毕加索是一位怎样的画家
毕加索是西班牙著名的画家，是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。下面是搜集整理的毕加索是一位怎样的画家，希望对你有帮助。
毕加索的天才似乎与生俱来的，据说，甚至在他会说话之前，他就可以用绘画来表达情感。，毕加索的才华被世人认为“触及到人类邪恶以及时代邪恶的深度，深刻而精确地洞悉了散落在文明华盖下面饱受折磨的人性”。年轻时毕加索经常一个人背着画板，带着绘画工具去山丘里，丛林里，欣赏大自然的风光，将看到的美景用他的笔绘画出来;毕加索一生也喜欢体育运动，年少时就喜欢参加体育锻炼。毕加索可谓是一位喜静又喜动的人。可晚年的毕加索非常孤独与寂寞，尽管他的身边不缺亲人，但是他心里非常清楚，那些人只是冲着他的钱财来的，为了得到那些钱，亲人反目为仇。毕加索非常苦恼，他身边连一个谈心的人都没有，即使他很富裕，但是他清楚金钱是买不来亲情和友情的。
但他跟其他艺术家不同的是，毕加索的一生辉煌之至，他是第一个在活着的时候亲眼看着自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
毕加索一生是始终能引起争议的一位画家，除了他那过人的才华，他也为他的几任妻子和情人画过许多画，他的天才画家身份受到亲人们的质疑。即使毕加索离开人世以后，世人仍在为他的故事和名
声争执不休。
毕加索的画好在哪里很多人都认为毕加索的作品都是比较抽象的，所以导致很多人都看不懂毕加索的作品。但其实毕加索的作品是按照他的画风来展现这个世界的，有人认为，通过毕加索的绘画让我们体现了不一样的欢乐与痛苦，这是很多人都无法体会的，他是一个不同的世界。
《亚威农少女》这幅画充满了原始艺术的野性，这幅画是经过多次修改才完成的，它是引发立体主义诞生的标志。画中左边所展现的是三个裸体女生的形态，右边则是两个面容凶狠，粗野的形态。可是这幅画确遭到了否定，因为在这次作品中他破坏了很多东西，但是仔细观看，这种所谓的破坏确又那么仅仅有条，其实，毕加索是利用三维空间的新手法，从不同的角度看会观察不同的风格。正是因为毕加索的这种画法，才彻底打破了意大利文艺复兴时期透视法则对画家限制，而这种法则已经持续了五百年。
毕加索的作品和他的生活一样丰富多彩，有时会激昂或狂躁，有时会温暖或可恨，有时会真诚或假意，变化多端且捉摸不透，但是他有一个显著的特点就是;;自由。他的绘画致力于革新，主要是利用丰富的造型手段，把空间、色彩与线相结合起来。在这个世界上没有一个画家是可以像毕加索一样拥有坦诚之心和天真无邪的创造力，他是以自由还诠释这个世界的，随心所欲的去做自己想做的事情，他什么都不想要，确什么都想要去创造，正是因为他这种风格才导致他的作品栩栩如生。
毕加索的艺术特点童年时期，毕加索以写实画风为主，色彩明亮，代表作有《斗牛士》、《科学与慈善》。蓝色时期，毕加索以蓝色调为主，画中多以残疾者，拾荒者以及穷困者为主，充满了凄凉与悲怆，代表作有《蓝色自画像》、《人生》。到了玫瑰时期，毕加索将蓝色调改为粉红色调，画中色彩鲜明，笔法细腻，人物形象非常逼真，代表作有《拿烟斗的男孩》、《斯坦因画像》。
立体主义时期，抛弃了传统的画风，画中没有情节，也没有环境描写，运用了极其夸张的的手法，表现畸形的资本主义社会和扭曲了人与人之间的关系，代表作有《亚威农少女》、《费尔南德头像》。古典时期，毕加索的画风也变成了古典主义，画中充满了宏伟的气息，代表作有《欧嘉的肖像》、《三角帽》、《海边奔跑的两个女人》。
蜕变时期，毕加索结合了立体主义、现实主义和超现实主义的手法，画风极其抽象，表现出痛苦与兽性，代表作有《红色扶手椅中的女人》、《格尔尼卡》。田园时期，画风粗狂且和谐统一，手法运用极其娴熟，代表作有《卡门》、《贡戈拉的二十首诗》系列。
除了以上经典作品，毕加索开始创作德拉克罗瓦的《阿尔及利亚女人》变奏系列，《斗牛系列》、《伊卡洛斯的坠落》、《草地上的午餐》变奏系列、《画家与模特儿》、《流沙系列》、《塞莱斯蒂娜》、《可笑的男人》等作品。
毕加索是一位怎样的画家
题目：由毕加索看中外美术 作者：杨方路指导老师：孔凡静 摘要 毕加索作为法国现代画派的主要代表，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他与立体派艺术另一先驱人物勃拉克携手作画，共同为自然界的视觉形式寻求新的定义，他们从探究多面积的物质结构出发，打破传统的体积概念的坚实，根据科学和现代思想的发展，创造出一种新的造型语言。后世评论家认为:如果没有立体主义急进精神的刺激，现代艺术很难想象会有以后的演变。毕加索漫长的一生硕果累累，绘画风格多变，这无不源自他那旺盛的生命力及忘我的辛勤劳动，对毕加索而言，创造与艺术与生命同义，并且指出，真正的看，是内在的感觉，要直接面对生活，以生活入画。本文以研究毕加索及其绘画艺术为契机，探究一代宗师毕加索绘画艺术形成之根源，对其绘画语言要素及其艺术形式进行深入的分析，剖析其作品之秩序的和谐完善，并围绕其伟大创造力阐述其生命潜能的挖掘与艺术表达之关系。 关键词：毕加索、立体主义、学院派
一、关于毕加索 巴勃罗?毕加索（Pablo Picasso，1881～1973）出生在西班牙马拉加（Malaga），是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索也 是位多产画家，据统计，他的作品总计近 37000 件，包括：油 画 1885 幅，素描 7089 幅，版画 20000 幅，平版画 6121幅。 “然而，这个伟大的天才确实已死亡的形式来到这个世界上的。”（1） 毕加索一生中画法和风格 几经变化。也许是对人世无常 的敏感与早熟，加上家境不 佳，毕加索早期的作品风格充 满了早熟的忧郁，早期画近似 表现派的主题。在求学期间， 毕加索努力地研习学院派的 技巧和传统的主题，而产生了 象《第一次圣餐式》这样以宗教 题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了毕加索
