”。 杰克有着美好的愿望——要给人们带来欢乐，但却导致了弄巧成拙的后果，于是圣诞节变成了万圣节。最终人们将穿着圣诞老人衣服正满心欢喜地驾着鹿车飞过天空的杰克一炮轰了下来。 这部影片尽管受木偶片制作方法的限制，但却自然真实，场景奇美，情节感人，用传统的模型定格方式拍摄，非常耗时但质量很高。影片节奏明快，配乐高超，具有黑色幽默的特征。 最难抉择的人鬼情——《僵尸新娘》 一次看似荒诞的婚礼练习，引出了一连串奇怪的事情，那个树枝竟忽然间变成一根腐烂的手指，一个身披婚纱的女子破土而出，她自称是被谋杀的，更令人无法接受的是，她确定自己就是面前这个傻小子维克多的合法妻子。 鬼新娘艾米丽给了他不少的惊吓，也给了他人生的诸多感想和教益，他要面对两个要和自己结婚的姑娘，只是生死两界，这样的抉择，是痛苦的，亦是幸福的…… 听起来很是吓人的《僵尸新娘》让人惊叫连连，又笑料百出。暗调和幽蓝是这部电影的主色调，这也是蒂姆〃波顿风格在形式上的一种体现。如今的这部新作给人的感觉更加鲜明不浑浊，每一个角色都线条分明，看起来清透无比。而电影的整体色调给电影本身增加了一种“硬度”，使电影给人的感觉坚定而且充满希望。 无法相拥的爱情——《剪刀手爱德华》
张艺谋导演的艺术风格 张艺谋的作品分为前张艺谋时代和后张艺谋时代，前期作品主要有：《红高粱》《菊豆》《大红灯笼高高挂》《秋菊打官司》《活着》《我的父亲母亲》后期作品有：《英雄》《十面埋伏》《千里走单骑》《满城尽带黄金甲》。 前期作品的特点： 1、他的电影的主题都有一个或明或暗的“性”问题，尤其对女性命运的关注和展示形成他的电影表现的潜在魅力和叙事主线。 2、民俗的运用。在张艺谋的电影中随处可以见到民俗，《红高粱》中的“颠轿”“回门”《菊豆》中的“出殡”《活着》中的“皮影戏”等，张艺谋的电影大都是改编自小说，小说中的民俗在他的手中起死回生，成了一种极富特色的民族精神、民族文化、民族传统、民族气概的弘扬。民俗在影片中完全艺术化了，完全是一种美学追求。 3、对色彩的迷恋。张艺谋的电影世界首先对接受者产生的正是这种来自色彩的强大视觉冲击力。在影片《红高粱》中，漫野摇曳的红高粱，泼洒大地的红高粱酒，血红的太阳，血红的天空、血红的土岗、血红的袄等，这种红色呼唤着一种无拘无束、坦坦荡荡的生命观，表现了人物对生命赤裸裸的欲求，歌颂了人性与蓬勃旺盛的生命力。《大红灯笼高高挂》中的红灯笼，这种红灯笼是在封闭规整的乔家大院里使用的，并在扭曲中使用，形成了对扭曲生命的否定，散发着腐朽的美丽气息和血腥的灾难气息。《我的父亲母亲》中母亲的红棉袄，这种红色是母亲对爱情的积极释放。 后期作品的特点 张艺谋后期作品对形式美的追求高于对内容的追求，形式大于内容，大场面、大制作、大手笔成了这类作品的特点，华而不实，内容苍白。 1、影片《英雄》耗资3000万美金，堪称国内超大手笔，国内票房超过两亿，从票房上说,《英雄》意味着张艺谋电影商业突围的成功，但不意味着张艺谋电影文化突围的成功。影片中加入了传统的儒道思想，“书法”、“剑道”等，即所谓的雅文化，同时又把影片的主题上升到“和平、统一”的高度。但整个影片的形式过于丰富多彩，压得本不精彩的影片内容喘不过气来。影片中的故事是老掉牙的刺秦，不同的人讲了三段不同的故事，似乎套用黑泽明的经典影片《罗生门》，真真假假，以假乱真。同时影片中的人物性格似乎也不是很明显，身为赵国人的无名，为报灭国之仇，练剑十年，一意刺秦，其志坚意决可见一斑，而导演却让他这种积蓄良久的决心在残剑的一番劝说中灰飞烟灭，最终放弃刺秦。其转变之快、思虑之深，已不符合一个侠客的身份，更像一名理性的智者。即使这个人物的性格变化具有某种特殊性，而片中对这种特殊性也缺少必要的铺垫和合理的艺术表现，因此其结局显得突兀而可笑，观众被导演的如此设计迷糊的团团转。 2、《黄金甲》中导演更是采用上万盆真实的菊花来做道具，还有演员身上用重金属打造的黄金服装，色彩斑斓的琉璃柱子，场面铺设的如此豪华，似乎只有张艺谋能够玩得起这样的大
