浅析中国诗词的美学特质
在中国文化土壤深入持久地孕育给养下，中国诗词成了曾经影响东方文化的参天大树，并由此生成其特有的美学特质。以新文化运动前后为标尺，旧体诗词是这株大树的主干，新诗是其衍生而出的枝干(即使那些从外国文化中脱胎而入的新诗)，其内在精髓只有水乳交融，才能攀缘而上枝繁叶茂。本文就中国诗词的美学特质刍议一二，质诸同好。
一、诗词的“虚白”
“虚”，虚涵；“白”，空白。庄子曰：“虚室生白。”“白”入“虚”中，“白”则生动起来，故而“虚白”二字，充满灵动，内涵丰富。清初笪重光在《画筌》中论：“虚实相生，无画处皆成妙境。”中国绘画、书法、篆刻，历来讲究“空白”之妙用。书法篆刻以“计白当黑”、“分朱布白”为章法，笔墨未及之空白处与笔墨所及之实黑处有机统一于一体；中国画的用心所在，并不仅在于画中实景，还在于画中空白；而中国诗词之“虚白”，不完全等同于上述艺术样式之“空白”，它更突出“虚涵”之意，强调空白中的包容与内涵。因诗词这一语言艺术的独特性，它又能言微大义寄旨深远，突破笔墨与纸张之所限，在情景交融的意象中，立体的多维的构造“虚白”，诗词意境因之阔大。“虚白”，因此成为中国诗词重要的美学特质之一。
“虚白”的理论根基
“虚白”论，源于老庄。老子云：“虚而不屈，动而愈出。”有了天地间的“虚白”，才有了万物的流动；庄子又曰：“唯道集虚”，“虚白”集于“道”中，而“道”是有限和无限、混沌和差别的统一。因而，天地万物皆是“有”和“无”、“虚”与“实”的产物。在此基础上，庄子提出“象罔”说，依《系辞传》之解释：“象也者，像也。”“象”是具体的切近的显露于外的物象，是真实世界的反映，而“罔”则是虚幻。艺术创作，只有虚实结合，才能反映更真实的世界。魏晋南北朝时期，在《文心雕龙·隐秀》篇中，刘勰对“隐”与“秀”作了明确界定：“情在词外曰隐，状溢目前曰秀。”又说：“隐者，不可明见也。”隐藏于“虚白”中之情是含蓄的；隐含的看不见的在“虚白”处流动荡漾的情感，才是诗词表达的重点，而情的蕴涵又是丰富复杂和多义的。由此可见，诗词的审美意象具有多重性，诗词作品在以具体的形象表达含蓄的情感时，常留有“虚白”，含有未直接说出来的多种情意。正如刘禹锡所说：“片言可以明百意，坐驰可以役万景，工于诗者能之。”司空图称此为“象”外之“象”、“景”外之“景”。境，是上述理论的延伸和发展，是实景外的虚景，是虚实结合的产物，中国诗词的意境说由此而出。可见，在中国诗词的意象结构中，若没有“虚白”就难以生发意境。
“虚白”的创作表现
与丰富的审美理论相对应，千百年来，诗词作者以亲身实践，营造着诗内诗外无尽的“虚白”，诗词的审美空间被无限拓展，诗也因之蕴含无穷的韵味。
(1)实景描写中的“虚白”：因为诗词意象是情景交融之产物，意与景融，辞与意会。景为实，意为虚，诗人先要描写实景，勾勒画面。即使在这样的画面中，作者也常常留有“虚白”，于此寄托自己含而不宣的情怀。柳宗元的《江雪》：“千山鸟飞绝，万径人踪灭。”画面何其空廖，然于其中流露的是作者孤傲自赏的隐衷；王维的“空山不见人，但闻人语响”……“不以虚为虚，而以实为虚，化景物为情思”，这些手法即使在新诗中亦可常见。以被称为“新诗第一首”的沈尹默《月夜》为例：“霜风呼呼地吹着\月光明明的照着\我和一株顶高的树并排站着\却没有靠着。”短短四句话，在夜晚空寂的画面中，作者的人格精神却隐约可见。古今诗人们正是这样，着意渲染着画面的“虚白”，扩大了诗词的内涵和寄寓。
(2)情感表达中的“虚白”：继画面描绘之后，诗词还要表达无限的、含而不张的作者情感，历来诗词作者都注重在此表达中留有“虚白”，使诗词具有多样的审美感受。金圣叹说：“不会用笔者，一笔只作一笔用，会用笔者，一笔作百十来笔用。”表情达意的含蓄委婉以及诗词作为语言艺术本身所具有的间接性、丰富性、无限性和不确定性，使得作品意象如同叶
燮在《原诗》中所论“含蓄无垠，思致微渺，其寄托在可言不可言之间，其指归在可解不可解之会，言在此而意在彼。”这种审美意象的多重含义导致“虚白”广泛弥散于作品的内涵中，并与读者审美体验相触相融，引发读者丰富联想，在欣赏作品时获取多方面的审美感受和启示。以杜甫的《江南逢李龟年》为例：“岐王宅里寻常见，崔九堂前几度闻。”作者“见”的是什么？“闻”的又是什么？在字面上，作者留下了空白；至于李商隐的《无题》诗，正如《唐诗别裁》所论：“含义未伸，有案无断。”诗中“虚白”达到极致。钱谦益云：“义山《无题》诸作，春女读之而哀，秋士读之而悲。”在上世纪七十年代末、八十年代初兴盛起来的朦胧诗中，我们也能找到这种具有多重含义的审美意象。清代王夫之所谓：“作者以一致之思，读者各以其情而自得”；“人情之游也无涯，而各以其情遇，斯所贵于有诗。”盖言于此。
(3)想象空间中的“虚白”：作为语言艺术的一种表现形式，诗词的“虚白”除了具有审美意象的多重性外，它还具有丰富的立体层次。中国山水画的意境，讲究“咫尺万里”、“平远极目”，以“远景”、“远思”、“远势”造境，从而突破山水的有限形质，将人之目光引向极处而达到“有”和“无”、“虚”与“实”的统一。诗词作品亦同样以远造境，然因其语言表达的特殊性，它还能创造想象之远并时空之远，从而越过纸面和字面所限，呈现立体的多维的“虚白”，使诗词具有深远无穷之味。屈原、李白都是想象高手，李商隐、苏轼亦是，诗中常有关于王母、嫦娥等诸多想象，这些忽而上天忽而入地无所不纳之幻想，极大地拓展了诗词的内涵空间，使作品在或远或近的“虚白”空间中，映射出作者的现实和理想轨迹。
(4)叙事作品中的“虚白”：“虚白”为老庄哲学的产物，而在以儒家“诗言志”为主导、以写实入世教化为主的诗词叙事作品中，是否还有“虚白”的容身之处？以杜甫的现实主义作品《三吏》《三别》为例，在诗中作者上悯国难下痛民穷，以“赋”之写法直叙其事。然作品中仍有“虚白”之处，使之具有含蓄之味。如《新安吏》中“白水暮东流，青山犹哭声”，纯为写景，然景外却留有“虚白”，黄昏的青山流水隐含送别之意，暗蕴无数哭声，悲痛之情难以言表。而在白居易的《琵琶行》及乐府诗《孔雀东南飞》等作品中，也有更多的“虚白”，其中蕴藉着无限深意。
如上所述，诗词“虚白”，广泛存在于优秀的诗词作品中，它使诗词充满空灵，寄旨深远；“虚白”不是一味言空，它蕴含幽隐、深远之情，与具体、显露之景相连，它是有限与无限、确定与虚无在诗中高度的统一；因语言艺术的特殊性，它于想象、时空和内涵上拓展了无限空间，呈现立体多维状，从而使诗词具有多样的审美意象，跨越了时间，实现了诗人与读者审美的互动。
二、诗词的“中和”：