世界最贵的10幅抽象派名画欣赏 艺术市场上从不缺神作，而天价抽象神作更是令人惊叹。当艺术品卖出上亿美元的天价时，人们不禁要问：是什么样的画如此价值连城？在如今的拍场上，抽象奇迹并非罕见，各种拍卖数据显示，抽象作品大卖已成一种趋势，在世界拍卖最贵的绘画中，“抽象艺术”的价格最高，排名第一。 如今，抽象艺术领跑了全球最贵的名画，成为世界有钱人的收藏目标。艺术品，变为继房地产和股票之后的第三大投资领域。 这个世界有幸被赐予许多大师的杰作，我们来看看这些世界最昂贵的抽象派名画。 1.威廉·德·库宁: 《交换》3亿美元
荷兰籍美国画家威廉·德·库宁，抽象表现主义的灵魂人物之一，新行动画派的大师之一。在他创作生涯中，人体成为其绘画创作的主体，加以风景及书写的符号来发展他的抽象世界。他将欧洲立体主义、超现实主义与表现主义的风格融于自己大而有力的绘画行为之中，把激进艺术的理念融化在自己的艺术世界里，试图唤醒人们心中一种与所有生命事物的内在关联感。 2.杰克森·波洛克：《第17A号》2亿美元 美国抽象表现主义大师杰克森·波洛克是20世纪最有影响力的艺术家之一，他创造了在帆布上随意地泼溅颜料、洒出流线的技法，画板上滴满稠密的棕黄色、白色、栗色和黑色颜料，形成了鸟巢状的外观，看起来有些杂乱无章。他的滴洒法绘画在随意之间隐藏着戏剧性的偶然效果，激情四射而且充满了色彩的自由、张力和狂野，作品具有难以忘怀的自然品质，融合了抽象主义、表达主义和超现实主义的特点。
3.马克·罗斯科：《紫色，绿色和红色》1.86亿美元 美国当代著名画家马克·罗斯科是现代艺术史中杰出的抽象派画家。他的作品画面上，矩形的边缘没有被明确地界定，颜色也相互渗透融合，这使得块面仿佛是从背景上隐约浮现出来，并且不断地徘徊、浮动着。它们在画面上产生某种韵律，温和、舒缓而深沉，触动着人们的心灵。对于罗斯科，绘画是表达精神要素、信仰和生存意义的工具。他说：“绘画，一定要象奇迹一样。我选用扁平的形，因为它们能摧毁幻象，揭露真实。”罗斯科家里的聚会总是在讨论哲学，绘画材质和新的绘画语言。
蒙特里安画作风格鉴赏 当世界处于一战的阴霾之下时,艺术家们看到了社会的矛盾和混乱和资本主义社会的腐朽。他们不懂得社会发展的规律,认为用精神和艺术可以来拯救社会,可以用几何的﹑规则的抽象线条与色彩来建立一个精神王国,以取代资本主义世界,风格派从此诞生了,彼埃·蒙德里安就是风格派的代表人物之一。 蒙特里安生平简介 彼埃·蒙德里安生于荷兰,他出身于一个严格信奉加尔文教的家庭,他在两个公共学校获得了图画教学证书之后,进了阿姆斯特丹美术学院,成为一名勤奋刻苦,颇受教师赏识的学生。然后,他经历了一个困难时期,画的很多,卖掉的很少。他主要画阿姆斯特丹周围的风景,并经常重复一个题材。例如,他以同一角度多次重画杜旺德里兹农庄,他的颜色尽管以灰和暗绿为主,却往往柔和秀美。他的画风爽直,笔法也非常肯定。他爱画孤立的村舍,淡紫色和灰色的神秘森林内景。 1908年夏,他到瓦尔申岛东布尔的首次旅行彻底改变了他的画风,颜色有了光泽,淡紫色渐渐消失,从而使浅兰色、白色、玫色、金黄色得以自由驰骋。一些朋友劝他前往巴黎,荷兰画家吉克尔把自己在蒙巴纳斯的画室借给了他。于是,蒙德里安于1911年底来到巴黎.,他马上受到立体派的影响,画出作为本世纪绘画中对确定主题进行不断抽象化的唯一组画----著名的《树》。他在1915年画出一种横、直线的节奏,预示着即将出现的新造型主义和纯造型派。他画的背景先为灰色,
后为兰色,从1922年起,固定为白色。构图经常是稍有变动的,他偏爱红色。他这一中心时期的某些作品含有红色的长方形,重复。在颜色 中 有时占着色面积的三分之二。谦逊地生活在一间以新造型主义原则布置和油漆的画室里。他极少去宣传自己,然而却驰名世界。 蒙特里安绘画题材的转变 1910年正值立体派从分析阶段走上立体综合阶段,他被分析派所吸引。这时他最喜爱的题材是树木、沙丘、海洋、教堂和风车,所有这些正 是与他熟悉的荷兰环境密切相关的。在这一幅《灰色的树》中,他把凡·高的表现性、野兽派色彩的非描述性以及法国新艺术运动的线形图案熔于一炉,使之成为一幅构成型的、造型感强烈的,然而仍是极富独创性的作品。 他在巴黎的最初几年里,由于受到毕加索、勃拉克的分析性立体主义 影响,色彩上仅限于灰、绿、赭三种颜色。尽管如此,即使在他最富立体主义的绘画中,也仍然坚持以纯正面形式来表现。他很少画物体的 倾斜面或加上一点雕塑般的投影,只有那种倾斜面或雕塑般的投影才 使法国立体派画家的作品产生确切而有限的三度空间的实体感。蒙德里安虽然热衷于立体主义原则,但他已经超规越矩,既不需要主题,也 不追求三维视觉的深度感。 随后,他超越了立体派,画树木或房屋几乎全是用线来构成,形象痕迹 消失,留下的只是线条的迷宫,是把骨架显示出来的一种高度分析的作品。他对立体派是不满意的,因为它不能达到“纯粹实在”。1913年