百花齐放的电影人电影制作的一切灵感离不开现实的生活经历，导演通过艺术从不同的角度去诠释现实的生活，搬到荧屏上，让更多的大众从艺术的角度去了解生活，发现生活，在引导大众思想潮流上有不可低估的力量。每部电影的导演是至关重要的人物，他们的生活经历会在电影中表现出来，不同生活经历的导演就会有不同的电影风格。 陈凯歌、张艺谋都是第五代的电影人领军人物，他们少年时代就被卷入了中国社会大动荡的漩涡中，改革后，他们又进入学校接受专业训练，他们带着新的思想、创新的电影表现方式进军中国影坛，为日后的中国影坛留下了一部部各具特色的经典之作，促进了中国影坛的发展。当时中国电影史上第五代电影人中张艺谋和陈凯歌是陈、张二分天下的局面。然而冯小刚这个“怪才”的出现把这种局面打破，冯小刚其奇特的喜剧贺岁片的出现，使得中国电影界形成了三足鼎立的局势。不与这三位导演拘一格的吴宇森，一部部经典的动作片又是使得中国电影出现百花齐放。 一、陈凯歌、张艺谋二分天下的局势 陈凯歌说：电影，是很多人在黑暗中聚会，去共同分享一个梦想。 陈凯歌作为第五代电影人的代表人物之一，陈凯歌在少年时期的经历文革和插队，也使得他的影片向往更加和谐、更加理智的人类生存状态，形成了陈凯歌独特的沉重而犀利、平和而激越的电影风格。凭着《黄土地》、《大阅兵》、《孩子王》等几部作品入围重要国际电影节，使得他成为当时中国电影界的领军人物。陈凯歌导演的电影艺术价值极高，对中国电影产生了极大的影响，这跟他出身在一个艺术家庭有很大的联系，他的出身使得他具备深厚的文化、艺术底蕴，在电影界上才华横溢，并且在之后的电影拍摄上，特别是艺术技巧的处理，比起当时其他导演，更加是得心应手。陈凯歌擅长拍摄哲理性的电影，层层递进，展现人的复杂性，引导出高度的人文意识，勾引出人内心一些很微妙、很重要的触动。他的影片有种在拼命向观众传递更和谐、更理智的人类生存状态的关切与向往。陈凯歌在拍摄电影的时候，更加注重细节的处
第五代导演代表人物极其风格 1.张艺谋 张艺谋是中国“第五代”电影人的顶尖人物，他以直觉把握的形式天才地表达社会心理愿望，传送、显现大众心中的密码，这种内在心理密码的传递和内在的约束的强制与类型化的商业电影在深层次正好相通。张艺谋的本领在于他能强烈而不失准确，适时而又超前地拨动中国百姓的心弦，展示中华大众心态。他拍过的影片题材广泛，有农村的、城市的，有历史的、现实的，无论是表现贫民生活还是描写宫廷贵族，他都注重挖掘人物内心的东西。张艺谋电影中所蕴藏的主题，一直都有与第五代所传承和发展的“文化批判”有着千丝万缕的关系。一般包括三个基本主题：对美的追求，对执著信念的描述，对城乡差别的关注。 张艺谋的电影创作是其艺术创作的核心。他的电影在强烈的色彩、大量的构图背后,严格坚持了生活的真实,叙事和抒情是其电影创作所遵守的主线。中国电影历史中，很难有导演类似张艺谋这样所执导的电影数目之多，风格差异之大。从电影艺术创作角度上看，张艺谋更是因为电影创作的勇于创新，题材多样而驰名中外，屡获大奖，他是第一位获得重要国际电影节奖项的中国导演；从电影商业角度上看，张艺谋也是中国近现代电影中第一个开创了“大片”时代的导演，从此开创了中国电影大面积商业化的进程。 张艺谋电影艺术创作特色的更迭最为显著体现在了电影技术的创新之上，也就是视听语言的表现和使用上。视听语言是电影的语言，是工具，那么视听语言的使用就可以成为电影内涵和风格表现的基础。其导演处女作《红高粱》中泼墨式的大写意色彩创作，粗犷的声音处理以及大开大合的风格定位，开创了中国电影在视听语言上最为革命性的变革。 主要代表作品 电影作品