“中”，中庸；“和”，调和。“中和”，即把各种性质不同的矛盾因素辨证地调和统一于一体。“中和”，是中国封建社会的士大夫们长期在“儒”与“道”、“隐”与“仕”中徘徊反复，他们的矛盾心理与矛盾人生观在诗词创作中的真实写照，它渗透于诗词艺术的方方面面，从语言、节奏至内涵、风格，处处讲求对立与统一、讲求变化与平衡，使诗词较之其他艺术门类，呈现出全方位、立体而又摇曳多姿的“中和”之美，“中和”，因此成为中国诗词又一重要的美学特质。
“中和”的理论根基
在理论领域，原本对立的儒、道两家都提倡“中和”。儒家以社会教化角度论“中和”。孔子曰：“质胜文则野，文胜质则史。文质彬彬，然后君子。”指出艺术的形式和内容与人的外在和品质一样，都要讲究“美”与“善”的统一，并进而提出自己的审美标准：“乐而不淫，哀而不伤”，艺术包含的是一种有限度有节制的情感，一言以弊之，即为“和”。道家以“道”之角度论“中和”，认为“道”是“有”和“无”的统一，天地万物也是“阴”和“阳”、“虚”与“实”的统一。他的上述思想成了中国古典艺术“虚实结合”这一重要美学原则的渊源。
“中和”的创作表现
在诗词表现上，“中和”之美多姿多彩、包罗万象，现撷取少许，以窥全豹：
(1)诗体格式上的“中和”：屈原的“骚体诗”，实词虚词交替，汉代的五言诗，节拍奇偶相间。而那“一简之内，音韵尽殊；两句之中，轻重悉异”永明体的出现，使诗歌更为流畅而富于变化。至沈约的《四声谱》之后，唐初形成了近体格律诗，至此以后，在平仄、对偶、意象等多方面，诗词无一不讲对立与统一，各种矛盾因素高度融于一体，形成鲜明的艺术效果，真正是“暨音色之迭代，若五色之相宣。”(陆机《文赋》)
(2)创作手法上的“中和”：多以对立手法突出主题。如用字：工于练字，讲求简练。简为简洁，练为凝练，简洁之中有深意。平字见奇、常字见险、陈字见新等手法常用。刘熙载在《诗概》中说：“常语易，奇语难，此诗之初关也；奇语易，常语难，此诗之重关也。香山用常得奇，此境良非易到。”“放翁诗明白如话，然浅中有深，平中有奇，故足以令人咀味。”譬如写景：讲究情与景结合，“景无情不发，情无景不生”。在写法上，常以动中写静、以近写远或反之。苏轼曰：“欲令诗语妙，无厌空且静。静故了群动，空故纳万境。咸酸杂众好，中有至味有。”再如意象：藏与露、深与浅、言与意、虚与实等种种矛盾因素相生相融于一体。陆时雍《诗境总论》：“善言情者，吞吐深浅，欲藏还露，便觉此中无限。”以上种种对立写法塑造了空灵含蓄的审美意象，言有尽而意无穷，不同的读者又可根据此中意象进行审美体验，获得不同的审美感受。
(3)创作风格上的“中和”：几乎所有文论，对历代诗人创作风格的评价，都以“中和”为标准，而诗词作者，也在创作过程中自觉地遵守这一规范。姜白石评价陶渊明：“其诗散而庄，淡而腴。”“散”、“淡”与“庄”、“腴”本是一对矛盾，然而它们却和谐地统一于陶诗中。苏轼评韦柳诗“发纤 于简古，寄至味于淡泊”，这些话都指言以上诸家他们的作品外在语言十分质朴，内在意蕴却与此相反，显得丰富华美，都强调绚烂、纤 、奇趣要发之于平淡、疏淡、枯淡。
(4)理论总结上的“中和”：自《易经》(《系辞传》) 始，就对诗词创作中的“阴”与“阳”、“意”与“象”等关系进行不懈的探索，至清代的刘熙载，则完成了对创作过程中关于“中和”研究的集大成。在他的《诗概》中，贯穿全文的基本思想是：一切艺术都是按照矛盾的法则产生的。比如，“咏物”与“咏怀”的统一；“真实”与“玄诞”的统一；“结实”与“空灵”的统一；“文”与“质”的统一；“齐”与“不齐”的统一；“放开”与“收回”的统一等。他还提出平——奇——平创作过程三段式，第二个“平”即“出色”而“本色”、“绚烂之极归于平淡”。
如上所述，“中和”是儒、道两家倡导的诗学理论，早为亦儒亦道的传统中国诗词作者广泛接受，并在几千年的诗词发展历史上，不断展开和丰富，它全面渗透于诗词领域，使中国诗词呈现出温婉含蓄而又变化多姿的“中和”之美。
浅析洛阳古典园林的美学特征 浅析洛阳古典园林的美学特征 摘要：魏晋南北朝至隋唐时期，是中国经济文化飞速发展的时期。安定的社会环境、富饶的生活条件、发达的交通、隐逸之风的盛行和土地私有制的发展促进了中国园林的成熟发展。洛阳作为当时社会的政治、经济、文化中心，其园林水平足以体现出当时中国古典园林的发展状况。洛阳古典园林可视为中国古典园林成长成熟期的典型。 关键词：魏晋南北朝隋唐洛阳古典园林典型意境 中图分类号：K928.73 文献标识码：A 文章编号： 历史告诉我们，人在孜孜不息地追求着物质享受的同时，也孜孜不息地追求着美的享受。对于我们的居住环境，人们不仅要求它使用方便，同时也希望把房屋建筑的尽可能美观。当今社会技术化模板化的住宅建筑已不能满足人们的日益提升的审美心理需求，园林具有实用和审美相结合的艺术特性，是理想的人居环境。本次论文的目的是希望针对见证了中国园林成长成熟变化发展的洛阳古典园林美学特 征的分析，提供一些参考，为现代人类理想居住环境的营建寻求一条切实可行之路。 魏晋南北朝至隋唐时期，洛阳长期为帝都陪京，成为中国的政治、经济和文化中心，且地处伊洛盆地，四面环山，城中有伊、洛、?、涧四水穿过，在造园发展上具有得天独厚的条件，这使得其古典园林逐渐形成了一定的地域和时代特色。“天下名园重洛阳”，不光皇室建造的宫苑遍布城周，而且士大夫、文人墨客都在此兴建不少私人别业，加上释教佛学始传于洛阳，寺院也随之兴盛起来。这正好见证了中国古典园林从早期的“园”、“囿”，到后期的城市园林，并形成了古代中国造园活动的三大主流形式――皇家园林、私家园林和寺观园林。 皇家园林 皇家园林顾名思义，属皇帝个人和皇室所私有。占地面积大，规
论中国古代美学思想之朴素美
目录 摘要 (2) Ａbstract (3) 前言 (4) 一．朴素美 (4) 1.1朴素美的由来 (4) 1.2 朴素美在中国古代美学思想的意义 (5) 二．朴素美在古代美学中的分论 (5) 2.1老子：语言真诚朴素之美 (5) 2.2庄子：文学平淡真实之美 (6) 2.3孟郊：诗歌淳朴素淡之美 (7) 2.4李贽：提倡简朴质直之美 (8) 2.5阿炳：音乐情真意切之美 (8) 结语 (9) 参考文献 (10) 致谢 (11) 摘要
朴素美显示出质朴无华、淡雅之美。在中国传统文化中，朴素美是一种基本的生活观念，也是一种美学观念，朴实无华，清新自然成为美的最高形态。朴素美作为一种艺术风格或审美趣味，在中国古代美学史上具有特殊的意义。 关键词: 美学思想朴素美中国传统文化 自然平淡 Abstract