油画又称“西洋画”，是在布上以油彩颜料作画的一种创作方式。在油画的不断发展中，出现了各种流派和艺术风格，以下介绍一些西方主要的艺术流派和著名画家。 1、文艺复兴的三大巨匠 15世纪末至16世纪上半叶是文艺复兴的盛期。这个时期由于出现了几位杰出的艺术家而使得意大利在这时期绽放出辉煌的艺术之光，除了提香、布拉曼特、乔尔乔涅、维琴察，还有被称为“三大文艺巨匠”的达?芬奇、米开朗基罗、拉斐尔，他们所创造的不同凡响的高超技艺的作品，几乎完美地解决了心与手的配合、技与艺的融合，不管是在遥远的15世纪还是在艺术流派缤彩纷呈的现代社会，一直都散发出迷人的艺术魅力。 达?芬奇（1452—1519年）不但是一位画家、数学家、工程师、解剖学家，而且还是一位诗人、发明家，几乎是美术史上最全才的杰出艺术家和科学家的化身。由于达?芬奇对科学的深入研究，使得他的绘画作品中有着严谨的透视，人物形象往往散发出一种和谐的、理性的美感。达?芬奇最著名的作品当属油画《蒙娜丽莎》和壁画《最后的晚餐》。一头柔软长发、身穿深色衣裳的蒙娜丽莎，脸上露出的谜一般的微笑吸引了几个世纪以来的人们对它进行各种猜测和研究，虽然说法不一，但达?芬奇的高超技法无疑是令众人赞叹不已的，他刻画出来的女子肖像常常具有一种柔和、端庄的气质，带领观众进入一种神秘的超然意境，而《蒙娜丽莎》则是其中的一个典范作品。在《最后的晚餐》这样一幅描绘众多人物形象的圣经题材故事中，达?芬奇以耶稣为视觉中心，将十二个门徒分置左右，突出了耶稣的不可侵犯的庄严地位。在耶稣说出“你们之中有以个人出卖了我。”这句话后，十二个门徒神态各异，身体的动态和眼神都极其细腻地表现出十二门徒或惊讶、或恐惧、或愤怒、或紧张的微妙心理状态。犹大的右手不自觉地抓住钱袋，身体向后倾斜，体现出因恐惧而想逃避的卑劣心理，犹大在其中的比例都要比其他人小，表达了画家对其的褒贬态度。《最后的晚餐》一画长8.65米，高4.6米，是为米兰的圣玛利亚?德尔?格拉契修道院而作的壁画。 米开朗基罗（1475—1564年）生于弗罗伦萨的一个小镇，由一个石匠的家人抚养成人。米开朗基罗在绘画、雕塑、建筑方面都有不斐的成就，同时他还是一名诗人。米开朗基罗的雕塑作品颇多，有《哀悼基督》、《大卫》等等。米开朗基罗为教堂所创作的天顶画中，有很多不朽的大型作品，如为凡蒂冈的西斯廷教堂所作的天顶画《创世纪》、祭坛画《最后的审判》等等。其中《创世纪》的一个场面画《创造亚当》犹为突出：在苍茫的天际中，上帝和天使飞向亚当，上帝的手伸向似乎刚刚苏醒的亚当，简洁而凝重的背景很好地衬托了宗教所宣扬的神圣力量。 在米开朗基罗的作品中，不管是雕塑还是绘画，他都喜欢用人体去表现一种精神价值的崇高和圣洁，而且他的人物形象都具有如雕塑质感般的凝重美，体现了一种他对人性美的超前创造力。 英年早逝的拉斐尔（1483—1520年）在他如流星般的生命旅程里，不但是一位极有天赋的画家，而且还是一位建筑大师。他一生中的绘画题材和提香一样，大部分是以圣母、圣子为主题，他塑造的圣母并不是高高在上不可接近的，其形象来源于生活中许多美丽女子，因而他笔下的圣母让人感到可亲可近，充满了母性的博爱光辉。作于1513—1514年的《西斯廷圣母》是拉斐尔所作的圣母像中最优秀的一幅，像慈母一般的圣母玛利亚怀抱着圣子耶稣，眼含悲悯和坚毅，耶稣小小的脸上写满了超乎其年龄的凝重与庄严，整幅画充满了一种预示未来的忧患色调。 印象派 油画出现于欧洲几百年以来，一直推崇的是学院派的画风，他们总是只在画室里面作画，讲究的是老套的构图形式，作品总是缺少变化的的阴暗色调，直到19世纪后半叶，这种和大自然隔绝的做法终于受到了新一派画家的唾弃，以莫奈为代表的一批年轻的法国画家提倡走
有人说，“20世纪是属于毕加索的世纪”这话一点都没错，他凭借自己多变的画风和不朽的画作为这个世纪的艺术贡献了自己最大的力量。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。 毕加索在我眼中是个单纯者，一个单纯地追求自由的艺术家，并永远忠于自由地创造艺术。正是因为追求自由，毕加索的艺术才没有规律可循，不要规定，不要偏见，什么都不要，以完全彻底的自由，任意重塑世界。艺术是毕加索的全部，自由则是毕加索的灵魂。毕加索的作品涉及多个方面，从版画、陶瓷到雕刻、绘画、素描。从超现实主义到印象派、野兽派。毕加索不仅给了我们艺术的震撼，更从他的创作中我们学到了人生的艺术。他的作品没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具到抽象，来来去去，只有绝对自由才适合他。 毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。他的一生分为几个时期：“蓝色时期”、“玫瑰红时期”、“黑人时期”、“立体主义时期” ，分成分解和综合两种形式“古典主义时期”、“超现实主义时期”最后是“抽象主义时期” 风格独创且缤纷多变的现代艺术魔术师毕加索，以他绚烂的彩笔，创作出一幅幅影响深远的巨作。 1、《亚维农的少女》 这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉，使画面具有了某种完整性与连续性。 2、《格尔尼卡》 乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚
西方美术史 荷兰绘画大师 ——命苦如中药命硬如钻石的梵高 华德学院 艺术与传媒分院 邵玥
《荷兰绘画大师—命苦如中药命硬如钻石的梵高》 课程教学大纲 【授课地点】多媒体教室 【授课类型】讲授课 【授课班级】2014级视觉传达设计专业、环艺专业、广电专业、动画专业 【教学方法与手段】：多媒体辅助教学，讲授法 【教学用具】教学课件 【教学内容】对荷兰绘画大师梵高艺术人生和作品的理解及艺术流派。 【教学目标】1、了解并感受梵高绘画的主要特点及作品。 2、通过梵高的艺术作品的欣赏开阔眼界，提高欣赏的能力。 3、学习梵高对绘画的热情和执着，激发学生们的绘画的热情和兴 趣。 【教学重点】1、梵高艺术人生和作品欣赏。 【教学难点】1、激发学生对绘画的兴趣和热情。 【教学步骤】 1、引入：27岁之前的梵高。（1分钟） 2、展开：梵高与印象派、后印象派；（1分钟） 梵高生命中重要的三个人；（5分钟） 梵高的绘画特；（1分钟） 3、总结：梵高的艺术精神。（1分钟）