风格特点 中国传统文化中的父亲情结 悲剧的重复 艺术家的审美情怀 色彩的运用美学 独特的构思，深刻的寓意 浓烈的历史感和生命意识 电影分类 反思类电影。《红高粱》、《菊豆》和《大红灯笼高高挂》 纪实类电影。《秋菊打官司》和《一个不能少》 小说类电影。余华的同名小说的电影《活着》改编自小说的《红高粱》和2011年即将上映的电影《金陵十三钗》 纯爱类电影。《我的父亲母亲》《幸福时光》和2010年上映的《山楂树之恋》 商业类电影《英雄》开始，《十面埋伏》、《满城尽带黄金甲 张艺谋电影内涵的承载物 （一）悲剧情节 （二）女性视角 （三）命运抗争 （四）文化反思 总结 张艺谋电影的创作风格复杂多变，但是又是继承着惯有的个人烙印，这使得他的电影具有了与众不同的魅力。而张艺谋电影中对于视听语言和电影本体的创新则给中国电影带来了一种焕然一新的面貌，不仅给中国电影的艺术本体的创作提供了较为优秀的范例，而且因其主导的中国电影“大片”时代的商业化创作为中国的电影发展也提供了极大的冲击力。张艺谋的电影创作对于中国电影的发展具有巨大的推动力，而他作为中国电影导演在国际上的显著代表，也给中国电影的发展提供了一个很大的借鉴意义。
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张艺谋电影风格分析 从《红高粱》到现在的《三枪拍案惊奇》，张艺谋共导演了二十几部电影，从摄影到演员再到导演，从电影到歌剧到北京奥运会开幕式， 24年来张艺谋作品很多，获得奖也很多，在中国电影的大词典里，张艺谋已经不仅仅是个典型的符号，更代表着一种引领风尚的潮流。无论是在艺术层面上，还是在商业领域，他所缔造的高峰都被人视为追赶的标尺。在中国电影急需一个良好的商业模式求得生存的时候，是中国影坛的一面旗帜。这二十多年来，张艺谋的电影的变与不变是明显的，例如他个人的电影风格，他对电影色彩的迷恋和追求，尤其是对红色的偏爱，大红大绿等，色彩鲜明，给人很强的视觉冲突。他的作品主要都是从文学作品改拍的，或只是改变一些方面，进行一种艺术化的处理。但是近几年，张艺谋的电影的创作更趋向于商业化，早起他的电影更多的是一种艺术，像《我的父亲母亲》，画面很美，给人一种唯美的感觉，但是像后期的电影如《英雄》、《满城尽带黄金甲》，场景很壮观，但是没有一种艺术的享受。无论是艺术性还是商业性，张艺谋的电影地位始终是不可否认的。 一、张艺谋电影的独特风格 说到张艺谋的电影，不能忘了的是他电影里的摄像、构图以及色彩的使用处理，作为电影学院学的是摄影专业出来的，他对影视的构图色彩的使用有他自己独到的特色。张艺谋导演在，所以他刚开始从事的也是摄影，在他的影片中，它的摄影风格也是影片中的一大亮点。 首先可以看看他电影的摄像。张艺谋的摄影风格是和他电影所要表达的主题是紧密联系着的，比如在《秋菊打官司》中，影片表现出来的更多的是一种生活化的情趣，所以他在电影的拍摄中尽量让影视表现出来的内容贴近一种生活的氛围里，这就需要在摄像中进行处理，而在《十面埋伏》、《满城尽带黄金甲》中说体现的是风格化的，这两部电影都是地地道道的商业篇，电影主要是通过摄影的造型、色彩、用光等手段去补充和渲染，已达到某种效果，例如场景壮观，色彩鲜明，视觉冲击力强。除此之外，张艺谋使用一些摄影技巧去表现人物的性格和电影的主题，例如在《秋菊打官司》中，张艺谋改用了严格的纪录片风格来拍摄这部影片，所以在《秋菊打官司》的第一个镜头是面对街道的长达几分钟的长焦摄影，毫不知情的行人们保持了他们最原始而真诚的行姿，为了看起来更加表现现实，里面50%采用偷拍的镜头。 在张艺谋的电影摄像里面还有一个很重要的内容就是景别的选取，尤其是远景的使用，如果我们有认真观察会发现他几乎在每一部影片中都有很多的远景尽头，我想这个跟他的电影场面看起来很宏大也有关系的，比如在早起的电影《黄土地》中，采用远景的拍摄，大面积运用远景拍摄黄土高原全貌，展示了黄土高原雄伟独特的美，如果没有远景镜头就很难拍出这种意境来，也充分肯定张艺谋对摄影的调动。