The beauty of simplicity shows its simple，plain and elegant. In traditional Chinese culture，the beauty of simplicity is not only a basic living principle but an acceptable belief of aesthetics. What's called the utmost qualities of beauty are simplicity and plain，purity and natural. Regarded as one of the styles of art forms and an aesthetic pleasure，the beauty of simplicity had its special significance in the history of Chinese ancient aesthetics. Key words:aesthetic thought simple beauty Chinese traditional culture nature flat
古典诗歌中的常见意象的一般美学含义（2） 教学园地 06-24 0948 簪缨 (冠)：官位、名望； 捣衣砧：妇女对丈夫的思念； 西楼小楼：闺怨之情； 丝竹：音乐；汗青：史册须眉：男子；巾帼：妇女； 桑梓：故乡；轩辕：祖国；三尺：法律；寸管：笔； 青鸟：信使；吴钩：泛指宝刀、利剑。 昆山玉：比喻杰出的人才。古诗中的青山意象 青山：诗人们借以栖息身心的家园。如“青山一道同云雨，明月何曾是两乡”（王昌龄《送柴侍御》） 作为故乡的象征，雄浑沉稳的青山让游子感到无比亲切，而另一方面，人事往来成代谢，青山却容颜不改，万古长存。《三国演义》开篇一首《临江仙》词，即因浓缩了这种感慨而被誉为“千古第一调”：滚滚长江东逝水，浪花淘尽英雄。是非成败头空。青山依旧在，几度夕阳红。白发渔樵江渚上，惯看秋月春风。一壶浊酒喜相逢。古今多少事，都付笑谈中。 在历史长河中，英雄与凡人消失净尽，是非成败头皆为空幻；夕阳无数次映红天空，惟有青山在大地上依旧绵延。相比之下，人的身形渺小得仿佛沧海一粟，人的生命短暂得如同电光石火，饮酒笑谈的放达之中，终有一丝抹不去的苍凉。 梅花：一是象征志土、贞土；二是象征隐者、高土；三是象征美人、仙子。 梅花是中国古代常见的审美意象。它以其曲折多姿的形态，经霜耐寒的特性受到古代文人反复咏唱，诗人借助这客观之象，融进自身的主观之意，赋予梅花各种美好的品格。主观之意与客观之象融合为一体，梅花的艺术形象既有理性也有感情，激发读者的想象。现在就以宋诗为中心，说说梅花的意象 流水。刘勰曾说过：“登山情则满于山，观海则意溢于海。”。 （一）友情。《赠汪伦》也是写朋友之间的送别之情，与前一首诗人送别友人不同的是，这首诗写的是朋友送别诗人。结尾两句是这样写的：“桃花潭水深千尺，不及汪伦送我情。”先是夸张桃花潭水深达千尺，
浅析宋词的美学特质 词在宋代创造了辉煌灿烂的成就，成为宋代独树一帜的文学形式。从而得到与唐诗并峙的崇高地位。宋词作为中国文学一个阶段的高峰，蕴藏了无尽的审美价值与艺术价值。在宋词中浅唱低吟，感受生活的韵味，美学的韵味。真率明朗、高旷清雄、婉约清新、奇艳俊秀、典丽精工、豪迈奔放、骚雅清劲，异彩纷呈。在众多文学巨匠们的笔下，清雅脱俗的灵感把境界由隐性过渡到显性，营造出高妙绝伦的意境，以一种跨时间、空间的方式塑造词人理想中的精神家园。 唐诗、宋词、元曲，是我国古代诗歌发展史上三座并峙的高峰。宋词，就其规模和影响来说，虽不及唐诗，但其价值却不在唐诗之下。我们认为，在文学领域的更新浪潮重，人们所作的种种努力，都是希求用一种最佳的审视角度，来寻觅一种最美的文学样式，以反映他们的精神状态。众所周知，唐代是诗国，但是到了宋代，人们并没有积极地弘扬唐代遗风，而是更多地选用了词这种文学样式来表达他们地情感，使词在本朝代蔚然大观，成为一代代表文学，能与唐诗相提并论，这肯定有宋代文人特定的审美观念的原因。不仅如此，这里面也肯定有某种历史的契机，历史的需要和某种历史的必然性因素在内，因此，也就不乏其美的价值存在。这就要求我们传统的观念，透过现像看本质，比较全面的看待宋词。 词应时代的需要，跻身于文学的“大雅之堂”，首先反映文人活跃的思想心态为特色，优于诗而显示它独有的美学特质。 随着社会的繁荣与发展，宋词逐步形成豪放和婉约两个流派，即美学上的“刚性美与柔性美”。自然界有两种美，提到“骏马秋风冀北”，大家会想到“雄浑”、“劲健”；提到“杏花春雨江南”，大家会想到“秀丽”、“纤浓”。前者是“气概”，后者是“神韵”；前者是刚性美，后者是柔性美。 豪放派代表人物有苏轼、辛弃疾等，婉约派代表人物有李清照、柳永等。历史上词风初始婉约，经苏轼等人的进一步发展才得来豪放词。正如《念奴娇?赤壁怀古》——“大江东去，浪淘尽，千古风流人物。故垒西边，人道是三国周郎赤壁。乱石穿空，惊涛拍岸，卷起千堆雪。江山如画，一时多少豪杰。遥想公瑾当年，小乔初嫁了。羽扇纶巾，谈笑间樯橹灰飞烟灭。多情应笑我早生华发。人生如梦，一尊还酹江月。”这首词最能体现豪放的特征。大江东去、乱石穿空、惊涛拍岸等词给人以雄浑之感。而词中所抒发的感怀身世的无奈与苍凉更给予人们深沉之感。同一个词人可以既写出豪放词又写出婉约词，而在同一首词中也可以既见豪放又见婉约。譬如，晏殊的《蝶恋花》——“楹菊愁烟兰泣露。罗幕轻寒，燕子双飞去。明月不谙离别苦，斜光到晓穿朱户。昨夜西风凋碧树，独上高楼，望尽天涯路。欲寄彩笺兼尺素，山长水阔知何处。”这首词抒发了离别相思之情。词人用拟人手法刻画菊花、兰花、等意象，而这些意象正体现出婉约词的特征。而下阙“独上高楼，望尽天涯路”开始词境陡转，“山长水阔”最能体现从上阙的深婉变化为下阙的宏阔，一首词中同时具有豪放与婉约的风格，给人以多重的艺术感受。由此上可知美学中刚性美与柔性美的概念，在诗词创作与鉴赏中有重要作用。每个人所看到的世界都是他自己所创造的，都和他的心绪密切相关。