1886年，一个年轻人来到了艺术之都巴黎，在这里，他立志成为一名画家，并从好几位印象派大师的画作中得到了启发...... 然而，没过多久，他发现印象派的手法根本就不够他玩的。于是，她毅然决然的走上了一条无比艰辛的艺术创新之路。通过这条路，他终于成为艺术史上不可或缺的一位大师。这个年轻人的名字叫——梵高 一、梵高与印象派、后印象派 关于文森特凡高，首先我想先聊聊他究竟应该被分到那个“派”。艺术家的分派，并不像黑社会电影中向关二哥磕个头，然后再在身上纹两条带鱼就算入了帮派了。而是要从他作品的风格中分析他比较偏向那个派......照这种说法，那梵高早期的作品的确是受了印象派影响。在遇到印象派之前，梵高的画给人一种非常凄惨的感觉，而在收到印象派影响后，从画面上很容易看出来，梵高的画面一下子“亮”了起来，而且鲜艳明亮也成为了他以后画中的标志而被人熟知。可以说，印象派在梵高的艺术生涯中打开了一只手电筒，给他指了一条明路。 然而，凡高的代表作却又和印象派风格截然不同，甚至有些唱反调。于是，专家学者们又把他和后来一样画风有所转变的塞尚、罗德烈克等人划分为后印象派。 但我个人认为之中划分是不合理的，因为印象派的创始人莫奈、雷诺阿最后也和印象派“say goodbye”了，照这种理论，我们是不是也应该给他们分个苹果派菠萝派之类的呢？所以，专家们把艺术家们分成各个门派，从我作为教师这个角度上来说，就是为了上课方便总结归纳，考试好出题！其实，又有哪个画家的画风是一沉不变的呢？ 如果硬要分派，我觉得梵高应该是：癫狂派。艺术家都是疯狂的，然而和毕加索、马蒂斯这种故意作怪的画家不同，梵高的怪是他的血液和骨髓里面的。因为，他是个精神病，如假包换的精神病....... 二、梵高生命中重要的三个人 要了解这个“神经病”，有三个人是不得不提的，可以说没有这三个人，就没有今天大家所认识的梵高，三个人，缺一不可。 重要人物一：提奥梵高 文森特梵高的弟弟，也是他一生的知己，并且终其一生，在精神上、经济上鼎力支持梵高的梦想。年轻时期的梵高，做过很多职业：画廊销售、传教士、外语教师（他会英、法、
世界着名画家及其作品 达芬奇（由于达芬奇打下了坚实的素描 代表作:《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》 凡．高全名文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh），1853年3月30日出生在荷兰南部尊得特一个牧师家庭。1890年7月27日，星期天。在外出写生时，凡高开枪自杀！但没有打中要害，被人抬回家，他拒绝接受治疗。1890年7月29日凡高逝世。虽为荷兰人但长年生活在法国，是后印象派的重要画家.和他的同胞伦勃朗一样凡高也喜欢为自己画像。代表作品《向阳葵》 丁托列托﹝Tintoretto，1518-1594﹞，16世纪意大利威尼斯画派着名画家。出生在威尼斯，是一个染坊主的儿子.他长期生活在故乡，用画笔装饰城市的庭院和教堂.他曾拜师提香，追求提香般绚烂的色彩和米开朗基罗般结实的形体是他的目标.代表作品：《基督之翟足》;《最后审判》 毕加索? 全名巴勃罗·鲁伊斯·毕加索（Pablo Picasso,生于1881年10 月25日；死于1973年4月8日），西班牙人自幼有非凡的艺术才能.他的父亲是美术教师又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力. 他一生中画法和风格几经变化分为这样几个时期: 蓝色时期\玫瑰红时期\ 黑 人时期。毕加索也是位多产画家，据统计，他的作品总计近 37000 件，包括：油画 1885 幅，素描 7089 幅，版画 20000 幅，平版画 6121幅。代表作品：《拿烟斗的男孩》《卡门》系列。 高更? 保罗·高更（Gauguin, (Eugene-Henri-)Paul，1848-1903年）是法国后期印象派三大巨匠之一.另两个是塞尚、梵高。他起步较晚，早期的画追求形式的简化和色彩的装饰效果，但还没有摆脱印象派的手法.他不但对埃及古代绘画很感兴趣，而且向往仍处于原始部落生活的土人们的风习和艺术.被称为原始人产最高典型.英国名作家毛姆，曾以高更传记为题，写了一部小说《月亮与六便士》，以艺术的创造（月亮）与世俗的物质文明（六便士=金钱）为对比，象征书中主角的境遇。代表作品：《塔希提少女》等 列宾?伊里亚.叶菲莫维奇.列宾（ИльЯЕфИМОВИЧРеПИН，1844—1930），俄罗斯写实主义绘画大师，列宾与法国绘画巨匠莫奈，同为19世纪后期欧洲美术史上，引人注目的重要级人物。他们的艺术在欧洲的东西部，各领一方风骚，影响力延伸到整个20世纪。代表作品：《伏尔加河纤夫》、《押
世界10大名画品鉴：《无名女郎》《入睡的维纳斯》《蒙娜丽 莎》毕加索《梦》等等 慧缘文艺品鉴：慧缘文艺品鉴带你领略世界顶级艺术品真容和其创作者传略……；看不到买不起，今生在《慧缘文艺品鉴收藏》有缘欣赏一番，也是一种快慰！看到的高友门客不要错过，分享转发到朋友圈慢慢品味！1、无名女郎1883年克拉姆斯柯依俄国75.5cm×99cm 布油彩莫斯科特列恰科夫美术馆藏这是一幅颇具美学价值的性格肖像画，画家以精湛的技艺表现出对象的精神气质。画中的无名女郎高傲而又自尊，她穿戴着俄国上流社会豪华的服饰，坐在华贵的敞蓬马车上，背景是圣彼得堡著名的亚历山大剧院。究竟“无名女郎”是谁，至今仍是个谜。画家在肖像画上创造了一种新的表现风格，即用主题性的情节来描绘肖像，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。克拉姆斯柯依（ИванНиколаевичКрамской1837-1887年）是“巡回展览画派”的组织者和领袖人物，其艺术见解在当时俄罗斯画家中有颇大影响。 1837年伊凡·尼古拉耶维奇·克拉姆斯柯依，出生在俄国中部伏龙涅什省奥斯特洛戈日斯克城，一个贫寒的市民家里。童年当过听差和乡里的记事员，1853年随一流动照相师修理