还有在《大红灯笼高高挂》中，张艺谋多次地采用高空镜头拍摄大院的全局，展现出一个森严，封闭，阴冷的空间环境。而在商业电影《十面埋伏》和《英雄》，这种远景的使用用远景来表现场景场面的宏大。 其次来看看他电影的构图。电影《大红灯笼高高挂》，在表现宅院时，张艺谋多次使用俯拍全景镜头，这种构图实现了宅院的死板封闭，这种构图可以实现场景的需要，另外，影片中还反复出现了几重相叠的门的构图，凸现出了人被幽禁于深深宅院的感觉。这种构图是与故事内容相吻合的。在电影《英雄》中，对“水滴”、“飞箭”的表现，尤其是他们在决斗中说挑起的水珠，水珠溅起，还有无名展示“十步一杀”绝技的“藏书阁”，数十面围成圆形的花鼓则类似于后者满屋的书简，这种构图都很美。还是说说《红高粱》，红高粱的画面采用的是局部选景的方式，使得画面没有像现实中一样杂乱而是如诗画一般的美丽。 再来看看色彩。色彩是张艺谋电影里面最突出的一个亮点，浓重的色彩画面是张艺谋电影的又一特点，而在丰富的色彩元素中，他尤其偏爱一种颜色——红，这是他电影的文化蕴
顾长卫导演作品分析 课程：中国当代电影史 姓名：廖家禧 班级：9141081802 学号：914108180216 2015.06.05
中国当代电影，即1949年以后中国大陆，台湾，港澳地区的电影，经历了一段曲折而又光辉的历史。当代电影史老师带领我们赏析了许多优秀的作品，在学知识的同时，我们一起度过了许多愉快的周六。 我们一同赏析了从早期哑片开始一直到这些年的优秀作品，其中《劳工的爱情》，《芙蓉镇》，《赛德克巴莱》，《小城之春》，《红高粱》，《孔雀》等作品给我留下了深刻的印象。而在这些电影中，由顾长卫导演的《孔雀》在我心中最能反映社会现实，是一部深入人心的好电影。 （顾长卫，1957年12月12日出生于西安。毕业于北京电影学院摄影系。中国电影导演、摄影师。“第五代导演”代表人物之一。 1982年，毕业后任西安电影制片厂摄影助理。1984年，任摄影师拍摄滕文骥的《海滩》。1988年，顾长卫凭借《孩子王》获1988年第8届中国电影金鸡奖最佳摄影奖；同年，凭借《红高粱》获得第8届中国电影金鸡奖最佳摄影奖。1993年，顾长卫凭《霸王别姬》获第66届奥斯卡最佳摄影奖提名。2005年，拍摄了自己执导的首部电影《孔雀》，凭借本片获得了柏林电影节“评审团大奖银熊奖”。2007年，顾长卫执导的第二部影片《立春》入围罗马电影节竞赛单元。2011年，凭借作品《最爱》获得上海影评人奖最佳导演。 1957年12月12日，出生于西安。顾长卫的父亲是他的小学老师，母亲是他的中学老师。 1972年到1977年，顾长卫在家附近的工人文化宫帮忙，顾长卫的任务是在电影放映之前站在门口检票，也就是这份工作让顾长卫对电影产生了兴趣。
鬼才心境?黑色童话 蒂姆伯顿作品的哥特艺术风格研究 摘要：美国电影导演蒂姆伯顿是国际知名的鬼才导演，是哥特式风格影片的集大成者。他在设计形象、艺术创造与意象架构中有着独特的手法；其惯用的黑色幽默、晦涩光影、阴郁格调、独特视角、隐晦寓意及符号性画面树立了当代哥特主义风格电影的典范。本文以最具蒂姆伯顿风格的哥特电影：《断头谷》、《剪刀手爱德华》、《僵尸新娘》等作为文本分析对象，并从这些电影中选取最具代表性的哥特元素的符号，以此来研究哥特元素与电影的关系，进而探讨蒂姆·波顿电影的哥特艺术内涵。通过研究蒂姆伯顿作品，有助于了解哥特电影中独具匠心地人性探讨；让观影者了解哥特电影不仅是表象下的黑暗、恐怖与阴郁，其深层次的内涵亦隐喻了人性伦理的取向。 