中国古典美学的意境 意境，指文艺作品或自然景象中所表现出来的情调和境界，以及抒情性作品中呈现的那种情景交融、虚实相生、活跃着生命律动的韵味无穷的诗意空间。如果典型是以单个形象而论的话，意境则是由若干形象构成的形象体系，是以整体形象出现的文学形象的高级形态。意境是中国古典艺术理论的重要范畴，它集中体现了中华民族的审美意识。故而美学与意境就有了那么一层深厚的关系。美学里的意境理论是中国传统美学思想的重要范畴﹐在传统绘画中是作品通过时空境象的描绘﹐在情与景高度融汇後所体现出来的艺术境界。 意境理论最先出现于文学创作与批评。三国两晋南北朝时代文学创作中有“意象”说和“境界”说。唐代诗人王昌龄和皎然提出了“取境”“缘境”的理论﹐刘禹锡和文艺理论家司空图又进一步提出了“象外之象”﹑“景外之景”的创作见解。艺理论界对“境界”说的阐述虽然众说纷纭，为轩为轾，但有一个地方却出人意外，绝大多数评论者都把“境界”和“意境”等同起来。称之为“文学形象”、“作品中的世界”。这种看法无疑是片面的。 “境界”一词作为一般习惯用法，如云“境界有二，有诗人之境界，有常人之境界”，此所谓境界，便当是泛指作品中的一种抽象界域而言者。又如云“古今之成大事业、大学问者，必经过三种之境界”，此所谓境界，便当是指修养造诣之各种不同的阶段而言者。又如云“‘明月照积雪’、‘大江日夜流’、‘中天悬明月’、‘黄河落日圆’，此种境界，可谓千古壮观”，此处之所谓境界便当是指作者所描写的景物而言者。 中国古典美学博大精深,在漫长的发展过程中形成了自己独立的个性,也形成了一系列具有民族特色的独特的美学命题和范畴。“意境”这一中国古典美学的核心范畴,反映了中国古典美学具有如下一些基本特征:追求人与自然的和谐统一;美学范畴的多义性,模糊性和辩证统一性;美学范畴的动态变异性;“以物观物”、“以我观物”的哲学认知和审美认知方式交融的艺术观照方式。“意境”是中国古典美学的独特的范畴，这是从美学范畴说，这个范畴是中国古代思想家提炼出来的，同时也是中国历代许多艺术家有意识去追求的。
浅析庄子的美学思想 摘要:庄子的美学思想在中国美学史上具有举足轻重的地位,其以自然之美、虚静之美、自由之美等多重美学思想的内涵,对中国古代知识分子的人格塑造以及中国古代文学艺术的创作产生了深远的影响。本文旨在通过对庄子美学思想内涵及特性的分析,凸现庄子的美学人生,丰富人们的审美观,使人性更纯洁、人格更完美。 庄子是继老子之后道家的主要代表人物,在中国美学史上具有举足轻重的地位。他师承老子,以“道”的自然无为的特征作为他人生审美境界的最高理想。他以冷峻和超越的审美目光透视了人生的历程,其追求的人生是自由的人生,也是审美的人生。生命的自由与审美的超越在他那里是和谐统一、不可分割的。其所论所述对中国古典美学产生了深远的影响。 一、庄子美学思想的内涵 庄子美学思想的内涵及其丰富,主要体现在如下几个方面: (一)自然之美 “道”既是庄子哲学的灵魂,也是其美学思想的出发点和归属。庄子认为“道”的根本特征就是自然无为,《在宥》篇曰:“无为而尊者,天道也。”《田方子》曰:“天之自高,地之自厚,日月之自明。”天地日月的自高、自厚、自明是道的自然无为本质的体现。因此以自然为美,他把天地万物的自然本性视为最高最纯的美。《知北游》中说:“天地有大美而不言,四时有明法而不议,万物有成理而不说。圣人者,原天地之美,而达万物之理,是故圣人无为。”庄子认为天地本身所具有的美即自然之美才是真正的美。世间一切方圆曲直,皆为自然天成,未经雕凿的自然之美是美的极致,《刻意》曰:“淡然无极,而众美从之。”可见庄子论美,力主自然,追求本真。” 庄子以自然为美,因此他从根本上肯定了美与真的一致性。《渔父》中说:“真者,所以受于天也,自然不可易也,故圣人法天贵真,不拘于泥。”“真”是一种与世俗之伪相对立的自然而然的天生本性,是人与天、物与我达成和谐关系的关键所在。在《应帝王》中记载了这样一个寓言:“南海之帝为儵,北海之帝为忽,中央之帝为浑沌。儵与忽时相与遇于浑沌之地,浑沌待之甚善,儵与忽谋报浑沌之德,曰:‘人皆有七窍以视听食息,此独无有,尝试凿之。’日凿一窍,七日而浑沌死。”此寓言的真实含义在于“真”是浑沌的精神实质和本源,而儵与忽为浑沌凿七窍的行为破坏了浑沌的本来面目,失去了真也就失去了生命,最终导致了浑沌的死亡。所以庄子在《秋水》篇中说:“无以人灭天,无以故灭命,无以得殉民”,以人灭天的做法会使自然丧失其本性,而毫无美可言。正如庄子在《天应篇》中的所讲述的“丑女效颦”的故事,西施病心蹙眉被视为美,而丑女仿效西施病心蹙眉却被邻里视为丑。以庄子的审美尺度,西施之美本自然,病心蹙眉也出于自然,故美得有理;丑女之丑本为天生,也可以成为审美的对象,如《德充符》篇中的哀骀它一样,但丑女因为“彼知宾美而不知宾之所以美”而忸怩作态、弄巧争美,不但不美,由于掩盖了自然面貌,反增其丑。可见庄子美学思想内涵的核心就是自然之美和本真之美。 (二)虚静之美 “虚静”是庄子美学中的一个重要概念,在庄子看来,这是作为生命底蕴的气的一种本原状态。每当庄子谈到“至人”、“圣人”、“神人”这些理想人格时,总在突出他们的特征:不待于物,不害于物。“大泽焚而不能热,河汉冱而不能寒,疾雷破山、飘风振海而不能惊。若然者,乘云气,骑日月,而游乎四海之外。”这是庄子在《齐物论》里讲至人神妙之处时的描述。在这种状态中,一个神全形具的至人,虽涉及到世界万物的变化,对于利害、生死却能超然物外,虚怀若谷。在自然中,虚意味着无,在精神上,便是一种“心斋”。在《人间世》中,叙述了颜回向孔子请教心斋的故事,孔子说:“若一志,无听之以耳而听之以心,无听之以心而听之以气。听止于耳,心止于符。气也者,虚而待物者也。唯道集虚。虚者,心斋也。”这里,庄子乃是借孔子之口,将人对世界的反映的最高境界视为以气合气,这种境界便是虚,便是心斋,而它的特征乃在于
中国古典美学 悠悠华夏五千年，世界上五大文明古国之一，文化源远流长，博大精深。而中国古典美学则是中国历史中一颗璀璨的明珠，为人们所称道。 中国古典美学的起源，至今仍然没有明确的定论，但构建中国古典美学框架的主要思潮和派别之一，其形成和发展直接与儒家相关。“仁义”是中国古代人民一直很推崇的一种道德。孔子是儒家思想的创始人，他认为仁时一种美。“仁”是一种道德范畴，指人与人互相友爱、互助、同情等。1子曰：“孝弟也者，其为仁之本舆！”2百行以孝为先，这是一种仁爱。在儒家思想中孝占有很重要的地位。敬爱父母、笃爱兄长，这是“仁”的基础。假如一个家庭父母不和睦，妻离子散，而家庭成员整天都心烦意乱，事事不顺心，那么又何来“美学”之说呢？孔子的美学思想，以仁学为基础，从个体与社会的关系中沉思美之所在，强调唯有遵循仁义之道，在个体与社会的和谐统一中才能获得自由，进入美的境界，所以“仁”时一种美。 “忠孝两全”一直是中国古典美所提倡的一种美德。“孝”是仁的一种，而忠则是义中的一种。中国文化传统里“忠”表达的是一种发自内心的诚挚情感，其行为指的是舍己，即要求人们为忠诚对象放弃自己的利益，乃至生命。这一概念极其鲜明地体现了古代中国文化对象“伦理型”特征。“忠”是一个古老的概念。与之相关的忠信、忠义、忠告、忠言等词，一直都广为流传。并在相当的程度上影响着现代中国人的生活。公孙丑问孟子说：“敢问夫子恶乎长？”曰：“我知言，。我善养吾浩然之气”“敢问何谓浩然之气”曰：“难言也！其为气也，至大至刚，以直养而无害，则塞于天地之间。其为气也。配义与道，无是，馁也。是集义所生者，非义袭而取之也。”3这里所说的“浩然之气”、“配义与道”、“集义所生”指的就是融合了道德思想，渗透着情感意义。为实现一定的伦理目标可以牺牲自己的一切精神。