底板，因一偶然的机会来到彼得堡，在1857年考入彼得堡皇家美术学院。克拉姆斯柯依的画誉逐渐响誉全国，生活得到了该善，经常出入上流社会。为了富足，整天不停的画，以至未到50岁就已衰老多病。1887年，在给一个叫拉乌赫普斯的医生画肖像时，倒在画前，离开了人世。克拉姆斯柯依的肖像画真实而深刻地反映了社会变革，正如评论家所言：“可以构成一个展示十月革命前夕从事民主进步事业的杰出艺术家和卓越的活动家的画廊，这不仅仅是克拉姆斯柯依的光荣，也是肖像画的光荣”。2、入睡的维纳斯约1510-1511年乔尔乔内意大利108.5cm×175cm 布油彩德累斯顿国家美术馆藏 这是乔尔乔内最成功的油画作品，最后由提香完成。作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。这种充满人文精神的美的创造，是符合文艺复兴时期理想'美'的典范的。 3、蒙娜丽莎达芬奇意大利1503年-1506年布面油画 77cm×53cm 巴黎卢浮宫藏 达·芬奇的《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级妇女形象。据记载，蒙娜丽莎原是
杰克逊·波洛克(Jackson Pollock,1912-1956)，美国画家，抽象表现主义绘画大师，也被公认为是美国现代绘画摆脱欧洲标准，在国际艺坛建立领导地位的第一功臣。1929年就学纽约艺术学生联盟，师从本顿。1943年开始转向抽象艺术。1947年开始使用"滴画法"，把巨大的画布平铺于地面，用钻有小孔的盒、棒或画笔把颜料滴溅在画布上。其创作不作事先规划，作画没有固定位置，喜欢在画布四周随意走动，以反复的无意识的动作画成复杂难辨、线条错乱的网，人称"行动绘画"。此画法构图设计没有中心，结构无法辨识，具有鲜明的抽象表现主义特征。主要作品有《秋韵:第30号》、《薰衣草之雾:第1号》、《大教堂》、《蓝杆:第11号》等。 人物简介 杰克逊·波洛克杰克逊·波洛克 (Jackson Pollock，出生日期1912年1 月28日，美国印第安纳州加里市人)是 一位有影响力的美国艺术家以及抽象 派表现主义(abstract expressionism) 运动的主要力量。其名字又译做杰克 森·波拉克，以巨幅的"滴色"画(如《第 一号》，1948)而获殊荣。他把自己的作品题材解释为绘画自身的行动。他的创作并没有开始的草图，而只是由一系列即兴的行动完成作品。他把棍子或笔尖浸入盛着通常是珐琅和铝颜料的罐子中，然后把颜色滴到或甩到钉在地上的画布上，凭着
直觉和经验从画布四面八方来作画。这些留在画布上纵横交错的颜料组成的图案具有激动人心的活力，记录了他作画时直接的身体运动，于是观众可以分享到创造这些色迹的经验。 折叠编辑本段主要经历 杰克逊·波洛克生于怀俄明州，后来杰克 逊·波洛克于1929年移居纽约，在托马 斯·哈特·本顿(Thomas Hart Benton)杰 克逊·波洛克门下学习。他从象征艺术上 转移，并发展了一个在帆布上喷涂和滴颜 料的绘画技术。他是20世纪美国抽象绘画的奠基人之一。他的作品被视为二战后新美国绘画的象征。 1938年到1942年间，他为联邦艺术工程工作;1950年代到1960年代，他通过"文化自由议会"(Congress for Cultural Freedom)受到中央情报局的支持。 波洛克的创作过程与众不同，他先把画布钉在地板上或墙上，然后随意在画布上泼洒颜料，任其在画布上滴流，创造出纵横交错的抽象线 条效果。波洛克有时还用石块、沙子、 铁钉和碎玻璃掺和颜料在画布上摩擦。 他摒弃了画家常用的绘画工具，绘画时 完全摆脱受制于手腕、肘和肩的传统模 式，行动即兴、随意，这种方法被称为 行动绘画或抽象表现主义。
毕加索 姓名：宋紫豪 学号： 13124343
1906年至1910年非洲时期(黑人时期) 1906年毕加索从德兰的非洲面具中得到启发，直至年底，其作品一直受非洲面具影响，此即为毕加索的非洲时期。他笔下的人体健硕而深沉，这种特征，在1907年的《阿威农的姑娘》中显露无遗，由不同组件组成的人体可从几个角度来观看，揭示毕加索的立体主义时期的来临。然而，整个时期仍有受塞尚影响的痕迹。 1910年至1914年分析立体主义（综合） 毕加索进入了立体主义时期。这一时期的创作特点是，“不去描绘客观物体的外表形态，而是把客观物体引入绘画，从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来。”同时，赋予形式意味的构图和画面最终的震撼力，形态穿插闪躲于几何之间，色彩从单一变成复色。另外，为了更仔细地分解对象的造形，毕加索以及其他立体主义绘画者也倾向选择较单纯的主题来作画，比如静物、肖像、人体等等，至于他以前关心的斗牛、巴黎夜生活、小丑、穷人等题材，则难以融入到这个新风格中。毕加索以大量的创作来探索这种风格，比如在《斜躺的裸女》、《站立的裸女》等人体作品中，他以浓重的轮廓线勾勒出身体的各个部位，尤其强调椭圆形的乳房和折曲的四肢，藉由块状的结构组成扭曲的躯体；相反的，在五官的描绘上则简略得几乎不可辨识，背景也仅只是布满笔触的简单色块 1914年，战争使立体主义画家分道扬镳，各奔前程。毕加索重拾自由与个人在色彩上的品味，还有那旺盛的精力。