关键词：蒂姆伯顿;哥特元素;哥特电影;黑色童话 Abstract:American famous film director Tim Burton is bloody genius, and is the epitome of Gothic Style film. He uses unique technique to design image, create art and construct idea. His familiar black humor, obscure shadow, gloomy style, unique visual angle, veiled moral and symbolic image set a model for modern Gothicism film. this thesis selects the ones with the most Tim Burton's personal style,such as:Sleepy Hollow，Edward Scissorhands，Corpse Bride，as the texts to be analyzed，it selects the most representative symbols of Gothic elements from these films，and use them to study the relationship between Gothic elements and films, and thus further discuss Gothic art istic connotation of Tim Burton’s film. Studying Tim Burton’s works will help learn ingenious discussion in Gothic film; help audience know that Gothic film is not only dark, terror and depression under presentation but also the depth connotation of which is also orientation of ethics of human nature. Key Words:Tim Burton;Gothic Element;Gothic Film;Comedy Makes You Cry
笑中带泪的时代缩影 ——戏剧一班沈晨怡 1908年，一个19岁的英俊少年登上舞台，他穿着一条鼓鼓囊囊的裤子，一双大鞋子，拿着一根手杖，戴着一顶圆顶礼帽，为了表现的年老些，还粘了一撮假胡子。登上舞台的他用滑稽夸张的肢体动作赢得了在场观众的阵阵笑声，这可能是对他最好的褒奖了。他就是著名的喜剧大师查理卓别林。他凭着自己对舞台的热爱，一生只做好了一件事：喜剧电影。他可谓是全才：导演、演员、编剧、配乐，是他对艺术的独到见解使得后人得以看到如此伟大的喜剧电影。 卓别林看似邋遢的造型里，也有着一丝丝的礼貌，但看了电影以后还是更多看到他所塑造的人物真善美的一面。而卓别林也用着自己一贯经典的舞台造型，刻画出小人物在社会的真实处境。在卓别林职业生涯初期，刚刚进入电影行业的他，虽然在制作上还并不精通，但他始终有一个信念，那就是:演员要有自己的个性。这也是他在艺术上的追求所在。 说到卓别林真正的成熟大概是从1925年电影《淘金记》开始，这是“流浪汉系列”中运用成熟的一部。片中的卓别林饰演流浪汉夏尔洛，用极致的真诚和豁达赢得了淘金的胜利。这也是卓别林电影中小人物形象的典范。夏尔洛乐观的面对饥寒交迫的窘境，把皮鞋当做食物，鞋上的钉子也成了美味。随后无数的问题又纠缠着他：寒冷、饥饿，他的乐观又一次起了作用“系狗跳舞”“面包舞”的桥段，让他相信相信真善美能战胜一切。爱情同样也是卓别林电影中不可缺少的元素，在《淘金记》中夏尔洛极易满足的心理让他收获了一份美满的爱情，就算是女孩一个小小的眼神都让夏尔洛高兴很久。