“孔孟”之一的孟子高度赞美了这种为理想实现而自我牺牲的一切精神。那种“生亦我所欲也，义亦我所欲也，二者不可得兼，舍生而取义者也”4的舍生取义的精神，在社会美学领域引起了极大的反响，它影响和鼓励着一代代的人们为之学习和努力，“人生自古谁无死，留取丹心照汗青”5的南宋爱国诗人文天祥在金人的诱惑和威胁下不为所动，“醉卧沙场君莫笑，古来征战几人回”6的边疆将士勇敢无畏，“粉身碎骨浑不怕，要留清白在人间”7的清朝诗人于谦在诱惑面前洁身自好。 而对中国古典美学也有着重大的影响的道家学派，则主张“道”作为宇宙的终极始因，把体道作为人得的存在的最高价值境界，道是道家思想的基本观念，这一观念的出现，将先秦时代与原始宗教关系密切的具有人格化意味的“天”的观念，引向初具形而上色彩的抽象的理论层次。“道，可道也，非恒道也。”8“道生一，一生二，三生万物。”9在老子的哲学中，道在宇宙的意义上被称为宇宙动力学始点而近于“一”，或在本论意义被作为万有物的终极本体而近于“无”，道即一即无，道不可道，道即是从自然运作中抽象出来的统摄万有的无为无不为的最高宇宙法则。10但老子的思想对于一般人来说比较朦胧而深奥，而作为“老庄”之一的庄子继承了老子之道，并认为谈天轮道目的在于为人的现实存在寻找一种有宇宙的色彩和本体论意味的绝对价值境界，因为庄子哲学哲学中引入了“天”、“人”、“吾”、“我”四者的关系。“无为为之之谓天”11，“天”在庄子的哲学中表达了“天帝”、“天帝”等人格化或宿命的意义，作为与人相对的自然的本然状态和生命的本真状态。“天地有大美而不言，四时有明法而不议，万物有成理儿不说。圣人者，原天地之美而达万物之理。是故圣人无为，大圣不作，观
中国美学的特点 “美学”作为一个学术意义上的学科，是在西方现代学术分野的思潮当中确定位置的。一般而言，20世纪之前的西方哲学所关注的重点是在“真”、“善”、“美”，与“美”相对应的哲学分支即是美学。20世纪初，由日本人翻译成“美学”的Aesthetics进入中国知识界的视野，以王国维为代表的有深厚的古学造诣又有着开阔眼界的学者对此投入了热情的关注，并积极地加以引介。中国美学自此开始了一个植根于中国的文化土壤，并在欧风美雨当中成长的过程。然而，中国现代美学从奠定到发展的过程呈现出了独特的面貌：始于美学领域的讨论，往往“越界”而至于文学的、历史的、日常生活的乃至社会的、政治的领域。在今天看来，这不一定是学术上“不成熟”的表现，而恰恰反映了中国传统美学、美育思想的独特之处。 关于中国美学的研究存在许多困难。这在于中国没有西方意义的美学，同时运用西方的美学理论来重构中国美学的历史还只是新近的事情。比起中国哲学史及其相关学科的研究，中国美学史的研究还有待更进一步的开掘。 对于中国是否有美学是一个一直具有争议的问题。在此争论的背后，还隐藏着两种对立的立场，即西化派和保守派。在中国传统思想面临危机和中西思想发生碰撞的时候，西化派和保守派各自提出了自己的策略。前者否认中国传统思想的价值，要求用西方思想取而代之。与此相反，后者中国传统思想的优越性，认为其创造性的转化会获得新的生命力。这种立场在美学上也是一样的。对于中国的美学传统，西化派否定，保守派则夸大。但对于中国美学的思考应该超出这两种思想的对立，不是从某种预设的立场出发，而是从中国美学自身的历史出发。 事实上，中国没有西方意义上的美学。美学在西方的历史上经历了诗学、感性学和艺术哲学等几种形态，其中尤其是感性学具有特别的重要性。但中国的美学不是在感性学的意义所使用的。同时中国关于美与艺术的思考也没有形成"知识学"，亦即关于知识的系统表达。如亚里斯多德的《诗学》、康德的《判断力批判》和黑格尔的《美学》都是关于美的思考的体系。而这在中国美学的历史上是无法寻找的。 尽管这样，我们现在还是在谈论中国美学，不过它是在极其宽广的意义上使用的。这是因为中国传统思想中也有丰富而深刻的关于美和艺术的本性的思考。只要美学不是狭义地规定为感性学，而是可以广义地规定为关于美和艺术的思考的话，那么中国美学的历史就可以得到承认。当然这既要考虑到中国美学和西方美学的共同性，也要考虑到中国美学不同于西方美学的独特性。我们要力图避免用西方美学来衡量中国美学，或者是将中国美学西方化。 中国美学的确具有独特的形态。这特别表现在其文本样式方面。中国几乎没有关于美和美感分析的独立性的系统著作，而只有格言般的片言只语。它们主要保存在儒家、道家和禅宗等思想性的论著中。不过中国历史上有大量的关于各种艺术门类的论述，如诗论、文论、画论和乐论等。这些论著既有关于各们艺术门类特性的探讨，也有对于具体作品的赏析。
龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/6813073706.html, 古典诗词艺术歌曲的审美风格与演唱特点 作者：周婧 来源：《新教育时代·学生版》2019年第47期 摘要：随着对传统文化的重视，中国古典诗词艺术歌曲受到重视，如何传承与创新古典诗词是我们需要考虑的，诗词与音乐的结合能够让诗词插上音乐的翅膀，能够让诗词以润物细无声的特点走进人们的心扉。 关键词：古典诗词审美风格《月满西楼》 引言 中国古典诗词是中国艺术歌曲中比较亮丽的一道风景线，主要是基于诗词与音乐艺术相结合的形式，将歌曲与词句结合起来，缘起于西方，逐渐打造成中国独具特色的古典诗词产品，能够进一步优化具有中国特色的古典诗词作品。下面就主要以《月满西楼》为切入点，从背景、歌词、情感等方面进行分析，帮助更多人从多个方面、多个角度来进行美学修养的提升。 [1] 一、中国古典诗词艺术歌曲的界定 艺术最早是诞生于欧美浪漫主义时期，主要是不同于其他声乐类的音乐体裁，艺术歌曲的歌词大部分是源于诗歌，在其他各个方面也有体现，艺术歌曲成为与歌剧、音乐宗教等并列的艺术体裁。 而中国艺术歌曲主要是西学东渐的产物，我国产生了大批杰出的创作者，大部分是以中国古典文学作品为素材的，将西方与中国诗词相结合，具有比较浓厚的浪漫主义色彩，中国古典艺术歌曲有利于将诗词与歌曲有機结合其起来，充分体现歌曲艺术的魅力，促进后世人更加有效理解相关诗词的含义，促进古典文化艺术的传承与传送，这样就有利于古典艺术的进一步发展。[2] 二、《月满西楼》相关背景 《月满西楼》主要出自于《一剪梅》，这首词与音乐完美融合，节奏律动都十分吸引观者，节奏错落有致，所以受到人们的喜爱。李清照是词作者，是南宋著名的女词人，也是婉约派的代表人物。基于《月满西楼》的背景来进行创作有利于提高歌曲的深度和广度。 这首歌主要是李清照和丈夫赵明诚远离之后不舍离别的词作，抒发了自己的别样愁情以及思念之情，首先在开始的两句总领全篇，下半句写户外之景，对季节起了比较点染的作用，全