无论从风格与绘画的对象上，他的“立体印象派”创作变得更加自由。纵观他的所有作品，他并未把自己局限于立体主义，而是继续从各方面探索。 20世纪20年代中期至30年代初超现实主义时期 20世纪20年代中期至30年代初，是毕加索创作的超现实主义时期，其创作特点是将生与死，梦境与现实统一起来，具有神秘、恐怖、怪诞的气氛。这时期的作品包括《雕塑家》等。 《雕塑家》是以毕加索的情人玛丽·泰瑞莎的形象为蓝本设计的。玛丽·泰瑞莎的形象被描绘成画面左边的胸像，这尊胸像形体巨大、色彩鲜明，和雕塑家身后台座上的白色雕像有着截然不同的魅力。画中雕塑家正支着头注视着他的作品，彷佛正思考要如何进行下一步。这种雕塑家及其作品的主题，往往令人想起希腊神话中的毕马龙对于现实生活中的女性兴趣缺缺，反而爱上自己的作品。另外，这一时期毕加索正在实验各种变形的手法，在这件作品中，他对于变形的处理诉诸平面化与图案化。毕加索运用大量夸张的曲线勾勒出形体的轮廓，其中雕塑家和胸像的脸部造形相对较为清晰可辨，彷佛在强调两人对望的情景，而远离头部的手、脚与家具等造形则激烈地扭曲、断裂，甚至和其他形体的线条连在一起。毕加索也将许多轮廓线加以延长，而切割出不同的区域，色彩就如同填色游戏般涂绘在各区域中。此外毕加索也强调装饰的效果，他在部分线条的周围加上点状装饰，使得平涂的色块变的层次丰富。
《BBC艺术的力量》——梵高，你的画作正如你的人生 《艺术的力量》这部纪录片以一种独特的视角，放眼于波澜壮阔的漫漫历史长河，透过各艺术家独具特色的作品，讲述了艺术大师们不为人知的一面。本片再现了卡拉瓦乔、贝尼尼、伦勃朗、大卫、透纳、梵高、毕加索、以及罗斯科8名艺术家的艺术人生，而其中给我印象最为深刻的当属梵高。 记录片由梵高的独白“西奥，我在多数人眼中究竟是什么？”开始。简陋的小屋里，昏黄的光线中，主人公的脸上带着一丝让人捉摸不透的神情。这让我也不禁融入到那样的一种情景中，开始思考着：梵高，你究竟是什么样的存在？ 《麦田鸭群》，一幅极具革命意义开启了现代艺术的巨作，也是梵高卖出的第一幅画。他的这幅绘画中充满了狂暴、激烈与压倒性的情绪，仿佛是一声长远的嘶吼，久久萦绕在观众的心头。而他本人也因这幅画被艺评人誉为未来的天才，然而这样的他却在几星期后自杀而亡，为什么？！相信大家都与我有着同样的疑问，然而纪录片却并没有在这里给出我们解答。 时间回溯到梵高学画之前，彼时的他虽然对艺术有着深切的热爱，却始终没有将艺术放在第一位，寻求救赎才是他最为看重的。维多利亚时代的伦敦，煤油灯昏黄，蒸汽轰鸣，行人匆匆，展现着这座城无法掩盖的纷乱与肮脏。有着坚定信仰的梵高坚信自己是穷人的救星，奔走于下层人民之间，当起了一个传教士。而起初他执起画笔也只是因为想要以这种方式传道，也就是说，艺术从一开始在梵高心中就是救赎与慰藉的象征。《吃土豆的人》便是在这一时期诞生，画面色彩厚重阴郁，描绘了贫苦农家晚上在昏黄灯光下吃土豆的景象。他以粗拙的笔触描画了人物满布皱纹的面孔与骨瘦如柴的身体。人物吃着土豆手是粗糙的，因为这双手也是那双曾经费力挖掘土豆的手，是那双劳动着的手。然而梵高的这幅饱含着力量的画作却注定与当时流行着的明快轻柔的画风格格不入。 而此后的梵高舍弃了黑暗的北国风格，开始变得明亮多彩起来，游走在了印象派的边缘，而这也促成了他与高更间的相互欣赏。其实他们之间的共同点除了时运不济好像就再也说不出其它，一个是获准在艺术边缘徘徊的阴险股票经纪人，一个是在泥泞中打滚浑身酒气的传教士，而梵高却坚信这样的他们在创作上将经历某种融合，并爆发出惊人的艺术的火花。梵高对于宇宙的顿悟，对于光影变幻融合的领悟，对于美妙的色彩的体味，却都在没有高更陪伴的情况下默然发生。在那个等待高更的充满着愿景的夏季，梵高不停的挥笔作画，而这一切都在高更的到来中结束。起先颇显得兴味盎然的友好竞争逐渐的变了味道，这种竞争并没有像当初设想的那样促成二人艺术的融合，反倒是益发增大了二人之间的差异。而且，这种差异并不仅仅是绘画技巧层面上的，更是两人艺术哲学与信仰层面上的。因而这种差异几乎是不可调和的，梵高在这种矛盾纠结的心态中割下了自己的耳朵，而他与高更，也就不欢而散。 此时的梵高已濒临崩溃的边缘，然而正是由于他的疾病，他更能敏锐的感受这个世界，一株花，一棵草，一阵风都能加深他对于这个世界的理解。那些灰色而又酷热暗涌的作品，正是他于病痛、疯狂、沉沦中挣扎着抗拒着的明证。疯狂可能随时会将他吞噬，可是，谁要管那么多呢？他只是趁着清醒的时刻，挥动着自己的画笔，此刻的他已与自己的作品融为一体。他的画能否被西奥卖掉什么的，早已无关痛痒，不再重要。画中的每一个漩涡，都是他心中的不安与忧虑，每一个细腻而又粗狂的笔触都是他心灵的地图。绕了一圈，我们又回到了《麦田群鸭》，此时再看这幅画，其中的色彩亦如梵高本人一般摇曳着颤抖着，画面处处流露出一种紧张和不详的预兆。而此时他的生活却失去了根基，一直以来支持着他的西奥似乎也动摇了，梵高失去了希望，放下了画笔，举起了枪。他的生命在他登上了艺术巅峰的时刻戛然而止，正如他的画作，粗狂而直接。人生无常，也许无言的死便是无限的活，他的画