那些只为追求金钱的淘金者最后并没有取得成功，他们贪婪的欲望照应出丑恶的内心，是卓别林对他们的一次嘲讽，这同样带有美国时代的烙印，一个淘金热的时代。在表演方面卓别林更是无可挑剔，深邃的眼神中带着渴望，对爱情的渴望，对成功的渴望。他捉住人物的内心，同样也是观众的内心，渴望社会的善良真诚，这大概也是卓别林电影深入人心的原因之一。每一个肢体动作的真实，源自卓别林自己内心的一种渴望，在他的童年时期，因为父亲的离去，使得他出门谋生，也经历过寒冷和饥饿，才使得表演如此的真实，以至于在大部分的创作中都有着极为真实的表演，这也是其电影的一大特色之一。 等到1931年，在经济危机的大背景下，卓别林拍了一部浪漫喜剧《城市之光》，除了夸张的肢体动作外，才让观众真正体会到了“笑中带泪”。卓别林不是为了让观众笑而制造笑点，而是在一部有意义的影片中添加了喜剧元素，算得上是剧情和喜剧的双成功。《城市之光》中卓别林坚持了自己的艺术追求，尽管当时有声片在技术上已经颇为成熟，但卓别林相信这部默片不会输给有声片的，事实证明《城市之光》确实很卖座，为此卓别林还亲自走进了电影院与观众们一起放声大笑，这可以说是一位导演的责任所在。卓别林在这部影片中极力发挥了自己的作曲才华，虽然别人都劝他喜剧电影都应该配有滑稽的音乐，但他坚持音乐要根据人物的情绪走，不懈的追求让他的电影成为经典。在剧作内容上讽刺的运用在影片中也多次显露出来，揭幕仪式上沉睡的流浪者，是对社会繁荣的极大否定；而性情多变的醉酒富翁，也是个十足的势利小人，时而多情，时而暴躁；拳击台下的丑恶，这些难道不是经济危机下带给人们深深的焦虑吗。但是卓别林给了这城市光明，尽管他只是个小小的流浪汉，但他卑微的爱才是这城市真正需要的，浪漫而又温情。影片的最后一个镜头定格在了盲女与男主人公的对视，卓别
张艺谋电影的作品风格及分析 在中国，张艺谋似乎是电影界的一个神话，他从来不拍电视剧，只拍电影；而他的电影、不论是城市题材还是农村题材，不论是现代还是当代，总是令人刮目相看。他认为，有些拍得好的商业电影有一定的艺术性，艺术电影也有一定的商业性。他把自己的影片归结于艺术类影片。不过，他的影片最大的特点还在于其所表现的情感，他认为，“人类的感情是相通的。人类共有的情感，不分民族，不分国界，感动你了，你就喜欢了。” 张艺谋是中国“第五代”电影人的顶尖人物，他以直觉把握的形式天才地表达社会心理愿望，传送、显现大众心中的密码，这种内在心理密码的传递和内在的约束的强制与类型化的商业电影在深层次正好相通。张艺谋的本领在于他能强烈而不失准确，适时而又超前地拨动中国百姓的心弦，展示中华大众心态。他拍过的影片题材广泛，有农村的、城市的，有历史的、现实的，无论是表现贫民生活还是描写宫廷贵族，他都注重挖掘人物内心的东西。 张艺谋的电影在强烈的色彩、大量的构图背后,严格坚持了生活的真实,叙事和抒情是其电影创作所遵守的主线。 张艺谋作为我国很少有的天才艺术家创作了很多脍炙人口的作品，如《红高粱》、《秋菊打官司》、《我的父亲母亲》、《大红灯笼高高挂》、《一个都不能少》等，它们可以和世界上最伟大的电影艺术作品相提并论而毫不逊色。张艺谋的电影创作始终显示了他厚积薄发，对电影艺术的赤诚态度。在他电影作品中始终如一的三个基本主题：对