（一）阅读下面文字，完成13～17题。（18分） 蒋勋眼中的宋词 ①我花了一个多月品读完《蒋勋说<宋词>》这一本书。 ②蒋勋是台湾美学大家、文化教父，书的语言细腻可感，通俗易懂，深入浅出，引人入胜。蒋勋以宽广的学养和善于发现美的眼睛，对中国文学史上重要的一篇—宋词，进行一次通俗化的全面解读。为了把这“安静、圆满的果实”讲解透切，蒋勋从唐后主李煜讲起，谈为什么在唐诗的顶峰产生宋词,如何产生宋词，以及宋词在中国文化长河中的历史意义，分别讲述了李煜、冯延巳、范仲淹、晏殊、晏几道、欧阳修、苏轼、柳永、李清照、辛弃疾，最后以姜夔收尾。 ③蒋勋说：在宋词中，你会觉得有一种饱满与安静，它酝酿了另外一颗新的种子，与花的骚动性的美非常不同。唐诗就如骚动的花，开花自然要吸引别人注意，而果实不见得有那么多吸引力，但自有一种圆满。宋词是一种简练、淡雅、不夸张的情绪。阅读蒋勋的作品，你会发现宋词的平实、自然和发现现实的美，发现宋词对人生的美的沉思。 ④人生，不可能一帆风顺，必定是曲曲折折。对于困难和挫折，人们有不同的态度，有的退缩，有的逆流而上，有的战而胜之。 ⑤人生问题是古代哲人难以回避的。孔子以现实的、积极的态度对待人生。他总结自己的一生，说：“吾十有五而志于学，三十而立，四十而不惑，五十而知天命，六十而耳顺，七十而从心所欲，不逾矩。”庄子很感叹大树的长寿和蜉蝣的短命，认为：“人生天地之间，若白驹之过隙，忽然而已。” ⑥词人也经常涉及人生态度问题，作出各种各样的解答。苏轼屡言人生短暂，人生如梦。最经典的是《念奴娇·送钱穆父》下片：“惆怅孤帆连夜发，送行淡月微云。尊前不用翠眉颦。人生如逆旅，我亦是行人。” ⑦“人生如逆旅，我亦是行人”的时代使苏轼成为令人仰望的大文豪，可是在政治上他却不是成功者。有人可能会说，这些都是颓废的人生观、没落的情趣。其实不然。比起范仲淹的“先天下之忧而忧，后天下之乐而乐”来，苏轼的追求个人生活的志向确实比较一般。但是，苏轼以此谆谆劝慰朋友：“人生就像逆水行舟，我同你一样逆流而上。”这些言辞，虽然不是青年时期的意气风发，然而也还是积极进取，难能可贵。人生短暂，万事匆促，荣辱得失本来就是相对的，过于执着，就会走向对自己的束缚。 ⑧读了这首词，我认为应该像苏轼那样，不管遇到什么挫折，受到什么委屈，都不要对人生失去希望，而应该调整心态，怀抱一种飘然自适的性情，在“逆旅”中做一个坚定的、自觉的“行人”。任何时候，人不能缩在乌龟壳里过局天促地的生活，而应该走向广阔的世界，呼吸自由的空气，在世间寻找人生的情趣，焕发出浪漫的青春。这是人性的觉醒，欲望的复苏。这种理念，将有力地推动人们对美好生活的追求，从而成为促使人自身最佳发展的原动力。 ⑨有空你不妨读一读，对人生进行一场美的沉思。 (选自网络，有删改) 链接一：喜欢唐诗，是喜欢唐诗里的大唐风骨，喜欢唐诗里的雍容气度、厚朴浑然。喜欢宋词则是喜欢宋词的精致雅丽，它或婉约、或豪放但无不精心雕琢，那种词句间氤氲的韵味总使人读罢难忘，那一种感觉总会在某一个时刻，在人生的伤怀时，在生活的寂寥处，在情致盎然里，在喜上眉梢头时分，总在生活的角角落落里得到遇合。我们会突然在这些时刻，脑海里浮现出这些清
论朦胧诗的美学特征 08中基陈原 2008221102310005 摘要：朦胧诗对传统诗歌艺术规范的反叛和变革，追求思想与艺术上的审美自由，为诗歌创作提供了新鲜的审美经验。朦胧诗由传统诗歌对客观世界的模仿走向了对人的内心世界的表现，讲求陌生化，延长知觉的过程，突出审美的目的,构建了自己独特的美学特征。 关键词：朦胧诗内心世界陌生化审美 二十世纪八十年代，诗坛出现了一个新的诗派，朦胧派诗派。以舒婷、顾城、北岛、江河、梁小斌、杨炼等为代表的一群青年诗人，在诗作中以现实意识思考人的本质，肯定人的自我价值和尊严，注重创作主体内心情感的抒发，在艺术上大量运用隐喻、暗示、通感等手法，丰富了诗的内涵，增强了诗歌的想象空间。最初，他们的诗还仿佛是在继承现代派或后现代派的传统，但很快地他们开拓了新的疆域，走得更远，自成一个王国。朦胧派诗人无疑是一群对光明世界有着强烈渴求的使者，他们善于通过一系列琐碎的意象来含蓄地表达出对社会阴暗面的不满与鄙弃，开拓了现代意象诗的新天地、新空间。从某种意义上讲，朦胧诗的崛起也是中国文学生命的崛起。朦胧诗对传统诗歌艺术规范的反叛和变革，追求思想与艺术上的审美自由，为传统诗歌创作提供了新的审美经验。 一、由传统诗歌对客观世界的模仿走向了对人内心世界的表现。 朦胧诗不是停留在对客观事物的外在表现形态和细节特征的真实模仿上，而是更加注重表现人主观的内心感受和印象体验。 在过去的文学观念指导下，传统诗歌把文学和社会生活的复杂关系人为地拉成一种的线性关系，只强调对客观事物的模仿和再现，而把人的内心世界排挤到不显眼的角落，即使是作为诗歌中心元素的抒情也是在一个层次或平面上展开，且往往采取直抒胸臆的方式加以表现，这与诗的真义相去甚远。诗歌应该把情感当作自己的表现对象。情感虽然受之于外，但却蓄之于心，而要表达情感就一定要注重对人内心世界的认识和表现。 “当作家抒情地、从社会意识方面来表达他对生活的思想旨趣和感情态度时，他可以首先从认识自己的内心世界的特点、自己的思想、感情和意向出发……在绝大多数的抒情作品中，主要的认识对象正是作家（诗人）本人的内心世界和他的社会意识。”[1]这样说并不意味着诗歌就不需要写外在的物象和具体的情境。只是在描写这些外在物象和具体情境时，也要将它们纳入诗人的内心世界。黑格尔说过，“抒情诗固然也要涉及具体的情境，主体在这种情境之中可以把各种各样的内容纳入他的情感和观感里，但是决定抒情诗这个基本类型的是内心生活，所以抒情诗不容许对外在现实进行广泛的描绘。”[2]朦胧诗在这一点上半点也不朦胧，它特别强调对人内心世界的表现。 正如艾青的《虎斑贝》:“在绝望的海底多少年，／在万顷波涛中打滚，／一身玉石的盔甲，／保持着最易受伤的生命，／要不是偶然的海浪把我卷到沙滩上，／我从来没有想到能看见这么美好的阳光。”诗人吟咏的对象是虎斑贝，但却并没有描摹再现虎斑贝这一具体物象的外在形貌和状态特征，而是突出表现虎斑贝的遭际命运，并且把它纳入到诗人自己的遭际命运和印象感受里加以表现，让虎斑贝的遭际命运和自己的融为一体。这也如黑格尔所说的，“在史诗里诗人把自己淹没在客观世界里，让独立的现实世界的动态自生自发下去；在抒情诗里却不然，诗人把目前的世界吸收到他的内心世界里，使它成为经过他的情感和思