第5课：走进抽象艺术 （一）作品分析 《即兴之31》（油画，1931年）康定斯基（俄国） 【康定斯基】出生于莫斯科，父亲是茶商，幼年时期与父母居住在罗马和佛罗伦萨，后来回敖德萨。少年时起就画画，写诗，弹钢琴，拉大提琴。曾在莫斯科大学获得社会科学和法律学的学位。1896年，即康定斯基30岁时，决意学习绘画。在慕尼黑美术学院学画直到1900年，此后即开始了活跃的艺术实践活动。 康定斯基倡导即兴作画，以表现艺术家的需要。他认为精神因素是艺术中最重要的东西，艺术不是对自然的模仿或精心制作，而是内心的需要。“艺术就像自然、科学、政治一样是一个自足的领域，它受到适合自己需要的自身规律的支配”。寻找这个规律正是画家终身奋斗的目标。他特别强调绘画同音乐的结合，音乐在所有的艺术种类中是最抽象的。康定斯基在《论艺术的精神》一书中详尽论述了音乐与绘画存在着的深刻联系。在康定斯基看来，绘画必须创造出一个与自然对象相和谐的新的现实。绘画中的色彩犹如音乐里的音符，它本身就能够打动观众。画家以这种抽象艺术来表达自己的内心世界，在观众中唤起音乐所产生的那种难以用语言表达的艺术情感。康定斯基追求绘画的音乐感，最后发展出情绪性的抽象绘画。 康定斯基的抽象作品带有很强的个人情感，因此有人称他的艺术为“热抽象”艺术。他的抽象作品大都完全脱离了客观对象，为避免标题给观众的引导性联想，他常常像音乐作品的标题那样给自己的画取上“即兴”、“作品X号”等名称。 《百老汇的爵士乐》（油画，127厘米×127厘米，1942—1943年，纽约现代艺术博物馆藏）蒙德里安（荷兰） 荷兰的蒙得里安始终想象着用最简单的美术语言要素——直线和纯色组成他的画。他想让他的艺术去揭示在主观性的外形不断变化的背后隐藏着的永恒不变的实在。他自己说：“我一步一步地排除着曲线，直到作品最后只由直线和横线构成，形成十字形，……直线和横线是两相对立的力量的表现；这类对立物的平衡到处存在着，控制着一切。”他从大大小小的原色块和矩形直角形状的组合中寻求所谓“表里平衡，个性和集体平衡，自然与精神、物质与意识的平衡”等。他认为这才是反映了宇宙最本质的客观法则。人们称他的这种抽象画为“冷抽象”，也称几何风格派。 《百老汇的爵士乐》是蒙德里安最著名的作品之一，也是他极少直接来自现实感受的作品之一。在这幅作品中，蒙得里安把他对纽约百老汇音乐的感受和认识用他自己的语言方式表现出来，创作出了一种视觉音乐。像铜管乐器一样明亮的黄色线，在霓虹灯光般的红色、蓝色、灰色小点的闪烁下，呈现出一种爵士乐的节奏感。我们还能感受到纽约最繁华的百老汇夜晚的嘈杂。密如蜘蛛网的垂直和水平的线条，很容易使人联想到百老汇街都是直角相交的道路。 《红树》(油画，1908年) 蒙德里安(荷兰) 《灰树》(油画，1912年) 蒙德里安(荷兰) 《开花的苹果树》(油画，1912年) 蒙德里安(荷兰) 【蒙德里安】(1872—1944)荷兰画家，生于荷兰阿姆尔弗特，卒于美国纽约。父亲是一位喜爱绘画的小学校长，他从小受父亲的影响而喜欢绘画，并向父亲和画家叔父学习绘画。17岁时取得了小学绘画教师资格证书，三年后又拿到中学绘画教师资格证书。1892年他来到阿姆斯特丹，进入国立美术学院开始正式严格的写实绘画训练，成为颇受教师赏识的基本功扎实的好学生。1908年前，他画了大量的写实风景画，其笔法肯定、形象概括，具有很高的艺术水准。1908年后，他开始探索新的表现手法，1911年底他来到巴黎，马上受到立体主义影响，并开始以“树”为题不断探索抽象化的表现。1914年后又放弃立体主义，转向几何形符号式的绘画，终于20世纪初形成独特的纯几何形的抽象风格。最后他以绘画的基本元素的直线直角相交构成富有节奏感的大小不等的几何图形，再用最单纯原色的不见笔触的色块与其匹配，成为独树一帜的“新造型主义”艺术，而名扬世界。人们一见到粗黑的横竖直线构成大小不等的红、黄、蓝、灰的方形、矩形的画面，便知那就是蒙德里安的作品。他认为惟有这种抽象的几形图形形式，才是绘画最本质的。他将以往的所有传统技巧统统抛弃，在他的画中不见其他任何画派的影子，他以其新形式的作品开拓了人类的艺术眼界，引领人类追求最单纯的和谐。
史上最全毕加索作品全赏析 毕加索（Pablo Picasso，1881年10月25日－1973年4月8日），西班牙画家、雕塑家。现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。毕加索的作品通常被分为9个时期。时期的名称尚有争议，大致是“蓝色时期”（1901年~1904年）、“粉红色时期”（1904年~1906年）、“立体主义时期”（1917年~1924年)“晚期”（1912年~1972年）。 毕加索是一位真正的天才。20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《亚威农的少女们》、《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件，在绘画、素描之外，也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。在毕加索1973年过世之后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人间。 毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。 30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具体到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。