美的追求，对执著信念的描述，对城乡差别的关注。 张艺谋电影中的红色和趣味美作为他电影的一个基本主题，这是任何一个熟悉他电影的人所共同感受到的。他对完美形式的追求在当代电影艺术中是绝无仅有的。最显著的是对视觉审美效果的追求，可以这样说，他精心经营的电影的每一个镜头和画面都具有广告一般的美。对视觉审美效果的追求是电影相对于其他艺术形式所具有的根本的特征。他对视觉效果的刻意追求，甚至是苦心孤诣的追求，显示了他对电影艺术与众不同的理解。在张艺谋的电影对美的追求中，《我的父亲母亲》、《大红灯笼高高挂》是最为突出的。电影的画面精致、对称、和谐，具有一种古典的美。如《大红灯笼高高挂》中大公子做生意从外面回来，在楼上吹笛，最后和四姨太一同离开的场面，这种匠心独运不仅显示了张艺谋对画面的刻意追求，与整个电影以四合院为基调的平整、稳定、压抑的画面既和谐一致，又显示了他内在的浪漫气息。与此相反，《我的父亲母亲》的画面则充满了一种不稳定的动感，显示了青春的活力，同时也显示了生命的一种悲壮与崇高的美。特别是在画面与细节的处理上表现了一种与众不同的根本特点。红颜色为血和火的颜色，它代表了对幸福和理想的向往。与国庆、生日、婚宴等各种喜庆中出现的红色所代表的稳定和平吉祥的寓意不同，张艺谋电影中的红色大多具有民间文化所特有的跳跃、奔放、热烈、动荡的特点。 张艺谋的电影中很多地方都反复出现“犟”的主题，主人公的执著、倔、犟，对信念的不懈追求，显示了张艺谋电影对善的理解和渴
影视作品分析范文/影视作品分析指导 影视片分析 考试内容：这里的影视作品可能是电影或电视剧，也可能是电视散文，还可能是专题片或纪录片，还可能是综艺节目片等等，考生观摩后，当场写出一篇评析性的文章。 考试目的：主要是考察考生对影视作品的感悟能力、鉴赏能力和理论分析能力及文字写作能力。作为一个影视导演，其很大程度上来自于对优秀影视作品的感悟、鉴赏和借鉴，因此影视作品的分析是影视导演专业入学考试的首要一环。 应试指导：在这一考试科目中，影视作品的类型可能是故事片也可能是纪录片，还可能是综合艺术片等等。不论所提供的影视作品是哪种类型，分析总要从艺术分析的角度进行而不能是复述性的内容概括或泛泛而谈的观后感。考生要结合影视作品的画面、音响、音乐、解说、主持等各方面的要素，对其主题内容、结构框架、制作造型等方面作出艺术性的分析。不求面面俱到，但求集中深刻，有独特的视角，力求写出自己的独特的感受，表达具有自己个性的构思。 1、评析策略 对一部比较完整的故事片类型的影视作品，常见的具体的评析策略主要有下列几个方面： （1）评片名 片名，是影视片的具体名称。片名不但是个称谓的符号，还包含着如下涵意： （1）文化含义，片名包含着制作者对观众的诱导和暗示，因为它在一定的文化环境中，自觉不自觉地体现了一定的文化内容。（2）统领意义。片名起的新巧，固然有着给观众联想的余地，起到审美作用，但最实际的，还应看片名是否承当了统领、指向影视片本体的职能。换一个角度，就是看片名是否和影视片内容相关或者一致。有的好片名不仅仅切合影视片内容，而且对帮助观众理解影视片的主题也有提示性的作用，则更有评论的必要。 （2）评导演 1）导演构思。为了把剧本转化成影视片，导演要从整体上构想未来影视片的内容与形式的各个方面。这里既有对影视片的基调、样式、风格、人物等方面的确定和追求，又有对各门类艺术家的具体要求。这是导演艺术创造力的体现。 2）导演手段。导演为塑造银幕形象，要在影视片中利用多种具体的表现手段，通过故事和人物感染给观众。导演手段包括：画面的运动和镜头的运动；镜头之间的组接；音乐、语言的运用；场景交换；气氛烘托等。 评论影视手段运用，要亿时亿影视片的具体情况，看其使用的是否合理，是否有创造性。 3）导演风格。优秀导演在优秀影视片中实现了自己的追求，有异于其他导演的追求、创造的特点，从而形成了自己独特的风格。一般地，将特色称为特色，将突出的特色（或转为稳定出现、反复实践的特色）称为风格。 风格，是主要特色的集中表现。评论导演风格不仅是对导演创造力的一种衡量，而且是对评论者鉴赏力的一种衡量。不能把风格的帽子随便乱戴，也不能对明显的风格视而不见。 4）导演创造。从影视片来看导演对剧本的转化、实现成为影视片的过程中有哪些创造，可以看出他为社会生活、为影视艺术、为广大观众创造了什么，导演创作体现在影视片在中，因而，对影视片的评论，总相关着影视片的创作领导核心导演。