艺术研究 143 “以色貌色”：舞动色彩的灵翼 ——浅析中国古代美学中的色彩观 董碧娟 中国传媒大学文学院2008 级文艺学研究生 北京 100024 [中图分类号]：J2 [文献标识码]：A [文章编号]：1002-2139(2010)-17-0143-02 作为我国现存最早、最为正式的山水画论，宗炳的《画山水序》通过讨论山水画的性质、功能、创作方法及目的等，较为系统地阐释了山水画的艺术特性，为山水画的发展奠定了重要的理论根基。在《画山水序》中，宗炳提出了“澄怀味象”、“山水以形媚道”、“应目会心”、“神超理得”、“畅神”等一系列具有丰厚意蕴的美学命题，无不对山水画的性质认识、创作及审美接受提供了重要启迪。而在这些理论命题和观点中，有一点可能并不具有特别鲜明、重大的理论意义，但如果仔细审视和推究，就会发现它能构成认识中国山水画乃至中国古代艺术、美学精神的一个生动有趣的切入口。这一点便是宗炳提出的“以色貌色”。 宗炳认为，再难以琢磨的玄理奥义和思想旨趣，我们都能通过心意去探索到，通过用心研究书册而了解到，更何况是作者亲身盘桓于山水之中，反复观览，以山水的本来之形画作画面上的山水之形，以山水的本来之色画成画面上的本来之色的山水画呢？ “画象布色”、“以色貌色”，显示了宗炳对于山水画创作中色彩——这一突出的艺术表现符号的重视，继而暗含了他对山水画作品的视觉直观性、逼真性的一定要求。然而，展开中国山水画绘画史长卷，色彩——这一重要的艺术语言并不是自始至终地活跃其中。与西方绘画相比，中国古代绘画对于色彩的应用更为小心矜持，这在一定程度上折射出了中西艺术特色、文化心理上的差异性。 一、 宗炳的设色论 宗炳的设色论比较隐性地蕴含在《画山水序》一文中，但这一理论观点却具有坚固的内在逻辑支撑。宗炳对于色彩应用的重视是对前人绘画实践的继承和总结。秦、汉时期的壁画、帛画、漆画等无不色彩斑斓、浓丽，魏晋南北朝时期的绘画总体上也是处于“随类赋彩”的设色阶段。因此，在山水画创作中，宗炳也十分强调色彩的运用。但这种强调并不是指对客观物象色彩的纯粹模拟，而是浸润着创作者主观性的一种色彩设置，因此选用“布”和“貌”这两个能够暗示出主体能动性的语汇。宗炳“在‘画象布色’时，强调‘以色貌色’，即在绘画时用客观的物象色彩表现主观的物象色彩，也就是客观的物象经意象加工之后再还其‘本真’，就是要达到归真返朴，浑然一体的原生态之美。”①由此可见，宗炳的设色论也渗透着老庄道家的哲学观。对于色彩的重视显示了宗炳对山水画视觉直观性、逼真性的一定要求，在此基础上，宗炳进一步提出了“近大远小”这一创作规律，从而暗示了他在山水画创作中所要求的“类巧”原则。“以形写形，以色貌色”，将色彩——这一直观性和感染力很强的艺术符号提升到与“形”即形状构图同等重要的位置，说明了宗炳对于人的视觉感性的认知与尊重，他深刻意识到了色彩这一艺术语言无论对于创作者还是接受者来说都具有重要的功能和价值。色彩作为山水之“质”的一个重要组成，就必然会成为承载山水之“灵”的一个载体，这应该是宗炳设色理论内在的基本逻辑，而这也构成了他在设色方面对于山水画创作的一个朴素但具有洞察性的认知。 二、中国山水画色彩观的演变 “最初，山水画是在人物与神仙故事的背景中孕育生长的……早期山水画创作的这种特点，决定了其最初的样式与表现技巧均从属于人物画的体系。”②山水画作为独立的绘画题材是在南北朝之后。在南朝齐梁间的画家、绘画理论家谢赫提出的“六法”中，就有“随类赋彩”一法，而且排在“应物象形”之后，可见当时绘画创作中对于色彩的重视。到了隋唐时期，山水画的艺术影响力进一步提升，在色彩上基本也是延续青绿赋彩的传统。然而在唐代，中国山水画色彩观开始出现了转变的萌芽：王维在山水画创作中“始用渲淡, 一改钩斫之法”，且推崇“夫画道之中,水墨最为上”；王洽、张璪、项容等人在水墨画创作上也取得了一定的艺术成就。五代至宋，画法精致、色彩艳丽的院体画长期位居主流，但也出现了荆浩、巨然、董源、关仝以及范宽、郭熙等人的水墨山水画创作。荆浩在“六要”中还将“墨”作为一“要”，并且推崇“不贵五彩”的画作。然而，从总体上看，水墨山水画在宋代仍处于滥觞阶段。 进入元代，文人阶层广泛介入绘画，他们追求抒情写意，讲究以书入画，注重笔墨，从而开始扭转了中国山水画的色彩观，真正树立起了中国山水画重水墨而轻彩色的传统。进入明清，在山水画创作上画派林立，如明代的浙派、吴派、华亭派，清代初期的“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）等，在这些不同的画派中仍多以水墨山水作为创作主流。再加上徐渭、扬州八怪等在水墨绘画技法上的不断创新，为水墨山水画开拓了更为广阔的发展空间，进一步巩固了重墨轻彩的传统。明代董其昌在《画禅室随笔》中就指出“水墨做正宗，青绿为别子”，清代笪重光在《画筌》中也提出“丹青竟胜，反失山水之真容”。至此，色彩这一重要的绘画语言在山水画创作中真正被置于边缘，尽管后来也有人强调山水画中色彩的作用，但已无力扭转中国古代山水画创作上重墨轻彩的传统。 三、中西绘画色彩观的差异 从中国古代山水画色彩观的演变可以一窥整个中国古代绘画色彩观上的发展主脉。《周礼》中有：“画缋之事，杂五色：东方谓之青，南方谓之赤。西方谓之白，北方谓之黑。天谓之玄，地谓之黄。”中国文化观中的“五色”可以说是对方位、物质类属、伦理、情感、宇宙气象等多项维度的概括和喻示，这也奠定了从一开始中国绘画在色彩运用上就具有一种明显的符号性、功
中国古典美学的审美特征
中国古典美学的审美特征 中国作为一个有着五千多年历史的文明古国，从远古的石器时代开始，就已创造了举世罕见的物质文明和精神文明，同时也衍生了人类历史上具有永恒魅力、不可磨灭的美。中国古代美学形成了我们民族独有的美学传统。这个传统不仅是中华民族精神的体现，更深深地渗透到了我们民族的意识、心理、好尚、趣味之中，表现在艺术作品中，组成我们民族文化不可分割的部分，在世界美学史上占有重要地位，并对整个人类文化的进步作出了不可或缺的贡献。 1.中国古代工艺美术的审美特征 中国古代工艺美术是中国人民为满足自己的物质需要和精神需要，在不同的历史条件下，采用各种物质材料和工艺技术所创造的人工造物的总称。它是中华民族造型艺术的重要组成部分，既体现了工艺美术的一般本质特征，在内涵和形式上保持着实用性与审美性的统一，又显示了中华民族文化自身所具有的鲜明个性。中国工艺美术以其悠久的历史、别具一格的风范、高超精湛的技艺和丰富多样的形态，为整个人类的文化创造史谱写了充满智慧和灵性之光的一章。 中国工艺美术浸透着中华民族的文化精神和审美意识,富有鲜明的美学个性,主要体现出： ①和谐性 中国传统艺术思想重视人与物、用与美、文与质、形与神、心与手、材与艺等因素相互间的关系，主张“和”与“宜”。对“和”、“宜”之理想境界的追求，使中国工艺美术呈现出高度的和谐性；外观的物质形态与内涵的精神意蕴和谐统一，实用性与审美性的和谐统一，感性的关系与理性的规范的和谐统一，材质工技与意匠营构的和谐统一。 ②象征性 中国工艺思想历来重视造物在伦理道德上的感化作用。