走近大师毕加索教学设计 一、概述 课程类型：欣赏·评述 教学年级：高中一年级 教学课时：1课时 课题简析：本课题选用了毕加索《拿烟斗的男孩》、《亚威农少女》、《梦》、《公牛》等代表作，通过对作品的赏析让学生感受毕加索的创作手法和绘画风格演变，分析引导学生初步感知立体主义绘画的魅力。 学情分析：许多学生都听过毕加索的名字，对他的作品不十分了解，不知晓画家的表现手法和特点，对于作品的构成、重组和变形难于理解；但对于毕加索画面的独特视角还是有非常强的兴趣，本课让学生学会欣赏并初步了解毕加索立体主义的绘画风格。 二、教学目标： 知识与技能：欣赏大师毕加索的绘画的作品，拉近学生与大师的距离，激发学习大师作品的兴趣，初步了解立体主义绘画语言。 过程与方法：通过欣赏大师作品，能表达自己对毕加索独特的人物表现方法的感受和体会；开拓学生的审美视野，增长知识，陶冶学生的审美情操，提高学生对西方现代绘画作品的欣赏能力。能初步理解立体主义风格。 情感态度与价值观：初步了解毕加索立体主义构成方法，学会简单的评价现代美术作品。提高学生对西方现代绘画的理解能力和欣赏水平，培养学生对世界多元化宽容和尊重的情感。 三、教学重难点 教学重点：毕加索不同阶段作品的特点以及与相关其他大师作品对比。 教学难点：教学组织及学生兴趣的调动，如何让教学内容更加的贴近学生，让他们能接受比较专业的美术知识而不厌烦。 四、教学资源：BBC《艺术的力量》，各主要艺术网站搜取资料，微信公众账号等等。 五、教学过程： （一）导入： 教师：这是谁的作品同学们知道么？（图一） 同学们：看风格猜测:野派马蒂斯的、毕加索的、塞尚的…… 教师：再看这幅呢？能确定是谁的作品了么？（图二） 同学们：毕加索的。
抽象派画家代表人物,抽象派名画,抽象派摄影,抽象派世界名 画欣赏, 抽象派画家代表人物,抽象派名画,抽象派摄影,抽象派世界名画欣赏, 发布时间:2012-12-21 来源: 抽象派画家 我是抖动派-发几张抽象派摄影作品 非常漂亮的极简抽象派摄影_其他_摄影艺术_第 抽象派摄影一_若为初三_新浪博客 【图】三万英尺--抽象派-湖南地方论坛-蜂鸟摄 我是抖动派--发几张抽象派摄影作品- 摄影沙龙 【图】几张抽象派作品-佳能品牌-蜂鸟摄影论坛 国外创意抽象派人物摄影作品欣赏- 纳金网 如何创造抽象派摄影作品-摄影技巧-摄影技巧-摄 抽象派艺术摄影师Ruben Brulat作品-感受寒…_ 抽象派摄影作品展[网上三好街论坛] 两张抽象派摄影作品_如影随形_新浪博客 非常漂亮的极简抽象派摄影_其他_摄影艺术_我 非常漂亮的极简抽象派摄影_其他_摄影艺术_第 抽象派摄影-MSN 数码·IT频道 抽象派的建筑广告摄影欣赏
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文森特·梵高 一. 当我画一个太阳，我希望人们感觉它在以惊人的速度旋转，正在发出骇人的光热巨浪。当我画一片麦田，我希望人们感觉到麦子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。当我画一棵苹果树，我希望人们能感觉到苹果里面的果汁正把苹果皮撑开，果核中的种子正在为结出果实奋进。当我画一个男人，我就要画出他滔滔的一生（艺术的真谛，个人精神的价值）。如果生活中不再有某种无限的、深刻的、真实的东西，我将不再眷恋人间。（生活的意义，真善美的价值）——《亲爱的提奥》文森特·梵高 每个人的心里都有一团火，路过的人只看到烟，（对自我的了解）但是总有一个人，总有那么一个人能看到这火，然后走过来，陪我一起。（坚信自我的价值）我在人群中，看到了他的火，我快步走过去，生怕慢一点他就会被淹没，在岁月的尘埃里。我带着我的热情，我的冷漠，我的狂暴，我的温和，以及对爱情毫无理由的相信，走得上气不接下气。我结结巴巴的对他说，你叫什么名字。从你叫什么名字开始，后来，有了一切。（由小到大）——梵高给提奥的信 二.时代背景 抛开画家所处的社会环境来评价一个画家的成就和画作是不完整的。梵高所处的时代，学院派仍然是主流艺术，印象派作为新兴的画派尚未被主流社会所接受，更别说后印象派了。 人类对精神需求的发展 古典主义：注重形体和轮廓，强调精确的素描技术和柔缓微妙的明暗色调，力求做出照片的效果 印象派（莫奈）：强调不同的光影对色彩的变化 后印象派（梵高）：强调作者心境，用主观意识的表现取代了客观的描绘（启发了后来的野兽派（马蒂斯）立体派（毕加索），象征派） 梵高跑得太快，时代在他背后气喘吁吁。 三.梵高的伟大 高更的伟大在于他的自我和反叛，莫奈则是对人、自然、艺术的爱，相比这两人，梵高的生活更为不堪和落魄，但是他的作品永远是明亮的，美好的，纯真的，积极的。善良淳朴的人性之美，和坚持纯粹的艺术之美的交合，这大概就是为什么他的作品特别能打动人的原因吧。 对我来说，梵高是历史上最杰出的画家，没有之一，在任何时期，绝对都是最知名最伟大的画家，最受敬仰的，他对色彩的掌控无与伦比，他把生活中遭受的痛苦磨难，转化成了画布上激情洋溢的美，痛苦很容易表现，但如何糅合热情与痛苦，来表现人世间的激情、喜悦、壮丽，前无古人，也许也不会有后来者。他徜徉在普罗旺斯的田野，不仅是世界上最伟大的画家，同样作为一个人类，也是伟大的。—《神秘博士》 实践（例/意义）《麦田上的乌鸦》：我能感受到画家狠狠地把油彩挤在画布上，用力几笔，揉进翻滚的乌云，黑线勾勒的乌鸦奋力挣扎着，画笔饱蘸着高纯度的油彩短促地排线，因为过于激动身体僵硬而微微颤抖......他画的是当时的气氛，无比压抑情绪下的麦田。《星月夜》：被旋转的星云包裹着的闪耀的星星，对比着宁静的小村落，前景的柏树枝向天空伸展，表现的是生命力，像黑夜中燃放的焰火一样炫丽。 如果你只是在网上，或者小画片上看梵高的画，那真的不容易体会出它的好来，因为你看不到画家更细致的笔触和油彩的质感，而当站在原画面前时，假如你是个绘画爱好者，会不自然地推敲他绘画的过程，如何用色，能真切地感受到画家想传达出来的那种情绪。 奉献（例）《吃土豆的人》为什么是名作？梵高画矿工画农民，是为了救赎自己，但他拿起画笔时却是在画他无法救赎的人；梵高在自己被人嫌弃无法救赎的时候，居然还有怜悯之心去同情其他人。 艺术（定义）一件艺术作品的价值，要结合艺术家创作时的背景和心境。一个艺术家的成就，要看他对后人的启发 创新（例）开启不同于前人的艺术，启发后人的艺术，这就是梵高作品的伟大之处。