因而，评影视片，就评论了导演，虽然有时不必单独地评论。 （3）评主题 主题是艺术作品所描绘的整个形象体系中表现出来的中心思想，又称主题思想，主题是作品内容核心，是作品的灵魂与统帅，既贯穿全部作品，又在其中起到作用。 主题，从作品中体现出来，又包含着作者对社会生活的认识、评价，渗透着作者的美学理想和社会理想、世界观。 全面评价一部作品，离不开对主题的研究和理解。 在影视作品中，主题孕藏在整个画面、声音所构成的整体银幕荧幕形象中，在作品的内容展现与形式中显露出来。和这点相关，主题还可以在影视片主要人物形象的塑造上，在主人公的形象上，在主人公的命运中，体现着生活、社会、人生的意义。对主要人物的塑造可以反映出作品的基本思想倾向。主题还可以体现在情节上。情节的发展，即事件的进程、结局，也包括着作者对生活的认识与评价。情节的发展与人物命运、人物塑造密切相关，受着制约，又是主题的体现。 主题既然体现在作品的各个方面，分析主题就不能不注意以下几个方面： 第一，从整体上把握作品的整个思想体系。从头到尾，从各方面来认识作品的总体倾向。 第二，分析具体的艺术形象。主题是从作品的艺术形象中体现出来。主题的提示，须在具体艺术形象分析的基础上，才能实现。主题不是夹杂、安排在作品中的几句评论，只有挖掘形象的深层意蕴，找出作家的思想感情，才能概括得准确。
《爱丽丝梦游仙境1》童话的开端都需要勇气 2010年上映的《爱丽丝漫游仙境1》由迪士尼出品，好莱坞鬼才导演蒂姆伯顿指导，作为一向以阴森诡异气氛出名的蒂姆伯顿（以下简称TB）和一贯走高大上传统路线的迪士尼的合作，《爱丽丝1》在风格上也呈现着两种矛盾的撕扯。 画面上，既有明亮鲜艳，也有阴暗恐怖；故事上，既怪诞又单纯，看上去没什么逻辑，却又给人勇气和鼓舞；人物造型上，则充分发挥了TB的风格，现实世界中人们煞白的脸，Wonderland里嘴大得像月牙的大嘴猫妙妙、拥有大绿眼睛和红头发的疯帽子、红白两位皇后、被改编成胖胖的光头双胞胎等形象，仿佛都是TB鲜明的标签；甚至红皇后的城堡让人联想到TB早期与德普合作的《剪刀手爱德华》里的阴森城堡，而旷野中那些伸展着卷曲如鬼手的树枝的树，更是让人联想到《僵尸新娘》里的墓地。 作为19世纪末诞生的经典童话，《爱丽丝梦游仙境》一直以绘本、动画等方式被广大小朋友们喜爱了一代又一代，如今电影技术的长足进步不仅带来了真人与动画的结合，更带来了享受3D技术与IMAX的极致体验的风潮。作为用新技术重新搬上大银幕的经典童话，TB既对原作的精神做了保留，又加入了自己惯用的黑色幽默。
原作中9岁的爱丽丝是看到了穿衣服拿怀表的兔子，在好奇心的驱使下钻进树洞。在2010年的《爱丽丝1》当中，爱丽丝已经成为一个19岁的待嫁的大姑娘，并不被爱丽丝喜欢的贵族子弟汉米许在众目睽睽向她求婚，爱丽丝在左右摇摆间又看到了穿衣服的兔子，于是追逐兔子而去，再次通过树洞进入了Wonderland。 爱丽丝跟随兔子而去的行为，在她的潜意识层面则属于实实在在的逃避。就像许多年轻人那样，她面对选择的时候，也选择了“不选择”。而在Wonderland的奇遇中，爱丽丝最终又面临了在众目睽睽之下要做出选择的境地。那是红白两位皇后的最后大战，爱丽丝选择了鼓起勇气拿起神剑替白皇后出征，她的对手将是红皇后的飞龙。 故事的最后，爱丽丝喝了被她斩首的飞龙的血而重新回到现实。而在现实中，她亦鼓起勇气拒绝了汉米许的求婚，并且嘲笑了权贵、告诫了花心的姐夫、安慰了孤苦的姑妈。 我们每个人都曾面对过社会的期许，就像爱丽丝的姐姐和朋友们都期望看到她嫁到贵族家庭。除了社会的期许，许多“失败者的案例”更加成为爱丽丝们的心头负担，就像电影中终身未嫁的姑妈，仿佛为了“不要像她那样”，爱丽丝们就必须屈就一样。在期许与告诫的压力下，选择真的需要勇气，当我们尚不知道自己喜欢什么的时候，要鼓励自己对