它强调物用的感官愉快与审美的情感满足的联系，而且同时要求这种联系符合伦理道德规范。受制于强烈的伦理意识，中国传统工艺造物通常含有特定的寓意，往往借助造型、体量、尺度、色彩或纹饰来象征性地喻示伦理道德观念。这种象征性的追求常常使宫廷或文人工艺美术沦为纯粹的伦理道德观念的展示，造成矫饰之态或物用功效的损害。相比之下，更多以生产者自身的功利意愿为象征内涵的民间工艺美术则显得刚健朴质，充满活力。 ③灵动性 中国工艺思想主张心物的统一,要求“得心应手”，“质则人身，文象阴阳”，使主体人的生命性灵在造物上获得充分的体现。中国传统工艺造物一直在造型和装饰上保持着 S形的结构范式。这种结构范式富有生命的韵律和循环不息的运动感，使中国工艺造物在规范严整中又显变化活跃、疏朗空灵。 ④天趣性 中国工艺思想重视工艺材料的自然品质，主张“理材”、“因材施艺”，要求“相物而赋形，范质而施采”。中国传统工艺美术在造型或装饰上总是尊重材料的规定性，充分利用或显露材料的天生丽质。这种卓越的意匠使中国工艺造物具有自然天真，恬淡优雅的趣味和情致。 ⑤工巧性
中国古代文化与中国古代美学(一) 中国古代美学具有独特的概念和价值体系，多年来国内外不少学者沿用西方的美学理论和标准对之予以解释和评判，但都不能真正领悟其内在的价值和独特的魅力。中国古代美学是中国古代文化的重要组成部分，因此，只有从总体上把握中国文化的特点，才可能更好的领悟和解释中国古代美学的内在价值和其独特性。 一、一分为三的哲学观 中国古代美学的许多概念的提出，都是基于“一分为三，三生无限”的中国古代哲学观。这种“一分为三，三生无限”的哲学观不同于西方的一分为二哲学观。西方的一分为二的哲学观强调矛盾两极的对立、斗争和转化。这种一分为二的哲学观，认为对立、斗争是主要的、绝对的，事物的发展就是矛盾的两极对立、斗争的结果。因此，矛盾的两极的和谐是暂时的、相对的。而“一分为三，三生无限”的哲学观不同。一分为三的哲学观认为，世间万物由阴、阳、中和三种形态组合，但它强调的是守住中庸，扬弃两极，与西方一分为二的哲学观相反，它认为矛盾的两极都是片面的、暂时的，只有“中庸”、“中和”才是真实的、理性的、永恒的、长久的。例如在自然与人类的关系问题上，中国历史上有“天人相分”与“天人合一”，但“天人合一”是主要的、基本的。是天人合一扬弃天人相分，天人相斗。与西方一分为二的哲学观不同，中国的一分为三的哲学观，从不认为是对立两极推动万事万物的发展，相反它认为是“中和”这种第三种形态产生、孕育万物，正所谓：一生二、
二生三、三生无限。在这种“一分为三，三生无限”的哲学观指导下，中国美学一直紧守和沿用“中和”美学原则，无论是精神与物质的关系，人类与自然的关系，人伦规范准则的确立，以及艺术自身的虚与实、形式与内容，都始终按照这种“过犹不及”的中和原则予以塑造。由于受“中和”的哲学观的影响，中国美学的概念更多的是功能性的，而不是特质性的，这点有别于西方，西方一直在思索寻找各门艺术自身的特质，例如绘画、雕塑、音乐等各个艺术门类均有较明晰的分野和界限，而中国却从未寻找这种特质，各门艺术都是相关联的存在的，例如诗歌的韵律美的讲究，使中国诗歌与音乐一直相连；同时诗歌与绘画相连，中国古代的文人画，都是提倡画中有诗，诗中有画；并且诗歌直接与书法相联系，字画是联为一体的，中国国画线条艺术也与书法艺术直接相关；同样，诗也与舞蹈、戏剧、雕塑、建筑等都相关联，反之，这些艺术部类，也与自身以外的其它艺术部类紧密相连，它们是融为一体的。它们是功能性存在，而不是特质性的存在。 二、历史主义传统 中国古代文化具有强烈的历史主义意识和传统，同样中国古代美学也不例外。这种状况用中国人自身的话语来形容，也就是“厚古薄今”。这种历史主义的思维逻辑，带给中华文化以下特点：一是经验的理性。中国人文文化几乎都是经验性的积累，它们是案例式的，百科全书式的，它们没有发展成西方的所谓“规则、规律”式的科学的抽象演绎，没有发展成西方的条分缕析的理性分析，但它们却发展成“经验的理性”、
诗词的美学特质山水的美学特质研究哲学论文摘要： 我国的山水在长期的发展中具有中华民族的美学特征，它形神结合重神韵，物我交融 重情意，知悟兼顾重感悟。从其开始阶段到成熟阶段，经历魏晋南北朝时期、隋唐时期和 宋元等时期，随着它的发展，中国自然美意识也逐渐形成。描绘自然山水，传达生命自我 内在的精神意蕴，体现出时代的特征和美学思想蕴含着经久不衰的生命力。 关键词： 山水；自然审美意识；生命力；美学特质 中国古代的山水画历史悠久，在长期的发展中具有中国鲜明的民族特色，即要求神形 兼备，又强调意境之美。基本精神是追求形神结合更重神韵，物我交融更重情意，知悟兼 顾更重感悟。在自然美艺术的创作中，追求化工天成，清新淡远之美。 一、山水形象 山水形象作为描绘的对象开始于我国的古代，中国山水画简称“山水”。所谓“山水”指大自然中的事物，以山川河流森林自然景观作为主要描写对象。山水形象作为描绘的对 象开始于我国的古代，我国的山水画自隋、唐时期开始形成独立的画科，唐宋以后在中国 古代美术史上成为绘画的主流，它的地位、成就和影响是任何画种不可比拟的。由于山水 画家的门派不同，在历史上创作出各种风格和特色的作品。又由于画法不同，它们的具体 名称也不同。比如有青绿山水派、金碧山水派和浅降山水派等等。早期的山水形象，是作 为背景出现在画面上的，人物未从画中分离，作者的目的不是表现山水，而是表现人物。 到魏晋南北朝时，山水形象由背景变为主体；隋唐时期，开始独立并逐渐发展成为独立的 画种，山水形象是以描绘大自然山水景色为主体，并且有一系列传统表现技法。 二、自然审美意识的觉醒和逐渐写实的山水 1、逐渐写实的山水中国文人墨客喜欢山水、草木、花鸟的美，看到自然美，赞美歌 颂祖国家乡，也特别爱好大自然中蕴含的审美精神，抒发美好情感。在古代出现了很多的 著名的山水家，东晋的顾恺之在中国古代绘画史上，是具有划时代的意义的人。以他为代 表的人们为山水画的形成，做出了很大的贡献。他对待描绘对象的态度上，主张写生，即 真实的表现对象物体。他认为人最难、次山水、再次狗马。“手挥五弦易，目送飞鸿难。”就是说，作为视觉艺术的绘画表现形似比较容易，而要画出飞红鸿而目送神驰的会心，就 需极深的文化艺术功力。从顾恺之的山水来看，山石主要依靠线的变化，来表现不同的面，依靠层次的变化，来表现不同的山峦变化，利用俯视的角度，来表现纵横的山川，这些都 是山水的基本表现技法。人物和山体的空间关系还安排的很不协调，山川、野兽、森林、 花鸟结合的很完整，表现得比较真实。尽管这种表现还停滞在比较幼稚的阶段，但是作者 为真实表现对象所做出的努力和初步获得的成就，为以后的发展奠定了坚实的基础。